Emmanuel Smague

Emmanuel Smague es un profesor de música y fotógrafo francés (nacido en Rennes en 1968) fiel seguidor de la fotografía tradicional en película, que suele utilizar equipo Leica en sus desplazamientos por el mundo.

 

© Emmanuel Smague

© Emmanuel Smague

Biografía

Emmanuel Smague siempre tuvo un gran interés por la fotografía, a pesar de que su profesión es la de profesor de música en la ciudad de Lannion en Bretaña. Tras un primer contacto con la fotografía, entre los años 1987 y 1992, volvió a retomar su interés en el año 2005 a raíz de un viaje en el transiberiano, después de 13 años de haber viajado sin hacer fotos.

Desde entonces no ha parado de fotografiar la vida diaria de la gente de diversos países como Irak, Georgia, Mongolia, etc., mostrándonos su cultura, su vida cotidiana y a los pueblos nómadas, que son importantes en número en los citados países. Sus fotografías dan la impresión de haber sido tomadas por un familiar cercano de los retratados. Configurar su cámara no es una prioridad para él: establecer una relación con la persona que está retratando sí lo es.

Su fotografía nos recuerda a los maravillosos años de la revista Life, en la que los grandes fotógrafos de siempre nos mostraban la realidad de los confines del mundo a través de sus fotografías en blanco y negro. Es de la “vieja escuela” y utiliza una Leica MP, una lente de 35 mm y un montón de películas.

Muchas de sus fotografías han sido publicadas en la prensa francesa, en revistas como Réponses Photos y Le Monde 2. Su trabajo sobre Asia central y Rusia fue expuesto en 2007 en la galería francesa L’imagerie. Ha documentado el tren Transiberiano, la gente nómada en Mongolia, los traperos de El Cairo, los habitantes de Chernobyl, las prostitutas en Bangladesh, los campos de refugiados en el Kurdistán iraquí, los pueblos nómadas de Asia Central, Mongolia y Ladakh (India) y los niños de la calle de Katmandú,  … proyectos que han sido expuestos en diversas exposiciones, principalmente en Francia.

Su trabajo fotográfico está impregnado de la tradición del humanismo: una foto necesita contar una historia, y también le da mucha importancia a la composición de la imagen.

Referencias

Libros

Junku Nishimura

Junku Nishimura es un fotógrafo japonés (nacido en 1967 en la prefectura de Yamaguchi, donde vive y trabaja) cuya obra se caracteriza por sus sujetos misteriosos, seductores y parecen atrapados en un momento en un cuento atemporal: rasgos que parecen reflejar al hombre detrás de la lente que los congeló.

 

Hug © Junku Nishimura

Hug © Junku Nishimura

Estoy visitando una nueva ciudad. Sus calles, atestadas durante el día, pronto me agotan. Regreso al albergue para tomar una siesta mientras se pone el sol. Una ducha rápida y una limpieza rápida de la lente de mi cámara. Deslice tres rollos de T-MAX en mi bolsillo. Al salir, siento las primeras punzadas de hambre y sed, así que busco un restaurante. Una llena de lugareños me viene bien. Algunos clientes, probablemente trabajadores, ya están borrachos. Más tarde, algunos trabajadores de cuello blanco se unen. Beben juntos, charlan juntos, la oscuridad de la noche se quita las máscaras usadas durante el día. Hablamos como si nos conociéramos desde hace mucho tiempo. La mejor forma de conocer una ciudad
Casi me olvido de que llevo mi cámara, pero de todos modos a nadie parece molestarle.
Salgo del restaurante y vuelvo a las calles. El tiempo que pasé allí me hace sentir como si fuera parte de este lugar. Finalmente llegué a un bar. Veo que tomé la decisión correcta, ya que tiene algunos vinilos. Ordeno un copazo.
Los encuentros de esta noche traen recuerdos de los mineros de carbón que vivían en mi ciudad natal. Ellos fueron amables conmigo cuando era un niño.

