Harry Callahan

Harry Morey Callahan fue un fotógrafo norteamericano (nacido en Detroit, Michigan, en 1912 y fallecido en Atlanta en 1999) considerado uno de los grandes innovadores de la moderna fotografía americana.

 

(c) Harry Callahan

El misterio no está en la técnica, está en cada uno de nosotros.

Biografía

Comenzó con la fotografía en 1938 de manera autodidacta, comprándose una cámara y uniéndose al club de fotografía de Chrysler Motors, donde trabajaba. En 1941, fuertemente influenciado por una conferencia y taller que dio Ansel Adams se compró una cámara de 8x10”. Hacia 1946, recibió el apoyo de László Moholy-Nagy para enseñar fotografía en el Instituto de diseño de Chicago, dedicándose a la formación hasta que se retiró en 1977.

Entre 1948 y 1953 su mujer Eleanor (y a veces su hija Bárbara) aparecían en las fotos de paisajes como contrapunto a las grandes extensiones de los parques, línea del cielo o el mar. Tomaba fotografías de su esposa y de su hija así como de las calles, las escenas y los edificios de las ciudades donde vivió, mostrando un fuerte sentido de la línea y la forma, de la luz y la oscuridad.

Trabajó con exposiciones múltiples y otras técnicas como desenfoques y película de pequeño o gran formato. El trabajo de Callahan fue una respuesta muy personal a su propia vida: era muy conocido por animar a sus estudiantes a convertir sus cámaras en sus vidas, y él mismo daba ejemplo con su vida.

A su muerte dejó alrededor de 100.000 negativos y más de 10.000 pruebas de impresión. El Centro de Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona, que de manera activa colecciona, preserva y pone a disposición de los ciudadanos la obra de fotógrafos norteamericanos del Siglo XX, conserva su archivo fotográfico.

 

 

Referencias

 

Jamie Baldridge

Jamie Baldridge es un fotógrafo americano (nacido en un pueblo de Louisiana en 1975, vive actualmente en Lafayette) que es conocido por tener un estilo muy personal y diferenciado que recoge la tradición sureña y el barroquismo francés y los transforma en una fotografía con un aire clásico pero actual, y con grandes dosis de humor negro.

 (c) Jamie Baldridge

 

© Jamie Baldridge

Nunca he pensado en mí como un fotógrafo, sino como un artista. El término en sí es bastante genérico, más ahora, que todos somos fotógrafos de algún modo.

La fotografía es un medio inabarcable en tanto que se presta a la experimentación sobre aspectos no sólo estéticos, también técnicos, digitales y hasta químicos.

 

 

 

Biografía

Jamie Baldridge, como dice él, nació de dos homínidos en 1975 en una ciudad muy pequeña del sur profundo de Estados Unidos.  Pasó la mayor parte de su niñez rodeado de tedio y aburrimiento.  Después de malgastar años en estudiar teología y escritura creativa en la Universidad del Estado de Luisiana, Jamie consiguió un BFA en fotografía y, después de trabajar en muchos trabajos sin importancia dentro de la fotografía, recibió su máster en la misma institución.

Baldridge se mueve a caballo de la ilustración y la fotografía para crear imágenes llenas de texturas pictóricas que plasman un universo propio bastante inquietante y cargado de misterio. Sus imágenes son ensoñaciones, más bien pesadillas, que envuelve  con  títulos sugerentes que juegan un papel importante a la hora de situar su iconografía en la mente del espectador.

Actualmente es profesor de fotografía en la Universidad de Luisiana en Lafayette.  Su trabajo y escritos pueden ser encontrados en muchas colecciones de arte, tanto públicas como privadas, como The Ogden Museum of Southern Art, The Rare Books collections of the Library of Congress, Cornell University, The Sterling and Francine Clark Art Institute, The University of Colorado at Boulder, The Rhode Island Institute of Technology, McNeese University’s Abercrombie Collection,

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • The Everywhere Chronicles.
  • Almost Fiction.

