Rafa Badía

Rafa Badía es un editor gráfico, educador y fotógrafo español (nacido en Santa Cruz de Tenerife, Canarias, en 1964, vive en Barcelona) que se define a sí mismo como un profesor al que le gusta tomar fotos y escribir poemas. Hace cuarenta años comenzó a crear imágenes con su padre en salidas callejeras que, con el paso de los años, se han convertido en un ritual cotidiano equivalente a la escritura, la lectura o a escuchar música.

 

© Rafa Badía© Rafa Badía

La fotografía es una de mis herramientas para intentar comprender y relacionarme con el mundo que me rodea. Me entiendo a mí mismo como una persona que ha encontrado en la ciudad su espacio de trabajo visual, el escenario perfecto para reinterpretar cómo interactúan las personas en un entorno en transformación permanente. La fotografía es, además de un placer estético, un ejercicio de empatía e integración con mis semejantes.

Biografía

Rafa Badía se inició muy temprano en la fotografía, con 13 años, cuando su padre, abogado aficionado a la fotografía, le regaló su primera réflex, una Pentax Spomatic de su colección y le enseñó los principios básicos (técnica y composición) de la toma de imágenes. Entre 1976 y 1994 residió en Madrid, donde estudió Ciencias de la Información, especialidad Imagen en la Universidad Complutense, licenciándose en 1987.

Desde 1994 vive en Barcelona, compaginando sus labores de fotógrafo, docente y editor gráfico:

  • Como editor gráfico tiene 25 años de experiencia en revistas y libros de fotografía, entre ellos Viajes National Geographic de RBA.
  • Como docente es profesor y conferenciante activo desde 2002. Es profesor titular desde 2012 en GrisArt – Escola Superior de Fotografia, donde imparte cursos de fotorreportaje, fotografía de viajes y lectura de imágenes. Anteriormente colaboró con Centro de Fotografía Documental (antes Ruido Formación), Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya, Centre Imatge i Tecnologia Multimèdia de la Universitat Politècnica de Catalunya Universitat Autònoma de Barcelona.
  • Como fotógrafo lleva más de 30 años realizando fotografía de calle, donde la luz, el color y la composición son sus herramientas de creación. A pesar de este tiempo, adora la aproximación amateur a este lenguaje visual, tal como defendía André Kertész: un acto de amor donde debe primar la curiosidad por el mundo que nos rodea.
  • Fue miembro fundador e impulsor del colectivo de fotografía urbana Calle35.

Ha publicado dos libros que combinan fotografía y poesía:

  • A Barcelona, un ensayo fotográfico desarrollado entre 1995 y 2009, con poemas en catalán y 80 fotografías en color (diapositivas), fruto de centenares de horas callejeando por la ciudad, descubriendo sus rincones y observando situaciones cotidianas.
  • Barcelona blues, que incluye 80 imágenes verticales y una veintena de poemas en castellano. Realizado con cámara de carrete, tiene un marcado acento melancólico.

Referencias

Libros

  • A Barcelona, 2009.
  • Barcelona Blues, 2015.

Lorenzo Armendáriz

Lorenzo Armendáriz es un fotógrafo mexicano (nacido en San Luis Potosí en 1961) que ha centrado su trabajo en la documentación étnica de los pueblos mexicanos, y en el peregrinar humano, tanto exterior como interior.

 

© Lorenzo Armendáriz

© Lorenzo Armendáriz

A los gitanos y a los peregrinos los excita moverse de un sitio a otro, son proyectos que emocionan, en los que se convive, hay encuentros o desencuentros.

… yo hago foto de viaje porque existo para viajar y viajo para existir y me di cuenta que escogía puro tema que implicara desplazamientos …

Biografía

Lorenzo Armendáriz vivió la mayor parte de su infancia y juventud en el norte de México. Cursó la licenciatura de Turismo en Monterrey, Nuevo León, donde la materia de Medios audiovisuales le inició en la fotografía.