Biografía

Junku Nishimura (alias junku-newcleus) nació en un pequeño pueblo de minas de carbón en 1967, en la prefectura de Yamaguchi, en el oeste de Japón, donde vivió hasta los 18 años, cuando ingresó en la universidad de Kioto para estudiar asuntos latinoamericanos. Su primera foto fue de un tanque de plástico, realizada con la cámara de su padre, una Minolta Hi-Matic.

Después de la universidad trabajó como DJ de un club, como trabajador de la construcción. En 1991 recorrió Nueva Orleans durante tres meses con una Canon Autoboy,  y luego trabajó en una fábrica de cemento, convirtiéndose en un experto en construcción de túneles en todo el país. Consiguió una Leica M6 y comenzó a fotografiar los lugares donde trabajaba.

Después de 18 años trabajando, renunció a su trabajo y fotografía países y regiones deambulando por el mundo como fotógrafo freelance, haciendo fotografías en bares, calles, saunas. Sus fotos de interiores, que siguen siendo foto callejera, siempre dan la impresión de que ha llegado más lejos que cualquiera de nosotros en esa situación. Utiliza principalmente una Leica M5 con objetivo 50mm y película Tmax iso 1600, tras la discontinuidad del Fuji Neopan 1600. El Tmax le permite un estilo de disparo claramente retro, que refleja su propia renuencia a aceptar el cambio. Lo revela con revelador Fuji y lo positiva en papel Ilford.

Referencias

Deb Achak

Deb Achak es una cineasta y fotógrafa estadounidense (nacida en 1968  en Montclair, New Jersey, vive y trabaja en Seattle, Washington) cuya fotografía artística explora elementos naturales como el agua y los prados, elementos de la tierra con composiciones limpias y simples destinadas a calmar y relajar. Sus hijos también son un tema creciente de su obra. Su trabajo cinematográfico incluye películas de recuerdos de su vida y su familia, así como una serie de películas sobre el proceso de artistas contemporáneos que admira.

 

The Queue © Deb Achak

The Queue © Deb Achak

A través de la fotografía, he descubierto que lo simple y mundano puede ser elocuente y poético. La fotografía para mí se ha convertido en un camino hacia la atención plena y la gratitud.

 

Biografía

Deb Achak se crio en New Hampshire, tiene un master en trabajo social y es una fotógrafa y cineasta autodidacta, siempre en proceso de aprendizaje.

Su fotografía expresa su amor por la narración visual y el retrato ambiental. Así fotografía los temas que más le apasionan: su familia, su hogar, sus viajes, la belleza cotidiana. Y como el fotógrafo a menudo está ausente del cuadro, intenta incluirse  a ella mismo en los recuerdos que crea, con autorretratos y películas de cápsulas del tiempo.

Sus fotografías se han expuesto en Black Box Gallery en Portland, Sante Fe Photographic Workshops en Sante Fe, SE Center for Photography en Greenville  y Vermont Center for Photography en Brattleboro, además de sus exposiciones en solitario Introducing the Works of Deb Achak en Winston Wächter Fine Art y EBB and FLOW en Red Ticking, ambas en Seattle y en 2017.

En su serie She Told Us To Trust Our Intuition, pero también en All the colors i am inside y EBB AND FLOW explora el color, la textura y la poesía del océano. A través de la fotografía, Achak tiene el poder de detener el movimiento del agua. Mientras nada con su cámara, busca la interacción entre su lente y el movimiento del agua, tratando de capturar ese momento en el que su cámara, su intuición y el mundo natural están perfectamente alineados. A veces busca sujetos humanos, suspendidos en broma o en nubes de agua como sueños. En otras ocasiones, son los detalles arriba y debajo de la superficie los que capturan su imaginación. Con composiciones limpias y sencillas, evoca el poder y el misterio del agua e invita al espectador a experimentar sus propias emociones y recuerdos del mar.

Referencias

Luigi Avantaggiato

Luigi Avantaggiato es un fotógrafo suizo (nacido en Zúrich en 1984, vive y trabaja en Roma) especializado en documentales, editoriales y retratos.

