Yuriko Takagi

Yuriko Takagi es una fotógrafa japonesa (nacida en Tokio) cuyo trabajo personal se mueve mayoritariamente en blanco, negro y grises, reservando los colores para su trabajo más comercial, en el cual alterna ambos estilos.

 

(c) Yuriko Takagi

 

 

Me he dado cuenta de que la sensualidad de la propia vida va más allá de la sexualidad.

 

 

Biografía

Estudió diseño gráfico en la Universidad de Arte de Mushashino en Tokio, y diseño de moda en la Trent Polytechnic en Inglaterra.

Trabajando como diseñadora freelance, se inició en la fotografía en sus viajes por todo el mundo, desde Asia hasta África, pasando por Sudamérica y el Medio Oriente.

Comenzó a tomar sus primeros retratos fotográficos centrándose en la “existencia humana” y en una única perspectiva que envuelve la moda y el cuerpo.

En el mundo de la moda realiza un trabajo bien distinto a lo que solemos ver normalmente, ya sea por las localizaciones empleadas (Kenia, india, China, Marruecos… entre otras), como por sus modelos (generalmente gente autóctona del país), aparte de su ojo para efectuar el disparo adecuado.

Tiene varios proyectos personales:

  • Nus Intime (1986 a 1992), en la que fotografía a sus amigos creativos, bailarines, actores, artistas, escritores y poetas. Una serie realizada en Bali, Barcelona, Estambul, Londres, París y Tokio.
  • Confused Gravitation (1991 a 2000) es otra de sus series que sitúa entre Bali, Hawaii, London, Tokio.
  • Threads of Beauty (2000 a 2010), donde trata de recoger gente con sus vestidos tradicionales.
  • The Bird of Gravity (1995 a 2010), en el que busca la relación de la gravedad entre el género humano y la naturaleza a través de las fuerzas del planeta.

 

 

Referencias

 

 

Libros

 

Bruno Barbey

Bruno Barbey es un fotógrafo francés (nacido en 1941 en Marruecos) que es especialmente conocido por el uso libre y armonioso del color. Con frecuencia ha trabajado en Marruecos, el país de su infancia.

 

(c) Bruno Barbey / Magnum

 

La fotografía es el único lenguaje que puede ser entendido en cualquier lugar del mundo.

 

 

Biografía

Nació y pasó sus 12 primeros años en Marruecos.

Estudió fotografía y artes gráficas en la Escuela de Artes y Oficios de Vevey, Suiza (1959-60).

De 1961 a 1964 fotografió a los italianos como protagonistas de un pequeño mundo teatral, con el objetivo de capturar fotográficamente el espíritu de una nación.

Durante esa década, fue comisionado por Ediciones Rencontre de Lausana para documentar los países europeos y africanos y fue también un colaborador habitual de la revista Vogue.

En 1964 comenzó su relación con Magnum Photos, y se convirtió en miembro asociado en 1966, y un miembro de pleno derecho en 1968, año en el que documentó la inestabilidad política y los disturbios estudiantiles de Francia en París.

Entre 1979 y 1981, fotografió Polonia en un punto de inflexión en su historia.

Durante más de cuatro décadas, ha viajado por los cinco continentes y ha documentado numerosos conflictos del mundo, aunque no se considera un fotógrafo de guerra. Sin embargo, cubrió las guerras de Nigeria, Vietnam, Oriente Medio, Bangladesh, Camboya, Irlanda, Irak y Kuwait.

Su trabajo ha aparecido en la mayoría de las revistas más importantes del mundo.

En 1999, el Petit Palais (Musée des Beaux Arts) de la ciudad de París, realizó una gran exposición de sus fotografías tomadas en Marruecos durante los últimos 30 años.

Ha recibido numerosos premios por su trabajo, incluyendo:

  • Orden Nacional del Mérito francesa,
  • Supervisa Press Club Award y
  • Premio Universidad de Missouri Fotoperiodismo.

También ha realizado 9 películas documentales.

 

 

Referencias

 

 

Libros

 

Jonas Bendiksen

Jonas Bendiksen es un fotógrafo noruego (nacido en Tønsberg en 1977, vive en Oslo) que realiza fotografía documental sobre historias que no son de primera plana.

 

(c) Jonas Bendiksen / Magnum

 

Adoro trabajar en historias abandonadas en beneficio de los titulares – los huérfanos periodísticos. A menudo, las mejores imágenes, las más convincentes, son relegadas a la sombra junto con las historias, y pasan prácticamente desapercibidas.

