Humberto Rivas

Humberto Luis Rivas Ribeiro fue un fotógrafo argentino (nacido en 1937 en Buenos Aires y fallecido el 7 de noviembre de 2009) que desarrolló la mayor parte de su actividad fotográfica en España y que mostraba en sus fotografías una pasión por dos géneros: el retrato y el paisaje, así como una preocupación por las huellas que el paso del tiempo deja tanto en los rostros y en los cuerpos como en los espacios y los objetos. Se le llamaba “el fotógrafo del silencio”.

 

 

María, 1979 (c) Humberto Rivas

 

Frente a un paisaje o un retrato o lo que sea yo no quiero ni puedo ser objetivo.

Yo era un loco del cine –pasión que aún conservo-, hasta tal punto que me hice socio de un lugar en el que proyectaban películas y al que acudía todos los días. Esa pasión por el cine trajo consigo el deseo de tener una cámara. Quería hacer fotos como las de las películas. Después de mucho insistir en ese deseo y ayudado por mi padre, compré una cámara de 35 mm, una Nikon, y no paré de hacer fotos.

 

 

Biografía

Nació en Buenos Aires nieto de inmigrantes italianos y portugueses (aprendió la lengua lusitana de su abuela portuguesa, lavandera de profesión) e hijo de obreros textiles, oficio que él mismo practicó a los trece años, mientras los fines de semana se entrenaba con su padre para ser ciclista de circuito.

Cumplidos los diecisiete, inició un curso de dibujo por correspondencia y vendió la bicicleta de carrera para comprarse un caballete de pintor.

Un año después entró a trabajar como aprendiz en una agencia de publicidad y pudo comprarse la primera cámara fotográfica, una Argus de 35 mm con óptica fija. En 1959 compraría la Rolleiflex 6 x 6 que le permitía asumir mayores retos.

Con 22 años estudió en la Escuela de Bellas Artes de Buenos Aires y en 1959 realizó su primera exposición fotográfica en la Galería Galatea.

En 1960 es nombrado fotógrafo del Instituto Di Tella de Artes en el que estuvo compatibilizando esta tarea con el trabajo pictórico.

En el instituto Torcuato di Tella existía un gran ambiente creativo pero en 1968 se produce un acto de censura sobre la obra de Roberto Plate, llamada Baños. A partir de ese momento se produjo la decadencia del instituto y su cierre en 1970.

Coincidiendo con esta circunstancia Humberto Rivas decide convertirse exclusivamente en fotógrafo, abandonando su trabajo de dibujo y pintura y destruyendo todas sus obras.

Tras el cierre del instituto entra a trabajar en el Centro municipal de investigación, arte y tecnología. Estudió cine y abrió un estudio de fotografía publicitaria en Buenos Aires.

En 1976, cuando sobrevino el golpe militar en Argentina y se implantó el terrorismo de estado, se trasladó a vivir a Barcelona con su familia, apoyado por el artista América Sánchez que ya residía en la ciudad. Allí se encontró con el ambiente de la transición y los movimientos fotográficos experimentales con la revista Nueva Lente como estandarte del cambio.

Sus planteamientos fotográficos se sitúan próximos a la objetividad. Richard Averdon y Diane Arbus son sus principales influencias, también August Sander y Alfred Stieglitz.

En Barcelona la calidad de los retratos objetivistas de Rivas es muy bien valorada por fotógrafos con otras líneas de trabajo como Joan Fontcuberta, del que fue maestro y amigo,

Desde 1976 se dedicó a labores docentes en diferentes centros y universidades en Argentina, España y Portugal.

En 1997 recibió el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura español.

Murió en Barcelona el día 6 de noviembre de 2009, dos días antes de recibir la Medalla de oro al mérito artístico de la ciudad.

Su obra está presente en colecciones como la Fundación Cultural Televisa, en México; el Museo de Arte Contemporáneo de Mar del Plata, en Argentina; Los Angeles Country Museum of Art y el Museo de Fotografía Contemporánea de Chicago, en Estados Unidos; la Biblioteca Nacional de París y el fondo de arte de la Fundación de La Caixa, en Barcelona.