E.J. Bellocq

John Ernest Joseph Bellocq fue un fotógrafo americano (nacido en 1873 en una rica familia del barrio francés de Nueva Orleans y fallecido en 1949) conocido por sus fotografías de prostitutas de los recién legalizados (en aquel entonces) prostíbulos de Storyville, en Nueva Orleans. Los críticos en fotografía coinciden en sus juicios acerca de la obra de Bellocq: la delicadeza en los encuadres, el cuidado erotismo y el respeto por las retratadas hacían de sus fotografías una obra maestra.

 

 

 

Biografía

En 1898 era considerado ya uno de los más populares fotógrafos aficionados de la ciudad. En 1902 comenzó a concentrarse más en la fotografía y comenzó a visitar el barrio rojo de Storyville (legal de 1898 a 1917). Se convirtió en fotógrafo profesional y montó su propio estudio.

Durante la 2ª Guerra Mundial se convirtió en fotógrafo industrial para los astilleros de la zona. Aunque de joven era un dandy, en su vejez se convirtió en una persona insociable y desagradable. A su muerte, la mayor parte de sus negativos habían sido destruidos, considerados pornográficos e ilegales en aquella época, quizás por él mismo y sus amigos.

Posteriormente, se cree que su hermano encontró los negativos (placas de 8x10”) de Storyville escondidos en un sillón. En 1967 el fotógrafo Lee Friedlander encuentra estos negativos en una tienda de antigüedades, realiza algunas impresiones y realiza una exposición en el Museum of Modern Art en 1970, y posteriormente edita un libro.

 

Referencias

 

Video

 

Helen Levitt

Helen Levitt fue una fotógrafa estadounidense (nacida en Nueva York en 1913 y fallecida en Manhattan en 2009) considerada una de las grandes fotógrafas del siglo XX. La mayor parte de su obra es en blanco y negro y en el genero documental, retratando las calles y los habitantes de Nueva York, sobre todo de los niños, con su Leica.

 

(c) Helen Levitt

 

Cuando vi fotos de Cartier Bresson comprendí que la fotografía podía ser arte… y eso me hizo ambiciosa.

 

Biografía

Su mirada suave sobre los juegos de los niños en la calle, sobre sus pintadas, sobre las conversaciones de amas de casa, sobre la actitud de los ancianos codiciosos de recoger la energía de la calle, dan al visitante contemporáneo un rico testimonio sobre la vida de principio del siglo en Nueva York.

Alumna de Walker Evans y de Cartier-Bresson, su trabajo arranca, a mitad de los años treinta, como un singular punto de encuentro entre la poética surrealista de la instantaneidad cotidiana en la gran ciudad, por un lado, y el documental social de la cultura popular norteamericana, por otro.

En 1938 eclosionó su trabajo, al principio centrado en los niños jugando en la calle, en la actividad cotidiana de la gente anónima y, algo más tarde, en los graffitis, que constituiría su actividad principal hasta la segunda mitad de los cuarenta. Tuvo su contacto con el cine y el documental a finales de los años 1949 a 1959 influida por Luis Buñuel, abandonando la fotografía a la que más tarde volvería.

Su obra se centra básicamente en la ciudad de Nueva York, aunque tuvo una salida a México, que quedo reflejada en el libro Helen Levitt: Mexico City (1997).

 

 

Referencias

 

 

Libros

 

 

 Video

 

Manuel Álvarez Bravo

Manuel Álvarez Bravo fue un cineasta y fotógrafo mejicano (nació en México D.F. en el año 1902 y murió en 2002) autodidacta cuyos trabajos destacan por la belleza y la sencillez característica de la fotografía en blanco y negro, al tiempo que transportan al espectador al mundo de lo simbólico. Es considerado como el fotógrafo más influyente de la plástica mexicana del siglo XX.

 

(c) Manuel Álvarez Bravo

© Manuel Álvarez Bravo

Dicen que mi fotografía es poética. Yo siento que en la expresión uno puede tener momentos de cierto acercamiento poético que no tienen otras circunstancias cotidianas.