 

 

Biografía

Con 15 años, hacer fotografías llegó a ser importante y construyó un cuarto oscuro en la casa de sus padres. Al mismo tiempo que revelaba fotos fue desarrollando un punto de vista personal sobre el tipo de fotos que hacía y las que desearía hacer en el futuro. No tenía dudas de que iba a ser un fotógrafo.

A la edad de 19 años, entró en la agencia Magnum de Londres, pero pronto abandonó la rutina de la oficina para ir a trabajar a Rusia como fotoperiodista independiente: con 20 años llegó en barco al puerto de Vladivostok en el lejano oriente de Rusia. Se estableció allí durante varios de los años siguientes, donde trabajó en historias sobre la periferia de la antigua Unión Soviética, buscando historias sobre la desmantelación del antiguo imperio soviético que compiló en la obra Satellites (2006).

Su trabajo a menudo se ha centrado en las comunidades aisladas y en los enclaves.

Más tarde viajó por los cinco continentes y se dedicó a varios proyectos, en particular a un estudio de gran envergadura sobre los barrios de chabolas en todo el mundo.

Entre otros, ha recibido los premios:

  • National Magazine por su documental Kibera, publicado en París Review,
  • beca de la Fundación para la Libertad de Expresión,
  • 2º puesto en el concurso Daily Life Stories for World Press Photo.
  • El Centro internacional de Fotografía le concedió el premio Infinity en 2003 y
  • primer premio de Pictures of the Year (POY) internacionales.
  • Ha publicado especialmente en National Geographic, Géo, Newsweek, The Telegraph Magazine, The Sunday Times Magazine y para la Fundación Rockefeller.
  • Fue invitado a la agencia Magnum en 2004 y es miembro de pleno derecho desde 2008.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

 

Vicente Nieto

Vicente Nieto Canedo es un fotógrafo leonés (nacido en 1913 en Ponferrada) cuya obra constituye un recorrido visual de extraordinario valor artístico e histórico por tres décadas cruciales y traumáticas de la historia española del siglo XX, desde 1936 hasta 1967, año en el que las circunstancias laborales le obligaron a abandonar definitivamente la práctica de la fotografía.

 

 

(c) Vicente Nieto

 

 

En la vida todo es fotografía. El problema es saber traducirlo.

 

 

Biografía

En se trasladó a vivir a Madrid en 1928 donde adquiere en 1933 su primera cámara fotográfica, una Kodak Baby Brownie (que compró en los almacenes Sepu por 13 pesetas) con la que desarrolla sus primeras experiencias fotográficas, siendo especialmente significativo el conjunto formado por las imágenes tomadas durante la Guerra Civil.

Alistado como voluntario en las milicias republicanas, comienza a fotografiar la vida cotidiana de las tropas. Los motivos retratados están lejos de representar explícitamente el dramatismo del conflicto bélico o los comportamientos heroicos de los soldados.

Desde una práctica de la fotografía carente de conocimientos técnicos, inicia una trayectoria creativa encaminada a descubrir las posibilidades expresivas del medio fotográfico para convertir la realidad en imágenes significativas.

Los años cincuenta supusieron un punto de inflexión decisivo para la obra de Nieto.

En 1955 ingresó en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid, para la que dirigirá el boletín mensual entre 1958 y 1964, y al año siguiente adquiere una cámara profesional Rolleiflex, instalando además un laboratorio de fotografía en su vivienda.

Es en estos años centrales de la década de los cincuenta hasta 1967 cuando desarrolla la parte más intensa y fructífera de su trabajo fotográfico.

El medio rural y sus habitantes se convertirán en protagonistas de buena parte de su obra, retratados habitualmente en el transcurso de las excursiones organizadas por la Real Sociedad Fotográfica a localidades próximas a Madrid, aunque también retratará escenarios y personajes urbanos.

Vicente Nieto no era famoso ni siquiera conocido. Sin embargo, este nonagenario atesoraba, sin realmente ponerlo en valor, un archivo de entre 5.000 y 6.000 negativos de blanco y negro –nunca llegó a trabajar en color- que, tras donarlos para su conservación en el Centro Documental de la Memoria Histórica van a ser digitalizados, seleccionados y se convertirán en objeto de una gran exposición y un libro.

 

 

 

Referencias

 

David Bailey

David Royston Bailey es un escultor y fotógrafo inglés (nacido el 2 de enero de 1938 en Leytonstone, Londres) considerado uno de los más importantes en el mundo de la moda.

