Jerry Uelsmann

Jerry N. Uelsmann es un fotógrafo estadounidense (nacido en Detroit, Míchigan, en 1934) conocido por sus fotomontajes que son composiciones que combinan múltiples negativos.

(c) Jerry Uelsmann

… Trato de comenzar a trabajar sin ninguna idea preconcebida. Cada ‘clic’ del obturador captura algo que me permite involucrar emociones e imágenes que conllevan la posibilidad de establecer una mayor compenetración con algún aspecto esencial del sujeto y de mis sentimientos hacia él, tanto conscientes como inconscientes.

Mis hojas de contacto se vuelven entonces una especie de diario visual de todas las cosas que he visto y experimentado con mi cámara. Contienen las semillas a partir de las cuales crecen mis imágenes.

Antes de entrar al cuarto oscuro, examino estas hojas y medito sobre ellas, en busca de yuxtaposiciones frescas e innovadoras que expandan las posibilidades del tema inicial. En el fondo, lo que espero es maravillarme yo …

 

 

Biografía

Comenzó a relacionarse con la fotografía en sus estudios secundarios. En sus comienzos fotográficos realizó fotografías de bodas hasta que obtuvo el título de Bachelor of Fine Arts en el Rochester Institute of Technology donde tuvo entre sus profesores a Minor White. Realizó estudios de Master of Fine Arts en fotografía en la Universidad de Indiana teniendo como profesor a Henry Holmes Smith.

En 1960 comenzó a impartir clases de fotografía en la Universidad de Florida y en 1967 realizó su primera exposición individual en el Museo de Arte Moderno de Nueva York lo que le hizo conocido en el ambiente artístico.

Jerry Uelsmann está alejado del uso de computadores y tecnologías digitales. Su trabajo corresponde 100% a la utilización de herramientas análogas y tradicionales de un laboratorio fotográfico.

Su trabajo en el laboratorio le ha hecho utilizar en algún caso hasta doce ampliadoras para trabajar en ellas una tras otra, aunque antes de entrar al mismo analiza con atención las hojas de contacto de los negativos para encontrar «yuxtaposiciones frescas e innovadoras».

El carácter surrealista de sus fotografías presenta un enfoque constructivista al combinar árboles, rocas, figuras humanas y fragmentos de paisajes.

Sus imágenes se encuentran en la iniciación de los capítulos de la serie de televisión Más allá del límite de 1995 y en la portada de los discos

  • Train of Thought de Dream Theater,
  • Islands de Mike Olfield.

La fotografía de Jerry es onírica, lejos del viejo patrón del fotógrafo como mero espectador: él crea su propio mundo mezclando secuencias diferentes de una misma realidad. Los símiles y la ironía tampoco faltan en muchos de sus artesanales trabajos.

Ha logrado numerosos premios, como el Guggenheim Fellowship (1967) y el National Endowment for the Arts Fellowship (1972).

Sus obras se pueden contemplar en exposiciones permanentes de ciudades y países de todo el mundo, como Nueva York, Londres, Canadá, Escocia, París, Washington, Estocolmo, Boston, Tokio …

 

 

Referencias

 

William H. Fox Talbot

William Henry Fox Talbot fue un fotógrafo, inventor, arqueólogo, botánico, filósofo, filólogo, matemático y político británico, nacido en Melbury, Dorset, en 1800 y fallecido en 1877, considerado como uno de los pioneros de la fotografía.

 

William Talbot

 

La fotografía es … solamente una sucesión o variedad de luces más fuertes lanzadas sobre una porción del papel, y de sombras más profundas en otra. Ahora la luz, donde existe, puede ejercer una acción.

 

Biografía

De forma paralela a los trabajos de Niepce y Daguerre, obtuvo los primeros resultados de sus investigaciones fotográficas en el año 1834, al obtener una serie de imágenes de flores, hojas, telas, etc.., por contacto de los objetos con la superficie sensibilizada, sin usar por tanto una cámara oscura. Talbot consiguió de esta manera imágenes en negativo que era capaz de fijar para impedir que la luz las hiciese desaparecer. A estas imágenes les otorgó el nombre de dibujos fotogénicos.

El primer negativo fotográfico estricto, no por contacto, lo consiguió en 1835, de una celosía en su casa de Lacock, en Wiltshire.

