David Solomons

David Solomons es un fotógrafo inglés (nacido en 1965) muy conocido por su fotografía en las calles de Londres.

 

© David Solomons

© David Solomons

Biografía

David Solomons recuerda aún cuando su madre le regaló una cámara compacta de película 110 para su 14º cumpleaños. Era un modelo realmente básico con solo exposición automática y un flash incorporado. Le pareció que era genial, pero luego muchas de las fotos que hizo le salieron muy borrosas, quedando bastante decepcionado y dejó esta afición a los pocos meses, porque decidió que su dinero se empleaba mejor en comprar discos.

Unos años después consiguió un trabajo digno decidió conseguir una cámara adecuada, una Pentax Spotmatic F. Se emocionó con su nuevo juguete y sus fotos eran más nítidas, pero tampoco mucho mejores. Gracias a algunos compañeros empezó a hacer fotos mejores y después de un buen curso  de fotografía decidió vender todos sus discos y se compró una Nikon F801. Después se arrepintió de vender los discos y comenzó a comprar CDs, luego se pasó a la digital y vendió la mayor parte de sus CDs y todo su equipo Nikon.

Estudió fotografía documental en Newport entre 1993 y 1996. Durante este período él cambió de fotografiar sobre todo en blanco y negro al trabajo en color por el que es conocido principalmente. Su primer trabajo importante, Underground, que representa a personas que utilizan el metro de Londres, se completó durante sus estudios en Newport, pero se publicó después de quince años.

Ha publicado varios libros de fotos. Los dos primeros, Happenstance y Underground, fueron realizados principalmente durante la década de los 90. Up West fue realizado durante un período de doce años (2001-2013) en el West End de Londres.

Es miembro del colectivo de la fotografía de calle In-Public, al que se unió en 2008. Ha realizado varias exposiciones en el Reino Unido en solitario y numerosas en grupo. Tiene obra en el Museum of London.

Referencias

Libros

  • Underground, 2009.
  • Happenstance: Black and White Photographs: 1990–2007, 2009.
  • Up West, 2015.
  • M11 Link Road Protest, 2016.
Ha colaborado en:
  • 10–10 Years of In-Public, 2010.
  • London Street Photography 1860–2010, 2011.
  • The Street Photographer’s Manual, 2014.
  • 100 Great Street, 2017.

Liz Nielsen

Liz Nielsen es una fotógrafa estadounidense (nacida en Wisconsin en 1975, vive en Brooklyn) que realiza su obra sin cámara, en su cuarto oscuro en color.

 

Force Fields, 2017 © Liz Nielsen

Force Fields, 2017 © Liz Nielsen

Biografía

Liz Nielsen obtuvo un master de la Universidad de Illinois en Chicago en 2004, su BFA en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago en 2002 y su BA en Filosofía y Español de la Universidad de Seattle en 1997.

Sus fotografías (fotogramas) las crea en su cuarto oscuro de color analógico iluminando con fuentes de luz naturales sus negativos que son realmente collages cortados a mano y compuestos de geles de diferentes colores, sobre papel cromogénico creando abstracciones luminosas y brillantes. Como el papel que utiliza es un papel negativo en vez de positivo, los colores de los geles se invierten a menudo creando nuevas combinaciones sorprendentes donde el control de la composición se encuentra cara a cara con la magia de la química fotográfica. Cada fotografía es única, y tiene un tamaño entre 100×50″ y 8×8″.

Sus obras se han publicado en The New Yorker, New York Times, Wall Street Journal, Libération y ArtSlant. Ha expuesto su obra en Nueva York, Chicago, París, Londres, Budapest y Berlín. Podemos citar sus exposiciones en solitario en Schalter Gallery en Berlín, Benrimon Contemporary en Nueva York, Interlochen Center for the Arts en Interlochen, Michigan, y en Laurence Miller Gallery de Nueva York, entre otras.

Liz actualmente trabaja con Danziger Gallery en Nueva York, SOCO Gallery en Carolina del Norte y NextLevel Galerie en París, Francia.

 

Referencias

Jungjin Lee

Jungjin Lee es una artista y fotógrafa coreana (nacida en Taegu, Corea de Sur, en 1961, vive y trabaja en Nueva York)  para la que fotografiar el paisaje supone explorar su propia mente: los estados introspectivos de la artista, cuya mirada fotográfica es insistente y transformadora. Sus imágenes en blanco y negro representan mundos de quietud y asombro y sugieren que, a pesar de la aparente fluctuación, algunas verdades fundamentales permanecen inalteradas.