 

 

DavidBailey

 

 

Yo siempre voy por la simplicidad.

Antes se podía distinguir a una mujer fotografiada por Helmut, Newton, Cecil, Beaton o por quien fuera. Una mujer Bailey tiene un aire muy distintivo. Es una mujer de carne y hueso, una mujer sexual.

 

 

Biografía

Una no diagnosticada dislexia hizo que sus estudios fueran difíciles. Entonces, Bailey desarrolló un amor por la historia natural, y esto lo llevó a la fotografía.

A los quince años abandonó los estudios y se metió a repartidor de correos. Es por esta época cuando se compra su primera cámara, una Rolleiflex.

Se formó en la fotografía como autodidacta, antes de servir en la Fuerza Aérea Real de Malasia en 1957.

En 1959 se convirtió en asistente de fotografía en el estudio de John French, antes de ser contratado como fotógrafo de moda de la revista Vogue en 1960.

También realizó una gran cantidad de trabajos como freelance.

Junto con Terence Donovan y Brian Duffy, ayudó a crear la Swinging London de la década de 1960: una cultura de la alta costura y celebridades chic. Los tres fotógrafos se codeaban con actores, músicos y demás personajes, y así se encontraron elevados al estatus de celebridad.

La película Blowup (1966), dirigida por Michelangelo Antonioni, está basada en parte en el trabajo y los hábitos sexuales de un fotógrafo de moda de Londres, precisamente Bailey.

La fotografía de moda, carátulas para álbumes de música, publicidad y documentales han sido sus principales trabajos.

Bailey ha estado casado cuatro veces: en 1960 con Rosemary Bramble; en 1965 con la actriz Catherine Deneuve (divorciados en 1972); en 1975 con la modelo Marie Helvin, y en 1986 con la modelo Catherine Dyer, con quien sigue casado.

Amante del arte, adora a Picasso.

Sigue colaborando con el grupo editorial Condé Nast, sobre todo para las revistas Vogue, Vanity Fair y GQ, y ha publicado una gran cantidad de libros

Premios, incluidos los de los anuncios y documentales

  • The Golden Lion – Cannes
  • The Cleo – America
  • American Television Award
  • D&AD Gold – London
  • EMMY Award – America
  • 1998 D&AD – Presidents Award – London
  • 2001 Awarded CBE
  • 2005 Centenary Medal RPS
  • 2006 Lucie Awards
  • 2008 New York Arts Club Gold Medal

 

 

Referencias

 

 

Libros

 

Schilte & Portielje

Schilte & Portielje es la pareja formada por los artistas holandeses Huub Schilte (1953) y Jacqueline Portielje (1958), que viven y trabajan en Rotterdam, y son inseparables desde que se conocieron en 1975. Su trabajo es un sincretismo de estilos, Schielte es arquitecto y Portielje es pintora y juntos realizan unos extraordinarios murales de ingentes dimensiones en los que fusionan fotografía, pintura y moda.

 

 

(c) Schilte & Portielje

 

 

 

Biografía

Se conocieron en 1975, pero estudiaron diferentes carreras y después de acabarlas montaron cada uno su estudio en el mismo edificio en 1985.

Schilte comenzó a hacer grandes murales y Portielje a combinar la pintura y la fotografía, implicándose mutuamente en el trabajo del otro.

En 1994 exploraron conjuntamente las posibilidades de los ordenadores como medio artístico, utilizándolos como un cuarto oscuro y como una herramienta de dibujo y pintura.

Como sus ideas artísticas eran complementarias, al final el crear obras de arte de manera complementaria se convirtió en regla más que en excepción y comenzaron en 1997 a utilizar el nombre de forma común.

Con una estética que recuerda el trabajo de los surrealistas, se centran sobre todo en la espalda de los seres humanos retratados, trabajan sin una idea preconcebida y siempre en blanco y negro, y exploran, investigan y adaptan todas las posibilidades que ofrecen los programas informáticos como herramienta de trabajo a sus obras.

Tienen un banco de datos e investigan de forma independiente como componer el concepto de la nueva obra. Este proceso es lento y se intercambian los trabajos realizados para que cada uno continúe el desarrollo de ideas donde el otro se ha atascado.

Si la imagen conceptual les parece convincente la desarrollan en común técnica y artísticamente.

 

 

Referencias

 

Mick Rock

Mick Rock es un fotógrafo inglés (que dejó Londres por Nueva York) y que es considerado como “el hombre que fotografió los años 70” por retratar las grandes estrellas del rock de los 70.

