Charles Clifford

Charles Clifford fue un fotógrafo británico (nacido en Gales en 1820 y fallecido en Madrid el 1 de enero de 1863)  que desarrolló su carrera profesional en España, clasificado como un fotógrafo de paisajes, monumentos y obras, aunque también fue fotógrafo de la reina Isabel II, con la que realizó un viaje por España en el año 1858.

 

(c) Charles Clifford

 

 

 

Biografía:

Como otros tantos fotógrafos de la época, abandonó su país de origen y se aventuró a desarrollar su profesión en otro lugar, en este caso en España.

En 1850 se estableció en Madrid, para incorporarse como ilustrador de El Museo Universal, publicación periódica que utilizaba sus fotografías para transformarlas en grabados, y donde abrió un salón fotográfico en el centro de la ciudad.

Fue uno de los pioneros de la fotografía española, y uno de los más destacados junto con Jean Laurent. Realizó álbumes fotográficos de casi todas sus tierras, ciudades y monumentos cuyo interés no se limitó a lo meramente documental, sino que trascendió por la extraordinaria composición y calidad técnica.

En sus inicios utilizó la técnica del daguerrotipo, pero ya en 1852 comenzó a usar el calotipo.

En 1856 empezó a fotografiar al colodión húmedo. En esta última técnica destacó su serie de tomas de 1857 y 1858 de la obra del Canal de Isabel II de Madrid y el álbum de 1862 del viaje oficial de Isabel II por Andalucía, considerada su obra maestra.

Siempre se mantuvo en contacto con los círculos fotográficos europeos de Alemania, Londres o París, así como de los últimos adelantos en este campo, preocupándose por adquirir los mejores materiales para su trabajo.

No se le considera fotógrafo de retrato, pero su labor como fotógrafo de la reina lógicamente lo desmiente, llegando a realizar también retratos de la reina Victoria de Inglaterra.

Son muy especiales algunos de sus escasos retratos de costumbres de tipos populares, como lagarteranos, gitanos o cantaores, que proporcionan un retrato de género típicamente costumbrista de las tierras que visitaba.

Copias positivas originales se conservan principalmente en la Biblioteca Nacional de España, el Palacio Real de Madrid y el Museo del Prado y también en otras muchas instituciones españolas,

Es conocida su labor de aeronauta aerostático y llegó a vérsele volar en globo acompañado de su cámara y algunos dibujantes para realizar vistas y fotografías aéreas.

Se dice también que fue el primer autor de una fotografía aérea, realizada sobre los cielos de la ciudad de Madrid.

 

Referencias

Sayaka Maruyama

Sayaka Maruyama es una artista y fotógrafa japonesa (nacida en Japón, vive en la actualidad en Londres) que alterna el riguroso blanco y negro con el color más explosivo. El estilismo más vanguardista también se funde con el más clásico de los folclores populares, dando a su obra un aspecto irreal y fantástico cargado de fuerza y energía.

 

(c) Sayaka Maruyama

 

Biografía

A la edad de 12 años se trasladó con su familia a Holanda, donde permanecería tres años y cuya cultura le influenció de muchas maneras, especialmente en los términos de su educación artística. Después de graduarse en la Universidad de Arte de Tokio, trabajó como artista conceptual bajo el nombre de Neon O’clock Works, junto al peluquero Tomihiro Kono.

Maruyama ha realizado varias exposiciones de fotografía como Neon O’clock Works en Tokio y publicó un libro de fotografías llamado Krageneidechse en el 2007. Después se trasladó a Londres donde su interés por la fotografía se hizo mucho más fuerte, empezando a trabajar como fotógrafa. Sus trabajos fotográficos como Neon O’clock Works se han exhibido en varias galerías de Londres como Soho gallery, Claire de Rouen Books, etc.