Tras estos logros comenzó a trabajar con la cámara oscura. En el año 1835 obtiene su primer negativo en un tamaño muy pequeño y para el que necesitó una exposición de media hora. No avanzó mucho en los siguientes años ya que sólo fue capaz de obtener imágenes pequeñas e imperfectas sobre papel y en negativo.

Al oír hablar del invento de Niepce y Daguerre se sintió estimulado para continuar sus investigaciones, buscando el reconocimiento público para su línea de investigación, pero sus imágenes imperfectas no podían ser comparadas a las realizadas por Daguerre.

Durante los años 1840 y 1841 obtuvo mejoras importantes en sus investigaciones, por lo cual dio a conocer públicamente su Calotipo con el que se podían realizar copias innumerables de un único negativo.

Las imágenes positivas obtenidas mediante el Calotipo son poco nítidas y carecen de una escala de grises a diferencia del Daguerrotipo, Sin embargo, resulta ser un procedimiento más económico y más fácil de utilizar, requiriendo además de un tiempo de exposición de ‘sólo’ unos treinta segundos.

A Talbot se debe también la publicación en 1844 del primer libro ilustrado con fotos de la historia, titulado El lápiz de la naturaleza, que resulta ser una biografía escrita para presentarnos su invento. Las fotos que en él se recogen son pegadas.

En 1851 inventó un procedimiento de fotografía instantánea.

En el campo de la óptica, descubrió que el ojo humano percibe una serie de destellos luminosos muy rápidos como una iluminación continua.

 

 

Referencias

 

Alfred Stieglitz

Alfred Stieglitz fue un fotógrafo estadounidense (nacido en Hoboken, Nueva Jersey, en 1864 y fallecido en Lake George, Nueva York, en 1946) que durante sus cincuenta años de carrera luchó por hacer de la fotografía una forma de arte al nivel de la pintura y la escultura. Para conseguir este objetivo empezó explorando dentro del campo de la fotografía capacidades propias de la pintura (composición, texturas…) para después recurrir a elementos propiamente fotográficos (profundidad de campo, efecto de corte fotográfico…). Pasó así del pictorialismo a la llamada fotografía directa.

 

(c) Alfred Stieglitz

La fotografía no es un arte. Ni lo es la pintura, ni la escultura, la literatura ni la música. Son sólo diferentes medios que permiten que el individuo exprese sus sensaciones estéticas… No tienes que ser pintor o escultor para ser artista. Puedes ser zapatero. Puedes ser creativo como zapatero. Y, si es así, eres mayor artista que la mayoría de los pintores cuyo trabajo se muestra en las galerías de arte de hoy en día.

 

 

 

Biografía

Stieglitz fue el mayor de seis hermanos de una familia de origen alemán y creció en la zona este de Manhattan. Su familia se mudó a Alemania en 1881. Al año siguiente, Stieglitz empezó a estudiar ingeniería mecánica en la Technische Hochschule de Berlín y muy pronto cambió estos estudios por los de fotografía. Realizó una serie de viajes por Europa, durante los cuales tomó numerosas fotografías de tema campestre: campesinos trabajando en las costas de los Países Bajos o la naturaleza virgen en el entorno de la Selva Negra alemana.

Durante la década de 1880 iría progresivamente ganándose la admiración y el respeto de sus colegas europeos, y obtuvo también numerosos premios. En 1893, tras su regreso a Nueva York, se casó con Emmeline Obermeyer. El dinero de ambas familias les aseguraba una posición desahogada, sin que tuvieran la necesidad de trabajar para vivir. De 1893 a 1896, fue editor de la revista American Amateur Photographer; sin embargo, su modo de trabajar resultaría ser brusco, autocrático, y alienante para muchos suscriptores.

Después de verse forzado a renunciar, se interesó por el New York Camera Club y posteriormente reconvertiría su boletín en una publicación seria y metódica conocida como Camera Notes. En 1902 organizó un grupo al cual sólo se podía entrar por estricta invitación, y lo llamó Photo-Secession con el objetivo de forzar al mundo del arte a reconocer la fotografía “como un medio distintivo de expresión individual.” Entre sus miembros se encontraban Edward Steichen, Gertrude Kasebier, Clarence White, y Alvin Langdon Coburn.