 

© Jungjin Lee

© Jungjin Lee

Biografía

Jungjin Lee estudió caligrafía en la infancia y se especializó en cerámica en la Universidad de Hongik, graduándose con un Bachillerato en Bellas Artes en 1984.

En 1987, se sumergió durante un año en un proyecto centrado en documentar la vida de un anciano que se ganaba la vida buscando ginseng salvaje. Esta experiencia motivó a Lee a convertirse en fotógrafa y a ampliar su conocimiento técnico viajando a Nueva York y matriculándose en la Universidad de Nueva York para obtener un master en fotografía, donde se dio cuenta de que los estudiantes occidentales estaban más interesados en las ideas, mientras que en Asia se daba más peso a la expresión de los sentimientos.

Mientras estaba en Nueva York, trabajó para el icónico fotógrafo Robert Frank, cuyos famosos viajes por Estados Unidos pudieron haber influido en la decisión de Lee de embarcarse también en un viaje por los Estados Unidos. En sus viajes se encontró con el desierto americano, un paisaje que le conmueve profundamente  y que se ha convertido en el tema de varias de sus series fotográficas, entre ellas Desert (1990-94),  American Desert I – IV (1990-1996), On Road (2000-01), Wind (2004-07) y Remains (2012 -).

Las fotografías de gran formato de Jungjin en papel de arroz coreano hecho a mano se confunden a menudo con dibujos al carboncillo a primera vista. En el cuarto oscuro, pinta la emulsión fotosensible sobre papel de arroz coreano hecho a mano y luego proyecta con la ampliadora la imagen del negativo sobre la superficie preparada. Los resultados son impresiones únicas en texturas, pues las huellas de pinceladas de la emulsión fotográfica dan una calidad pictórica, mientras que el papel de arroz da a la imagen una sensación más táctil y orgánica.

Desde su reciente serie Unnamed Road ha combinado sus tradicionales prácticas de laboratorio con tecnologías de impresión digital por primera vez. Usando el mismo proceso que para crear sus tradicionales impresiones escanea estas impresiones iniciales para imprimir digitalmente en papel de morera japonesa, agregando así más texturas y rangos tonales con esta fuente secundaria de papel.

Sus imágenes a menudo parecen ilusorias y melancólicas. La tierra, el cielo, las nubes y el mar se funden unos con otros, transformándose en estructuras abstractas con la lente de su cámara. Su fotografía está impregnada por una extraña y solitaria belleza que es sombría y apasionada al mismo tiempo.

Referencias

Libros

  • 2016. Everglades.
  • 2016. Echo.
  • 2014. Unnamed Road.
  • 2009. Wind.
  • 2006. Jungjin Lee.
  • 2005. Thing.
  • 2002. Desert.
  • 2001. On Road/Ocean.
  • 2000. Jungjin Lee: Beyond Photography.
  • 1997. Wasteland.
  • 1996. Dissolving Landscapes.
  • 1993. Jungjin Lee: The American Deserts.
  • 1988. Lonely Cabin in a Far Away Island.

José Luis Barcia

José Luis Barcia es un fotógrafo asturiano (nacido en Pola de Siero, vive en Madrid) interesado, principalmente, en la fotografía de calle. Entiende la fotografía como una forma de canalizar y expresar emociones y estados de ánimo a través de un cuidado uso de luces, sombras, y una gran habilidad para componer las escenas y dotar de emotividad a los sujetos de sus fotografías tomadas exclusivamente con móvil.

 

© José Luis Barcia

 

© José Luis Barcia

Biografía

José Luis Barcia Fernández sacó su primera foto a los 5 años con una Kodak de funda de piel que tenían sus padres. Su interés por el arte comenzó cuando tenía 13 años y vio por primera vez el Guernica de Picasso, su pintura favorita, que le impactó por su simbolismo y significado. Tiene un grado en Química y trabaja como coordinador de logística en una compañía internacional de distribución. Se interesó por primera vez en la fotografía en 2003 y luego comenzó a mezclarla digitalmente con pintura, componiendo sus primeros collages digitales. Entre 2004 y 2009 participó en 20 exposiciones nacionales e internacionales de arte digital y fotografía. En 2011 comenzó a hacer fotografía móvil con su Iphone 4 y esto se convirtió rápidamente en una de sus aficiones favoritas y comenzó a compartir sus fotos en Instagram.

