Ebru Sidar

Ebru Sidar es una fotógrafa turca (nacida el 13 de enero de 1975 en Trabzon, vive en Ankara) que realiza principalmente paisajes minimalistas en blanco y negro y formato cuadrado con un gran uso de la luz.

 

(c) Ebru Sidar

 

 

 

Biografía

Hija de banqueros, durante su juventud vivió en muchas ciudades de Turquía hasta que se trasladó a Ankara donde está viviendo. Se graduó en la Universidad de Ankara como Ingeniero en Geología.

Ha estado trabajando activamente en fotografía desde febrero de 2005, permaneciendo siempre atenta para aprender y esperando mantener siempre la excitación e inocencia del fotógrafo “aficionado”.

Comenzó con retratos, después fotografió a modelos para, finalmente, pasar a la fotografía de naturaleza.

Cuando descubrió la fotografía se dio cuenta que la tradición era un obstáculo al avance de su práctica y pasó de una aproximación fotoperiodística e ilustrativa a una fotografía experimental donde encontró un fabuloso medio para ilustrar sueños, imaginación y emoción.

Cree que todos los tipos de arte se relacionan y están conectados el uno al otro.

Considera a la fotografía como característica común y lengua de la humanidad, y cree que debe promover y contribuir siempre a la paz sostenible.

 

 

Referencias

 

Pierluigi Riccio

Pierluigi Riccio es un director artístico y fotógrafo italiano (nacido en Isernia, una pequeña ciudad del sur de Italia en 1975, vive en Roma) cuya fotografía muestra a menudo, ya sea en fotografías en blanco y negro o en color, momentos estáticos o dinámicos, con distancia y calma.

 

PierluigiRiccio

 

 

Biografía

Realizó sus primeras fotografías en Isernia, comenzó a estudiar filosofía en Nápoles, conoció a su mujer en Bolonia y lleva ya 10 años viviendo en Roma.

Su primera cámara fue una Zenit 122. Ahora dispara con Hasselblad 500cm, Zenza Bronica, diversas cámaras de 35mm  y polaroid, aunque prefiera el medio formato.

 

 

Referencias

 

Paz Errázuriz

Paz Errázuriz es una fotógrafa chilena (nacida el 2 de febrero de 1944 en Santiago de Chile) cuyas  fotografías en blanco y negro, principalmente retratos, han abordado principalmente el género del documento social.

 

 

(c) Paz Errázuriz

 

 

 

Biografía

Luego de estudiar Educación en el Cambridge Institute of Education, Inglaterra, en 1966, y Educación en la Universidad Católica de Chile, en 1972, empezó su formación como fotógrafa autodidacta,  que perfeccionó en el International Center of Photography de Nueva York en 1993.

Inició su actividad profesional y artística en la década de los ochenta. Dado su interés por explorar diversas temas del entramado social, sus fotografías en blanco y negro han abordado principalmente el género del documento social, experimentando a su vez en video arte con su video El Sacrificio.

Su trabajo ha sido expuesto en Chile e internacionalmente destacando su exposición Réplicas y Sombras en la sala de Fundación Telefónica en Santiago en 2004.

Paz Errázuriz realiza fotografías en blanco/ negro, técnica con la que aborda principalmente el género del retrato, el que trabaja dado su interés por explorar en diversas formas de vida; las imágenes que captura nos remiten, entonces, a la búsqueda y el encuentro con las personas, a través de fotografías escasamente intervenidas, con las que establece una relación directa y profunda con los retratados.

Dichas personas son presentadas en su entorno: hospitales, suburbios, manicomios o prostíbulos: con estas fotos, conocemos a personas excluidas de la “normalidad”, sujetos a los que de otro modo no repararíamos en observar.

Cofundadora de la Asociación de Fotógrafos Independientes (AFI) y colaboradora de la revista Apsi y de diversas agencias de prensa, ha recibido las becas

  • Guggenheim (1986),
  • Fundación Andes (1990),
  • Fulbright (1992) y
  • Fondart (1994 y 2009).