 

 

Biografía

Comenzó su carrera en los años veinte. En 1925 ganó el primer premio en una competición fotográfica en Oaxaca. Dos años más tarde regresó a su ciudad natal y donde conocería a Tina Modotti, quien le introdujo en el ambiente intelectual y cultural de capital mexicana. La fuerza, la clase y el extraño atractivo de sus fotos han influido desde siempre en otros artistas.

Hasta su exposición de 1971 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), Álvarez Bravo no fue conocido por el gran público. La calidad de sus obras, fácilmente identificable, obtuvo un reconocimiento general reflejado en el aumento de sus admiradores.

Alvarez Bravo retrató a los pintores muralistas Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros. En 1930 trabajó como fotógrafo de la película Que Viva México, de Serguéi Eisenstein. Desde 1930 trabajó como fotógrafo independiente y profesor de fotografía en su propio estudio.

Alvarez Bravo usaba una cámara Graflex, una réflex de gran formato con una sola lente, cuyo funcionamiento es similar al de una cámara oscura. El fotógrafo ve la imagen que pretende tomar a través de un cristal esmerilado, ya que son cámaras que carecen de visor, y en las que, al realizar la impresión del negativo, se retira el cristal dejando el anterior. Estas cámaras, que por su gran tamaño se usan con trípode, eran las favoritas tanto de los fotógrafos mexicanos callejeros como de los profesionales, que tardaron en aceptar el uso del formato de negativo en 35mm porque consideraban que era poco profesional.

La obra de Álvarez Bravo ha sido exhibida en más de 40 exposiciones, tanto individuales como colectivas, y se encuentra en las colecciones de los más importantes museos, como el George Eastman House, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) y el Pasadena Art Museum. En 1974 le concedieron el Sourasky Art Price y en 1975 el Premio Nacional de Arte (México).

 

 

Referencias

 

 

Video

Y para finalizar un video muy corto:

Karl Blossfeldt

Karl Blossfeldt fue un escultor y fotógrafo alemán (nacido en Schielo, Harz, en 1865 y fallecido en Berlín, en1932) conocido por sus fotografías de formas vegetales, miembro de la llamada Nueva objetividad (Neue Sachlichkeit).

(c) Karl Blossfeldt

 

Biografía

Karl Blossfeldt comenzó a estudiar escultura en 1881. Trabajaba con moldes en una fundición, donde ya usaba hojas como presentación para sus adornos. Más tarde, con 19 años, empezó estudios gráficos en la Escuela de Artes Aplicadas de Berlín, hoy Universidad de Arte de Berlín). Pero su pasión seguía siendo la fotografía y por esta pasión participó en Roma de 1890 a 1896 en el proyecto de profesor Moritz Meurer: la fabricación de materiales para la organización ornamental, con lo que debutó como fotógrafo sistemático de plantas.

Karl Blossfeldt veía sus fotografías como material de aprendizaje, no como obras de arte autónomas. Sus fotografías, cuya escala agrandaba y que convertía en diapositivas, se han proyectado sobre paredes y han servido como modelo para clases de dibujo y para observar detalles de plantas. Además, ilustró formas y estructuras naturales y sus obras se han utilizado como modelos ornamentales de productos.

El mismo Blossfeldt se consideraba más un fanático de las plantas que un fotógrafo. Con sus estudios precisos, descubrió detalles gráficos y cual botánico nombraba sus fotografías con nombres en latín.

Realizó más de 6.000 fotografías, normalmente fotograbados de 8x10” y alguna en gelatina de plata.

Sólo al final de su vida, con 63 años, recibió el reconocimiento que merecía. El galerista Karl Nierendorf expuso por primera vez sus fotografías en 1925, junto a un grupo de esculturas africanas y en 1928 se publicó Urformen der Kunst (Formas originales del arte), libro con más de un centenar de huecograbados que tuvo gran éxito. Después vendría El maravilloso jardín de la naturaleza, en el año de su muerte, y póstumamente Prodigios de la naturaleza. Moholy-Nagy le incluyó en la influyente muestra Film und Foto (Stuttgart, 1929), Walter Benjamin le puso en los altares de la fotografía alemana, y fue admirado tanto por la Nueva Objetividad como por el surrealismo.