Viajó a San Cristóbal de las Casas, Chiapas, para realizar su tesis de turismo, y como parte de ésta un registro fotográfico del corredor Maya. Ahí conoció al representante del Instituto Nacional Indigenista (INI), quien le ofreció trabajo como fotógrafo, aunque Lorenzo no se sentía así. Buscando describir lo que veía y sentía, estuvo 3 años en Chiapas y ahí decidió ser fotógrafo y no dedicarse al turismo.

Los próximos 9 años estudió fotografía de forma autodidacta, teniendo como referencia fotografías clásicas de Graciela Iturbide, Pablo Ortiz Monasterio, Nacho López y muchos más, quienes habían trabajado también para el INI. Uno de sus últimos proyectos en el INI fue en 1993, Centinelas del tiempo, donde nos daba a conocer a algunos ancianos de grupos indígenas  Huichol, Cochimí, Pai-pai, Purépecha y Tzeltal, de Jalisco, Baja California, Michoacán y Chiapas, e invitaba a no olvidar a los ancianos portadores del conocimiento y las tradiciones que dan identidad a los pueblos. En él, empezó a dar señales de no ser un mero fotógrafo registral.

En 1994, tras más de 50 proyectos etnográficos en el INI, decidió realizar sus propios proyectos personales. El primero, sobre gitanos nómadas, gracias a la beca de Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. (Fonca). Lorenzo tuvo un abuelo húngaro, y el proyecto arrancó en Europa con algunos contactos y siguió en México en 1995, donde se fue a vivir a campamentos de gitanos, creando un trabajo que ganó la Bienal. Solicitó otra beca, para dar continuidad al proyecto y realizar un catálogo trilingüe que englobara a los gitanos de Latinoamérica bajo el nombre El pueblo de Dios.

También ha trabajado las peregrinaciones, donde empezó a plantearse la manera de abordar el tema, sin que necesariamente se tratara de una investigación ortodoxa, sino de una interpretación personal de cada una de ellas. De estas series surgió la colección de libros de bolsillo Senderos de la fe que incluye cinco tomos en su primera edición, y en el que cada uno da cuenta de una peregrinación: La Cuesta del arrepentido, Las columnas del Santo Niño, La cabalgata de Castaños, La virgen del paredón y La milicia de San Miguel. La idea de estos libros fue imitar los devocionarios católicos, con su tamaño, pasta dura, color negro y una cruz en la portada.

Para alcanzar su visión, Lorenzo empleó una gran diversidad de medios, como cámaras de 35mm, estenopeicas adaptadas y cámaras de juguete como Holga o Lomo, cámaras de bajo coste y desechables, con la idea de aprovechar sus efectos y defectos en el campo documental, para lo que eran sus discursos visuales.

Su trabajo ha sido galardonado por diferentes premios, aunque se debe destacar el de El Habanero en la Bienal de Fotografía Contemporánea y el Premio Documental de la China Folklore Photographic Documentary Association de Pekín.

Sus obras se encuentran en las colecciones de la Biblioteca Nacional de París, la Fototeca de Cuba, Centro de la Imagen, la asociación Romano Them (Laciano, Italia), el Instituto Nacional Indígena, la Cámara de Etnografía del Museo Nacional de Antropología de México, Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo, …

Referencias

Libros

Jens Olof Lasthein

Jens Olof Lasthein es un fotógrafo sueco (nacido en 1964, vive en Estocolmo) cuyo trabajo cubre principalmente escenas del antes y después de la guerra en la antigua Yugoslavia y de las zonas de Europa que bordeaban el antiguo telón de acero.

 

© Jens Olof Lasthein

© Jens Olof Lasthein

Biografía

Jens Olof Lasthein nació en Suecia, pero se crio en Dinamarca. Trabajó en el mantenimiento de botes en un astillero después de la escuela secundaria y luego como conductor de autobús. Su nacimiento 3 años después de la construcción del Muro de Berlín, hizo que su infancia estuviera marcada por la división de Europa, entre el Este y el Oeste. Viajó por Europa del Este por primera vez en verano de 1984, con 20 años. Hacía tiempo que quería ver cómo era la vida al otro lado del telón de acero, una parte de Europa sobre la que fantaseaba, dudando de la imagen mediática de un mundo uniformemente gris y sin consuelo: pasó una semana en Moscú en 1982, seguido de dos meses de autostop por Rumania, Hungría, Checoslovaquia y Polonia.