Ha recibido, entre otros, los premios:

  • premio Ansel Adams, otorgado por el instituto Chileno Norteamericano de Cultura, en 1995,
  • el Premio a la Trayectoria Artística del Círculo de Críticos de Arte de Chile en 2005 y
  • el premio Altazor en 2005.

Vive y trabaja en Chile.

 

 

Referencias

 

 

Libros

 

Jan Grarup

Jan Grarup es un fotógrafo de prensa danés (nacido en 1968 en Kvistgaard, cerca de Helsingør, en el norte de la isla de Sealand)  especializado en fotografía de guerra y de zonas en conflicto.

 

Darfur - A silent genocide. 2004-2009</p><br /><br />
<p>A silent genocide. 2004-2      (c) Jan Grarup

 

 

Biografía

Consiguió su primera cámara cuando tenía 13 años y comenzó a revelar fotografías en blanco y negro. Con 15 años realizó una fotografía de un accidente de tráfico y la envió al diario local Helsingør Dagblad donde fue publicada. Con 19, pasó sus días de vacaciones de Semana Santa en una Belfast convulsa, lo que le acercó para siempre a las zonas en conflicto.

Después de estudiar de 1989 a 1991 periodismo y fotografía en la Escuela Danesa de Periodismo en Aarhus, trabajó primero como aprendiz, y luego como fotógrafo a tiempo completo en el diario sensacionalista danés Ekstra Bladet. Ya en 1991, ganó su primer premio Fotografía del Año en Dinamarca, un premio al que está abonado. En 1993, se trasladó a Berlín por un año, trabajando como fotógrafo freeelance para periódicos y revistas daneses.

Durante su carrera, ha cubierto muchas guerras y zonas en conflicto por todo el mundo incluyendo la guerra del Golfo, el genocidio ruandés, el cerco de Sarajevo y la sublevación palestina contra Israel en 2000. Su cobertura del conflicto entre Palestina e Israel dio lugar a dos series: Los muchachos de Ramallah, y Los muchachos de Hebrón.

Su libro, Shadowland (2006), presenta su trabajo durante 12 años en Cachemira, Sierra Leone, Chechenia, Ruanda, Kosovo, Eslovaquia, Ramallah, Hebrón, Iraq, Irán y Darfur. Su segundo libro, Darfur: Un genocidio silencioso, fue publicado en 2009. Después de dejar su puesto en el Politiken en otoño de 2009, montó la pequeña firma fotográfica danesa Das Büro en enero de 2010 donde concentra el mercado nacional.

Continúa su trabajo internacional con la agencia de NOOR en Amsterdam, de la cual es cofundador. Sus series más recientes de fotografías son las del terremoto de Haití. Ha ganado numerosos premios incluyendo 2 World Press Photo.

 

 

Referencias

 

 

Libros

 

AlexandFelix

AlexandFelix es una pareja de fotógrafos suizos: Alex Gertschen (nacido el 1969), y Felix Meier (nacido también en 1969) cuyo trabajo está caracterizado por la creación de mundos, a menudo algo absurdos y surrealistas, a base de elementos reales.

 

 

(c) AlexandFelix

 

 

Biografía

Llevan trabajando juntos más de 14 años.

Su obra ha sido publicada en revistas como EYEMAZING, AZART y SANTA Art Magazine… y han realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas.

La composición de modelos y fondos está realizada sin el uso de ordenadores. El modelo es maquillado adecuadamente y el fondo es montado cuidadosamente, para intentar que las imágenes sean más vibrantes y menos artificiales.

 

 

Referencias

 

 

Libros

 

Richard Warren

Richard Warren es un fotógrafo americano (nacido en Houston, Texas, tiene su base en el distrito de la moda en Manhattan) especialista en fotografía de moda.