Photo-Secession llevó a cabo sus propias exposiciones y publicó Camera Work, una prestigiosa revista fotográfica, entre 1902 y 1917. De 1905 a 1917, dirigió las Little Galleries of the Photo-Secession en el nº 291 de la Quinta Avenida (que terminaron por conocerse como 291 por el número de la calle en el que se encontraban).

En 1910, le invitaron a realizar una exposición en Buffalo, Nueva York; en la Albright Art Gallery que alcanzó récords de visitantes. Insistía en el hecho de que las fotografías pareciesen fotografías, de modo que su realismo permitiera a la pintura una mayor abstracción. Este cambio hacia el arte abstracto mistificaría a los suscriptores de Camera Work y al público que acudía a las galerías.

En 1924 se casó con la pintora Georgia O’Keeffe y a ambos les sonrió el éxito, a él como fotógrafo (tomaría cientos de instantáneas de ella a lo largo de su vida), y a ella como pintora, que había alcanzado gran notoriedad gracias a sus exposiciones en 291 años antes.

Sin embargo, su matrimonio se desgastaría debido a la precaria salud de Stieglitz (sufría del corazón) y a su hipocondría, que obligaba a la pintora a cuidarle de modo constante. Alrededor de la década de 1930, Georgia O’Keeffe solía pasar unos seis meses en Nuevo México para alejarse de su marido.

En esa misma década de 1930, Stieglitz tomó una serie de fotografías, incluidos algunos desnudos, de la heredera Dorothy Norman, que de este modo pasaría a ser una seria rival para O’Keeffe en el afecto de Stieglitz. Tanto estas fotos como aquellas en las que aparece O’Keeffe se reconocen con frecuencia como uno de los primeros ejemplos en los que se explora el potencial de fragmentos aislados del cuerpo humano mediante la fotografía.

En estos años, Stieglitz también presidió dos galerías no comerciales de Nueva York, The Intimate Gallery y An American Place. Su trabajo fotográfico terminaría en 1937 debido a su enfermedad cardiaca. Durante los diez últimos años de su vida, veraneaba en el Lago George en Nueva York trabajando en un cobertizo que había convertido en un cuarto oscuro, y pasaba los inviernos con O’Keeffe en el Shelton de Manhattan, el primer hotel rascacielos de la ciudad.

Murió a la edad de 82 años, siendo todavía un firme apoyo para O’Keeffe, como lo fue siempre ella para él.

 

 

Referencias

 

Edward Steichen

Edward Steichen fue un fotógrafo luxemburgués, nacionalizado americano, (nacido en 1879 en Bivange, Luxemburgo, y fallecido en 1973 en West Redding, Connecticut) que es considerado el Iniciador de la fotografía de vanguardia y de la fotografía publicitaria, sentando las bases de la fotografía moderna. Buscó la interpretación emotiva e impresionista en sus temas y luchó para que la fotografía fuese reconocida como una manifestación formal de arte. También realizó heliogramas con papel japonés, difuminaba los contornos y manipulaba las fotografías para conseguir efectos artísticos. También fue precursor de la fotografía en color.

 

Edward Steichen

 

Biografía

En 1881 emigró con su familia a los Estados Unidos de América, donde su padre encontró trabajo en una mina de cobre. Tomó su primera foto en 1895 y posteriormente fue miembro del Photo-Secession (club de fotografía artística) y uno de los mayores representantes del Pictorialismo.

En 1900 se trasladó a París para estudiar pintura. Durante la primera guerra mundial fue fotógrafo en el ejército americano. En 1923 trabajó para las revistas de moda Vanity Fair y Vogue. Entre los famosos que retrató para la primera, se encuentran Greta Garbo y Charles Chaplin. Se le considera el creador de la fotografía del glamour.

Durante la segunda guerra mundial dirigió la sección de fotografía de los marines. En 1947 fue nombrado director de la sección de fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). En 1955, expone su obra maestra, la exposición de fotografía The Family of Man que realizó para el MoMA.

El 14 de febrero de 2006 se subastó en Sotheby’s, Nueva York, una de sus ampliaciones, titulada “The Pond-Moonlight” de 1904, cuyo valor ascendió a 2,928 millones de dólares (2,46 millones de euros). Siendo hasta entonces el valor más alto ofrecido en subasta por una fotografía.