La música es su principal inspiración. Escucha música mientras fotografía en la calle y mientras está editando. Le gusta el genero post-rock por el amplio espectro emocional que recorre y que Barcia trata de reproducir en sus fotos.

Le encanta jugar con la luz y las sombras y crear imágenes de alto contraste en blanco y negro. Le interesan los personajes en tránsito y los escenarios mínimos en los que sujeto, luz y oscuridad son los únicos protagonistas. De esta forma intenta recrear, a partir de escenas cotidianas, un halo de misterio a través del uso de subexposiciones, espacios negativos, siluetas y sombras.

Ha realizado exposiciones individuales en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid y en el Festival Internacional Latitudes de Huelva. Ha participado en más de 30 colectivas en Madrid, Paris (Louvre), Barcelona, San Diego, Toronto, Tokio, Nueva York, etc. Ha impartido charlas sobre fotografía en el congreso internacional MOWO, en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid, en el Centro de Arte de Alcobendas y en la Universidad Carlos III, entre otros.

Entre otros, ha obtenido los siguientes premios:

  • iPhone Photography Awards 2013. Categoría Arquitectura. Primer premio.
  • Mobile Photography Awards 2013. Categoría Arquitectura. Primer premio.
  • iPhone Photography Awards 2014. Segundo mejor fotógrafo del año.
  • Street Photography Photokup. Barcelona 2016. Primer premio.
  • Kokga Tbilisi Photo Awards (Georgia). Categoría Mobile One Shot. Primer premio.

También ha sido finalista en los Lens Culture Street Photography Awards en 2015 y en las ediciones 2016 y 2017 del StreetFoto Festival de San Francisco.

 

Referencias

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Shin Noguchi

Shin Noguchi es un galardonado fotógrafo callejero japonés (basado en Kamakura y Tokio) que describe su fotografía callejera como un intento de capturar momentos extraordinarios de emoción, belleza y humanismo, entre el fluir de la vida cotidiana. Tiene un enfoque discreto, poético y enigmático sensible a las sutilezas y complejidades de la cultura japonesa sin utilizar puestas en escena ni posados.

 

© Shin Noguchi

© Shin Noguchi

La fotografía callejera siempre proyecta la “verdad”. La verdad de la que hablo no es necesariamente lo que veo, sino lo que existe en la sociedad, en la calle, en la vida de la gente.  Siempre intento capturar esta realidad por encima de mis propios valores y mi punto de vista y perspectiva personal.

Biografía

Shin Noguchi es un diseñador gráfico y fotógrafo callejero freelance con sede en Kamakura y Tokio, en Japón. Es miembro del colectivo internacional de fotógrafos callejeros Street Photographers. Describe su fotografía callejera como un intento de capturar momentos extraordinarios de emoción, belleza y humanismo, extrayéndolos del flujo de la vida cotidiana. Tiene un enfoque discreto, poético y enigmático que es sensible a las sutilezas y complejidades de la cultura japonesa.

Shin Noguchi fue capturado por la fotografía tras leer el libro A l’est de Magnum 1945-1990 de Magnum Photos en su adolescencia y le hizo presente la fotografía de la calle por primera vez. Antes de ver ese libro, pensaba que el arte y el documental eran opuestos entre sí. Sin embargo, en este libro expresaban su opinión artística como fotógrafos de calle por la habilidad en la toma de elementos tales como la composición y el tiempo, así como la luz y la sombra.

Aunque tiene una absoluta adoración por la fotografía clásica en ByN de Henri Cartier-Bresson, cree que uno no se desarrolla como artista simplemente imitando a tus maestros. Como alguien que captura el presente, trata de usar los colores como elementos principales para expresar la calle como es: un momento intrigante visto allí, la belleza de la gente viva y de elementos como la luz y la sombra, las conexiones interesantes entre cada elemento, que se pueden generar mediante la adición de capas, …

Utiliza una Leica M9 para digital y una Yashica 35 GX para película. Ha obtenido numerosos premios, como el 1º premio en la Leica World Street Photography Competition de 2012 y en el Prix Talents MAP Toulouse Festival de 2014. Su obra ha aparecido en MAP Talent, Liberación, The Independent, Leica Camera y muchos otros medios.

