Éduard Boubat

Édouard Boubat fue un fotógrafo y reportero gráfico francés (nacido el 13 de septiembre de 1923 en el barrio Montmartre de París, y fallecido en Montrouge el 30 de junio de 1999)  que está considerado como uno de los principales representantes de la fotografía humanista en Francia y el mejor fotógrafo romántico de Francia.

Lella, en Bretaña (c) Eduard Boubat

 

Vivir, experimentar el mundo, comunicarte con una cámara, todo esto está relacionado y no puede ser separado en el quehacer diario.

Biografía

Entre 1938 y 1942 estudió fotograbado en la Escuela Superior de Artes e Industrias Gráficas de París. Al finalizar la segunda guerra mundial comienza a interesarse en la fotografía y en 1947 obtiene el premio Kodak en el Salón Internacional de Fotografía celebrado en París. Poco después comienza a trabajar como reportero gráfico para la revista mensual Realités, siendo su primer trabajo un reportaje sobre la peregrinación a Santiago de Compostela.

En 1955 fue seleccionado para participar en la exposición The family of man en el MOMA. Al convertirse en fotógrafo independiente en 1967 trabajó para la agencia Rapho entre otras. Recorrió como fotógrafo gran cantidad de países: España, Italia, Alemania, Noruega, Estados Unidos, Canadá, México, Brasil, Egipto, Marruecos, Japón, Corea y el Caribe.

En 1971 recibió la medalla David Octavius Hill de la Sociedad alemana de fotografía. En 1984 obtuvo el Gran Premio Nacional de Fotografía de Paris. En 1988 recibió el Premio Internacional de la Fundación Hasselblad. En sus fotografías trató de mostrar escenas que muestren la poesía en la vida cotidiana.

Algunas de sus fotografías se han convertido en iconos de una sociedad, como:

  • La petite fille aux feuilles mortes que realizó en 1947 en el jardín del Luxemburgo de Paris,
  • Lella, Bretagne realizada ese mismo año,
  • Parc de Saint-Cloud de 1981.

Su obra ha sido publicada en numerosos libros y ha realizado numerosas exposiciones tanto individuales como colectivas sobre todo en Francia, Italia y Estados Unidos.

 

 

Referencias

Duane Michals

Duane Michals es un fotógrafo americano (nacido el 18 de febrero de 1932 en McKeesport, Pennsylvania) cuya fotografía destacó en los años setenta por sus exposiciones múltiples, por sus secuencias y por la incorporación de dibujos y textos como elementos de las fotos. Se le considera uno de los principales representantes de la fotografía conceptual y filosófica.

 

(c) Duane Michals

 

La realidad no me interesa en absoluto. Prefiero vivir en un mundo irreal, me parece más estimulante. Nunca me ha interesado la calle, no creo que ahí afuera ocurra nada interesante. Al contrario que otros colegas, yo no me he paseado jamás con la cámara a cuestas para captar una instantánea. A mí, sobre todo, me interesan las emociones y los sueños. Lo que pasa en la calle actualmente es demasiado estúpido como para prestarle atención.

 

 

Biografía

Aunque hijo de una familia obrera, Michals se interesó en el arte en la adolescencia y se apuntó a clases de acuarela en el instituto Carnegie de Pittsburgh. Estudió Bellas Artes en la Universidad de Denver para iniciar después un curso de postgrado en la Escuela de Diseño Parsons, en Nueva York, aunque abandonó los estudios de diseñador gráfico antes de finalizarlos. Su formación fotográfica es autodidacta, siendo Atget el fotógrafo que más le influyó, aunque en sus fotografías se nota la influencia del surrealismo, especialmente de Magritte y Balthus. Sin embargo, suele introducir elementos de reflexión sobre la existencia humana .

Comenzó a fotografiar en los 50, añadió texto a sus imágenes a los 60 y, a finales de esa misma década, comenzó a trabajar en secuencia. En 1958 viajó a la Unión Soviética y con una cámara prestada retrató a las personas que se encontraba. Tuvo algunos problemas a la vuelta, pues era la época de la “guerra fría”.

En 1963, con estas  imágenes organizó su primera exposición en la Underground Gallery de Nueva York. Los retratos que ha ido realizando después han continuado esta tendencia de hacerlos en su propio ambiente y no utilizando el estudio fotográfico. Con los retratos realizados entre 1958 y 1988 ha realizado un libro llamado Album.

En 1966 expuso en el George Eastman House de Rochester, Nueva York, con Lee Friedlander, Garry Winogrand, Bruce Davidson y Danny Lyon.