 

 

Referencias

 

Eugene W. Smith

William Eugene Smith fue fotógrafo americano (nació en Wichita, Kansas, en 1918 y falleció en Tucson, Arizona, en 1978) considerado como uno de los padres del reportaje fotográfico.

(c) Eugene W. Smith

Mi aspiración es captar la acción de la vida, la vida del mundo, su humor, sus tragedias; en otras palabras, la vida tal y como es. Una imagen verdadera, real, sin poses. Ya hay bastantes farsas y engaños en el mundo como para ir por la vida fingiendo. Si fotografío a un mendigo, quiero que se vea la angustia que refleja su mirada; en una acería busco el símbolo de la fuerza y el poder que hay en ella. Si pretendo retratar a una persona feliz, quiero una sonrisa de pura felicidad, no una sonrisa para la cámara. Me cuesta expresar con palabras mis sentimientos, mi actitud hacia la fotografía. Ya no hago fotos por el simple placer de hacerlo, sino que, como muchos de los antiguos maestros de la pintura, quiero que simbolicen algo.

 

 

Biografía

Se graduó en la Alta Escuela del Norte de Wichita, en 1936.

Empezó su carrera realizando fotografías para dos periódicos locales: “The Eagle” y “The Beacon“.

Se trasladó a Nueva York y comenzó a trabajar para el Newsweek y comenzó a ser conocido por su incesante perfeccionismo y su personalidad.Se salió de Newsweek por negarse a usar cámaras de formato medio, uniéndose a la revista Life en 1939.

Trabajó como corresponsal para la publicación Ziff-Davis, y de nuevo para la revista Life; Smith fotografió la Segunda Guerra Mundial, realizando las fotografías de la ofensiva americana contra Japón y tomando fotos de los marines norteamericanos y de los prisioneros de guerra japoneses en Saipán, Guam, Iwo Jima y Okinawa, siendo herido por un mortero.

Una vez recuperado, y profundamente desilusionado de la fotografía de guerra continuó su labor en Life y perfeccionó el ensayo fotográfico, desde 1947 hasta 1954.

En la década de los 50 se une a la Agencia Magnum.

Empezó un proyecto documental sobre Pittsburgh, y una serie de libros de sus ensayos fotográficos. En estos libros, Smith tenía un auténtico control sobre el proceso de edición de las fotografías del libro, llegando a tener una gran fama de inconformista.

Murió en 1978 debido al abuso de drogas y alcohol.

Actualmente, la fundación W. Eugene Smith promueve la “fotografía humanista“, que desde 1980 premia a los fotógrafos comprometidos en este campo.

Sus principales ensayos fueron:

  • Spanish Village,
  • Comadrona,
  • Médico rural,
  • Un hombre piadoso,
  • Pittsburg, y
  • Minamata,

 

 

Referencias

 

Cindy Sherman

Cindy Sherman es una cineasta y fotógrafa americana (nacida en Glen Ridge, New Jersey, en 1954 y que vive y trabaja actualmente en Nueva York) conocida por sus series de retratos conceptuales.

(c) Cindy Sherman

“Me siento anónima en mi trabajo. Cuando miro las fotografías nunca me veo; no son autorretratos. Hay veces que desaparezco”.

 

 

Biografía

Sherman se interesó en el arte en la Universidad del Estado de Búfalo, donde comenzó a pintar. Frustrada por las limitaciones del medio, se pasó a la fotografía.

Estaba copiando meticulosamente el arte de otros y entonces me di cuenta de que, para hacer eso, podía utilizar una cámara fotográfica y emplear mi tiempo en las ideas.

Así pasó el resto de su carrera de la universidad centrada en la fotografía. Aunque había suspendido una asignatura obligatoria de fotografía como estudiante de primer año, repitió el curso con Barbara Jo Revelle, que la introdujo al arte conceptual y a otras formas del arte contemporáneo.

Sherman trabaja en series, típicamente fotografiándose en una diversa gama de vestidos. Por ejemplo, en su serie de fotografías Complete Untitled Film Stills, (1977–1980) aparece como actriz de serie B, de películas extranjeras y de películas en blanco y negro. En otra serie, fechada en 2003, aparece como payaso.