 

© Luigi Avantaggiato

© Luigi Avantaggiato

Biografía

Luigi Avantaggiato comenzó a trabajar como fotógrafo documental después de sus estudios de doctorado en Media Studies, lo que le ayudó a desarrollar un profundo interés por los problemas sociales y ambientales globales.

Ha visitado varios países en el mundo en estado de emergencia: Líbano, Irak, Colombia, Grecia, Kosovo. Sus imágenes han sido publicadas en periódicos nacionales italianos y revistas internacionales, como Il Corriere della Sera, Il Messaggero, D di Repubblica, Panorama, Vice, Lensculture y otros.

Es profesor en Sapienza – Universidad de Roma y en varias academias privadas. Es autor de varios ensayos, libros y artículos sobre fotografía, cine y artes visuales.

Sus artículos tratan de la sociedades en estado de emergencia, como ejemplo:

  • Where The West Sets es un proyecto documental que intenta hacer una crónica de la crisis de refugiados en las islas del norte del Egeo y en la Grecia continental, los mismos territorios donde nació la cultura occidental y su sistema de valores. La estética de su trabajo radica en un enfoque no como reportero que busca hechos, sino como documentalista que intenta verificarlos.
  • Embers es un reportaje fotográfico que intenta describir el Kosovo actual, un estado tapón donde las tropas de la OTAN mantienen la armonía entre los grupos que estuvieron en conflicto hace dos décadas, ilustrando cómo el aislamiento de los enclaves serbios en Kosovo no solo se basa en cuestiones étnicas sino también en creencias ideológicas y psicológicas que afectan la vida cotidiana y las decisiones de los serbios de Kosovo. Y por otro lado, el renacimiento de los albaneses de Kosovo, que están en crecimiento urbano, industrial y turístico.
  • Hidden Leonte muestra la misión de UNIFIL italiana en el sur del Líbano: patrullas diurnas y nocturnas, establecimiento de puntos de observación, instalaciones de Blue Pillar, monitoreo de la Línea Azul, limpieza de minas terrestres, educación, interacciones y apoyo con libaneses civiles.
  • The Guest es un proyecto documental sobre residencias y sobre las relaciones que los pacientes tejen en su interior.
  • Animaly es un proyecto sobre el cuidado de mascotas, para el cual, durante aproximadamente un año, visitó clínicas y hospitales de animales.

Referencias

Libros

  • Archivio di cenere. L’immaginario mediatico e il crollo dell’11 settembre 2001, 2015
  • SalentoSilente. L’arte sosta in luoghi storici, 2011
  • Home Stories. Il filmino di famiglia nelle pratiche artistiche contemporanee, 2010.

 

Orietta Gelardin Spinola

Orietta Gelardin Spinola es una diseñadora gráfica y fotógrafa italo-española (nacida en Madrid, vive entre Roma y Madrid) apasionada de la fotografía de calle que, guiada por su intuición e impulso, está inmersa en una búsqueda constante de expresiones y de historias.

 

© Orietta Gelardin Spinola

© Orietta Gelardin Spinola

Biografía

Orietta Gelardin Spinola nació en Madrid de padre estadounidense y madre italiana. Tras completar su formación universitaria (Bachelor of Arts) entre Londres y Nueva York, se estableció en Madrid para desarrollar su carrera profesional. Su amor por la fotografía se remonta al final de su adolescencia y no ha hecho sino aumentar desde entonces.

Atraída por la gente, la luz, la composición y lo que sea que haga que su corazón lata rápido, su trabajo a veces es muy sutil, pero siempre hermoso. Bajo el sol o la lluvia, de noche o de día, camina por las calles con su cámara (una Fujifilm X100S) y móvil, varias baterías y auriculares atenta para encontrar composiciones únicas, gracias a un instinto oculto, un reflejo creativo que solo se materializa bajo la disciplina diaria de caminar en la calle.