 

 

Referencias

 

 

Libros

 

Philippe Marchand

Philippe Marchand es un fotógrafo francés (nacido en 1961, vive en Nantes, Bretaña) conocido por sus fotografías de paisajes y entornos marinos en blanco y negro.

 

 

(c) Philippe Marchand

 

Tenía 15 años cuando revelé mi primera película. Fue en la cocina de mi abuela, con un pequeño tanque de revelado Paterson. Aunque había seguido las instrucciones, el resultado fue absolutamente desastroso. Con todo, goteando la gelatina del negativo sobre el fregadero, descubrí mis primeras fotos, con la nariz pegada en la gelatina.
Lo que sentí entonces fue una sensación indefinible, una mezcla de entusiasmo y orgullo.

Sin saberlo claramente, me había hecho fotógrafo.

 

 

Biografía

Fotógrafo autodidacta. A los 16 años un amigo le prestó una vieja Zenith rusa.

Leyendo revistas descubrió a famosos fotógrafos (especialmente a Jean Loup Sieff) del blanco y negro que intentaba imitar, antes de que descubriera su propio estilo.

Fotografía con malas condiciones climatológicas: nieve, lluvia, niebla, … lo que da a sus fotografías un plus de espectacularidad.

Con gran experiencia en el laboratorio, comparte la fotografía tradicional con la digital.

Comparte su tiempo entre la ilustración, los trabajos de publicidad y la fotografía personal de paisajes marinos.

Ha realizado varias exposiciones en solitario, principalmente en Bretaña y su trabajo ha aparecido en diversas revistas de fotografía de todo el mundo.

Obtuvo el premio de mejor fotógrafo del año 2008 en la categoría Reportajes por su foto  Artemis run aground.

 

 

Referencias

 

Katerina Belkina

Katerina Belkina es una artista rusa (nacida en 1974 en Samara, vive en Moscú) cuyo trabajo se basa en el autorretrato y la fotocomposición. Es una artista polifacética, con un gran trabajo tanto en fotografía como en dibujo y pintura.

 

 

(c) Katerina Belkina

 

 

Yo soy, y lo he sido siempre, una persona apasionada.

 

Biografía

Creció en una familia de artistas (su madre y su abuelo eran pintores, su padre, aunque matemático, estaba también interesado en el arte), lo que le hizo entrar en ese mundo ya desde pequeña, alternando la pintura y el baile.

Estudió arte en la escuela público y más tarde en Petrov-Vodkin, la única academia de arte de su ciudad. Las técnicas clásicas fueron para ella un gran aprendizaje del que se beneficiará en su trabajo, pero que no limitará su creatividad.

Tras graduarse trabaja como fotógrafa comercial y es entonces cuando entra en contacto con los ordenadores.

A los 26 años empezó su verdadero interés por la fotografía, aunque sin dejar el resto de las artes (dibujo, pintura, escultura).

Su obra evoluciona hacia una fotografía que se da la mano con la pintura hasta confundirse con ella. Muchas de sus fotografías son homenajes a grandes clásicos de la pintura como Van Gogh, Renoir, Klimt o Magritte entre otros.

Se utiliza a si misma como modelo para crear esas composiciones de finura técnica y de gran calidad imaginativa.

Su obra fotográfica ha sido incluida en publicaciones como National Geographic, Seventeen y Gala.

Ha obtenido diversos premios, como:

  • Art Interview 14th International Online Artist Competition,
  • International Photography Awards,
  • Premio Kandinsky en Moscú.

 

 

 

Referencias

 

Kiyo Murakami

Kiyo Murakami es una diseñadora y fotógrafa japonesa (nacida en 1976 en Shizuoka, vive en Tokio) que crea un mundo onírico y surrealista lleno de fantasía y color.