Aunque no considera feminista a su trabajo, algunas de sus series, como Centerfolds (1981) llaman la atención por evidenciar el estereotipo de mujer en películas, televisión y revistas.

En respuesta a la controversia del financiamiento de la NEA y los fotógrafos Robert Mapplethorpe y Andres Serrano, produjo la serie Sex en 1989. Estas fotografías mostraban maniquíes médicos despiezados en posiciones eróticas. Como mucho del trabajo de Sherman, muchos críticos encuentran la serie al mismo tiempo molesta y divertida.

En 2006, el museo Jeu de Paume de París realizó la exposición “Cindy Sherman: Una retrospectiva”, incluyendo trabajos suyos realizados de 1975 a 2005.

También ha trabajado como directora de cine. Su primera película fue Office Killer en 1997. También ha realizado un cameo en Pecker de John Waters.

 

Referencias

 

 

Video

Y para finalizar un video de presentación de su obra (se podrán ver más en la página de Youtube) :

 

Jacob Riis

Jacob Riis fue un fotoperiodista y reformador social danés-estadounidense (nacido en Ribe, Dinamarca, en 1849 y fallecido en Barre, Massachusetts, en 1914) célebre porque utilizó su talento como fotógrafo y periodista para ayudar a los menos afortunados en la ciudad de Nueva York quienes fueron los principales sujetos de sus obras. Contribuyó con un modelo de vivienda subsidiada en la ciudad con la ayuda del filántropo Lawrence Veiller. Fue además uno de los primeros fotógrafos en utilizar el flash y por ello considerado uno de los pioneros de la fotografía.

Jacob Riis

Hace mucho tiempo,… alguien dijo que “una mitad del mundo no sabe cómo vive la otra mitad.” … No lo sabe porque no se preocupa … hasta que algún ultraje flagrante de la decencia y la salud de la comunidad le despierta una indignación ruidosa pero efímera.

 

 

Biografía

Jacob August Riis emigró a los Estados Unidos en 1870 a los 21 años de edad para buscar empleo como carpintero, llegando en una era de gran turbulencia social porque miles de personas (24 millones) huían hacia las ciudades escapando de la Guerra Civil Americana y en búsqueda de prosperidad. Riis se encontró entonces como un pobre emigrante más que llegaba, pasando años de gran pobreza y muchas penalidades.

Riis trabajó en varios oficios antes de aceptar un trabajo como reportero policial en 1874 para el periódico New York Evening Sun. En 1874 se unió a la oficina de noticias de Brooklyn News.

En 1877 trabajó como reportero policial para el New York Tribune. Durante todo ese tiempo como reportero policial, Riis recorrió los bajos fondos de Nueva York y conoció muy bien la realidad de la gente más pobre, especialmente de los inmigrantes.

Fue el primer periodista estadounidense en utilizar el flash, lo que le permitió hacer tomas fotográficas nocturnas y elaborar sus célebres documentales sociales como aquel de la Calle Mulberry, tenida entonces como centro del crimen en la ciudad.

En 1888 el New York Sun publicaba su ensayo “Flashes from the Slums: Pictures Taken in Dark Places by the Lightning Process“. En 1889 el Scribner’s Magazine publicó los ensayos fotográficos de Riis acerca de la vida de la ciudad

En 1890 creó su obra más meritoria, “Cómo vive la otra mitad“. Dicho documental convenció al comisionado de la policía, Theodore Roosevelt, de cerrar las residencias para pobres controladas por la policía en las cuales Riis sufrió sus primeros años en Estados Unidos. Después de leer el documental, Roosevelt se dejó impresionar por el alto sentido de la justicia de Riis y se hizo su amigo por el resto de su vida para referirse a él como el mejor estadounidense que he conocido.

 

 

Referencias

 

Eliot Porter

Eliot Porter fue un fotógrafo estadounidense (nacido en Winnetka, Illinois, en 1901 y fallecido en Santa Fe, Nuevo Méjico, en 1990) conocido por sus fotografías de naturaleza en color.

 

(c) Eliot Porter

 

Creo que la intrincación del detalle y la complejidad del sujeto no necesitan contradecir ni la armonía ni la simplicidad inherente del conjunto.