Entre 1989 y 1992, estudió en la Nordens Fotoskola de Estocolmo y desde entonces ha trabajado como fotógrafo freelance. Principalmente escribe y fotografía para revistas y periódicos, al mismo tiempo que dirige sus propios proyectos de exposiciones y publicación de libros.

Es uno de los pocos fotógrafos que utilizan la imagen panorámica en color en el reportaje y es casi el único que aprovecha este difícil formato para dar una nueva perspectiva, profundidad, múltiples situaciones, … a sus imágenes complejas para que se deban descifrar lentamente. Se familiarizó con esta técnica en 1991 cuando siguió el trabajo de los directores de cine Sergio Leone y Akira Kurosawa. Decidió aplicar a la fotografía fija el ángulo extremadamente ancho de 140º lo que le permite ampliar la complejidad de la imagen, permitiéndole incluir más de una historia.

Ha realizado cerca de 50 exposiciones personales en galerías, museos y festivales de Europa y Asia. También ha participado en numerosas exposiciones en grupo. Ganó el premio Leica Oskar Barnack en 2010.

Ha publicado varios libros:

  • Moments in Between es una visión general de la ex Yugoslavia que nos habla de la vida cotidiana en las líneas de frente durante y después de la guerra,
  • White Sea Black Sea documenta un viaje a lo largo de la frontera oriental de la Unión Europea desde Arkhangelsk, en el norte, hasta Odessa, en el sur. Las primeras fotografías que formaron parte del proyecto fueron tomadas en San Petersburgo en 1993, mientras hacía un reportaje fotográfico sobre la mafia rusa,
  • Home Among Black Hills con fotos de Charleroi en Bélgica, una ciudad que creció como uno de los centros europeos más grandes del carbón y del acero, al mismo tiempo que fue poblado por trabajadores emigrantes de muchos países. Hoy en día los montones de escoria y las acerías cerradas recuerdan el apogeo de la ciudad.
  • Meanwhile Across the Mountain, con fotos del Cáucaso, incluye la serie sobre Abjasia con la que ganó el Premio Leica Oskar Barnack en 2010.

Referencias

Libros

  • Het sommar, 1996.
  • Moments in between: pictures from former Yugoslavia / bilder från forna Jugoslavien, 2000.
  • White Sea, Black Sea: bilder från gränslandet mellan Europas öst och väst, 2008.
  • White Sea, Black Sea: A visual journey along the eastern border of the European Union, 2008.
  • Home among black hills, 2014.
  • Meanwhile Across the Mountain, 2017.

Karen Dias

Karen Dias es una fotógrafa india (nacida en 1987 en Bombay, donde vive actualmente) con especial interés en temas relacionados con las comunidades indígenas, las mujeres y el medio ambiente.

 

© Karen Dias

© Karen Dias

Biografía

Karen Dias quería ser una escritora de adolescente, pero luego descubrió la fotografía y sintió que era una manera mejor y más hermosa de contar historias. Estudió Mass Media en el Colegio St. Xavier de Bombay especializándose en Periodismo, y se inclinó más hacia la realidad de la vida que a la ficción de la misma. Afectada por las diversas injusticias sociales que se viven en la India, avanzó hacia la fotografía documental.

Comenzó su carrera fotográfica en Bombay. Durante sus años de universidad, trabajó a media jornada con la revista local Times Journal of Photography escribiendo reportajes relacionados con la fotografía y entrevistando a fotógrafos indios.

En 2007, gracias a su portafolio de fotos hechas en las calles de Bombay, fue contratada para trabajar como fotógrafa en plantilla por Gulf News trasladándose a Dubai, Emiratos Árabes Unidos. En 2009, Karen fue seleccionada para participar en el Taller de Fotografía de Angkor, realizado en Camboya bajo la dirección de Philip Blenkinsop. Ese mismo año expuso su trabajo como parte de una exposición colectiva titulada Arte para Gaza, que ayudó a recaudar fondos para atender a niños afectados por la guerra con prótesis. En 2011, inició un proyecto para apoyar a un grupo de trabajadores bangladesíes en Sharjah, Emiratos Árabes Unidos, que fueron abandonados por sus empleadores y se quedaron sin dinero y sin sus pasaportes.