Trabaja la fotografía como un claro elemento artístico. Crea distintos proyectos que elabora independientemente y que tienen un nexo común con una línea (algo abstracta en general) a seguir en cada uno de ellos bien definida. La mezcla de culturas entre oriente y occidente está muy presente en su obra, aunque ella se siente plenamente japonesa y orgullosa de serlo.

 

Referencias

 

 

Videos

Vídeo “Dejà vu” en colaboración con Tomihiro Kono:

 

Martín Santos Yubero

Martín Santos Yubero fue un fotógrafo madrileño (nacido en Madrid en 1903 y fallecido en 1994, también en Madrid) considerado uno de los grandes reporteros gráficos madrileños de la guerra y sobre todo de la postguerra española. Con su cámara registró miles de escenas de la vida cotidiana de la España franquista y en particular de Madrid, escenario en el que se centralizaron los grandes acontecimientos históricos que acontecieron durante la dictadura en nuestro país.

 

(c) Martin Santos Yubero

 

Biografía

Martín Santos Yubero podría haber formado parte de la nutrida tropilla de maleantes barojianos que se ganaban entonces la vida en los suburbios de legalidad, pero la histórica tienda Loewe de la Gran Vía le cambió el sino con un empleo que lo alejó de la calle y posteriormente ingresó como aprendiz en un estudio de fotografía.

En 1920 estrenó una Kodak de cajón que no cambió hasta que un representante alemán de comercio le trajo su primera cámara de reportajes: una Rodeston de 10×15.

Con ella realizó sus primeros reportajes, que le sirvieron para que Delgado Barreto, entonces director de La Nación, diario oficioso de la Dictadura del general Primo de Rivera le llamase para formar parte de la redacción.

Sus primeros trabajos no pasaron de rutinarios, hasta que la proclamación de la República abrió las puertas de un nuevo tiempo, más profesional y decididamente comprometido, en el que decidió competir con los grandes reporteros madrileños de su generación.

Pese a la proliferación de diarios y semanarios ilustrados que se editaron en aquellos años, nunca dejó Santos Yubero de trabajar por libre, lo cual le permitió colaborar en medios de distinta tendencia ideológica, desde Ahora, hasta ABC, Estampa o el diario Luz.

En 1933, se unió al equipo de redacción del recién creado Diario de Madrid. En aquel mismo año comenzó a combinar el uso de su cámara de gran formato, con una Contax de 35 mm.

En 1934, Vicente Gállego le llamó para hacerse cargo del servicio gráfico del diario Ya.

Cuando se inició la Guerra Civil, el diario Ya fue incautado y debió volver a usar sus viejas cámaras de placas, con las que trabajó durante los años de la contienda, en sociedad con los hermanos Benítez Casaus. Con ellos creó una Agencia que enviaba sus fotografías a La Voz, La Libertad, Crónica y al diario ABC Republicano.

Acabada la Guerra Civil, volvió a su antiguo trabajo en el diario Ya, en el que dirigió un magnífico equipo de profesionales que cubrieron todos los hechos importantes de aquellos años oscuros: escenas callejeras, inauguraciones y reportajes deportivos, teatrales y taurinos.

Pero en la obra de Santos Yubero no sólo asoman los grandes hechos históricos. En sus fotografías encontramos, como en un espejo, el reflejo fidedigno de la vida cotidiana de Madrid, sus celebraciones y días de luto, el bullicioso enjambre popular de sus espacios públicos, el mundo de la farándula, el deporte y el espectáculo, la vida de sus cafés y ateneos, la huella de la pobreza, la represión multiplicada en las cárceles de la guerra y la posguerra, el mundo taurino, en fin, que tan magistralmente supo captar el fotógrafo.

A lo largo de su carrera capturó los grandes acontecimientos históricos del siglo XX, desde la propia remodelación urbana de la ciudad, hasta los hechos más relevantes de la dictadura de Primo de Rivera, la dictablanda de Berenguer, los días de la Segunda República, los años atroces de la Guerra Civil y la realidad mezquina de la larga noche de piedra del franquismo.