 

 

Biografía

Fotógrafo aficionado desde su niñez, fotografió la Great Spruce Head Island que era de su  familia. Se graduó en ingeniería química y medicina y trabajó como investigador en química en la Universidad de Harvard. Hacia 1930 conoció a Ansel Adams y a Alfred Stieglitz.

En 1938, Stieglitz mostró el trabajo de Porter en su galería de Nueva York, con tanto éxito que Porter dejó el trabajo de experimentación y se dedicó a la fotografía a tiempo completo. En los años 40, comenzó a trabajar en color con nuevo proceso Eastman Kodak, una técnica que ya no abandonaría.

En 1962, su reputación creció después de la publicación del libro In Wildness Is the Preservation of the World, publicado por el Sierra Club, con fotografía de Porter y textos de  Henry David Thoreau.

Viajó en numerosas ocasiones a lugares ecológicamente importantes y a lugares culturalmente significativos. Publicó libros de fotografías de Glen Canyon (Utah), de Maine, de Baja California, de las islas de Galápagos, de la Antártida, de África Oriental y de Islandia. Sus estudios culturales incluyeron Méjico, Egipto, China, Checoslovaquia y la Grecia antigua.

En 1987, el libro Chaos: Making a New Science de James Gleick hizo a Porter reexaminar su trabajo en el contexto de la teoría del caos. En 1990 volvió a colaborar con Gleik en el proyecto Nature’s Chaos, combinando sus fotografías con el nuevo ensayo de Gleick.

A su muerte legó su archivo personal al Amon Carter Museum.

 

 

Referencias

 

Paul Outerbridge

Paul Outerbridge Jr. fue un fotógrafo estadunidense (nacido en Nueva York en 1896 y fallecido en 1958). De educación multidisciplinar, sus primeras fotografías se centraron en abstracciones de estilos de vida, con objetos comunes como tazas, bombillas, botellas de leche, piezas de maquinaria y huevos. Trabajó como fotógrafo comercial, principalmente de moda, siendo conocido por la alta calidad de sus ilustraciones en color, realizadas por medio del proceso tricolor carbro, que era extremadamente complejo. Además, tiene una serie de desnudos eróticos en color que apenas pudo exhibir y publicar durante su vida.

Paul Outerbridge

Una diferencia muy importante entre la fotografía de color y la monocromática es que, en blanco y negro sugieres, en color expones, muestras. Mucho puede ser implicado por la sugerencia, pero la exposición pide certeza … absoluta certeza.

 

 

Biografía

En su adolescencia trabajó como ilustrador y diseñador de teatro. Después de que un accidente causara su salida del Royal Canadian Naval Air Service, en 1917 se alistó en el ejército americano donde empezó con la  fotografía. En 1921 asistió a  la escuela de fotografía Clarence H. White en la Universidad de Colombia. En 1922 su trabajo empezó a aparecer en revistas como Vanity Fair y Vogue.

En 1925, la Royal Photographic Society de Londres invitó a Outerbridge a que expusiera. Después viajó a París donde entabló amistad con fotógrafos y artistas como Man Ray, Marcel Duchamp y Berenice Abbott. En París produjo la versión francesa de Vogue, trabajó con Edward Steichen y construyó el estudio fotográfico para publicidad más grande y mejor equipado de todos los tiempos.

En 1929, 12 de sus fotografías fueron incluidas en la prestigiosa exposición Film und Foto en Alemania. Volvió a Nueva York en 1929, donde abrió un estudio donde realizaba trabajo comercial y artístico y comenzó a escribir una columna mensual sobre fotografía en color para U.S. Camera Magazine. En 1937, las fotografías de Outerbridge fueron incluidas en una exposición del Museum of Modern Art.

En 1940, publicó su libro Photographing in Color, usando ilustraciones de la alta calidad para explicar sus técnicas. En 1943 se trasladó a Hollywood tras retirarse como fotógrafo comercial tras los escándalos por sus fotografías eróticas. En 1945, se casó con la diseñadora de moda Lois Weir y trabajaron juntos en su compañía de moda Lois-Paul Originals.

Un año después de su muerte, la institución Smithsonian efectuó una exhibición de las fotografías de Outerbridge.