 

 

Referencias

 

Berenice Abbott

Berenice Abbott fue una fotógrafa estadounidense (nacida en 1898 en Springfield, Ohio y fallecida en 1991, Monson, Maine) célebre por sus fotografías en blanco y negro de la arquitectura y diseño urbano de Nueva York en los años 30. También es conocida por su trabajo innovador en el campo de la física.

 

 

(c) Berenice Abbott

Normalmente sólo los hombres se interesan en la arquitectura. No sé porqué. Es condenadamente interesante.

Yo pienso que este medio de la fotografía es tan joven que no es entendido completamente ni por los expertos ni por los fotógrafos. La influencia más grande que la obscurece es el pictorialismo. Mi definición del pictorialismo sería algo similar a esto: el pictorialismo significa principalmente la fabricación de cuadros bonitos y agradables para ciertos pintores de menor importancia. Aún más, los imitadores de la pintura que imitan las calidades superficiales de la pintura, no están ellos mismos enterados de los valores verdaderos por los cuales la pintura se rige. La única relación es la de una imagen de dos dimensiones en una superficie plana dentro de cierta área, pero las naturalezas de esas dos imágenes son mundos aparte. La fotografía nunca puede crecer y tener su propio espacio si imita a otro medio. Tiene que caminar por sí sola. Tiene que ser ella misma.

 

 

Biografía

Dejó su tierra natal en 1918 para estudiar escultura en las ciudades de Nueva York, París y Berlín.

En París se volvió asistente de Man Ray que le introdujo en la fotografía y posteriormente de Eugéne Atget.

En 1925 instaló su propio estudio e hizo retratos de expatriados parisinos, artistas, escritores y coleccionistas y también de lesbianas, gais y bisexuales.

Rescató y catalogó estampas y negativos de Atget después de su muerte. Regresó a su país en 1929 y casi reprodujo fielmente las formas de hacer de Atget en Paris en la ciudad de Nueva York, completando en 1939 el estupendo trabajo titulado “Changing New York“.

 

 

Referencias

 

Antonio Aragón Renuncio

Antonio Aragón Renuncio es un fotógrafo español (nacido en Santander en 1971, que actualmente vive y trabaja en Managua (Nicaragua)) especializado en fotoperiodismo de denuncia.

“La fotografía es mi gran pasión, así que siempre la fotografía esta por delante de cualquier cosa. La denuncia social mi vocación, por lo que el fotoperiodismo es una consecuencia lógica, al menos en mi caso, de la pasión por los viajes y las ganas de ver y contar historias que el resto de la gente habitualmente no ha visto ni vivido.”

AntonioAragonRenuncio

 

Biografía

Descubrió la fotografía a principios de los 90 y sigue relacionado con ella hasta hoy. En 1996 fundó la Asociación de Fotografía Nostromo de Santander. En 1997 organizó y dirigió los Encuentros de Fotografía en Santander. De 2000 a 2002 fue profesor del Aula de Fotografía de la Universidad de Cantabria.

Desde 2003 es presidente de la O.N.G.D. Oasis que desarrolla proyectos médicos en algunas de las zonas más deprimidas del Golfo de Guinea en África. Desde 2006 es miembro permanente del Comité de Fotoperiodismo de Nicaragua.

Ha ganado los siguientes premios: Premio Nacional de Fotografía para Jóvenes Autores (INJUVE, Madrid 1997), Premio Nacional de Fotografía del Gobierno de Cantabria (1998 y 1999), Premio Nacional de Fotografía de Vizcaya (2000), entre otros.

Ha expuesto de forma individual y colectiva en más de 60 exposiciones en importantes salas y museos: Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid, Museo de Bellas Artes de Santander, Fundación BBK de Bilbao, Canal de Isabel II de Madrid, Espai de la Fotografía de Valencia, Obra Social y Cultural de Caja Duero en Cáceres, Teatro Nacional Rubén Darío de Managua (Nicaragua), Feria Internacional de Arte Contemporáneo (ARCO) de Madrid, entre otras.