La combinación correcta, la mezcla perfecta, se forma con proporciones variables de ingredientes que cambian constantemente. Luces y sombras, colores y contrastes dan vida a personajes cuidadosamente identificados en la singularidad de un gesto o una expresión.

Ha obtenido diversos premios como ser finalista en el concurso II Edición de NNstreetphoto de Nationale Nederlanden en Madrid, premio especial del jurado y 1 de las 5 fotografías ganadoras del concurso Passing By organizado por The Eyes Magazine y la editorial Out of the Phone. Ha realizado varias exposiciones colectivas, como Nuevos Talentos II. Fotonline/Fujifilm en 2017 y Nuevos Talentos I. Fotonline en el 2016 en el Centro de Arte de Alcobendas en Madrid, Four Way Street en Galleria Makemake en Roma y Outsiders en la galería Mobile Camera Club en Paris, ambas en 2015, Lights en galería Espacio 51 en Madrid en 2013.

Sus fotografías han sido incluidas en libros como 25 Regards de photographes à travers le monde en 2017, 1 Camera, 100 Photographers en 2014, y se han publicado en revistas como L ’Oeil de la Photographie, TheGuardian, Indie Rocks de Ciudad de México. Forma parte del colectivo de fotografía de calle La calle es nuestra.

Referencias

Blas Aledo

Blas Aledo fue un fotógrafo español (nacido en Alhama en 1894, fallecido en Murcia en 1959) uno de los más reconocidos en la 1ª mitad del siglo XX en Murcia, con su estudio dedicado al retrato, a las fotografías de carné y a la venta de material fotográfico.

 

Blas Aledo

Blas Aledo

Biografía

Blas Aledo López nació en 1894 en Alhama de Murcia. Su padre era guardia civil por lo que estuvo viviendo en diferentes poblaciones. En 1905 su padre fue trasladado a Lorca desde Jumilla. Cuando tenía ente dieciséis y dieciocho años entró como aprendiz de fotografía en el estudio fotográfico de José Rodrigo, donde adquirió su formación fotográfica, realizando trabajos de retoque que le otorgaron gran destreza, siendo muy solicitado para estos delicados procesos. En el taller coincidió con otros fotógrafos, entre ellos Pedro Menchón Peñas con el que colaboraba habitualmente y al que consideraba también su maestro.

En 1915 comenzó el servicio militar en Ceuta alcanzando el grado de sargento de artillería, quedando sordo de un oído por la exposición a las explosiones. Su destino original fue Cartagena pero cambió su plaza por la de Ceuta con un hijo de un adinerado de la época a cambio de dinero, para ayudar en la economía familiar, sin dejar su actividad como fotógrafo en el frente africano, donde con sus ahorros pudo adquirir una cámara de campaña para poder salir y fotografiar escenas militares del momento, y también trabajó en el estudio Hermanos Calatayud.

Cinco años después regresó a Lorca cuando ya había fallecido José Rodrigo. Tras su regreso abrió un estudio fotográfico dedicado sobre todo al retrato, las fotografías de carné y la venta de material fotográfico para aficionados. Trabajaba con luz artificial o natural, según el caso: con luz filtrada a través del techo acristalado, regulada por cortinas, o con focos de 1.000 vatios. Usaba cartelones pintados como fondo y una cámara de placas sobre trípode que admitía un formato máximo de 13×18 cm.

Su principal actividad fue el retrato fotográfico, también con retratos colectivos con cierto carácter gremialista: bordadoras, telefonistas, etc., pero también realizó diversos reportajes gráficos sobre la vida cotidiana en Lorca y acontecimientos destacados de la zona que le permitieron publicar fotografías en publicaciones locales como El Lorquino, La Esfera y La Estampa, así como colaborar con los diarios La Verdad y Línea.

En su trabajo fotográfico contó con la colaboración de su hijo Juan Aledo Guerrero (1927-1978). Al ser un negocio familiar era normal que colaborase su mujer Encarnación, tanto en la atención al público como en trabajos de retoque. Además otros familiares se dedicaron a esta actividad en Lorca y en otras poblaciones. En la actualidad se mantiene la actividad profesional de algunos miembros de la familia en su 4ª generación.