En 1970 realiza una exposición en el MOMA de Nueva York. Desde estos años ha realizado bastante exposiciones en todo el mundo siendo considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX.

También ha realizado portadas para la revista Life, desplegables de moda para Vogue, reportajes anuales para el New York Times, hasta campañas de publicidad para Gap y Microsoft. Incluso se aventuró en la fotografía y diseño de la portada del álbum Synchronicity de The Police.

Sus obras fotográficas pueden encontrarse en las colecciones permanentes del Museo Metropolitano de Arte (MoMA),  Museo J. Paul Getty, el Museo de Arte de Filadelfia, Moderna Museet (Estocolmo), Museo Nacional de Arte Moderno de Kioto, National Gallery de Auckland, (Australia) y el Museo de Israel en Jerusalén, entre otros.

Una característica esencial de su obra es la redefinición del medio fotográfico como un medio artístico y no como un registro de la realidad, destacando el papel de las emociones y los sueños.

 

 

 Referencias

 

Bernard Plossu

Bernard Plossu es un fotógrafo francés (nacido el 26 de febrero de 1945 en Dalat, Vietnam) del que la parte más importante de su trabajo está constituida por reportajes de viajes. Es el fotógrafo viajero por excelencia. Su espíritu nómada le ha llevado desde hace décadas a deambular por el planeta con el espíritu abierto y el ojo presto.

 

La Cienegilla, 1982 (c) Bernard Plossu

 

Los americanos (Ansel Adams, por ejemplo) hacen las fotos muy grandes. Tienes que alejarte un poco para verlas bien. Pero el desierto, que es tan inmenso, es íntimo. Y para mostrarlo de verdad, ensayé en lo pequeño.

Cuanto más lejos se va, se encuentran más lugares a donde ir aún más lejos.

La única proeza sobre el viajar es tomar la decisión de partir.

Viajar no es cruzar fronteras sino cambiar de olor.

Caminar, o la mejor manera de ir de ningún sitio a alguna otra parte.

Biografía

De 1951 a 1962 estudió en París. En 1958 (a los 13 años) empezó con la fotografía. Viajó al Sahara con su padre, con una Brownie Flash. En 1965, se marchó a México en compañía de una expedición inglesa para fotografiar la jungla de Chiapas.

Realizó numerosos reportajes en color en tierras de los indios mayas, en California; recorrió todo el oeste americano, Nevada y el Medio Oeste. En 1970 realiza un trabajo sobre la India, ideando las secuencias “subanalistas“: secuencias banales que son, de hecho, surrealistas.

Sigue viajando continuamente, realizando numerosos reportajes en color y, en 1975, viaja, por primera vez, al Níger. Desde entonces no hace más que fotografías en blanco y negro tomadas con una focal de 50 mm. para quedarse al margen de la fotografía comercial.

En 1983 empieza a pintar y a trabajar con la agencia Fotowest. En 1987, gracias al Instituto francés de Nápoles, efectúa una estancia fotográfica en la isla de Stromboli. Al año siguiente se instala en la isla Lipari.

En 2006 expone su proyecto Los jardines de polvo. El formato es de 11,4 cm por 7,6, que considera como la dimensión perfecta. Dice que los inmensos espacios, condensados así, llaman a la reflexión.

 

 

Referencias

 

Annie Leibovitz

Anna-Lou “Annie” Leibovitz es una fotógrafa estadounidense (nacida en  Waterbury, Connecticut, el 2 de octubre de 1949), que fue la primera mujer en exponer su obra en la Galería Nacional de Retratos de Washington D. C., y la última en retratar al músico John Lennon, horas antes de que éste fuera asesinado en 1980. Es la fotógrafa mejor pagada del mundo (y posiblemente la más manirrota) y ha trabajado para revistas como Vanity Fair, Rolling Stone y Vogue.

 

(c) Annie Leibovitz

 

Me doy por satisfecha si hago cinco fotos buenas en un año. Conozco la diferencia entre una buena foto y otras de circunstancias… Pero el verdadero trabajo personal es la edición del material.

 

 

Biografía

Es la tercera hija del matrimonio judío compuesto por el militar Samuel Leibovitz y Marilyn Heit Leibovitz, una instructora de danza contemporánea. Las labores militares de su padre obligaron a Annie y a sus cinco hermanos a mudarse frecuentemente.