 

(c) Kiyo Murakami

 

 

 

Mis ideas salen de mis sueños y mis recuerdos de la infancia, pero también me inspiran las viejas películas o la pintura. Algunos de mis trabajos son autorretratos, creo que el autorretrato ayuda a tener una buena salud mental, y no es simplemente narcisismo, sino una terapia y una aventura para todos nosotros.

 

Biografía

Tras graduarse en la escuela de arte experimentó con diferentes disciplinas artísticas como la ilustración, el diseño, la música, etc., para descubrir finalmente que la mejor forma de expresarse era a través del mundo de la fotografía, y más concretamente de la fotocomposición.

Lleva pocos años haciendo fotografía profesional y es totalmente autodidacta, pero como diseñadora lleva más de 10 utilizando Photoshop.

Dispara exclusivamente en formato RAW, tras lo cual realiza todas las tareas de edición y manipulación con Photoshop CS5.

Sus creaciones han sido motivo de portada de diferentes revistas y recientemente ha colaborado para la marca de corsés femeninos japonesa Abilletage.

 

 

Referencias

 

Fred Herzog

Fred Herzog es un fotógrafo alemán/canadiense (nacido el 21 de septiembre de 1930 en Stuttgart, Alemania, y que reside desde 1952 en Canadá) conocido principalmente por sus fotos de Vancouver. Fue también uno de los pioneros del color.

 

Man with Bandage - 1968 (c) Fred Herzog

 

 

Tienes que tomar riesgos. Ahora también tienes que tomar riesgos. Y si sales, y tomas solamente fotografías seguras, no has conseguido nada. Tienes que hacer un hueco diario en el que salgas y hagas 50 fotografías y, por lo menos algunas tienen que ser arriesgadas. Quiero decir arriesgadas técnicamente. Tienes que hacer algo que nunca hayas hecho antes.

 

 

Biografía

Creció en Stuttgart, pero fue evacuado durante los bombardeos de la II Guerra Mundial.

Sus padres murieron durante la guerra (de fiebres tifoideas y de cáncer) por lo que tuvo que dejar la escuela y enrolarse como marino.

Emigró a Canadá en 1952, viviendo brevemente en Toronto y Montreal antes de moverse definitivamente a Vancouver en 1953.

Había tomado ocasionalmente fotos durante su juventud, pero empezó a hacerlo más seriamente una vez que llegó a Canadá.

Trabajó profesionalmente como fotógrafo médico. Fue el director asociado del Departamento de Comunicación Biomédica de la Universidad Británica de Columbia (UBC) y también dio clases en la Universidad Simon Fraser.

En sus obras su tema principal era la gente normal, la clase trabajadora, y sus conexiones con la ciudad que los rodea.

Trabajaba principalmente con diapositivas (casi siempre Kodachrome) lo cual lo limitaba a la hora de realizar exposiciones y también lo marginalizó en una época (años 50 y 60) en la que la mayor parte de los trabajos eran en blanco y negro.

Sin embargo, en las siguientes décadas aumentó su reconocimiento y su trabajo fue apareciendo en numerosos libros y en diversas galerías, como la Vancouver Art Gallery.

 

 

Referencias

 

 

Libros

 

Manolo Laguillo

Manuel Laguillo es un fotógrafo español (nacido en Madrid en 1953, vive en Barcelona) figura de referencia en el documentalismo urbano, por la persistencia en su estilo descriptivo. Su trabajo es indisociable de la representación de la ciudad de Barcelona y sus transformaciones y supone un modelo para los fotógrafos de arquitectura en España.

 

(c) Manolo Laguillo

 

 

 

 

Biografía

Entre 1970 y 1975 estudió Filosofía y Fotografía doctorándose en ésta en la Universidad de Barcelona,

Desde 1981 es catedrático de la misma en la Facultad de Bellas Artes.

En 1982 mediante una beca pudo profundizar en la técnica de la platinotipia realizando diversas investigaciones.

Entre 1986 y 1992 fue profesor invitado de fotografía en la Hochschule für Bildende Künste (Escuela Superior de Artes Plásticas) de Braunschweig, Alemania.