En Lorca se conservan muchos de sus retratos en casas particulares, y parte de su trabajo se encuentra en el Archivo Municipal de Lorca, en la colección Menchón-Aledo.

Referencias

 

Libros

Rodrigo Roher

Rodrigo Roher es un fotógrafo español (nacido en Salamanca en 1976, vive en Madrid) especializado en fotografía de calle.

 

© Rodrigo Roher

© Rodrigo Roher

Si te da por dedicarte a esto de la fotografía callejera dos buenos consejos te voy a dar: Hazte con unas buenas zapatillas y usa siempre protector solar.

Biografía

Rodrigo Roher es licenciado en Comunicación Audiovisual y posee estudios en Bellas Artes. Se inició en el mundo de la fotografía hace unos diez años, pero más seriamente en la fotografía de calle desde hace cuatro años. Sin estudios propios en fotografía,  se considera totalmente autodidacta y devora kilómetros y  kilómetros por las calles que pisa.

Ha obtenido diversos reconocimientos por su trabajo, entre los que podemos citar: ganador dos años consecutivos del Calendario Fujifilm España y Portugal (2016 y 2017), finalista del Concurso National Nederlanden al  Mejor Streetphotographer Amateur de España en 2016.  Es colaborador en blogs de fotografía y miembro del colectivo de fotografía callejera La Calle Es Nuestra.

Para él, el mundo de la imagen está continuamente presente en nuestras vidas y es difícil abstraerse sin tener referentes continuamente. Lo mejor a la hora de afrontar el tipo de fotografía que hace, es deambular sin nada concreto en que fijarse y dejarse llevar por lo que ese día tiene preparado para él en ese gran escenario real que es la calle. Al residir en Madrid, sus calles son las que más patea, pero encuentra más llamativas las de otras ciudades españolas como Toledo. También ha salido a callejear por calles muy diferentes, como las de las ciudades de Japón, Vietnam y Nepal.

Referencias

José María Silva

José María Silva fue un fotógrafo uruguayo de origen gallego (nacido el 29 de setiembre de 1897 en Montillón, parroquia de San Andrés de Souto, A Estrada,​ Pontevedra, España, fallecido en Montevideo el 3 de enero de 2000) con una carrera profesional de 82 años, fotógrafo predilecto de la farándula de la radio, la canción y el mundo del espectáculo entre las décadas del 30 al 50, tanto de artistas uruguayos y argentinos, especialmente de Carlos Gardel, al que le hizo las clásicas fotografías de 1933 que inmortalizarían su figura.

 

© José María Silva

© José María Silva

Biografía

José María Silva Fernández nació en Galicia el mismo año que su padre fallecía luchando en la Guerra de Cuba. Seis años más tarde, su madre decidió emigrar al Río de la Plata y lo llevó al que sería su país de adopción. A los 14 años, necesitado de trabajo, se empleó en El Indio, casa de fotografía, y pronto aprendería el oficio.

Hacia 1919 decidió independizarse e inauguró su propio estudio fotográfico, al que llamó Foto Silva con el eslogan: “Foto Silva, el fotógrafo de los artistas y un artista entre los fotógrafos“. El retrato era su trabajo principal por aquel entonces y Silva era el retratista de los famosos del espectáculo y la creciente clase media. Adquirió notoriedad gracias a sus excelentes técnicas aplicadas a la toma y el revelado.

En su vasta carrera, Foto Silva fue el tradicional estudio fotográfico de tres generaciones de uruguayos, en una etapa en que la gente necesitaba registrar los momentos cumbres de su vida: el casamiento, la primera comunión, los quince años, etc..  Fotografió a numerosas personalidades, como Juan Domingo Perón, Luis Alberto de Herrera, Mariano Mores, Alberto Candeau, José Belloni, León Felipe, etc. En particular Carlos Gardel fue uno de sus más fieles clientes y amigos, y lo apodaba “Silvita”. La relación comenzó en 1917 cuando Silva trabajaba todavía en El Indio y Gardel estaba en sus comienzos cantando temas criollos, y su foto más icónica fue realizada en 1933 como publicidad de su próxima gira.