Referencias

 

Libros

Charles Monney

Charles Monney fue un fotógrafo francés (fallecido en Madrid el 13 de Abril de 1875) que vivió en España más de 20 años recorriéndola con su oficio de fotógrafo de sur a norte y al que se atribuye el primer reportaje de guerra en la península.

 

Vista de la ría del Nervión en el primer día del bombardeo durante la segunda guerra carlista (Bilbao, 21 de febrero de 1874). Charles Monney

Vista de la ría del Nervión en el primer día del bombardeo durante la segunda guerra carlista (Bilbao, 21 de febrero de 1874). Charles Monney

 

Biografía

Charles Monney Millet (también conocido como Carlos Monney), fue un fotógrafo francés, español de adopción, que vivió en España más de 20 años. Fue uno de esos fotógrafos que decidió dejar de la seguridad del estudio para salir a la calle, como fotógrafo ambulante. Recorrió España desde Córdoba hasta Santander, pasando por Granada, Sevilla, Murcia, Bilbao, hasta morir en Madrid. A él le debemos el primer reportaje gráfico español de un conflicto acaecido en nuestro país: el bombardeo de Bilbao por parte de las tropas carlistas el 21 de febrero de 1874.

En su recorrido por las ciudades de España, se asoció con otros fotógrafos, como Eduardo Jolivot en Córdoba y  Carlos Mauzaise en Granada. En Bilbao montó un estudio y coincidió con la II Guerra Carlista y el sitio de 4 meses de los carlistas del Bilbao liberal, realizando un conocido álbum sobre este acontecimiento en 1874, con unas 50 fotografías en papel albuminado de 27 × 18 cm y pies de foto manuscritos, encuadernadas en un álbum en gran folio, apaisado y presentado en una caja. Este álbum es uno de lo primeros ejemplos del uso de la fotografía en la documentación bélica que se hicieron en España. A día de hoy se conservan dos ejemplares, uno de ellos dedicado al rey Alfonso XII.

Estéticamente muy cuidadas y trabajadas, las imágenes que contiene quizás sean las de mayor calidad que se conservan de este conflicto, y en ellas se recogen las diferentes baterías que conformaban el cinturón de seguridad de Bilbao durante la guerra. También se retrata a voluntarios auxiliares y los interiores de los fuertes del Morro y Miravilla, los últimos preparativos de los defensores del fuerte de San Agustín, los batallones populares formados en las calles, la protección de sus edificios más emblemáticos mediante la colocación de sacos terreros o pieles de vacuno, el retrato del General Castillo, jefe de la defensa de Bilbao y una magnifica panorámica del momento exacto en que caen los proyectiles sobre la capital vasca el primer día de su bombardeo. Monney junto con Carrouche y Doistua fueron los grandes retratistas del Ejercito liberal.

Referencias

Libros

Benedicte Guillon

Benedicte Guillon es una fotógrafa francesa (nacida en Corea del Sur, vive en París) que realiza fotografía de calle, maestra en el uso de la luz natural para pintar escenas únicas, ya sea viajando por el mundo o en su ciudad, París.

 

© Benedicte Guillon

© Benedicte Guillon

Biografía

Benedicte Guillon nació en Corea del Sur pero se crio en el oeste de Francia. Se trasladó a París, en 2009, y poco después compró su primer iPhone. Sin apenas experiencia previa de fotografía, el móvil le permitía una gran libertad para captar escenas cotidianas y le parecía espontáneo y natural. Visitando la Apple Store, encontró Polarize, ShakeIt, ToyCamera y finalmente Hipstamatic. Entonces empezó a hacer fotos en su camino al trabajo: un montón de retratos de metro que empezó a publicar en Flickr donde encontró una gran comunidad de muy buenos fotógrafos con el iPhone. Siguió retratando a personas en la calle, personas como ella en sus trayectorias cotidianas, y empezó a sentir las posibilidades de expresarse de una manera emocional.

Aquello fue el origen del MPG (Mobile Photo Group), un colectivo internacional de fotógrafos que utilizan el móvil como herramienta de trabajo. Este colectivo, del que Benedicte fue miembro fundador, acuñó el término iPhoneography (de iPhone y photography) para describir su forma de entender la fotografía.

Utiliza un iPhone como parte de su proceso fotográfico cuando viaja porque le permite sentir sus primeras impresiones cuando llega a un nuevo lugar. El hecho de ser una cámara tan compacta le me hace sentir más cómoda utilizándola los primeros días. Así es capaz de empezar a explorar el área de una manera que le ayuda a aprender sobre la gente y la forma en que viven.