En la secundaria, Annie se interesó en diversas ramas artísticas. Comenzó a escribir y a tocar música e ingresó en el Instituto de Arte de San Francisco en 1967 porque deseaba ser profesora de arte, pero empezó a interesarse por la fotografía en una base aérea de Filipinas y  continuó desarrollando sus habilidades fotográficas mientras trabajaba en diferentes lugares, incluyendo una temporada en un kibutz israelí en 1969, lugar en el que participó en una excavación arqueológica en el templo del rey Salomón.

De vuelta a Estados Unidos en 1971, Leibovitz obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en el Instituto de Arte de San Francisco. Posteriormente, trabajó junto al fotógrafo Ralph Gibson. El editor Jann Wenner, de la entonces emergente revista Rolling Stone, quedó impresionado con su portafolio y le aceptó en la revista, en la que dos años después llegó a fotógrafa jefe, cargo que mantuvo 10 años y en el que realizó 142 portadas.

En 1975 documentó la gira musical Rolling Stones Tour of the Americas ’75 que el grupo realizó en Estados Unidos y Canadá. Como dos años más tarde la revista se trasladó a Nueva York, Leibovitz también lo hizo, con diversos problemas, entre ellos, su adicción a las drogas, especialmente a la cocaína. El 8 de diciembre de 1980, Annie acudió al departamento del músico John Lennon para fotografiarlo para Rolling Stone.  Horas después de la sesión fotográfica, John fue asesinado por un admirador.

Desde 1983, ha trabajado como retratista de la revista estadounidense Vanity Fair, llegando a recibir hasta 2 millones de dólares anuales por ello. En 1988, Leibovitz retrató a diversas celebridades para una campaña publicitaria de la tarjeta de crédito American Express, por la cual ganó el premio Clio. Dos años más tarde fundó el Estudio Annie Leibovitz en Nueva York.

En 1991 se convirtió en el segundo fotógrafo vivo (y la primera mujer) en exhibir su obra en la Galería Nacional de Retratos de Washington D. C. La muestra, que contó con más de 200 retratos en blanco y negro y en color, fue seguida por la publicación del libro Photographs: Annie Leibovitz 1970-1990.

En 1993 comenzó a trabajar para la revista de modas Vogue y recibió un doctorado honorario por parte del Instituto de Arte de San Francisco, donde ella había estudiado en su juventud. Desde el año 1995, tiene la misión de retratar a los actores y actrices que aparecen en The Hollywood issue, una edición que Vanity Fair publica en marzo de cada año con retratos de los actores más destacados de Hollywood.

 

En 1996, fue la fotógrafa oficial de los Juegos Olímpicos de Verano en Atlanta, Georgia. Una compilación de retratos en blanco y negro de atletas fue publicada en junio de ese año en el libro Olympic portraits. Su próxima publicación fue Women (1999), que venía acompañada de un ensayo escrito por su pareja, Susan Sontag. En los retratos femeninos de esta colección aparecían juezas, mineras y granjeras, entre otras. En el año 2000, fue la encargada de escoger y retratar a cinco mujeres para el Calendario Pirelli.

En 2008, Vanity Fair recopiló sus más destacados retratos de celebridades para la exhibición Vanity Fair Portraits-Photographs 1913-2008 que fue montada en la Galería Nacional de Retratos de Londres. Annie fue una de las que participó en la muestra.

Aunque es conocida principalmente por sus retratos de celebridades, Leibovitz ha practicado la fotografía documental y de paisajes, contratada por la editorial Condé Nast Publications desde 1993.

A pesar de ser la fotógrafa mejor pagada, no escatima medios a la hora de producir sus fotografías ni repara en gastos para su disfrute personal y en los últimos años ha tenido graves problemas financieros y tiene hipotecada su producción fotográfica para los próximos años.

Retratos memorables:

  • Yōko Ono acostada mientras su marido, John Lennon, la abraza y se acurruca completamente desnudo.
  • Bruce Springsteen, en concreto el trasero del cantante enfundado en unos viejos vaqueros; se trató de una fotografía tomada al azar en la sesión fotográfica del disco Born in the U.S.A., y que acabó por convertirse, nada menos, que en la portada del álbum.
  • La actriz Demi Moore desnuda, exhibiendo su embarazo de siete meses.
  • Whoopi Goldberg sumergida en una bañera llena de leche, dejando ver sólo su rostro y sus extremidades.
  • George W. Bush y su gabinete posando en la Oficina Oval de la Casa Blanca, luego de los atentados terroristas del 11 de septiembre de 2001.
  • El artista búlgaro Christo envuelto completamente en tela, tal como él empaqueta los edificios.
  • La cantante Dolly Parton posando sonriente, mientras el actor Arnold Schwarzenegger hincha sus bíceps detrás de ella sin mostrar su rostro.
  • Los actores Dan Aykroyd y John Belushi disfrazados como The Blues Brothers con sus caras pintadas de azul.
  • La reina Isabel II del Reino Unido, mirando hacia Londres por la ventana de un salón del Palacio de Buckingham.
  • El artista Keith Haring, quien aparece con su cuerpo pintado igual a uno de sus cuadros.
  • El político ruso Mijaíl Gorbachov sentado dentro de un automóvil con los restos del Muro de Berlín al fondo.
  • El cantante Sting cubierto de barro en el desierto, mimetizándose con el paisaje.
  • Un primer plano del músico Pete Townshend, quien apoya la cabeza sobre su mano mientras brota sangre desde su palma.
  • La cantante y actriz Miley Cyrus cubriendo su busto solo con una sábana blanca cuando ella tenía apenas 15 años de edad.

 

 

Referencias

 

Nobuyoshi Araki

Nobuyoshi Araki es un fotógrafo japonés (nacido el 25 de mayo de 1940 en Tokio) cuyos aspectos propios son la ruptura con la fotografía tradicional, el uso de erotismo y la elegancia de sus producciones fotográficas.

 

(c) Nobuyoshi Araki

 

Si yo no hiciera fotografía, no tendría absolutamente nada. Mi vida es totalmente sobre la fotografía, y por eso la vida es ella misma fotografía.

Después de la muerte de Yoko, no quería fotografiar ninguna otra cosa que no fuera la vida. Sin embargo cada vez que disparaba, obturaba sobre la muerte, porque si haces fotografías, entonces detienes el tiempo. (…) escucha bien : fotografiar es asesinar.

Biografía

Estudió fotografía en la universidad (diplomado de la universidad de Chiba en 1963) y ese mismo año recibe el premio Taiyō. Más tarde se va a trabajar a una agencia publicitaria en Dentsu, donde contrae matrimonio con Yoko en 1971. Después de la boda, publica un libro de fotografías de su mujer tomadas durante la luna de miel que titula Sentimental Journey.

En 1981, Araki dirige la película porno High School Girl Fake Diary que no gusta ni a sus fans ni a los del cine porno. Su esposa muere en 1990 a causa de un cáncer de ovario. Las fotos tomadas durante sus últimos días están recogidas en el libro Winter Journey.

Sus trabajos siempre le han aportado una gran notoriedad entre el público japonés e internacional, sus fotografías, siempre acompañadas de textos en forma de diario íntimo, fueron precursores e innovadoras con las tendencias artísticas del momento.

Más tarde, es conocido por sus fotografías documentando la industria sexual japonesa y enfocando el barrio de Kabukichō de Shinjuku en Tokio en 1980, publicó Tokyo Lucky Hole.

Björk es una admiradora del trabajo de Araki y ha posado para él como modelo. También ha fotografiado a Lady Gaga. Sus trabajos forman parte de colecciones de numerosos museos, como el Tate y el San Francisco Museum of Modern Art.

Después de ser diagnosticado con cáncer, el tema principal de su trabajo es la capacidad de dar la vida (por ejemplo, fotos de mujeres desnudas con su hijo recién nacido) y también está realizando fotos de flores que quiere que sean usadas en su funeral en lugar de flores de verdad.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Otoko to onna no aida ni wa shashinki ga aru (“Hay una cámara entre el hombre y la mujer”), 1977
  • Tokyo, 1977
  • Waga ai Yoko (“Yoko, mi amor”), 1978
  • Shashin shosetsu (“Novela fotográfica”), 1981
  • Tokyo ereji (“Elegía de Tokio”), 1981
  • Shojo sekai (“Un mundo de chicas”), 1984
  • Tokyo wa aki (“Otoño en Tokio”), 1984
  • … hasta más de 350 libros, y sigue fotografiando y escribiendo.

Olivero Toscani

Oliviero Toscani es un fotógrafo italiano (nacido en 1942 en Milán), reconocido principalmente por sus campañas publicitarias diseñadas para la marca de ropa Benetton.

 

(c) Oliverio Toscani

 

La tecnología es un soporte para el arte, como un lápiz o un pincel.

No hay ninguna necesidad de usar la tecnología para emocionar al mundo.

No debe haber límites para el arte, todo se puede debatir y cuestionar.