A finales de 2011, dejó los Emiratos Árabes Unidos y comenzó un viaje de catorce meses viajando a través de diez países alrededor de Asia comenzando en Turquía y continuando a India, Nepal, Hong Kong, China, Laos, Vietnam, Camboya, Tailandia y Myanmar.

Karen se ha reasentado en su ciudad natal y continúa trabajando como fotógrafa independiente mientras persigue sus proyectos personales en Bombay y Goa. Sus principales áreas de interés radican en documentar las cuestiones de derechos humanos que afectan a las mujeres y al medio ambiente. Como ejemplo, su serie Ladies Only para Al Jazeera, es una historia que se centra en los compartimentos para mujeres de los trenes de Bombay, con centenares de viajeras que duermen, comen, cortan vegetables, rezan, cantan, estudian y compran artículos a los vendedores del tren.

En 2016, obtuvo una beca del IWMF para producir un reportaje fotográfico sobre las deportistas en Haryana, en el norte de la India.

Ha publicado y realizado encargos para The Washington Post, Al Jazeera, The Guardian, Harpers Bazaar Arabia, National Geographic Traveller India, AJ+, The Caravan, Glamour USA, Courrier Japon, Outlook Traveller, The Sunday Guardian, Roli Books, Eat Stay Love Magazine, JetWings, The Sound, Narotam Sekhsaria Foundation, Broken Toilets Magazine, Motherland, BBC, etc.

Referencias

Michael Northrup

Michael Northrup es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1948 en Maryland) no muy convencional, con un estilo alejado de lo que Hollywood y los medios definen como estético. La fantasía de sus raras imágenes nos recuerda que la belleza y la sensualidad está en cada rincón del universo; sólo se requieren los ojos necesarios para darse cuenta de ello.

 

(c) Michael Northrup

(c) Michael Northrup

Me inspiro en lo que veo a la gente haciendo con la fotografía. Me inspiro en la forma en que la fotografía ha centrado en mi vida cotidiana en lugar de caminar por la vida como un zombi.

Biografía

Michael E. Northrup obtuvo un master del Art Institute of Chicago y posteriormente las becas Polaroid Grant and Maryland Arts Council Grant. Enseñó fotografía de 1973 a 1990 en la University of Virginia, Northwestern University y el Shepherd College, realizando también talleres de fotografía.

Es propietario de Strobophoto Studio, un estudio de fotografía artística y comercial desde 1991. Entre sus clientes podemos citar National Geographic, Wired Magazine, Washington Post Magazine, Baltimore Magazine, Capitol Records,  Warner Bros. Records, AT&T, Nickelodeon, New York Times, Nikon, Fuji, Ford Motor, Microsoft, Adobe,   Motorola, …

Sus obras han sido expuestas en solitario y en grupo en Estados Unidos y tiene fotografías en colecciones como Nikon, Scientific American, Polaroid, Instituto de Artes de Chicago y el Museo de Arte de Virginia.

Le gusta la ironía. Toda su familia ha sabido extraer el humor de la tragedia y le ha dado una manera de ver especial. Para él la creación de imágenes trata sobre todo de su vida cotidiana. Su obra más reconocida se ha publicado en dos libros:

  • Beautiful Ecstasy es una colección de instantáneas de retratos y bodegones realizadas en los años 70 y 80. Jóvenes familias (la de Northrup y las de sus amigos) son capturadas de fiesta y actuando para la cámara, mostrando una comunidad alegre y salvaje de una pequeña ciudad de América. Se publicó en 2004.
  • Babe, secuela de la anterior publicada en 2012, presenta una selección adicional de fotografías inéditas de los años 70 y 80, todas impregnadas con la característica alegría de vivir del autor. Los detalles de época en los muebles y la ropa resucitan vívidamente las texturas de estos momentos pasados. También vemos jóvenes parejas que traen a sus niños a unos mundos caóticos, cargando estas escenas con una poderosa atmósfera de fragilidad y asombro.