Pero más allá de la cámara que utiliza, Benedicte demuestra en sus imágenes un gran talento para captar escenas callejeras con una fuerte carga poética. Su escenario preferido es su ciudad de residencia, París, pero sus frecuentes viajes le han llevado a muchos otros logares que también ha retratado: Marruecos, China, Turquía o su Corea natal.

Referencias

 

Libros

Chris Burkard

Chris Burkard es un consumado explorador, fotógrafo, director creativo, conferenciante y autor estadounidense (nacido el 12 de marzo de 1986 en San Luis Obispo, California, vive en Pismo Beach, también en California) que captura historias que inspiren a considerar la relación de las personas con la naturaleza, al mismo tiempo que promueven la preservación de lugares salvajes en todo el mundo.

 

© Chris Burkard

© Chris Burkard

Biografía

Chris Burkard se matriculó en el Cuesta Junior College tras terminar la escuela secundaria, acercándose a la fotografía como una forma de arte y la idea de la composición capturó rápidamente su atención. Al vivir en la costa y practicar en deportes acuáticos como body surf, bodyboard y surf, Burkard buscó utilizar la fotografía como un modo de expresión para destacar el movimiento del agua y documentar a sus amigos.

En los primeros años de su carrera, trabajó como fotógrafo independiente en proyectos editoriales y comerciales, acumulando una lista de clientes que incluye American Airlines, Nikon, Volkswagen, Apple Inc, Fuel TV, Burton, Volcom, RVCA, Poler, … También consiguió tener su trabajo publicado en más de 35 portadas nacionales e internacionales de revistas incluyendo Surfer Magazine, The New Yorker, National Geographic Adventure y SPN.com.

Entre  2008 y 2010 fue fotógrafo senior en plantilla en Surfline y también en Water Magazine. A partir de 2009 fue contratado por Patagonia, Inc. como fotógrafo de proyectos. En 2010, Surfer Magazine le ofreció un puesto de fotógrafo en plantilla, que mantiene en la actualidad.

Burkard viaja durante todo el año por las más lejanas extensiones de la Tierra, enfocado en los temas de la vida al aire libre, viajes, aventura, surf y estilo de vida. Es reconocido por sus imágenes de paisajes salvajes y potentes. A través de las redes sociales, se esfuerza por compartir su visión de lugares salvajes con millones de personas, e inspirarlos a explorar por sí mismos.

Además de cazar olas perfectas en algunas de las condiciones más duras del mundo, Burkard ha fotografiado, tanto personal como comercialmente, en seis de los siete continentes. Sus viajes han incluido más de 21 viajes a Islandia, así como viajes a Noruega, Islas Feroe, India, Cuba, Nueva Zelanda, Rusia, Suiza e Italia.

Su perspectiva visionaria le ha valido la oportunidad de trabajar en campañas globales y destacadas con clientes de Fortune 500, hablar en conferencias TED, diseñar líneas de productos y publicar una creciente colección de libros y videos.

Junto con su equipo, Burkard dirige su estudio de producción y una galería de arte en la Costa Central de California, y está considerado como un fotógrafo muy influyente a escala mundial, sobre todo en viajes de aventura.

Referencias

 

Libros

  • The California Surf Project, 2010
  • Come Hell or High Water: Plight of the Torpedo People, 2013
  • Russia: The Outpost Vol. 1, 2013
  • Distant Shores, 2014
  • Alberta, 2014
  • The Boy Who Spoke To The Earth, 2015
  • High Tide, 2015.

 

Videos

  • Russia: The Outpost Vol. 1 (2013)
  • Faroes: The Outpost Vol. 2 (2015)
  • The Cradle of Storms (2014).

Maria Plotnikova

Maria Plotnikova es una fotógrafa rusa (nacida en 1984 en Moscú) especialista en fotografía deportiva, que realiza también fotografía de calle.

 

© Maria Plotnikova

© Maria Plotnikova

Biografía

Maria Plotnikova estudió filología en la Universidad Pedagógica Estatal de Moscú, y comenzó a trabajar como fotógrafa durante los estudios, encontrando poco a poco su género favorito, la fotografía deportiva. De 2006 a 2010 trabajó exclusivamente como fotógrafo deportivo en diversos medios de comunicación de Moscú, obteniendo numerosos premios en concursos rusos de fotoperiodismo. En 2007 se graduó en el curso anual de fotoperiodismo en la Universidad Estatal de Moscú.