 

 

(c) Richard Warren

 

 

 

Biografía

Su padre trabajaba en un periódico. A los 15 años se traslado al Pacífico Norte, donde trabajó vendiendo pescado en Alaska y también se graduó en Artes Gráficas en la Western Washington University.

Con 21 años se trasladó a Nueva York y trabajó de asistente para fotógrafos como Bill King, Helmut Newton, Denis Piel y Robert Mapplethorpe.

Con 26 años publicó su primer trabajo mientras vivía en Milán, 30 páginas en la revista Bazaar italiana fotografiando a Valentino y a otros grandes diseñadores de moda.

Continuó trabajando en Milán y París y después en Sídney para la Vogue australiana, Follow-Me, Dolly y Australian Harpers Bazaar.

En 1990 volvió a Nueva York y comenzó su carrera en la fotografía de moda.

Trabaja con película y también domina la técnica digital, teniendo un estudio digital de 22 Mpx
en el distrito Grament de Manhattan.

Sus fotografías han aparecido en más de 50 revistas de moda: Australian Vogue, Bazaar Italia, Zink, Vanity Fair. …

Ha fotografiado a muchas modelos y artistas como Cindy Crawford, Christy Turlington, Linda Evangelista, Brooke Shields, …

 

 

Referencias

 

James L. Stanfield

James L. Stanfield es un fotógrafo estadounidense estrechamente ligado a la revista National Geographic, para la que ha realizado más de 60 artículos. Muchas de sus fotografías son un icono para nosotros.

 

(c) James L. Stanflield

 

 

Yo quería ir a la Luna, pero aparte de eso, no me puedo quejar en absoluto. La Geographic es la mejor vida que un chico podría desear.

 

 

Biografía

Creció en una familia de fotógrafos que habían trabajado durante 40 años para toda clase de periódicos. Su padre fotografió a Babe Ruth, Judy Garland y al notorio Al Capone. No pudo ayudarles en su trabajo sin impresionarse ni dejarse llevar por el entusiasmo y la variedad de su profesión.

Tras estudiar en la escuela de periodismo y la de arte, siguió los pasos de su padre en el Milwaukee Journal. Su padre le pidió que no trabajase allí durante más de cinco años, aprendiendo todo lo que pudiera (especialmente de la fotografía en color), y que después lo abandonase para probarse a si mismo. Permaneció allí 5 años y 11 días, y entonces se lanzó al National Geographic, donde trabajó en exclusiva como fotógrafo desde 1967 hasta su jubilación en 1994, aunque aún hoy sigue haciendo colaboraciones ocasionales. En total suma más de 60 reportajes para la revista a lo largo de las pasadas tres décadas.

Su capacidad de abordar temas realmente monumentales le ha permitido realizar los artículos sobre el Imperio Bizantino, el Imperio Otomano, la coronación del Sha de Irán, y el Vaticano, donde Stanfield pasó cerca de un año, siete días a la semana, fotografiando cada rincón de la nación más pequeña del mundo, y acompañando al Papa en sus viajes por España y Latinoamérica.

Sus fotografías han llegado a exhibirse en el Museo Metropolitano de Nueva York, y tras su jubilación, National Geographic publicó una retrospectiva de su trabajo en el libro Eye Of The Beholder.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Rebeca Saray

Rebeca Saray es una joven fotógrafa gallega (nacida y criada entre los bosques y el mar de un pequeño pueblo costero gallego, Ribeira, vive en Madrid) con una prolija obra en la que la belleza, el glamour, la seducción y un ligero toque de misterio y dulce oscuridad, hacen de ella una verdadera experiencia visual.

 

Pilar Rubio (c) Rebeca Saray

 

 

 

Lo que tenéis entre las manos son palabras e imágenes para soñadores, tan solo debéis dejaros llevar en un mundo donde la traición y el amor van de la mano.

 

Biografía

Camino de los 28 de años, creció en un pequeño pueblo de la costa gallega entre el bosque y el mar… por eso quizás le gusta tanto mezclar los lugares sombríos y el mar con las personas y sus más turbadores sentimientos.