Referencias

Libros

Victor Mendiola

Victor Mendiola es un fotógrafo mexicano (nacido el 11 de febrero de 1969 en Ciudad de México, donde vive) que se dedica a la fotografía publicitaria pero que es un apasionado de la fotografía de grupos humanos y sus expresiones. Le interesa  enseñarnos a convivir de mejor manera al mostrar una imagen que nos lleve a conocernos mejor como sociedad y como individuos.

 

© Victor Mendiola

© Victor Mendiola

Biografía

Victor Mendiola estudió en la Escuela Activa de Fotografía. Desde 1989 ha trabajado para distintos medios como la Agencia Cuartoscuro, la revista Macrópolis y el periódico La Jornada. Fue editor de fotografía en la revista El Laberinto Urbano y coeditor en Milenio Diario.

Víctor es un apasionado fotógrafo documental que comenzó su carrera en el medio del fotoperiodismo y el movimiento universitario con las huelgas de los años 1986 y 1987 cuando era un estudiante en el Colegio de Ciencias y Humanidades, donde experimentó una primera necesidad clara por documentar los hechos para tener una referencia visual. Documentó también el movimiento zapatista y esto cambió su forma de ver las cosas. Desde entonces comprendió la evidente importancia de difundir las movilizaciones sociales para lograr trascendencia y expansión.

Fue miembro del programa jóvenes creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) y con las becas que consiguió realizó dos proyectos: Los bajos golpes, un ensayo fotográfico sobre el ambiente del boxeo en México, y el ensayo De paso, que fue una documentación de la vida cotidiana en diferentes ciudades de México.

Para él es fundamental conservar los espacios de convivencia para todo tipo de habitantes, transgrediendo y no obedeciendo el orden impuesto por la derecha mal-gobernante de su país. En su serie fotográfica El que no brinque es puto expresa la búsqueda de identidad, solidaridad, transgresión, protesta, diversión y convivencia de la juventud mexicana.

Ha sido galardonado dos veces con el premio de Vida Cotidiana en la 1ª y 2ª Bienal de Fotoperiodismo (1995 y 1997). Desde 2000 es fotógrafo freelance, socio fundador de Via 69 y colabora en distintos proyectos publicitarios, editoriales, periodísticos, documentales y de fotografía fija para cine.

Referencias

Libros

William Yu

William Yu es un fotógrafo estadounidense (vive en San Francisco, California) que realiza fotografía de viajes y tiene un gran prestigio como organizador de talleres sobre fotografía de viajes.

 

© William Yu© William Yu

Biografía

William Yu es un instructor de fotografía y fotógrafo, propietario de la empresa de talleres fotográficos William Yu Photo Workshops, en la que, varias veces al año, dirige un pequeño grupo de fotógrafos para recorrer algunos de los lugares más singulares y bellos del mundo, capturando tanto culturas, gentes, festividades y paisajes en los lugares más bellos del mundo.

Es también miembro e instructor en Bryan Peterson School of Photography.

Sus fotografías se han publicado en revistas de fotografía en EEUU, China y Europa. Entre sus clientes de fotografía de viajes podemos citar a Amazon.com, Ubisoft, Accenture, Google, Ogilvy One Worldwide, Microsoft, American Airlines, Earnest & Young, MTV Networks, Bloomberg Finance, Westjet, Figaro Magazine, etc.

Referencias

 

Dimitri Mellos

Dimitri Mellos es un fotógrafo griego (nacido en Atenas, Grecia, vive en Nueva York) que realiza fotografía de calle.

 

© Dimitri Mellos

© Dimitri Mellos

Biografía

Dimitri Mellos nació en Grecia, y de niño solía caminar con una vieja cámara Kodak Instamatic sin película jugando a sacar fotos. Estudió filosofía y psicología. Muchos años después redescubrió su pasión por la fotografía y tras trasladarse en  2005 a la ciudad de Nueva York, en 2008 empezó a considerar la fotografía en serio, aunque ha realizado poca educación formal.