En 2010 se trasladó a Buenos Aires, y luego a Sao Paulo, en Brasil. Mientras estaba en Buenos Aires, desarrolló un ensayo con el que registró su propia preparación para una carrera de formato olímpico en la que soñaba participar: la Maratón Internacional de Buenos Aires. Surgió de ese modo Maratón, su primer trabajo sobre un aspecto poco transitado habitualmente, el de la intimidad de la preparación previa a una prueba. Día tras día, semana tras semana, registró con mirada directa sus intensas jornadas de entrenamiento, un gran sacrificio hecho de rutina, cansancio, sobreexigencia y lesiones, que culminan con unas imágenes plenas de calma alegría y satisfacción al finalizar la competición.

En América Latina, se convirtió en fotógrafo freelance y se interesó por el género de la fotografía callejera. Desde 2012 es miembro del colectivo internacional de Street Photographers. Entre sus premios podemos citar el 1º premio en series en el Festival de la Luz en Buenos Aires en 2012 con Marathon, y en 2013 en el Festival de Fotografía de calle de Moscú.

Actualmente coopera con algunos medios rusos, trabajando como fotógrafo deportivo en eventos deportivos tan importantes como los Juegos Olímpicos de Invierno en Sochi y Los juegos Olímpicos de Río de 2014 en Brasil.

Referencias

 

Libros

Su fotografía ha aparecido en estos libros:

  • 100 Great Street Photographs, 2017.
  • The Street Photographer’s Manual, 2014.

Ormond Gigli

Ormond Gigli es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1925 en Nueva York) reconocido por su fotografía de moda y  retratos de celebridades de los años 50 y 60.

 

Girls in the Windows, 1960 © Ormond Gigli

Girls in the Windows, 1960 © Ormond Gigli

 

 

Biografía

Ormond Gigli nació en Nueva York en 1925 en el seno de una familia de clase trabajadora. Tuvo su primera cámara cuando era un adolescente, regalo de su padre que pidió prestado el dinero para comprarla. En la escuela secundaria, trabajó como asistente a varios fotógrafos, entre ellos, para Wilhela Cushman, una editora de moda del Ladies ‘Home Journal, de quien aprendió sobre el mundo de la fotografía de moda.

Durante la Segunda Guerra Mundial estuvo de fotógrafo e instructor aéreo en la Marina de los Estados Unidos y luego volvió a la vida civil para ir a la School of Modern Photography en Nueva York. A pesar de tener la posibilidad de trabajar  para el Ladies ‘Home Journal se fue a París, donde vivió la vida del clásico artista muerto de hambre.

Viajó a España y Portugal, regresando a París con fotografías para la revista Life, que se las publicó y comenzó una carrera de éxito a principios de la década de los 50 por sus fotografías de teatro, danza, celebridades, personas y lugares exóticos. Su trabajo apareció asiduamente en las portadas y páginas editoriales de Life, Time, Paris Match, Colliers, Esquire y The Saturday Evening Post entre otras publicaciones internacionales.

Sus retratos, muy innovadores, incluyen a Sofía Loren (con 21 años), Anita Ekberg, Marcel Duchamp, John F. Kennedy, Halston, Gina Lollobrigida, Diana Vreeland, Giancarlo Giannini, Marlene Dietrich, Judy Garland, Sir Laurence Olivier, Alan Bates, Richard Burton, Willem de Kooning, Liza Minnelli, Louis Armstrong, Miles Davis y muchas más celebridades de su época.

Algunas de sus fotografías más gratificantes no han sido realizadas por encargo. A finales de los años 50, inició una ola de fotografías de proporciones épicas, incluyendo una de sus más famosas “auto-asignaciones”, las ampliamente publicadas Girls in the Windows. Esta fotografía muestra a 43 mujeres de pie en las ventanas de tres edificios condenados a desaparecer en la calle de su estudio

Gigli trabajaba más como un director de cine que como un reportero gráfico. Su habilidad para ganarse la confianza de sus modelos para realizar complicadas, incómodas e incluso peligrosas configuraciones, era tan importante para las fotos como su habilidad técnica con la cámara.