 

(c) Mick Rock

 

 

 

 

Biografía

Estudió literatura en Cambridge. Comenzó su relación con la fotografía una noche en estado de “embriaguez química” sacando fotos a una amiga con una cámara prestada y sin película. Al día siguiente repitió la operación pero ya con película.

Fotografiaba amigos y novias, hasta que una banda local le ofreció pagarle (poco) por tomas instantáneas suyas y eso fue el comienzo de su relación fotográfica con el rock. El primer “famoso rockero” que fotografió fue su amigo Syd Barrett.

En 1972 retrató a un desconocido David Bowie, del que se convertiría en fotógrafo oficial para las giras, y con el acceso que ningún otro fotógrafo tenía en ese momento, pudo documentar la creación de personaje Ziggy Stardust de Bowie.

Capturó la famosa imagen del trío terrible del rock: David Bowie, Iggy Pop y Lou Reed.

Comenzó a viajar entre Londres y Nueva York y a fotografiar artistas emergentes.

En 1977 Rock se trasladó a Nueva York de forma permanente, donde se sumergió en la escena musical underground y posaron para él Queen, Syd Barrett, The Sex Pistols, The Ramones, Joan Jett, Talking Heads, Roxy Music, Motley Crue y Blondie.

Sus fotos son rebeldes y en algunos casos desafiantes. Muestra todo el glamur de la época y es un registro histórico para los amantes del rock. Muchas de sus fotos son íconos característicos de la música como las portadas que realizó para discos como Queen II y Sheer Heart Attck de Queen, End of the Century de The Ramones o Space Oddity de su favorito, David Bowie.

Fue director de videoclips de Bowie, como ‘Life on Mars’ y ‘Space Oddity’, algunos de los cuales están en museos.

También realizó carátulas, como  las de ‘Transformer’ de Lou Reed y de ‘Raw Power’ de Iggy Pop.

Lleva 4 décadas fotografiando el mundo del rock. Recientemente a retratado a Kate Moss, Snoop Dog, Alicia Keys, The Gossip, Lady Gaga, Killers, Scissor Sisters, Chemical Brothers, MGMT, Pharrell, Black Keys, Daft Punk, Kasabian, Michael Stipe (R.E.M.) …

Cuando trabaja es como si estuviera en otra dimensión, totalmente alerta e inmerso en el instante. Practica mucho el yoga y siempre hace sesiones de meditación antes de las fotos. Lo hace casi desde el principio, incluso cuando abusaba de las drogas, y cree que le ha ayudado.

En 2010 inauguró en  la galería Idea Generation de Londres “Exposed”, una muestra de su trabajo reciente.

 

 

Referencias

 

 

 

LIbros

 

Daido Moriyama

Daido Moriyama es un fotógrafo japonés (nacido en 1938 en Ikeda, Osaka, vive y trabaja en Tokio) que ha permanecido relativamente al margen del mercado, convirtiéndose en una figura de culto muy respetada y admirada en el medio fotográfico internacional. Por lo general, toma las imágenes con una cámara compacta de 35 mm, utilizando poco el visor y presentando los resultados positivados en blanco y negro. Sus imágenes representan la pérdida de los valores tradicionales en el Japón de la posguerra.

 

 

(c) Daido Moriyama

 

 

No pienso que esté haciendo fotos que no son representativas de Japón. Quiero expresar la realidad de Japón. Quiero mostrar lo que realmente está sucediendo.

 

 

Biografía

Dejó el diseño para estudiar fotografía con Takeji Iwamiya.

En 1961 se fue a vivir a Tokyo, donde trabajó de asistente durante tres años en el estudio de Eikoh Hosoe.

Influido por Iwamiya y Hosoe (ambos pertenecen a una primera generación de la fotografía de vanguardia nipona que sufrió directamente las terribles consecuencias de la II Guerra Mundial), sus primeros trabajos fotográficos reflejan el colapso de los valores tradicionales en la sociedad japonesa de posguerra.

Ha publicado más de 50 libros y ha realizado más de 50 exposiciones en solitario.

La belleza no le interesa. En su obra, la actividad cotidiana nunca cesa y mientras unos salen a la calle a buscarse el sustento, otros regresan exhaustos de la noche agotada. Entiende la práctica fotográfica como una manifestación artística autónoma y portadora de una serie de “peculiaridades que la hacen independiente, soberana de su propio campo de expresión y con posibilidades inéditas no soñadas ni explotadas por otras artes más antiguas en el tiempo“.