Ha publicado varios libros de contenidos técnicos sobre fotografía, siendo El Sistema de Zonas: Control del tono fotográfico desde hace más de una década el único texto escrito en castellano sobre el sistema de zonas.

El tema más difundido de sus trabajos es la ciudad de Barcelona y su entorno y especialmente su arquitectura.

Su fotografía podría definirse como documentalismo íntimo dotado de cierta poesía.

Algunas de sus obras pueden verse en el Museo Nacional de Arte de Cataluña y hay obra suya en diversas colecciones privadas de Europa y América, así como en la Biblioteca Nacional Francesa, París; CAC Granit, Belfort (Francia); FRAC Lyon (Francia); Museo del Papel, Capellades; Consejo Mexicano de la Fotografía, México D.F.; Arxiu d’Art Contemporani, Terrassa; Xarxa Cultural, Barcelona; Fundación Joan Miró, Barcelona; IFEMA, Madrid; Diputación de Zaragoza; Puerto Autónomo de Barcelona; Patronato de La Alhambra; IVAM, Valencia; Fund. Arte y Tecnología (CTNE); Colección Pública del Ayuntamiento de Alcobendas (Madrid); MNAC, Barcelona; MNCARS, Madrid.; Colección Pública del Ayuntamiento de Alcorcón (Madrid), MACBA, Barcelona.

Ha realizado más de 40 exposiciones individuales y 60 colectivas y ha sido conferenciante en numerosos seminarios, congresos y reuniones sobre arte y fotografía y comisario en varias exposiciones de fotografía.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Barcelona 1978-1997: Manolo Laguillo 2007
  • El Sistema de Zonas. Control del tono fotográfico 1988, 1991, 1993
  • ¿Por qué fotografiar? Escritos de circunstancias 1982-1994 1995
  • El Gran Formato. La cámara descentrable y la gestión del espacio 1999, 2001
  • Fotometría. El control de la exposición 1999, 2001
  • Balance (Edición especial de 10 carpetas con 10 fotografías originales, numeradas y firmadas) 2001
  • Balance 2 (Edición especial de 10 carpetas con 10 fotografías originales, numeradas y firmadas) 2002

 

Charlie Waite

Charlie Waite es un fotógrafo inglés (nacido en 1949 en Londres) que está considerado como uno de los fotógrafos de paisajes más importantes del Reino Unido, por su uso pictorialista de luces y sombras.

 

San Quirico D'Orcia (c) Charlie Waite

 

A menudo pienso en esa sensación tan maravillosa y tan rara cuando todo parece estar en armonía. Cuando la luz, los colores, las sombras y todo el equilibrio están tan perfectamente combinados que te quedas realmente anonadado.

 

 

Biografía

Empezó su carrera como actor y asistente de dirección, pero más tarde prefirió fotografiar a otros actores.

Cuando se fue dando cuenta de que podía ganar más dinero como fotógrafo que como actor, compró su primera Hasselblad, una 500C con cuatro objetivos y durante un par de años siguió haciendo retratos, mayormente de actores.

A finales de los años setenta, estudió fotografía durante un año en el Colegio de Arte de Salisbury, mientras que a la vez trabajaba de asistente de un fotógrafo de publicidad.

Un día, él y su mujer fueron a visitar una casa que estaba en venta y el propietario le preguntó que a qué se dedicaba y Waite le respondióSoy fotógrafo de paisajes cuando en realidad trabajaba de ayudante de un fotógrafo publicitario. Por casualidades de la vida, el propietario de la casa era director de una editorial de libros y estaba buscando un fotógrafo para ilustrar un libro The National Trust Book of Long Walks. Fue aceptado para realizar el trabajo y así comenzó su carrera profesional.

Su estilo fotográfico es muy personal y sus imágenes irradian una sensación mágica de calma y armonía. Utiliza películas de diapositivas de poca granulación, filtros graduados y a menudo filtros polarizadores.

Ha viajado a países como China, Namibia y Sri Lanka para hacer fotos.

Es un fotógrafo muy prolífico y ha publicado más de 20 libros de fotografía.