Ofició de reportero gráfico durante el partido de la final del Mundial de Fútbol de 1930, cubriendo el evento desde una portería. También colaboró con la revista La Semana y el diario El Día de Uruguay, trabajando para la editorial Atlántida de Buenos Aires y sus fotos eran publicadas en revistas como El Gráfico, Para Ti y Atlántida, entre otras. Presidió la Asociación de Fotógrafos Profesionales del Uruguay durante 28 años, retirándose en 1994.

Silva trabajó hasta los 96 años, ayudado por su hijo Julio César. A los 100 años fue homenajeado y entrevistado por agencias de prensa internacionales como la BBC y la DPA. También recibió la distinción de Uruguayo inmigrante del año en 1998, de manos del Ministro de Educación y Cultura uruguayo. Falleció a los 102 años, víctima de una neumonía, dejando a su familia unos 30.000 negativos, no solo testimonio de la historia de Uruguay, sino también de la inmigración gallega.

Referencias

Libros

Emerty Wolf

Emerty Wolf es una fotógrafa española (nacida en Barcelona en 1983, vive en Madrid) que realiza fotografía de todo tipo, con especial predilección por la fotografía de calle.http://www.emertywolf.com/

 

© Emerty Wolf

Biografía

Marta Lafuente Giménez, alias Emerty Wolf, tuvo su primera cámara con 12 o 13 años, cuando sus padres le regalaron una cámara automática analógica porque se iba de viaje de final de EGB a Tenerife. Sin idea de fotografía, le gustaba encuadrar, por los documentales de National Geographic que ponían en la TV. Disfrutó con esa cámara, y más cuando las reveló. Entusiasmada empezó a hacer fotos de todo hasta que tuvo que frenar por el gasto excesivo que hacía.

Con 18 años, le regalaron una cámara réflex analógica en Navidad, una Minolta DinaX. Con 20 años, pasó a usar la cámara compacta digital de su familia en un viaje a Cuba. Con la réflex hacía fotos “de verdad”, y con la compacta digital de viajes.

En la Universidad hizo un curso de revelado analógico y de uso de cámara réflex, abandonando el modo automático.  Al final, se acabó comprando una réflex digital, una Canon 40D, con la que buscaba la naturaleza, se iba al zoológico, a un parque, hacía fotografías a palomas en el suelo, paisajes, nubes, cielos, amaneceres, detalles, de esculturas… Todo aquello que llamara su atención, lo fotografiaba. Tras terminar sus estudios y trabajar una temporada pidió una excedencia y se fue a Perú con la 40D, motivada por los buenos resultados de sus fotografías de Cuba y comenzó a hacer fotografía más en serio. Durante un mes se recorrió todo Perú centrada en la naturaleza y la fotografía de viajes.

Después se fue a Vancouver, Canadá, con su fotografía de paisaje y de animales, comenzando a hacer algo de street, que se convertiría en su tema favorito a su vuelta a casa, pero, volver a usar la réflex en Barcelona le suponía un mundo. Se compró una pequeña Fuji X10, bonita y práctica pero cuando descubrió sus limitaciones volvió a la réflex digital.

Referencias

Alexander Anufriev

Alexander Anufriev es un fotógrafo ruso (nacido en 1988 en Ukhta, Komi Republic, Rusia, vive y trabaja en Moscú) que realiza principalmente fotografía de documentación social.

© Alexander Anufriev

© Alexander Anufriev

Biografía

Alexander Anufriev nació en Ukhta en 1988, tres años antes de la disolución de la Unión Soviética, y todos sus recuerdos se formaron después de la fundación de la Federación Rusa. En su infancia aprendió que Rusia es un país de grandes ideas y grandes sacrificios. Antes de comenzar con la fotografía trabajó en agencias internacionales de publicidad. Actualmente estudia en la Escuela de Arte Rodchenko en Moscú.