 

 

Referencias

 

Timothy O’Sullivan

Timothy H. O’Sullivan fue un fotógrafo estadounidense (nacido en Nueva York en 1840 y fallecido en Staten Island de tuberculosis en 1882)  conocido por su trabajo sobre temas de la guerra civil y el Oeste de Estados Unidos.

 

Timothy O'Sullivan

 

 

Biografía

O’Sullivan trabajó de adolescente para Mathew Brady. Al comienzo de la guerra civil, a principios de 1861, fue comisionado como teniente primero en el Ejército de la Unión, y en los años siguientes peleó en las batallas de Beaufort, Port Royal, Fort Walker y Fort Pulaski. Luego de su baja con honores se reincorporó al equipo de Brady. En julio de 1862 acompañó al general John Pope en la campaña del Norte de Virginia. Asociándose con el estudio fotográfico de Alexander Gardner obtuvo la publicación de 44 fotografías de su colección de la guerra civil.

En julio de 1863 tomó su fotografía mas famosa «The Harvest of Death» (La cosecha de la muerte) mostrando soldados muertos luego de la batalla de Gettysburg en lo que se considera la única evidencia fotográfica de la misma. En 1864 acompañó al general Ulysses S. Grant y registró el asedio de Petersburg antes de viajar brevemente a Carolina del Norte para documentar la segunda batalla de Fort Fisher. También estuvo en Appomattox Court House, donde tuvo lugar la rendición de Robert E. Lee en abril de 1865.

De 1867 a 1869 fue oficial fotógrafo en la exploracion geológica del paralelo 40° dirigida por Clarence King. La expedición comenzó en Virginia City (Nevada), donde fotografió las minas, y continuó hacia el oeste. Su trabajo consistía en fotografiar los nuevos territorios para atraer colonos. Sus fotografías estuvieron entre las primeras en registrar las ruinas prehistóricas de los indios Navajo y las aldeas de los Pueblo en el sudeste.

En 1870 se unió a una expedición a Panamá para buscar el sitio para un canal que atravesara el istmo. Entre 1871 y 1874 retornó al sudoeste acompañando la expedición de George M. Wheeler al meridiano 100°.

Pocos de los 300 negativos que tomó se han conservado. Pasó los últimos años de su corta vida en Washington DC, como fotógrafo oficial del Servicio Geológico de los Estados Unidos y del Departamento del Tesoro.

 

 

 Referencias

 

Felix Nadar

Gaspard-Félix Tournachon, más conocido como Nadar fue un fotógrafo, periodista, ilustrador y caricaturista francés (nacido en 1820 en Lyon y fallecido en París en 1910) que está considerado como el gran fotógrafo del siglo XIX.

 

Felix Nadar

Ahora bien en mi humilde opinión, comenzar a vivir de una forma y por las circunstancias cualesquiera, no define el futuro de nuestras vidas, quizá quedarse sin trabajo, es la clave para encontrar nuestro destino; la derrotas y los fracasos al final sólo son trampolines, a nuevos y mejores espacios en el planeta todo es cuestión de saber con qué y cómo nos sentimos bien, para poder así encontrar nuestra verdadera labor.

 

Biografía

Estudió medicina en su ciudad natal. En 1842 debido a la quiebra de la empresa de impresión de su padre, se trasladó a París ganándose la vida como periodista y caricaturista.

Por consejo de un amigo compró una cámara fotográfica que utilizó para recoger los retratos que habrían de servir de base de las caricaturas de su obra Panthéon Nadar, 1853, donde aparecieron grandes personajes de la política y la cultura del momento pertenecientes a su círculo de amistades, tales como Charles Baudelaire.

Nunca se planteó el retrato fotográfico como una actividad con la que ganar dinero, pues mantenía unas ideas estéticas sobre cómo realizar los retratos que le alejaban de los criterios más comerciales, pero que por el contrario lo elevaban al rango artístico. En todo momento se negó a colorear los retratos, así como a practicar cualquier tipo de retoque. También renunció a la utilización de elementos de atrezzo. Nadar únicamente se sirve de la luz (modo de iluminar al modelo) y del gesto (mirada y actitud de los modelos favorecida por la relajación de los amigos fotografiados), como elementos principales de la fotografía.

Conoció a los grandes hombres de su época, que posaron gustosamente en su estudio: Julio Verne, Víctor Hugo, Delacroix, Edouard Manet, Sarah Bernhardt, entre otros.  Nadar demostró, mejor que cualquier otro fotógrafo de su época, que la fotografía es algo muy distinto al simple producto de una técnica.