También es muy solicitado como ponente, tanto en su país natal como en toda Europa, y ha participado en diversas exposiciones en capitales importantes como Londres, Tokio o Nueva York.

También da talleres de fotografía y forma parte de la compañía Light and Land de viajes fotográficos, donde además de él dan talleres fotógrafos de la talla de Joe Cornish y David Ward.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Michel Rajkovic

Michel Rajkovic es un fotógrafo francés (vive en Asnieres-sur-seine cerca de París) cuya principal obra son los paisajes (algunos urbanos) en blanco y negro en larga exposición.

 

(c) Michel Rajkovic

 

 

 

Biografía

Comenzó en la fotografía en 2000 con una compacta digital.

El descubrimiento de la técnica de la larga exposición y el blanco y negro fueron una revelación para él en el 2007 y le permitieron aproximarse a la fotografía artística.

El minimalismo le permite abrir una puerta a la imaginación ya que da al observador la libertad de construir su propia historia, su propia interpretación.

Su trabajo es inspirador por su simplicidad minimalista y por los momentos mágicos de los amaneceres.

Entre otros premios consiguió en 2008 el PX3 (Prix de la Photographie de Paris) en fotografía artística.

 

 

Referencias

 

Letizia Battaglia

Letizia Battaglia es una fotógrafa y fotoperiodista italiana (nacida en 1935 en Palermo, Sicilia) que, junto con su pareja por largo tiempo Franco Zecchin produjo muchas de la imágenes que se han convertido en iconos que representan a Sicilia y a la mafia por todo el mundo.

 

Rosaria Schifani (c) Letizia Battaglia

 

 

La libertad es algo extraordinario e inconmensurable. Nadie puede obligarte a vivir de un modo que tú no quieras. Nadie. Yo siempre me he visto como una criatura libre, siempre he sentido que tengo derecho a la libertad.

Vivo a través de mi cámara fotográfica. Es un trozo de mi corazón, una extensión de mi intuición y mi sensibilidad.

 

 

Biografía

Nacida en 1935 en la capital siciliana en el seno de una familia acomodada, vivió en varias ciudades italianas como Trieste o Nápoles ya que su padre era militar de la Marina.

Letizia regresó a su ciudad natal con 10 años tras acabar la Segunda Guerra Mundial.

A los quince años se casó y pronto tuvo tres hijas. Sin embargo, Letizia se sentía atada en aquella vida.

En 1969 empezó a escribir para el diario L’Ora y dos años más tarde se separó de su marido y se marchó a Milán, entonces centro activo de política radical y vida cultural.

Desde allí continuaba escribiendo para el diario palermitano como freelance. Pronto se dio cuenta que vendía mejor sus artículos si éstos iban acompañados de fotografías.

Gradualmente, va descubriendo que prefiere el fotoperiodismo, un género que le proporcionaba una mayor libertad expresiva.

Cuando le ofrecieron la posibilidad de regresar a Palermo como jefa de fotografía en L’Ora no se lo pensó dos veces. En su ciudad se dedicó a denunciar las injusticias a través de la fotografía. Sus imágenes no se limitaban a ilustrar momentos de vida individual, hablaban de un mundo de relaciones violentas y a menudo injustas. Llegó a cubrir cuatro o cinco homicidios en un solo día produciendo, entre las décadas de los setenta y los noventa, algunas de las imágenes que han identificado a Sicilia y a la mafia en todo el mundo.

En total, acumuló 600.000 imágenes organizadas temáticamente en su archivo, muchas de las cuales sólo existen en negativo y pruebas de contacto.

Junto a estos reportajes sobre la mafia, también retrató la vida cotidiana de Palermo. Las numerosas fotografías de procesiones religiosas transmiten el sentido trágico de la vida de Sicilia, donde la muerte siempre está presente. El día de difuntos en la isla tiene la misma importancia que Navidad en otros países de Europa.