Hoy su extenso trabajo se custodia en el Archivo Regional de la Comunidad de Madrid.

En estas fechas, la sala de exposiciones Alcalá 31 acoge hasta el 16 de enero de 2011 una exposición dedicada a su obra. La exposición se titula ‘El Madrid de Santos Yubero’, y recoge las instantáneas del fotógrafo madrileño y su equipo durante cincuenta años de historia de la capital, en:

    • 160 fotografías positivadas en grandes formatos en los talleres de Castro Prieto, a partir de los originales que se conservan en el Archivo Regional de la Comunidad de Madrid,
    • junto a otras 200 en una proyección.

 

 

Referencias

 

 

Videos

Y para terminar, un vídeo resumen de su obra:

 

El Madrid de Santos Yubero

 

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David Fokos

David Fokos es un fotógrafo estadounidense (nacido en Baltimore en 1960, vive en San Diego, California) con una dilatada carrera que incluye muestras permanentes en museos y galerías norteamericanas.

 

(c) David Fokos

 

El océano siempre me hace sentir calma, pero una fotografía normal incluye las olas con sus bordes dentados, niebla, salina y espuma. Este tipo de imagen no transmite tranquilidad, no expresa lo que se siente cuando pasamos un rato mirándolo.

 

 

Biografía

David Fokos tiene una perspectiva distinta ante los paisajes naturales e industriales. Sus fotografías capturan un mundo donde el tiempo está parado, donde los momentos se combinan para formar un solo retrato de vida inmóvil.  Construye cuidadosamente una escena, fija una velocidad de obturador lenta y deja a la naturaleza pintar el cuadro.  El resultado es una magnífica serie de imágenes tranquilas, en una blanco y negro que transmite calma.

Usando largas exposiciones, comprendidas desde 20 segundos a 60 minutos nos sorprende con sus fotografías en blanco y negro, normalmente en formato cuadrado con una temática paisajística basada en elementos y repeticiones y con el horizonte siempre visible.

En su carrera de 30 años fotografiando, ha creado solamente 60 imágenes, una selección de las cuales se ha expuesto en 2010 en la galería Ordorver con el nombre “Haiku: Meditaciones fotográficas”.

Utiliza una cámara fotográfica de hace 80 años, de formato grande, una Korona 8×10, siempre con el mismo objetivo.

 

Referencias

Paco Gómez

Paco Gómez Martínez fue un fotógrafo español (nacido en 1918 en Pamplona y fallecido en Madrid en 1998) que mantuvo una mirada innovadora fotografiando interiores y exteriores de edificios y construcciones arquitectónicas de la época.

 

(c) Paco Gómez

 

 

Biografía

Inició su interés por la fotografía en su juventud y su desarrollo fue completamente autodidacta.

Ingresó en el 1956 en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid.

En 1957 se asocia con el grupo AFAL de Almería.

Aunque se definía como amateur, llegó a trabajar profesionalmente para la revista Arquitectura, publicada por el Colegio de Arquitectos de Madrid y a lo largo de su vida participó en numerosas exposiciones colectivas y algunas individuales.

En 1959 obtiene el Trofeo Luis Navarro de Fotografía de Vanguardia

Creó el grupo La Palangana junto a fotógrafos como Gabriel Cualladó, Gerardo Vielba o Ramón Masats. Este grupo fue el germen inicial de la denominada Escuela de Madrid.

La unión del grupo residía en la estrecha amistad que les unía y en unas mismas consideraciones estéticas y teóricas acerca de la fotografía, lejanas al pictorialismo y al salonismo que imperaban en la época.

Buena parte de su legado fotográfico (25.000 negativos y unas mil copias) pertenece hoy a la Fundación Foto Colectania. También puede encontrarse en colecciones como la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), el IVAM o la Fundación Telefónica.