 

 

Biografía

Hijo de un fotorreportero de El Corriere della Sera, estudió fotografía en Zúrich, Suiza, entre 1961 y 1965. Entre 1982 y 2000, trabajó para Benetton, contribuyendo al crecimiento de la marca United Colors of Benetton hasta ser una de las marcas más reconocidas mundialmente.

Una de sus campañas más famosas incluía una fotografía de un enfermo de SIDA agonizando en una cama de hospital, rodeado de familiares dolientes. Otras, incluían alusiones al racismo, la guerra, la religión y la pena capital.

En 1990, fundó la revista Colors (propiedad de Benetton), junto con el diseñador gráfico Tibor Kalman. Bajo el lema “una revista sobre el resto del mundo”, Colors explotaba el multiculturalismo prevalente en la época, así como a las campañas publicitarias de Benetton. La línea editorial era independiente de la marca de ropa.

En 1993, creó Fabrica, un centro de investigación sobre el arte en la comunicación; y encargó el diseño al arquitecto japonés Tadao Ando. En 2003 editó y dirigió la publicación de unas 500 páginas sobre los últimos 30 años del diario Libération.

En 2005, Toscani levantó polémicas nuevamente, cuando hizo fotografías para la campaña publicitaria de la marca de ropa masculina “Ra-Re“. Los retratos aludían al homosexualismo masculino, de un modo que enardeció a diversos grupos que debatían los derechos homosexuales.

Actualmente está creando junto con La Regione Toscana un nuevo centro de desarrollo para la comunicación moderna llamado La Sterpaia. Además de trabajar con Benetton, Toscani ha sido el diseñador de campañas publicitarias para Esprit, Valentino, Chanel, Prenatal y Fiorucci.

Las campañas de Toscani han ganado cuatro veces el premio Lion d’Or en el Festival de Cannes. Personalmente, Toscani ha recibido, entre otros premios, el UNESCO Grand Prix, y dos veces el premio Grand Prix d’Affichage. Ha realizado exposiciones individuales en las ciudades de Venecia, Sao Paulo, Milán, Ciudad de México, Helsinki, Roma, …

Vive en La Toscana, produciendo aceite de oliva y criando caballos.

 

Referencias

 

David Seymour

David Robert Seymour, también conocido por el seudónimo Chim, fue un fotógrafo polaco (nacido el 20 de noviembre de 1911 como Dawid Szymin en Varsovia, y fallecido el 10 de noviembre de 1956 en Qantara, Egipto)  miembro fundador de la Agencia Magnum de fotografía.

 

(c) David Seymour

 

 

Biografía

Hijo de una familia judía polaca, crece en Polonia y Rusia, y comienza en 1929 sus estudios en arte y fotografía en Leipzig. En 1931 viaja a París, donde termina sus estudios en 1933.

En París conoce a Robert Capa y Henri Cartier-Bresson. Como antifascista viaja en 1936 a España y fotografía el horror de la guerra civil. En 1939 regresa a París y de allí viaja a México.

Luego se establece en Nueva York y servirá en el ejército de los Estados Unidos en la segunda guerra mundial como fotógrafo e intérprete hasta 1945. En 1942 se nacionaliza americano. Ese mismo año sus padres son asesinados por los nazis. Terminada la guerra viaja para la Unesco a Checoslovaquia, Polonia, Alemania, Grecia e Italia para documentar los efectos de la guerra en los niños.

En 1947, junto con Capa, Cartier-Bresson y George Rodger, funda la agencia de fotografía Magnum. En 1949 publica el libro Children of Europe.

También retrató a celebridades de Hollywood como Sophia Loren, Kirk Douglas, Ingrid Bergman y Joan Collins. Tras la muerte de Robert Capa en 1954 toma la presidencia de Magnum.

El 10 de noviembre de 1956, durante la crisis de Suez, mientras conducía, fue ametrallado junto al fotógrafo francés Jean Roy por soldados egipcios en el cruce fronterizo, donde quiso hacer un reportaje sobre un intercambio de presos en el Canal de Suez.

En 2008 se hace pública una maleta en Méjico con 3.000 negativos que se creían perdidos de la Guerra Civil Española, de Gerda Taro, Robert Capa y David Seymour, pendientes actualmente de limpiar y catalogar.

 

 

Referencias

 

Brigitte Niedermair

Brigitte Niedermair es una fotógrafa tirolesa (nacida en 1971 en Merano, Sur del Tirol, Italia) cuya especialidad es el retrato femenino con un aire de pintura. A través de su trabajo, ya sea comercial o personal, cuestiona la condición femenina. Examina tradición, religiones y modernidad, y, aplicando esto a temas como el aborto y la inseminación artificial, propone una visión dual entre lo sagrado y lo profano, entre el ascetismo y el erotismo, la herencia cultural y la emancipación.