Viajero infatigable, en los últimos años ha ejercido de fotorreportero freelance en lugares tan diversos como Nicaragua, Tailandia, Honduras, Marruecos, Turquía, Ghana, Burkina Faso, Birmania, Togo, Argelia, …

Actualmente vive en Managua, donde es director general de la Revista Xplorer, Catedrático de Fotografía de la Universidad Centroamericana (UCA), de Managua, director asociado de Graphos Producciones y fotógrafo freelance para diferentes agencias internacionales de prensa.

 

 

Referencias

 

Hiroshi Sugimoto

Hiroshi Sugimoto es un fotógrafo japonés (nacido en Tokio el 23 de febrero de 1948, está afincado en Nueva York  desde 1974) que realiza fotografía conceptual con su cámara de gran formato 8x10” y sus largas exposiciones, consiguiendo una reputación de fotógrafo con una gran habilidad técnica.

 

© Hiroshi Sugimoto

© Hiroshi Sugimoto

Biografía

Sus series de fotografías, desarrolladas a partir de propuestas conceptuales muy definidas, como Dioramas y Wax Museums (1976), Theaters (1978), Seascapes (1980), Bays (1995) o Architecture (1997), lo han consagrado como uno de los más sólidos valedores de la fotografía estadounidense.

Sugimoto tiene mirada de escultor, de pintor, de arquitecto y de filósofo. Utiliza su cámara fotográfica en una miríada de modos para crear imágenes que contengan de sus temas la esencia, ya sea arquitectónica, escultural, de pintura o de la propia naturaleza. Da un valor extraordinario a la artesanía, imprimiendo sus fotografías con atención meticulosa y una comprensión profunda de los matices de la impresión argéntea  y de su potencial, con una gran riqueza tonal en su gama de colores aparentemente infinita de negros, blancos y grises.

Su obra se ha expuesto de manera individual en museos tan importantes como el Metropolitan y el MOMA de Nueva York.

En el año 2001 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad por su obra, en 2006 el Premio PhotoEspaña, y en 2009 el Praemium Imperiale en la categoría de Pintura otorgado por la Asociación de Arte Japonesa.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Seascapes (1994)
  • Time Exposed (1995).
  • In Praise of Shadows (2000)
  • Theatres (2006).

Josef Koudelka

Josef Koudelka es un fotógrafo checo, nacionalizado francés, (nacido en Biskovice, en Moravia, entonces Checoslovaquia, en 1938 y nacionalizado francés) considerado uno de los grandes en la fotografía en blanco y negro, socio de la agencia Magnum y conocido por sus fotografías documentando la vida de los gitanos.

 

(c) Josef Koudelka

 

 

Muchas de mis fotografía las hago sin mirar el objetivo, es como si no existiera la cámara y solo mi cerebro y mis ojos quisieran plasmar la imagen que estoy apreciando, pero llega un momento en que sin darme cuenta mi dedo realiza el disparo. Un acto sumamente mecánico pero lleno de intensidad.

 

 

Biografía

Sus primeras fotografías son de su entorno familiar y para realizarlas se vale de una cámara de baquelita 6 x 6. En 1956 se trasladó a Praga para comenzar la carrera de ingeniería aeronáutica. En 1961 realizó su primera exposición en cuya inauguración conoce a Anna Fárová, amiga y colaboradora a lo largo de toda su vida.

Durante los años sesenta compagina su trabajo de ingeniero en Praga y Bratislava con la fotografía, que cada vez le ocupa más tiempo, siendo los gitanos su principal sujeto fotográfico. En 1967 decide abandonar su trabajo como ingeniero para dedicarse exclusivamente a la fotografía. En ese momento se inscribe en la Unión de Artistas Checoslovacos y recibe el premio anual de la asociación por “la originalidad y calidad de sus fotografías de teatro”.