Hace unos años encontró en la fotografía su punto de fuga, la mejor forma de arrancar todo lo que le preocupaba o le fascinaba y mezclarlo en un devenir de imágenes que se evaporaban en un click dejando paso a la siguiente hasta alcanzar el sentimiento buscado.

De eso se trata su forma de entender la fotografía: sentimientos que se mueven en un mundo de circunstancias.

Y a esa búsqueda debe su primer libro “Feelings“. Decidió marcharse de su Galicia querida hacia nuevos sueños y nuevas esperanzas, con destino Madrid, el centro, que para ella es el mejor lugar para partir hacia ninguna parte o hacia todas ellas.

Hizo un curso de fotografía en Efti, y comenz a publicar en algunas revistas y a trabajar con agencias para clientes como AR, El DuendeMadrid, Que!, Air Europa, …

Ha fotografiado a Pilar Rubio. Kira Miró, Tim Burton, Berta Collado, … o a grupos como Sôber, Mago de Oz, Paradise Lost, …

Una de las cosas que más le gusta de esta profesión es poder ponerse en el lugar del fotografiado para recrear un momento, una visión, una idea que luego hay que encajar a la perfección con la persona a fotografiar, es la búsqueda del momento perfecto.

Para ella la música, el cine y la fotografía son trillizos inseparables, cada uno por si mismo dice algo, pero todos juntos son “el momento“.

También realiza talleres y master class de fotografía.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

 

Jorge Aceituno

Jorge Aceituno Moreno es un fotógrafo chileno, magnífico retratista y un maestro en las artes culinarias,

 

 

JorgeAceituno

 

 

Biografía

Estudió fotografía en la escuela Fotoforum entre los años 1983 y 1986.

Inició su labor como fotógrafo profesional en 1985 haciendo fotografía de teatro para directores como Ramón Griffero, Fernando González, Fernando Cuadra, entre otros, y para diversos montajes de la Compañía de Teatro de la Universidad Católica, Teatro del Silencio y grupos independientes.

A partir de esta experiencia se especializó en retrato fotográfico y puesta en escena, en torno a lo cual ha desarrollado su obra personal, materializándola en numerosas exposiciones presentadas en el ámbito nacional e internacional.

Entre sus proyectos más destacados se encuentran:

  • Hay alguna flor que se come, experiencia fotográfica y poética con jóvenes con discapacidad mental del Centro de Formación Técnica Aquelarre
  • Con agua de cielo: un viaje diferente por la historia de la pintura, que consiste en la puesta en escena de pinturas de la pinacoteca universal elegidas y representadas por los mismos jóvenes.

Dichos  proyectos han sido claves para la adjudicación de fondos concursables como Fondart, Fonadis y la beca John Simon Guggenheim Foundation en fotografía del año 2003.

Ha formado parte de iniciativas para la difusión de la fotografía, tales como el Centro Nacional de la Fotografía, la Galería Contraluz y la Sociedad Chilena de Fotografía, desarrollando labores de coordinación y de dirección.

Da cursos de retrato y talleres formativos en el Instituto Profesional Arcos y en las carreras de Periodismo y Cine de la Universidad de Chile dicta el taller de fotografía de I y II año.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Chile, 1970-2000: La Memoria Oxidada
  • Hay alguna flor que se come

 

Giorgia Napoletano

Giorgia Napoletano (alias Blekotakra) es una joven fotógrafa italiana cuyo trabajo es casi exclusivamente en blanco y negro y tiene un contenido visiblemente dark en el que da formas a sus autorretratos con una desconstrucción creativa seria y bien planteada.

 

(c) Giorgia Napoletano

 

 

 

Biografía

Con su juventud (19 años actualmente), poca historia hay detrás.

Sus fotocomposiciones nos transportan a un mundo oscuro y lleno de planteamientos inquietantes que no excluyen una mordaz belleza hacia lo desconocido.