A Nadar se deben las primeras fotografías aéreas de la historia en el año 1856 realizadas con una cámara fotográfica desde un globo aerostático. Esta innovación tuvo un gran interés militar. En los años 1870 fue nombrado comandante de una compañía de globos aerostáticos para tomar fotografías de las posiciones de los prusianos que cercaban el París de la Comuna.

También fue el primer fotógrafo en realizar fotografías con luz artificial consiguiendo captar imágenes de las catacumbas de París.

A su muerte dejó más de 450.000 placas de cristal que obran en poder de su hija.

 

 

Referencias

 

Eadweard Muybridge

Eadweard Muybridge (pseudónimo de Edward James Muggeridge) fue un fotógrafo e investigador inglés (nacido en Kingston upon Thames, Gran Bretaña, en 1830 y fallecido también en Kingston upon Thames, en 1904) cuyos experimentos sobre la cronofotografía sirvieron de base para el posterior descubrimiento del cinematógrafo.

 

Eadweard Muybridge

 

 

Biografía

Cambió su nombre, cuando emigró a los Estados Unidos en 1851. Radicado en San Francisco, fue el primero en registrar el movimiento de seres vivos, reproducirlo e incluso proyectarlo.

En sus primeros veinte años se fue a vivir en los Estados Unidos, ganando gran reputación por sus fotografías de paisajes del Oeste Americano, en especial la serie sobre el parque Nacional de Yosemite. Como utilizaba el colodion húmedo, al igual que otros fotógrafos de viaje necesitaba llevar consigo, todos los sensibilizadores y equipo de procesamiento.

La aportación al cine que Muybridge realizó fue posible gracias a una apuesta. El millonario americano Leland Stanford (fundador de la universidad del mismo nombre) era aficionado criador de caballos, él tenía la teoría de que un caballo a galope en cierto momento tenía las cuatro patas al aire,  y para demostrarlo contrató a Muybridge y le ofreció utilizar su caballo “Occidente” para la prueba.

El principal problema para realizar la serie de fotos fue la velocidad de obturación de la cámara. Para solucionarlo Muybridge diseñó un sistema de cortinas de madera con elásticos que lograban elevar la velocidad de obturación a 1/2000 de segundo (en ese tiempo el obturador más rápido no superaba el ½ de segundo). Con esto fotografió a “Occident” en un recorrido sobre una pista, desafortunadamente la imagen fue demasiado borrosa y no sirvió.

Entonces lo intentó alineando 12 cámaras sin tener nuevamente éxito. Por último diseñó disparadores electromagnéticos que se activaban al paso del caballo, y ésto hizo posible el registro de 12 imágenes durante el recorrido, para luego convertirse en 24 en una segunda toma. Estas fotos fueron proyectadas para la prensa de la época, causando gran revuelo. El mecanismo de proyección fue mediante un aparato basado en el fenakistoscopio y la linterna mágica.

En 1882 Muybridge apareció ante una sesión especial de la Royal Institution de Londres proyectando con ayuda del zoopraxiscopio una serie de fotografías que daban la sensación de movimiento continuo. Después de ello vio con asombro como sus imágenes aparecían en varias publicaciones en las que no sólo se reproducían las tomas sino que se analizaban. En 1885 terminó su trabajo y, en 1887, lo publicó bajo el título “Animal Locomotion, an Electro-Photographic Investigation of Censecutive Phases of animal Movements”, obra muy bien acogida por artistas y hombres de ciencia. En 1901 se publicó en Londres una edición reducida titulada “The Human figure in Motion”. Las fotografías tenían por objeto principal servir de bocetos a los artistas. Eran como un inmenso atlas de la locomoción humana y animal: 781 placas con más de 20.000 figuras, en casi todas las fases del movimiento.

En 1889 Muybridge regresó a Londres donde, más popular que nunca, ofreció conferencias con ilustraciones en la Royal Academy, la Escuela de Arte de Kensington Sur y otras instituciones y grupos.

Su trabajo es de gran importancia para el cine ya es la primera serie de fotografías que descompone el movimiento rápido.

 

 

Referencias

 

 

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