A lo largo de los días de la invasión de Checoslovaquia por Rusia fotografía el enfrentamiento entre soviéticos y checoslovacos. Estas fotografías saldrán de Checoslovaquia en 1969 por mediación de Anna Fárová y serán distribuidas por la Agencia Magnum, sin que se mencione el nombre de su autor para protegerle de posibles represalias. Este relato visual “de un fotógrafo checo” le valdrá el Premio Robert Capa del Overseas Press Club.

En 1970 abandona Checoslovaquia con un visado de tres meses para continuar fotografiando gitanos, en esta ocasión, en el oeste de Europa. Al caducar el visado decide no regresar a su país, convirtiéndose desde ese momento en apátrida. Hasta 1980, gracias al asilo político de Inglaterra, fija su residencia en Londres y se dedica a recorrer diversos países europeos fotografiando celebraciones populares, escenas cotidianas y gitanos.

En 1971, se une a la cooperativa Magnum Photos y conoce a Henri Cartier-Bresson y al editor y fotógrafo Robert Delpire, con el que reconoce que aprendió de fotografía más que nunca en su vida. En 1975 el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York (MoMA) le rinde homenaje organizando una exposición individual con el título de Josef Koudelka.

En 1980 abandona Inglaterra para instalarse en Francia, pero hasta el año 1987 no se naturaliza francés.

Josef Koudelka ha recibido prestigiosos galardones en reconocimiento a su labor, como:

  • el Premio Cartier-Bresson,
  • la Medalla de la Royal Photographic Society,
  • el Premio de la Hasselblad Foundation Photography,
  • y ha sido nombrado Caballero de las Artes y las Letras por el Ministerio de Cultura Francés.

 

Referencias

 

 

Libros

 

Roman Loranc

Roman Loranc es un fotógrafo polaco (nacido en Bielsko-Biala, en 1956) que emigró a los Estados Unidos en 1981 y que en 1984 se trasladó a California. Es especialista en paisajes en ByN, sobre todo del Central Valley de California.

 

Las iglesias antiguas de mi patria me fascinaban.Son espacios santos donde millones de gente han orado por centenares de años. Son lugares de la gran humildad, y nos recuerdan cuan breves son nuestras vidas. Siento lo msmo cuando estoy fotografiando las arboledas antiguas de robles nativos de California. No era consciente de esto cuando comencé, pero tras reflexionar, pienso que los robles son tan sagrados como las antiguas catedrales de Europa. Son sagradas por que han sobrevivido durante tantos años. Soy consciente que los indígenas de California consideraban todas las cosas vivas como divinas. Para mí una arboleda del Valley Oaks (Valle de los robles) es tan sagrada como cualquier iglesia de Europa.

Biografía

Loranc realiza la foto del comienzo al final. Utiliza una cámara de campo Linhof de 4x5”, saca la mayoría de sus fotografías con una lente de Nikkor de 210mm, usa la película clásica Tri-X de Kodak, e imprime a mano sus negativos en el papel multigrado de fibra. El drama natural de los paisajes se reproduce con una técnica de variable semitono (sepia y selenio). Toda la impresión, localización, montaje y archivo son hechos por él mismo.

 

 

Referencias

 

Video

 

 

Eric Meola

Eric Meola es un fotógrafo americano (nacido en 1946 en Siracusa, Nueva York) autodidacta y que hace un magnífico uso del color.

 

(c) Eric Meola

 

 

Biografía

En Nueva York estuvo de aprendiz del fotógrafo Pete Turner, que le influenció en el uso del color saturado y del diseño gráfico. En 1971, abrió un estudio y comenzó a trabajar para las populares revistas Life, Esquire  y Time. Ha viajado por todo el mundo, y se le reconoce para el uso del color en su fotografía.

Una de sus fotos más famosas, la mostrada arriba, fue tomada en Haití. Esta foto apareció en la revista Life de 1997 como uno de los “100 momentos magníficos de los últimos 1.000 años”. A Meola también se le conoce por sus fotos de Bruce Springsteen, incluyendo la cubierta del álbum “Born to Run”.

Sus clientes incluyen American Express, Jeep, AT&T, Porsche y BMW.

 

 

Referencias

 

 

Libros