Su serie más premiada, Russia Close-Up, es el retrato del artista de su país y su gente, de adentro hacia afuera, a través de fotografías de extraños, capturados de grandes multitudes, realizadas en vacaciones y en la noche de Pascua. Su proyecto cuenta una historia más grande y más ambigua, hecha en su totalidad de pequeños momentos ordinarios en la calle. Si todos los sacrificios y toda la tolerancia de los rusos actuales se hacen con la esperanza de que lleguen días mejores, Anufriev no está convencido de que esto esté funcionando, y no cree que algo bueno vaya a suceder en el futuro. Con el trasfondo de la apatía política en la sociedad, hay procesos internos que no son tan obvios para el resto del mundo: la clericalización, el reforzamiento del patriotismo y del nacionalismo, el fortalecimiento de la censura y la propaganda. Esta serie es un intento de visualizar estos procesos, de actualizar la imagen de Rusia y descubrir “qué” define a Rusia hoy.

Las fotografías de Russia Close-Up han obtenido diversos premios en 2017 como el Feature Shoot Emerging Photography, Student Spotlight en el LensCulture Exposure Award, 2º puesto en el Sony World Photography Awards y Student Category Winner en PDN Annual. El proyecto ha sido expuesto como parte de la exhibición Feature Shoot Emerging Photography Awards en Head On Photo Festival en Sídney, Australia, y en Paddington Reservoir Gardens.

Su obra forma parte de colecciones como las del Multimedia Art Museum  y  Museum of Modern Art en Moscú y  NordArt Collection en Budelsdorf, Alemania.

Referencias

David Hilliard

David Hilliard es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1964 en Lowell, Massachusetts, vive en Boston) que trabaja principalmente con fotografías a gran escala y panorámicas a base de varios elementos. Se inspira en su vida personal y en quienes lo rodean, creando escenas a medias realidad y ficción.

 

© David Hilliard

© David Hilliard

La fotografía, con toda su estupidez mecánica, es creíble, ¿verdad? Pero cuando se juntan [imágenes], suceden muchas cosas entre los elementos que simplemente no se saben. Podría ser un día o un segundo. Eso fue sorprendente para mí cuando empecé a resolverlo.

[Este estilo] parecía ser lo mejor de todo. Podría ser cinematográfico, podría ser fotográfico, podría ser ficción, y podría ser una perfomance.

Biografía

David Hilliard obtuvo un BFA del Massachusetts College of Art en 1992, y un master por la Universidad de Yale en 1994. Su estilo característico son las fotografías en color a gran escala y con varios paneles que presentan narrativas complejas que exploran una variedad de temas y situaciones, desde silenciosos momentos de contemplación hasta escenas de gran dramatismo. Documentando su vida y las vidas de quienes lo rodean, cada obra comprende una serie de imágenes que emplean puntos focales ligeramente diferentes, que ofrecen múltiples perspectivas de una sola escena. Hilliard toma lo personal y lo familiar (ha fotografiado a su padre en numerosas ocasiones) y lo manipula para proporcionar un comentario sobre temas más amplios como la masculinidad, la mayoría de edad, la sexualidad y la espiritualidad; logrando un equilibrio entre la autobiografía y la ficción.

Sus vibrantes imágenes multipanel encuentran un delicado y único equilibrio entre realidad y ficción. Combinando fotogramas de su cámara de visión de 4x5” tomadas en diferentes momentos, crea imágenes panorámicas compuestas que son aparentemente fluidas, pero en su lugar forman una narración que cambia entre el tiempo y el lugar.