 

(c) Brigitte Niedermair

 

 

Biografía

En su infancia se inclinaba hacia aspectos artísticos como el dibujo y la pintura. A la edad de 20 años, y de forma autodidacta, se dedicó al mundo de la fotografía y se especializó en retratos femeninos.

Niedermair es una artista que ha estado trabajando desde 2000 en el mundo de la moda principalmente, publicando en revistas como Citizen K, Dedicate, L’Officiel, Sleek, Bon Magazine, … entre otras. Ha realizado campañas publicitarias para Cerruti, Lancaster, Longchamp y Cristal Saint-Louis.

Ha expuesto sus trabajos en museos y galerías:

  • Bible, Bird, and Fire (1999),
  • MaDonna (2000),
  • Let’s get married (2009) y
  • Madame Hirsch (2010).

 

Referencias

 

Willy Ronis

Willy Ronis fue un fotógrafo francés (nacido en París el 14 de agosto de 1910 y fallecido en París el 12 de septiembre de 2009) quien retrató la vida de post-guerra en París y en Provenza, siendo considerado el fotógrafo parisino por excelencia.

 

(c) Willy Ronis

 

La aventura no solo se mide en kilómetros. Las fuertes emociones no se encuentran solo en el Partenón. La emoción, si eres digno de ella, la sentirás en la sonrisa de un niño que vuelve a casa con los libros del colegio, en un tulipán en un jarrón tocado por un rayo del sol o en el rostro de una mujer enamorada.

 

Biografía

El padre de Ronis fue un refugiado judío de Odessa, que abrió un estudio de fotografía en Montmartre y su madre era una refugiada lituana que impartía clases de piano. Su primera vocación fue la música, soñando con ser compositor, pero al volver del servicio militar en 1932 tuvo que hacerse cargo del negocio familiar por la enfermedad de su padre. Los trabajos de los fotógrafos, Alfred Stieglitz y Ansel Adams le inspiraron para empezar a explorar el mundo de la fotografía. Cuando su padre murió, en 1936, cerró el estudio y comenzó a trabajar como freelance.

En 1937 se encontró con David Szymin y Robert Capa e hizo su primer trabajo para Plaisir de France. Con Cartier-Bresson, entra en la Association des Écrivains et Artistes Révolutionnaires y será siempre un hombre de izquierdas. Poco después se unió a la agencia Rapho, con Ergy Landau, Brassaï y Robert Doisneau.

Su esposa Marie-Anne Lansiaux fue la modelo de su famosa foto de 1949, Desnudo Provenzal. La foto, mostrando a Marie-Anne lavándose en un lavabo con una jarra en el suelo y una ventana abierta desde la que el espectador puede ver el jardín, denota su habilidad para transportarnos las sensaciones de la vida provenzal.

Ronis fue el primer fotógrafo francés en trabajar para la revista Life. En 1953, Edward Steichen incluyó a Ronis, Henri Cartier-Bresson, Doisneau, Izis y Brassaï en una exposición en el Museo de Arte Moderno, el MoMA titulada Five French Photographers. En 1955, Ronis fue incluido en la exposición The Family of Man.

La Bienal de Venecia le premió con la medalla de oro en 1957. Ronis comenzó a enseñar en los 50, y llegó a dar lecciones en la Escuela de Bellas Artes de Avignon y en Saint Charles en Marsella. En 1979 fue galardonado con el Gran Premio de las Artes y las Letras en Fotografía por el Ministro de Cultura. En 1981 obtiene el premio Nadar.

Finalmente, por su edad, abandonó el reportaje, pero continuó sacando desnudos. Era conocido por persuadir a las periodistas que le entrevistaban para posar desnudas durante la entrevista. Tomó la última fotografía, un desnudo, en 2001.

Aunque dejó la fotografía en 2001, cuando comenzó a necesitar un bastón para moverse,  terminó su vida redactando libros para la compañía Taschen.

 

Referencias

 

 Videos

Y para finalizar, un video de TVE, con motivo de su muerte:

Michal Karcz

Michal Karcz es un artista gráfico y fotógrafo polaco (nacido en Varsovia en 1977) que combina la fotografía con el retoque y la manipulación consiguiendo mundos irreales y fascinantes.