Hasta el 29 de enero de 2010 se podrá presenciar en Barcelona la retrospectiva Paco Gómez. Orden y desorden compuesta por 75 fotografías “indiscutibles obras maestras” de la trayectoria artística de Gómez entre 1957 y 1995. Son imágenes que fueron expuestas o publicadas en diversos catálogos o revistas, realizadas en blanco y negro y, ya a partir de los años ochenta, en color y que presentan a un artista que destacaba por su particular modo de entender la fotografía, basada en formas y líneas simples y puras

 

 

Referencias

Gottard Schuh

Gotthard Schuh fue un suizo fotógrafo, pintor y artista gráfico (nacido el 22 de diciembre de 1897 en Schöneberg, Berlín, y fallecido  el 29 de diciembre de 1969 en Küsnacht) pionero del fotoperiodismo moderno en Suiza e  interesado en la vida cotidiana y en la realidad social, que documentó en un imaginario sobrio y objetivo.

(c) Gottard Schuh

 

Biografía

Nació en Berlín, hijo de padres suizos. En 1902 la familia se trasladó a Aarau, donde Schuh comenzó a pintar.

En 1916 se graduó de la Escuela de Oficios en Basilea y en 1917 y 1918 estuvo como soldado de servicio en la frontera.

En 1919 vivió como pintor en Basilea y Ginebra.  Después de un gran viaje a Italia en 1920 se estableció como un pintor en Múnich.

En 1926 regresó a Suiza y se convirtió en jefe de un negocio de fotografía.

Después de su matrimonio en 1927, se trasladó a Zúrich, donde comenzó a fotografiar.

De 1928 a 1931 realizó varias exposiciones como pintor y se adhirió al grupo de arte de Basilea “Rot-Blau”.

En 1931 se publicaron sus primeras fotografías en el Zürcher Illustrierte.

En 1932 realizó una exposición de sus pinturas en París, donde se reunió con Picasso, Léger y Braque.

De 1933 a 1937 trabajó como fotorreportero freelance para la Zürcher Illustrierte , Berliner Illustrierte Zeitung, Paris Match y Life.

Sus historias lo llevaron por toda Europa y a Indonesia .

De 1941-1960 fue editor gráfico de la Neue Zurcher Zeitung .

En 1951 cofundó con Werner Bischof, Läubli Walter, Paul Senn y Jakob Tuggener el Kollegium Schweizerischer Photographen.

Como premio más importante obtuvo en 1957 la Medalla de Oro de Venecia.

Después de 1960 volvió a la pintura.

Su archivo en el Fotostiftung de Winterthur contiene 50.000 negativos y contactos y unas 300 copias impresas.

 

 

Referencias

Erik Johansson

Erik Johansson es un fotógrafo y “retocador” sueco freelance que trabaja en proyectos tanto comerciales como personales, con una imaginación que da forma a unas fotografías risueñas y oníricas.

 

ErikJohansson

 

 

Me veo a mí mismo tanto como fotógrafo como haciendo retoque. Una combinación que está sólo limitada por la imaginación.

Siempre tengo una idea final de lo que quiero, pero en el camino voy cambiándola. Me demoro entre 10 y 20 horas en crear cada imagen.

 

 

Biografía

  • Es estudiante de ingeniería en computación.
  • Su primera cámara digital la obtuvo a los 15 años.
  • Pero fue en 2007, cuando se compró su primera réflex digital, cuando empezó en serio su juego de manipulaciones.
  • Sus referencias son René Magritte, Escher y Dalí, en pintura, y del fotodigitalizador Koen Demuynck.

 

Referencias

Eugeny Kozhevnikov

Eugeny Kozhevnikov es un fotógrafo ruso (nacido el 24 de junio de 1969 en Ulan-Ude, capital de Buriatia, cerca del lago Baikal en Siberia, vive actualmente en Moscú) que pertenece a ese elenco de artistas rusos que aportan ese delicado estilo erótico de tintes decadentes e innegable belleza.