Su obra ha sido expuesta en Grecia, Barcelona, ​​Londres, Berlín, Nueva York, Miami, Santa Fe y otros lugares, y está en colecciones públicas y privadas de Europa y EEUU.

Ha recibido varios premios por su trabajo, en los PX3 Awards, International Photography Awards y en los WPGA Pollux Awards, así como 2º puesto en los premios CENTER’s 2011 Editor’s Choice y el 1º  en el concurso Blurb Photography Book Now 2011. También ha ganado el 1er premio en la categoría de libros electrónicos en el concurso Fotoweek DC 2012, fue finalista de la prestigiosa beca Fotovisura y en el premio Magnum Expression, tres veces finalista del Renaissance Photography Prize y fue seleccionado para ser incluido en las American Photography nº 28 y 31. Más recientemente, ha sido seleccionado premio del jurado en Magnum Photography Awards de 2016.

 

Referencias

Libros

David Salcedo

David Salcedo es un fotógrafo español (nacido en1981 en  Caravaca de la Cruz, Murcia) que realiza fotografía documental, de autor y de calle. Él se define como fotógrafo al aire libre.

 

© David Salcedo

‘1+1’ © David Salcedo

Biografía

David Salcedo está actualmente representado por la galería Art Deal Project de Barcelona. Parte de su trabajo se ha expuesto de forma individual en la galería Kowasa, además de en otros centros expositivos de Madrid, Sevilla, Valencia, Bilbao, Barcelona, Girona, Granada, Murcia, Gijón, Ourense y A Coruña, también en festivales fotográficos como el Autono Fotográfico Galego, el festival de fotografía emergente PA-TA-TA Festival, Visa Off de Perpiñán o el Sonimag Foto de Barcelona.

Ha participado también en numerosas muestras colectivas como Un cierto Panorama, reciente fotografía de autor en España, y las realizadas con el colectivo Calle 35, destacando el Festival Internacional de Fotografía Callejera de Miami. Sus fotografías se han visto proyectadas en varios museos y eventos fotográficos como en el Museo de Bellas Artes de Murcia, la librería La Fábrica de Barcelona, el Forum fotografic de Can Basté, Art Deal Project de Barcelona o en el festival Sestaophoto.

Ganador de varios premios y becas, cabe mencionar el premio Proyecta 2016 del Centro Fotográfico Andaluz, el Premio Nuevo Talento Fnac de fotografía 2015, el premio Otra Manera de Mirar del PA-TA-TA Festival de Granada y la beca de los Seminarios de Fotografía y Periodismo de Albarracín. También fue seleccionado para los visionados de porfolios de los Encuentros de la Imagen de Braga, Descubrimientos de Photoespaña y finalista en las becas Fotopres de “La Caixa” y las del Forum fotografic de Can Basté.

Ha autoeditado 3, el fanzine Argos, participado también en la publicación Presentes Futuros del PA-TA- TA festival y los catálogos Un cierto Panorama, reciente fotografía de autor en España y el del festival Autono Fotográfico Galego 2013. En el 2014 formó la plataforma Territorios Libres, junto con Mingo Venero (fotógrafo) y Pablo Pérez (gestor cultural) con los que edita y publica el libro Pasaporte Territorios Libres.

Referencias

Libros

Luther Gerlach

Luther Gerlach es un fotógrafo estadounidense que ha estado trabajando en procesos y tecnologías fotográficas históricas durante los últimos 30 años y que ha dado más de 200 conferencias y demostraciones en el J Paul Getty Center.

 

© Luther Gerlach

© Luther Gerlach

Muy a menudo, siento como si mi alma estuviera en el pasado y mi mente en el futuro. Las cámaras clásicas y los procesos que utilizo tienen una cualidad mágica, lo que me ayuda a producir una indefinible profundidad de sentimiento y estructura poética en mis fotografías. Mi principal preocupación es que mi arte se comunique tanto a nivel fáctico como en belleza y emoción.