 

(c) Michal Karcz

 

Siempre intento crear una imagen extraordinaria y mi meta es conseguir que el espectador se detenga por un minuto para dejarse embargar por las emociones y escapar de la realidad.

 

 

Biografía

Se graduó en la High School of Art de Varsovia Su gran pasión fue la pintura, pero en los 90 comenzó su viaje con la fotografía. Con el mundo digital puede combinar la pintura y la fotografía, generando realidades únicas que son imposibles de crear con las técnicas normales del cuarto oscuro.

Los minimalistas paisajes y lugares imaginarios que crea están inspirados en música ambiente de músicos como Robert Rich, Vidna Obmana, Carbon Based Lifeforms y Steve Roach, como ejemplo. Otra fuente de inspiración para él es la literatura, principalmente la de ciencia ficción.

 

 

Referencias

Grete Stern

Grete Stern fue una diseñadora y fotógrafa alemana (nacida el 9 de mayo de 1904 en Elberfeld, Alemania y fallecida el 24 de diciembre de 1999 en Buenos Aires)  cuyas obras de carácter onírico y ejecución surrealista sobre los sueños de la mujer, muestran con nitidez su impronta vanguardista. También son de gran sensibilidad, al igual que sus retratos, sus imágenes documentales, sus reportajes urbanos sobre Buenos Aires o sobre los últimos indígenas argentinos.

 

(c) Grete Stern

 

Como siempre me gustó la figura humana, especialmente los rostros, comprendí que el dibujo (algo que yo practicaba desde adolescente) no podía encerrar toda la gama de posibilidades que brindaba una película de celuloide bien trabajada.

 

 

Biografía

Hizo el bachillerato en su ciudad natal y siguió estudios de piano que abandonó en 1923 para inscribirse en cursos de dibujo y tipografía. Estudia fotografía con Walter Peterhans y con su amiga Ellen Auerbach instala un estudio de diseño gráfico y fotografía en Berlín, al que llaman ringl+pit.

De la mano de su profesor Walter Peterhans accedió a la Escuela de la Bauhaus, pero, tras la llegada de Hitler al poder, tuvo que emigrar debido a su origen judío y su ideología de izquierda. Su destino inicial fue Londres, donde abrió un estudio en 1934, pero afianzada su relación con Horacio Coppola, fotógrafo argentino con el que había estudiado en la Bauhaus y con quien finalmente se casó, su destino final sería en Argentina, donde ambos dejaron la mayor parte de su legado fotográfico.

A pesar de haberse separado en 1943, ella se consideraba a sí misma una fotógrafa argentina y en 1958 adoptó esta nacionalidad. Entre 1952 y 1953 tomó alrededor de 1500 fotografías del paisaje urbano y las costumbres porteñas, para su libro Buenos Aires.

Su casa familiar en Buenos Aires fue un punto de encuentro de intelectuales. Entre las amistades que la frecuentaban estuvieron figuras como Pablo Neruda, Jorge Luis Borges, Renate Schottelius, Clement Moreau, etc. Entre las personalidades internacionales a las que retrató con sus fotos hechas a, entre otros, Bertolt Brecht o Jorge Luis Borges.

Ya divorciada, permaneció en la Argentina. Viajó por este país sudamericano y conoció a la escasa, pero todavía existente población indígena, a la que fotografió y con la que se involucró de modo especial.

Llegó a ser profesora de fotografía en la Universidad de Resistencia en la Provincia del Chaco y se dedicó a los problemas sociales de la comunidad originaria de esa zona.

En 1985, debido a una dolencia ocular, abandonó la fotografía.

 

 

Referencias

 

Eduardo Gil

Eduardo Gil es un fotógrafo argentino (nacido en Buenos Aires en 1948, vive y trabaja allí) de los más importantes de su país. Su obra ha evolucionado del blanco y negro militante y de denuncia social, al color y a una fotografía más conceptual. Compatibiliza su trabajo comercial con el artístico y la docencia.

 

Esqueletos © Eduardo Gil

Esqueletos © Eduardo Gil

 

 

Biografía

Eduardo Gil realizó sus estudios primarios y secundarios repartidos en siete distintas escuelas debido a las constantes mudanzas familiares, incluyendo dos años en la ciudad de Mar del Plata. A los 21 años terminó la formación de Piloto Comercial de Avión en la Escuela Nacional de Aviación Civil donde previamente había obtenido un título en Meteorología.