 

(c) Eugeny Kozhevnikov

Cuando pienso en mi carrera, creo que es un río. Usted sabe, el río es una corriente, una corriente de creatividad. Comienza con la fuente y a continuación se alimenta con muchos arroyos que desembocan en un mar de arte o desaparecen en la arena de la vida cotidiana. La fuente, el pensamiento figurativo, la percepción de la fantasía del mundo, nace con cada individuo. Desde pequeño he mirado las nubes o visto en las paredes las grietas caprichosas de las personas. Mis arroyos son libros de ilustraciones, mi habilidad para dibujar, mi formación como diseñador de ropa, mis deseos sexuales y mi propia realización, la búsqueda de mi compañía ideal. Muchos arroyos en este río.

 

 

Biografía

A los dos años su familia se mudó a Sajalín y de ahí, dos años más tarde a Moscú donde continúa viviendo.

Empezó a trabajar en serio con la fotografía en verano del 2001. En esos momentos trabajaba como diseñador de producción de publicidad.

En 2001, después de medio año de fotografiar como diversión recibe la invitación para participar en una exposición.

En el 2004 realiza el proyecto Studium: Image en la que es tanto el organizador como el director artístico.

 

 

Referencias

Cecil Beaton

Cecil Walter Hardy Beaton fue un diseñador de vestuario y fotógrafo británico (nacido el 14 de enero de 1904 en Hampstead, Londres, y fallecido el 18 de enero de 1980 en Salisbury) conocido por sus fotografías de moda y retratos de sociedad, además de retratos a los famosos de Hollywood.

 

María Callas, 1957 (C) Cecil Beaton

 

 

La belleza es la palabra más importante del diccionario. Es sinónimo de perfección, esfuerzo, verdad, bondad.

 

Biografía

Tuvo su primera cámara fotográfica (una Kodak 3A de fuelle) a la edad de 11 años, haciendo sus pinitos al sacar retratos de sus hermanas y madre.

En 1924 se introdujo en el mundo de Vogue con un retrato retocado de su amigo George Rylands.

Durante varios años reúne material suficiente y abre una exposición en el West End, y en 1926 empieza a dedicarse exclusivamente a la fotografía, llegando a convertirse en el fotógrafo oficial de las revistas Vanity Fair y Vogue.

Sus referentes en sus comienzos fueron el Barón De Meyer y George Hoyningen-Huene.

También fotografió a menudo a las familia real para publicaciones oficiales y realizó las fotografías de la boda de los Duques de Windsor.

Es recordado por sus fotografías de la Segunda Guerra Mundial tomadas en Gran Bretaña y que fueron publicadas en 1942 al otro lado del Atlántico para terminar de inclinar a los EEUU de entrar en  esta guerra.

Después de la guerra diseñó trajes y bastidores para películas como Gigi en 1958 y My Fair Lady en 1964.

Publicó más de 20 libros, unos de fotografía, otros de moda y varios tomos de sus memorias.

 

 

Referencias

Sandra Torralba

Sandra Torralba es una joven y emergente fotógrafa madrileña, que nos muestra en primera persona el sexo y la provocación como algo natural del ser humano.

 

(c) Sandra Torralba

 

Biografía

Es licenciada en Psicología y diplomada en Educación Social. Ha realizado másteres y cursos en psicoterapia integrada, terapia humanista y terapia sexual. Ha trabajado en el ámbito de la sexualidad, las parejas y los abusos sexuales, lo que ha marcado en gran medida su práctica terapéutica y sus trabajos artísticos.

Ha realizado el máster de fotografía y diversos cursos específicos en EFTI, participando a lo largo de los últimos tres años en varias exposiciones colectivas en Madrid, Zaragoza y Sevilla.

Ha expuesto sus trabajos en los stands de la galería en las dos ediciones de Madridfoto.

En 2008 ganó el primer Premio de Fotografía Ciudad de las Palmas de Gran Canaria.

Este año ha sido seleccionada para participar en Descubrimientos, PHotoEspaña 2010.