Fue recibido entre bastidores en Broadway con la misma facilidad que en la vida privada de las celebridades. Durante los años 70 y 80, Gigli volvió a la fotografía publicitaria mientras continuaba su trabajo editorial. Sus trabajos le llevaron a viajar repetidas veces por todo el mundo. Hoy en día, sus fotografías se exponen en importantes galerías de todo el mundo, como podemos ver en las referencias que siguen.

 

Referencias

 

Libros

  • Ormond Gigli. Girls in the Windows and Other Stories.

José F. Aguayo

José F. Aguayo fue un torero y fotógrafo español (nacido en Madrid en 1911, fallecido en 1999 también en Madrid) que realizó labores de fotografía fija y de director de fotografía en una gran cantidad de películas españolas desde los años 40 a los 60.

 

José F. Aguayo

José F. Aguayo

Biografía

José Fernández Aguayo fue hijo del fotógrafo taurino Baldomero Fernández Raigón y entró en contacto con la fotografía a los nueve años como ayudante de su padre en el laboratorio. Durante su adolescencia fue torero profesional, carrera que comenzó con 13 años y abandonó en 1933, después de sufrir tres graves cogidas y también por su escasa estatura. A partir de este momento, que coincidió con la llegada del cine sonoro a España, comenzó a trabajar como reportero gráfico especializado en corridas de toros.

En 1935 realizó un reportaje sobre el rodaje del Currito de la Cruz de Fernando Delgado, trabajo que lo llevó a ser contratado para foto-fija por el operador alemán Enrique Guerner, del que luego sería discípulo y uno de sus más destacados discípulos. Durante la Guerra Civil española participó en los noticieros republicanos, lo que le originó algunas dificultades en la posguerra para incorporarse al trabajo, pero las depuraciones en el terreno cinematográfico fueron mínimas, consiguiendo dedicarse a la dirección de fotografía en cine y a la docencia en la Escuela Oficial de Cinematografía (entre 1958-76).

A lo largo de casi 50 años de trabajo, participó en más de 100 películas españolas como director de fotografía. Debutó en 1945 con Castañuela, del director Ramón Torrado, y colaboró con Juan de Orduña en algunos de los grandes éxitos del cine de posguerra, como La Lola se va a los puertos (1947), Locura de amor (1948) y El último cuplé (1957). También participó en otros títulos destacados como Maribel y la extraña familia (1960), de José María Forqué; Mi calle (1960), la última película del director Edgar Neville, y El extraño viaje (1964), de Fernando Fernán-Gómez. Trabajó junto a Luis Buñuel en Viridiana (1961) y Tristana (1970), dos de las grandes obras maestras del director.

En 1987 recibió el Goya de las Artes y Ciencias Cinematográficas, y en 1996 la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes. Tres años antes de morir, la película José F. Aguayo: imágenes del cine español y la exposición en el Centro Cultural Conde Duque de Madrid le rindió un último homenaje.

Referencias

Libros

Caspar Claasen

Caspar Claasen es un fotógrafo holandés (vive en Ámsterdam) que realiza fotografía de calle, documentando los diferentes aspectos de la soledad, explorando la capacidad de la cámara para aislar y expresar momentos privados de aislamiento experimentados por sujetos tanto jóvenes como viejos, humanos y no humanos.

 

© Caspar Claasen

© Caspar Claasen

Biografía

Caspar Claasen está fascinado por las interacciones extraordinarias entre las personas, a menudo en soledad, y su entorno cotidiano y por cómo un momento aparentemente cotidiano puede convertirse en un cuento corto cuando es fotografiado. Puede parecer que ese momento capturado, tan surrealista, significativo, estético o humorístico está preparado, pero no es así. Cuando consigue esto es un momento emocionante.

Durante los últimos años, Claasen ha estado documentando los diferentes aspectos de la soledad, explorando la capacidad de la cámara para aislar y expresar momentos privados de desprendimiento experimentados por sujetos tanto jóvenes como viejos, humanos y no humanos. Esta búsqueda le ha llevado a realizar una serie, Even firemen, más conceptual con su hija como modelo, también sobre el tema de la soledad.

Su trabajo ha sido publicado en diversas revistas como Harper’s Magazine, GUP Magazine, Trouw, NRC-next, iGNANT,  Booooooom, De Correspondent, The Street Photographer’s Manual, Feature Shoot, New Dawn Paper, ERECT Magazine,  La Repubblica,

Referencias