Su obra ha sido expuesta en numerosas instituciones, incluido el Museum of Fine Arts de Boston, The Kemper Art Museum de San Luis, Miami Art Museum, Addison Museum of American Art de Andover, Florida Museum of Photographic Arts en Tampa, … y forma parte de numerosas colecciones públicas y privadas como las del Whitney Museum of American Art de Nueva York, Art Institute of Chicago, Museum of Fine Arts de Boston, Los Angeles County Museum of Art, el Philadelphia Museum of Art, George Eastman House en Rochester, Microsoft Art Collection en Redmond, Museum of Contemporary Art en Los Angeles, The Boston Public Library en Boston, La Comunidad de Madrid en España, entre otras.

Hilliard recibió una beca Fulbright y una de la Fundación Guggenheim, y fue galardonado con el premio Bok Center a la Excelencia en la Enseñanza por la Universidad de Harvard en 2012. Ha sido profesor visitante en numerosas escuelas, incluida la Universidad de Harvard, Dartmouth CollegeArt Institute de Boston y el Massachusetts College of Art & Design.

Referencias

Libros

 

Michiko Kon

Michiko Kon es una fotógrafa japonesa (nacida en la prefectura de Kanaqawa en 1955) que inventa y construye escenografías de bodegones con elementos marinos, vegetales y textiles, y luego los fotografía.

 

© Michiko Kon

© Michiko Kon

Cuando miro el pescado fresco y los vegetales, más que tener conciencia de que son alimentos, siento la delicadeza y belleza de sus formas, el erotismo de las cosas crudas, así como su transitoriedad.

Biografía

Michiko Kon estudió principalmente pintura y grabado en la Escuela de Arte Soskei en 1978 y fotografía durante dos años en el Colegio de Fotografía de Tokio. Comenzó a realizar fotografías a finales de los años 70 y muchas de estas imágenes fueron publicadas en revistas manga.

Su obra fotográfica se caracteriza por sus bodegones surrealistas cuidadosamente manipulados y compuestos a base de criaturas marinas (peces, pulpos, huevas de salmón, cangrejos, …), vegetales y materiales textiles, que dan como resultado objetos imposibles. Kon crea escenografías surrealistas de naturalezas muertas con objetos cotidianos.

Su proceso creativo indaga en la naturaleza muerta como un medio descriptivo en sí mismo más que una simple selección compositiva; reinventa este mundo, lo descuartiza e iconiza. La artista compone assemblages donde los elementos se multiplican en un sentido absurdo. Su juego visual surrealista confronta la dureza con la delicadeza, el humor con la crueldad, el icono histórico con la cultura popular, todo ello desde una composición laboriosa y sutil. Su trabajo posee una belleza cruda, seductora, perturbadora y evoca el surrealismo, los sueños, las fantasías y el subconsciente. Todo ello, utilizando una cámara de gran formato y una compleja técnica de revelado, casi olvidada.

Su obra está influenciada por el artista del Renacimiento Archimboldo, con la excepción de que, donde el milanés ponía frutas, verduras y flores, Michiko juega con peces, pollos, pulpos u otros elementos de la naturaleza.

Realizó su primera exposición individual Still Life en el Shinjuku Nikon Salon de Tokio en 1985, convirtiéndose así en una de las fotógrafas más innovadoras de Japón. Recibió el prestigioso Premio Kimura Ihee en 1991. Su primera exposición en los Estados Unidos se realizó en el List List Arts Centre en el MIT en 1992. Su trabajo también se incluyó en la exposición de Historia de la Fotografía Japonesa  en el Museo de Bellas Artes, Houston, en 2003. Sus obras se han exhibido ampliamente y están presentes en muchos museos de todo el mundo, incluidos el Art Institute of Chicago, la National Gallery of Australia, la National Gallery of Canada, el Metropolitan Museum de Tokio, Itabashi Art Museum de Tokio, Museo de la Fotografía Vincent Van Gogh, … Recientemente ha expuesto en la galería Michel Soskine de Madrid, dentro del Festival Off PhotoEspaña 2017.

Referencias

Libros

  • Michiko Kon, 1997.
  • Michiko Kon: Still Lifes, 1997.
  • KON BOX, 1996.
  • EAT, 1991.
  • EAT, 1987.