Biografía

Luther Gerlach descubrió su fascinación por la fotografía a una edad temprana mientras viajaba por el mundo con su padre antropólogo. Durante los últimos 30 años ha explorado los diversos procesos fotográficos, concentrándose en los utilizados en los primeros cincuenta años de la fotografía. Gerlach utiliza su extensa colección de cámaras y lentes antiguas para su trabajo, con un enfoque especial en las cámaras gigantescas. Su pasión por los últimos 15 años ha sido por el colodión húmedo en sus variantes positivos, ambrotypos y tintypos. Gerlach también construye sus propias cámaras de gran formato, las más recientemente en 2013, la The Griffiness 24×26”.

Gerlach ha realizado más de 200 demostraciones, conferencias y talleres sobre el terreno desde 2001 sobre la historia de la fotografía, incluyendo el colodión en placas húmedas, albumina, platino y fotograbado en el J. Paul Getty Museum de Los Ángeles y el Getty Villa en Malibú. También ha dado demostraciones y conferencias en el Denver Museum of Art, Natural History Museum en Santa Bárbara, Carne Santa Paula Museum, Palace of the Governor en Santa Fe y en el Seattle Art Museum. En algunos de estos talleres se apoya en su autobús personalizado como cuarto oscuro, lleno de cámaras y lentes raras.

Ha aparecido varias veces en el programa “Meet the Artist” en el Carnegie Museum. Ha dado clases e impartido conferencias en el Art Center de Pasadena, California, y en el Brooks Institute of Photography. Fue el orador principal de Photo Arts Santa Fe en 2003, e invitado como artista destacado en el Alternative Photographic International Symposium en Santa Fe en 2009.

Su trabajo ha aparecido en numerosas publicaciones, entre las que se incluyen View Camera, American Photographer, Shutterbug y Architectural Digest. También se ha expuesto internacionalmente y forma parte de numerosas colecciones de museos públicos y privados, como el Michael Wilson Center of Photography, Denver Museum of Art , J. Paul Getty Museum, Prague National Museum, Santa Barbara Museum of Art, Minnesota Institute of Art, Schacknow Museum of Fine Arts y LACMA.

Es consultor principal del largometraje que representa la vida y el trabajo de Eadweard Muybridge, escrito y dirigido por Gary Oldman.

Referencias

Libros

Jerónimo Arteaga-Silva

Jerónimo Arteaga-Silva es un fotógrafo mexicano (nacido en 1972 en el municipio de Ecatepec, Estado de México, vive entre Ciudad de México y Düsseldorf, Alemania) cuyo trabajo documental se ha centrado en temas sociales y de inmigración. Sus ensayos fotográficos no sólo se han centrado en México, sino también en Europa y en América Central. La moda, la foto artística y los retratos son otros temas en los que trabaja.

 

© Jerónimo Arteaga-Silva

© Jerónimo Arteaga-Silva

Biografía

Jerónimo Arteaga-Silva se formó inicialmente en arquitectura en la UNAM, pero a partir de 1994 comenzó a trabajar como fotógrafo en el diario El Ciudadano, en la ciudad de San Luis Potosí y luego para diarios locales de Ciudad de México. Desde entonces, ha publicado fotografías y textos sobre fotografía en los más importantes medios impresos mexicanos y algunos europeos.

En 2006 junto a otros fotógrafos fundó Mondaphoto, un agencia fotográfica que busca realizar proyectos colectivos y apoyar a los artistas.

Sus trabajos se han expuesto en Cuba, Argentina, Alemania, Francia, España, China, Bélice y Estados Unidos, entre otros países, además de en México. Ha obtenido diversos premios como el Premio Latinoamericano de Fotografía Digital en 2001, el premio de Fotografía Antropológica 2006 en México, mención honorífica en el Internationaler Preis fuer Jungen Bildjournalismus (Premio Internacional de Jóvenes Fotoperiodistas) en 2003 en Alemania, el Premio Unión Latina–Martín Chambi en 2002 en Francia, premio de la Bienal de Fotoperiodismo Mexicano en la categoría Política en 2001. También ha obtenido 2 veces beca en el programa Jóvenes Creadores del CONACULTA.