Con más de quinientas horas de vuelo como piloto, decide cambiar de rumbo al constatar la incompatibilidad del placer de volar y la libertad de viajar, con la rutina laboral. En 1972 ingresa a la carrera de Sociología en la Universidad de Buenos Aires. Faltándole cinco materias para terminarla decide abandonar los estudios. Simultáneamente hace diferentes trabajos: chofer de taxi, empleado bancario, ejecutivo a cargo del departamento exterior de una multinacional, etc. Organizó el sindicato en la empresa en la que trabajaba y fue nombrado Delegado General.

En 1976, con el golpe militar “decide” renunciar y comienza a realizar trabajos de fotografía como medio de vida al tiempo que estudia y profundiza sus conocimientos técnicos. Intensifica sus viajes por Argentina y Sudamérica, que había comenzado algunos años antes, siendo fuertemente impresionado por las culturas aborígenes, particularmente de Bolivia y Perú, países a los que vuelve una y otra vez durante muchos años.

Alrededor de 1979 comienza a intuir que la fotografía podría ser algo más que una herramienta de trabajo. De esa fecha datan sus primeras obras con una impronta fuertemente latinoamericanista, y su primer ensayo documental acerca de los cementerios de Latinoamérica. Paulatinamente los libros técnicos van dejando paso a los de historia del arte y análisis conceptual, con lo que encuentra una intersección entre la producción de imágenes y la especulación teórica.

En 1981 realiza, en forma individual, su primera muestra en la Galería Angelus de Buenos Aires. Comienza a colaborar asiduamente como freelance con los principales medios de prensa de Buenos Aires. En ese año también es designado corresponsal en la Argentina de la revista Iris de Brasil.

En 1982, a petición de Miguel Pansera, comienza a dar un curso de fotografía en el Cine Club Buenos Aires. También en ese año desarrolló un curso en la Facultad de Psicología de la Universidad de Buenos Aires.

Creó y coordinó, durante dos años y medio, un taller de fotografía con los internos del hospital de psiquiatría José T. Borda al tiempo que completaba una serie de retratos de los mismos que comienza a exponer tanto en el país como en el exterior junto con sus fotos de Latinoamérica.

En 1983 comienza a dar clases de fotografía en la institución de arte más antigua del país, la Asociación Estímulo de Bellas Artes. También en ese año crea los TEF (Talleres de Estética Fotográfica) en los que aplica técnicas no convencionales de búsqueda creativa y elaboración grupal.

En 1984 inicia colaboraciones con diferentes medios de prensa extranjeros. En 1988 es designado comisario del FotoEspacio del Centro Cultural Recoleta. Luego de cuatro años, en los que hace crecer cuantitativa y cualitativamente el FotoEspacio convirtiéndolo en uno de los más prestigiosos del país, se ve obligado a renunciar al producirse un acto de censura por parte de la dirección de dicho centro cultural en 1991.

En 1988 crea y dirige la Fotogaleria Permanente del Museo de Artes Plásticas Pompeo Boggio de la ciudad de Chivilcoy donde expone muestras de autores argentinos y extranjeros de primer nivel hasta 2008. En 1989 comienza a trabajar con APA Publications de Londres y Times International de Singapur encargándosele las fotografías de libros sobre distintos países, base de su actual banco de imágenes.

Desde 1991 y hasta 2007 forma parte del staff de la agencia Black Star de Nueva York. Simultáneamente continua realizando exposiciones individuales y participando en diferentes muestras grupales.

En 1991 es invitado por el Ministerio de Cultura de Francia para participar de los Rencontres Internationales de d’Arles. Desde entonces ha sido invitado en reiteradas ocasiones a encuentros en Latinoamérica, Estados Unidos y Europa.

En 2004 recibió el Premio a la Trayectoria Docente otorgado por la Asociación Argentina de Críticos de Arte y la Asociación Internacional de Críticos de Arte. Sus obras forman parte de colecciones permanentes de museos e instituciones internacionales así como de importantes colecciones particulares, entre las que podemos citar la Bibliothèque Nationale de France en Paris, IVAM Institut Valencià d’Art Modern, colección Gabriel Cualladó en Valencia, Princeton Universitary Art Museum en Princeton, MFAH Museum of Fine Arts de Houston y el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • 2002 (argentina).
  • 2009 Praesagium.
  • 2014 MUAC El Siluetazo, desde la mirada de Eduardo Gil.
  • 2014 UNTREF Imágenes de la ausencia, El Siluetazo, Buenos Aires 1983
  • 2014 Early Work – Eduardo Gil
  • 2015 reedición (corregido y aumentado) (argentina).

 

 

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