Aunque no exclusivamente, Moriyama utiliza predominantemente alto contraste, fotografías con grano, blanco y negro, la zona de Shinjuku en Tokio y los encuadres singulares.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Documentary 1-5 1972-73.
  • Another Country, 1974.
  • Tales of Tono 1976.
  • Japan, A Photo Theater II 1978.
  • Light and Shadow 1982.
  • Memories of a Dog – Places in My Memory  1984. (Essays)
  • A Dialogue with Photography 1985. (Essays)
  • A Journey to Nakaji 1987
  • Moriyama Daidō 1970-1979 1989.
  • Lettre a St. Lou 1990.
  • Daido hysteric No.4 Hysteric 1993.
  • Color 1993.
  • Daido hysteric No.6 1994.
  • Japan, A Photo Theater (reprint) 1995.
  • A Dog’s Time 1995.
  • Imitation  1995.
  • From/ Toward Photography 1995. (Essays)
  • A Dialogue with Photography (revised) 1995. (Essays)
  • Daido hysteric Osaka No.8  1997.
  • Moriyama Daidō 1997.
  • Hunter (reprint) 1997.
  • Fragments 1998.
  • Memories of a Dog – Places in My Memory, the final 1998. (Essays)
  • Passage Wides 1999.
  • Dream of water 1999.
  • Visions of Japan: Daido Moriyama 1999.
  • Color 2 1999.
  • Past is every time new, the future is always nostalgic 2000.
  • Memories of a Dog – Places in My Memory (revised) 2001.
  • Memories of a Dog – Places in My Memory, the final 2001.
  • The Japanese Box – Facsimile reprint of six rare photographic publications of the Provoke era 2001.
  • Platform 2002.
  • 71- NY Daido Moriyama 2002.
  • Shinjuku 2002.
  • transit 2002.
  • Daido Moriyama 55 2002.
  • Daido Moriyama, The Complete Works vol. 1 2003.
  • Daido Moriyama: Actes Sud 2003.
  • Remix 2004.
  • Daido Moriyama 2004.
  • Memories of a Dog 2004.
  • Daido Moriyama, The Complete Works vols 2-4 2004.
  • Wilderness! 2005.
  • Shinjuku 19XX-20XX 2005.
  • Tokyo Reflex 2005.
  • Buenos Aires 2005.
  • Lettre a St. Lou 2005.
  • Shinjuku Plus 2006.
  • Record no. 6 2006.
  • t-82 2006.
  • it 2006.
  • Farewell Photography 2006.
  • Snap 2007.
  • Record no. 8  2007.
  • Kagero & Colors 2007.
  • Hawaii 2007.
  • Osaka Plus  2007.
  • Erotica,  2007.
  • Record no. 7  2007.
  • Tales of Tono 2007.
  • Yashi  2008.

 

Pep Bonet

Pep Bonet es un fotógrafo mallorquín (nacido en Colònia de Sant Jordi, Mallorca, en 1974, vive en Santanyi, Mallorca) con una gran capacidad para captar la atmósfera de lo que retrata gracias a encuadres inéditos, a enfoques forzados y a perspectivas imposibles.

 

 

(c) Pep Bonet / Noor

 

 

 

Biografía

A los 15 años se traslada a Tarifa para estudiar bachillerato y dedicarse al windsurf.

En 1995 reside durante tres meses en Hawai, practicando el windsurf, deporte con el que llega a competir en el campeonato del mundo.

Dos años más tarde se instala en Ámsterdam y estudia fotografía, a la que decide dedicarse profesionalmente tras visitar una exposición de Ed van der Elsken.

En 2002 Bonet es seleccionado por el World Press Photo Masterclass para menores de 30 años, por su trabajo Faith realizado en Sierra Leona.

En el mismo año la revista PDN Photo Anual de Nueva York lo selecciona como uno de los 30 jóvenes talentos del año y el festival Photoespaña lo escoge en la sección Descubrimientos con La Procesión de San Lázaro, realizado en Cuba.

En 2003 gana el premio Kodak Young Photographer of the Year con Faith in Chaos en Visa pour l’Image de Perpiñan.

También obtiene el premio FotoPres, el primer premio Fujifilm Europress en la categoría de retrato, el primer premio Zilveren Camera Holland en la categoría documental internacional.

En 2004 la Fondazione Luchetta de Trieste le nombra mejor fotógrafo de prensa y es seleccionado como finalista en la beca W. Eugene Smith en fotografía humanística, que ganará al año siguiente en 2005.