Su serie Cosplayer está formada por retratos de jóvenes alemanes disfrazados de sus personajes favoritos de manga  que visitan la Feria del Cosplay, en Düsseldorf.

Su serie con mayor proyección es Vivir en el Desierto, cuyas imágenes iniciales fueron realizadas en 1998 como parte de un pequeño reportaje sobre las condiciones de pobreza extrema existentes en algunas regiones del estado de San Luis Potosí en México, principalmente en el altiplano Potosino. Ha tratado de aprovechar al máximo las bondades tecnológicas añadiendo a las fotografías pequeños fragmentos de video y sonido para una mejor contextualización de este trabajo.

Referencias

 

Prashant Godbole

Prashant Godbole es un creativo y fotógrafo indio (vive en Bombay) que trabaja en proyectos de fotografía publicitaria para marcas de renombre y da conferencias invitado en varias escuelas de arte y escuelas de fotografía en toda la India. Es un apasionado de la fotografía y vive para capturar en película como se desarrolla la vida en un momento, normalmente en las calles de Bombay.

 

© Prashant Godbole

© Prashant Godbole

Mis imágenes son el resultado de mi observación, de mi punto de vista. Leo un libro llamado vida. No leo ficción u otras historias. Miro todos los momentos de mi vida como una serie.

Biografía

Prashant Godbole estudió en una escuela de arte en Aurangabad, y posteriormente en la famosa Sir JJ School of Art de Bombay. En la universidad, desarrolló una pasión por las artes visuales. Comenzó su carrera como director artístico en la icónica campaña Hamara Bajaj, con Rahul daCunha y ha sido la fuerza impulsora detrás de algunas de las campañas más comentadas en la industria desde entonces. Con una trayectoria publicitaria de unos 30 años, ha ganado más de 250 premios como Cannes Lions, D & AD Londres, One Show, el Festival de Nueva York, Asia-Pac Awards, … Ha trabajado en varias agencias de publicidad, y ahora gestiona la suya, ideas@work.

Le gusta ilustrar, dibujar y, cuando tiene tiempo, pintar. Su familia está relacionada con el arte, su abuelo era pintor, su padre es fotógrafo, su hermano músico, su esposa es actriz y es amigo de poetas, escritores, artistas y escultores.

No tiene una formación en fotografía. En medio de una campaña publicitaria, se quedaron sin fotógrafo y, sin otra opción, tuvo que empuñar la cámara él mismo. Una cámara alquilada a la que el tendero configuró en enfoque automático, y con la que Prashant simplemente apuntó y disparó toda la campaña. Una campaña que ganó varios premios y desde ese día una cámara siempre le ha acompañado.

Como fotógrafo es reconocido por su fotografía de calle en Bombay. Para él, la fotografía de calle es como aportar un espejo a la sociedad, capturando la vida de un momento en película, contando una historia, haciendo sonreír, y siempre de forma sorprendente. En la aldea global de hoy en día, la fotografía es lo único que cruza las barreras del lenguaje y transporta alegremente a los espectadores a diferentes culturas.

La India es el mejor lugar del mundo para ver a diferentes personas, culturas y edades conviviendo. Lo medieval y lo moderno coexisten lado a lado. Podemos ver un carro de bueyes y un Jaguar XJ 220 atascados en un atasco de tráfico, causado por una vaca, que decidió echarse la siesta de la tarde en medio de la carretera.

Aplica su formación en publicidad a la fotografía callejera, buscando la sencillez y el “menos es más”. No planea sus disparos en las calles: se tropieza con una situación y espera que se desarrollen los acontecimientos, intentando anticiparse a lo que espera que va a suceder.

Como le gusta compartir su trabajo con la gente, se asoció al colectivo indio de fotografía de calle Street View Photography es como soportar un espejo de la sociedad, capturando la vida de un momento, y en la aldea global de hoy en día, la fotografía es lo único que cruza las barreras del lenguaje y transporta a los espectadores a diferentes culturas.

Referencias