Sus composiciones fotográficas son surrealistas y extrañas que se limitan a salir de dentro de la propia artista en busca de un poco de luz.

 

 

Referencias

 

Oriol Maspons

Oriol Maspons Casades fue un fotógrafo catalán (nacido en Barcelona en 1928 y fallecido el 12 de agosto de 2013) denominado como el fotógrafo de “la gauche divina” por fotografiar a una liga de artistas e intelectuales que arrancó en Cataluña con el despegue económico tras la posguerra y se situó al margen del luto social que tiñó la España de la posguerra, en la que fue uno de los más importantes en la renovación de la fotografía.

 

(c) Oriol Maspons

 

 

 

 

 

Biografía

Nacido en 1928 en el seno de una familia burguesa, en 1955 se trasladó a Paris por la empresa de seguros para la que trabajaba, viviendo allí 2 años, frecuentando el club 30 x 40, colaborando en varias revistas: Paris Match, Elle y Boccacio y entrevistándose con los mejores fotógrafos de la época, como Brassai, Cartier Bresson, Robert Doisneau, Guy Bourdin,

Al regresar se hizo fotógrafo profesional, trabajando como fotógrafo de moda, publicidad y fotorreportaje para la revista Gaceta Ilustrada.

Dedicó los primeros años de su carrera a retratar la España pobre de los años 50, desde los poblados gitanos a las familias nómadas de La Mancha, de los toreros de salón en las calles del Poble Sec barcelonés a los guardias civiles vigilando las playas, de los emigrantes que partían a Alemania a los turistas que empezaban a llegar en los 60.

En Ibiza vivió el desembarco de los primeros hippies y empezó a retratar a espléndidas mujeres en bikini o directamente desnudas.

Una de sus constantes fue precisamente retratar a la mujer: sofisticadas señoritas vestidas por Paco Rabanne en Cadaqués junto a Dalí, modelos para ilustrar las famosas portadas de la Biblioteca Breve de Seix-Barral, las féminas de la Gauche Divine catalana, de la que él fue miembro destacado.

En 1956 entró a formar parte del consejo editorial de la revista AFAL aunque ya era conocido por su actividad en la Agrupación Fotográfica de Cataluña y por haber publicado varias fotos en Arte Fotográfico con motivo de la obtención de varios premios en concursos.

En 1957 en el número 61 de esa revista definió el término salonismo para denunciar un tipo de fotografía pictorialista que sólo trataba de conseguir galardones dentro de una estructura de jurados de concursos muy ortodoxos.

También ha publicado su obra en otras revistas especializadas en fotografía como Nueva Lente, Annual Photography y Photography Year Book, así como en prensa y revistas generales como Gaceta Ilustrada, etc.

Ha realizado numerosas exposiciones y algunas de sus fotos están expuestas en el MoMA. Ha ilustrado portadas de diversas colecciones de libros y sus fotografías han ilustrado muchas obras literarias. En 2006 recibió la Creu de Sant Jordi.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

Francesco Zizola

Francesco Zizola es un fotorreportero italiano (nacido en Roma en 1962) considerado uno de los más importantes fotoperiodistas contemporáneos.

 

 

(c) Francesco Zizola

 

 

Biografía

Estudió antropología.

Desde 1986 sus fotografías son publicadas en revistas cómo Panorama, Epoca, Il Venerdi, Newsweek, Time, Stern y Figaro.

Es un Magnum Nominee desde 2001. Antes fue miembro de la agencia Contrasto en Roma.

También quedó de los 5 primeros en la competición Alexia de 2003.

Ha ganado 7 premios World Press Photo y 4 Pictures of the Year Award, además de otros muchos.

Su fotografía refleja la dura realidad y el miedo de los niños y personas en los conflictos que documenta, sin hacer demasiadas concesiones a la estética.

 

 

Referencias

 

 

Libros