En su serie Estranged Sex, expuesta en la galería My Mame’s Lolita en Madrid hasta el 24 de noviembre de 2010, nos propone la de-construcción de la pornografía y la legitimación de la sexualidad femenina.

 

 

Referencias

Ralph Steiner

Ralph Steiner fue un cineasta y fotógrafo americano (nacido el 8 de febrero de 1899 en Cleveland y fallecido el 13 de julio de 1986 en Hanover, New Hampshire)

 

(c) Ralph Steiner

 

Por casualidad descubrí por mí mismo la prescripción más sencilla para la creatividad: ser intensamente tú mismo.

 

 

Biografía

Descubrió la fotografía mientras estudiaba ingeniería química en Dartmouth. Steiner tenía dotes científicas así como una visión lírica única, y utilizó su conocimiento de la química y de la física con gran entusiasmo para solucionar problemas fotográficos.

Después de Dartmouth, estudió en la Clarence H. White School of Photography  en l921 y l922, aunque no estaba de acuerdo con la enseñanza de diseño orientado a la pintura que dominaba en el plan de estudios.

A finales de los 20 se encontró con Paul Strand en Nueva York y su obra fue una revelación para Steiner, descontentó profundamente con el trabajo comercial que hacía hasta entonces. Steiner comenzó a desarrollar una mejor técnica, trabajando con una cámara de formato 8xl0″, fotografiando “objetos con textura” y produciendo imágenes tan conocidas como sus fotos Nehi, sus series del coche Ford y su fotografía de una silla oscilante.

Su carrera se ha alternado entre períodos en que hacía publicidad, relaciones públicas (Gypsy Rose Lee  fue uno de sus temas) y fotografía editorial para acumular fondos, y los períodos pasados haciendo fotografías y películas para sí mismo.

Su segundo esfuerzo como cineasta, H2O, se cita a menudo como la primera película artística americana (después de Manhatta de Paul Strand y de Charles Sheeler).

También hizo Cafe Universal, una improvisada y semidramática película pacifista basada en dibujos de George Grosz y como actores los miembros principales del Group Theater.

Steiner y Paul Strand fueron empleados por Pare Lorentz como cámaras en The Plow That Broke the Plains y actuaron también como directores en buena parte del documental. En los años 30 su labor fue en el mundo de los documentales cinematográficos.

En su retorno a Nueva York, con un portafolio anticuado, Walker Evans le dio asignaciones fotográficas en la revista Fortune.

En los años 60 pudo dedicar la mayor parte de su tiempo a fotografía y cinematografía personales. Se trasladó a la rural Vermont en 1963, pasando los veranos en Maine Island, y su trabajo incluye desde entonces muchas imágenes líricas de esos paisajes: árboles, colinas de la línea costera y la colada en lavaderos rurales.

Su autobiografía A Point of View fue publicada en 1978. Otros libros suyos son In Spite of Everything, Yes (1986) e In Pursuit of Clouds: Images and Metaphors (1985).

Entre otras realizó estas exposiciones:

    • Museum of Modern Art, en Nueva York en 1949,
    • Milwaukee Art Center, en 1981 (con Walker Evans)
    • Northlight Gallery en Tempe, Arizona (con Wright Morris).

 

 

Referencias

Emily Burns

Emily Burns es una pintora y fotógrafa americana (reside en Nueva York) cuya seña principal de identidad son las pinturas realistas y fotografías de jóvenes féminas embadurnadas con restos de comida y dulces.

 

(c) Emily Burns

 

Me inspiro en las personas y el mundo que me rodea. Me gusta intentar nuevas cosas o ir a lugares nuevos. Me gustan las dificultades. Nunca sabes lo que te va a inspirar, así que lo intento todo. Siempre llevo mi cámara, con lo pesado que eso es, porque nunca se sabe lo que va a suceder!

 

 

Biografía

Trabajó como asistente de Jeff Koons en Manhattan.

Sus pinturas ofrecen un realismo fotográfico impresionante, un uso del color llamativo y explosivo.

 

 

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