En 2006 gana el segundo premio World Press Photo en la categoría de serie de deportes con un reportaje sobre una liga de fútbol de amputados en Sierra Leona.

En 2008 obtiene también el segundo premio World Press Photo en Retratos.

Es miembro fundador de la agencia NOOR.

 

 

Referencias

 

 

Libros

 

Dariusz Klimczak

Dariusz Klimczak es un fotógrafo polaco (nacido en Sieradz en 1967) que tiene un interés especial por la fotografía creativa y de manipulación.

 

 

(c) Dariusz Klimczak

 

© Dariusz Klimczak

 

 

 

Biografía

Dariusz Klimczak se graduó en la Escuela de Arte de Zduńska Wola y se instaló con su familia en un pueblo cerca de Leba.

Es periodista independiente, pintor y aforista (ganador de la 7ª edición del Gran Premio del Concurso de Aforismos de Nowy Targ en 2005).

Lleva haciendo fotografías desde hace 25 años, buscando en ellas estados de ánimo, metafísica, símbolos universales y emociones; y usa el color sólo cuando la foto lo necesita.

La fotografía ha sido siempre una parte importante de su vida, pero se convirtió en su verdadera pasión hace unos años. Fue presidente de FOTOSIS (una asociación de fotógrafos) en Sieradz, y es fotógrafo independiente. Ha expuesto sus obras en ciudades polacas como Pabianice, Słupsk y Ostrołęka.

Prefiere los formatos cuadrados en blanco y negro, pero no rehúye el color. En sus obras manipuladas busca el humor, la broma y los símbolos universales, para intentar sorprender y hacer sonreír al espectador que las contemple.

 

 

 

Referencias

Chris Marker

Christian François Bouche-Villeneuve fue un escritor, fotógrafo y director de cine francés (nacido en Neuilly-sur-Seine, Francia, el 29 de julio de 1921 y fallecido en París el 29 de julio de 2012), a quien se atribuye la invención del ensayo fílmico. Es mucho más conocido por sus películas que por su fotografía.

 

 

Gay Lussac, París, 1968 (c) Chris Marker

 

 

 

Pienso en un mundo en el que cada memoria podría crear su propia leyenda.

 

 

Biografía

Comenzó su trabajo como parte del grupo de la rive gauche francesa, paralelo pero distinto de la nouvelle vague, con la que compartirían temas y trabajos más tarde.

Su obra, casi siempre documental, con la única excepción de la pieza de ciencia ficción La Jetée, ha resultado influyente, pero casi desconocida para el público masivo.

La Jetée, Sans Soleil y sus ensayos fílmicos sobre Akira Kurosawa, AK, y Andrei Tarkovsky, Une journée d’Andrei Arsenevitch, son los más accesibles y fáciles de conseguir.

Además del relativo hermetismo de sus trabajos, el desconocimiento acerca de la figura de Marker ha sido alimentado por él mismo; se ha negado casi sistemáticamente a conceder entrevistas, y se divierte ofreciendo versiones contradictorias acerca de los eventos de su vida y juventud. Como anécdota, cada vez que alguien le solicita una fotografía suya para ilustrar un reportaje, un libro o una entrevista, Marker envía, si es que envía, una foto de su gato preferido.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Angelicatas

Angelicatas es un fotógrafo madrileño cuya base principal de trabajo es el desnudo artístico femenino, orientado a la parte natural y sensible que une cuerpo y alma.

 

(c) Angelicatas

 

 

 

Desnudos como retratos, retratos como desnudos.
Mis imágenes son puertas a mi alma que intentan abrir ventanas a la tuya.
La belleza no es una meta, es un camino…como todo en la vida.
Luz, forma y expresividad.

La cámara de un fotógrafo es una ventana abierta que permite a otros ver los más profundos sentimientos y el alma del autor. Sólo busco la verdad a través de la belleza.

 

 

 

 

Angelicatas nos deja un trabajo lleno de retratos intimistas que va diseccionando en diferentes series.

Aunque los desnudos son el eje sobre el que gira todo su trabajo, también hay espacio para otras formas de expresión fotográfica, como las flores y las naturalezas muertas y otros proyectos más orientados al mundo de la moda.

La edición, foto-composición y retoque también forman parte del conjunto, de la personalidad del propio artista.

Los cuerpos desnudos son acompañados por texturas que en cierta forma protegen su intimidad y le dan un aire onírico.

 

 

Referencias