En 1985 entró en política, elegida en las urnas representante en el ayuntamiento de Palermo del pequeño partido de los verdes. Poco después, junto a Leoluca Orlando, un democristiano “progresista y generoso”, los comunistas, católicos y ecologistas fundaron “la Rete”, un movimiento sin programa a largo plazo pero específicamente antimafioso.

De 1985 a 1991, “la Rete” estuvo al frente del gobierno local de Palermo, una experiencia política conocida como “la primavera palermitana”. Letizia ejerció de asesora de habitabilidad urbana con el objetivo de recuperar barrios totalmente degradados (en Palermo, por ejemplo el agua corriente llegaba a las casas en días alternos). Letizia también formó parte de la candidatura de Orlando en 1993. La Rete obtuvo entonces el 75% de los sufragios.

Siguió en política con diversos cargos en la Asamblea Regional Siciliana aunque vinculada al ayuntamiento. Dejó el consejo comunal en 1997 para encargarse de un programa de ayuda a los presos.

Es, además, fundadora de la editorial “Edizioni della Battaglia” y colabora con diversos medios como “Mezzocielo”, una revista pensada y realizada por mujeres.

En todos estos ámbitos, Letizia Battaglia ha demostrado que es una luchadora nata por la justicia.

En 2009 ganó el premio Cornell Capa.

 

 

Referencias

 

 

Libros

 

 

Y para terminar un video (IT) con una entrevista:

 

Felip Mars

Felip Mars es un fotógrafo alemán que nos deja un un completo portfolio de composiciones fotográficas de ambiente oscuro donde el erotismo, la desolación y la belleza van de la mano.

 

 

(c) Felip Mars

 

 

 

Biografía

Su historia fotográfica también ha pasado por las puesta de sol y paisajes de amapolas, forzando a veces la belleza natural ya existente, pero su camino avanzaba hacia otras expresiones más singulares.

Después de cuatro años como fotógrafo, Mars invirtió gran parte de su tiempo experimentando con con el proceso de imágenes. Photoshop todavía era un desconocido y empleaba sistemas como Quantel y Unix, Paintbox y Alias Eclipse pero ya estaba convencido de que la imagen no terminaba al pulsar el botón disparador. Las herramientas fueron cambiando, pero una cosa que nunca lo haría era la necesidad de reconocer la belleza.

Ayudado de la tecnología moderna, crea sus imágenes como si de cuadros se tratase, utilizando el software de edición y composición a modo de pinceles modernos, enmarcando cada imagen en un contexto único con una visión global de encantadora decadencia.

Las imágenes se originan siempre en su cabeza y después intenta implementarlas, lo más parecido en lo posible a la idea original y con su personal estilo de la estética. Utiliza para ello todos los recursos disponibles. Hoy, la tecnología permite que cada pixel pueda ser cambiado. No hay límite para la imaginación.

 

 

Referencias

 

John Shaw

John Shaw es un fotógrafo americano que es uno de los fotógrafos más renombrados y respetados de la naturaleza actuales, tanto en fauna como en paisaje. Es considerado también uno de los mejores educadores en fotografía digital y en la de naturaleza.

 

 

(c) John Shaw

 

 

Cuanto más simplifiques tu visión, más fuertes serán tus fotografías.

 

Biografía

Desde los años 70 ha trabajado como fotógrafo profesional de la naturaleza.

Su trabajo ha sido publicado en diversas publicaciones y libros de National Geographic, Nature’s Best, National Wildlife, Audubon, Outdoor Photographer y otros.

En 1997 consiguió el primer Outstanding Photographer Award otorgado por la NANPA (North American Nature Photography Association).

Nikon le escogió como Legend Behind the Lens en 2002.

Microsoft le designó como Icon of Imaging en 2006.

Ha formado parte de los artistas de Epson’s Stylus Pro desde 2001.

Ha publicado 6 libros sobre fotografía de naturaleza y cinco eBooks sobre Photoshop y Lightroom.

Ha fotografiado en los cinco continentes, desde Provenza a la Patagonia, desde el Ártico a la Antártida.

Aunque utilizó diversas cámara de película, prefiere las ventajas actuales de la captura digital.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

 

Lee Frost

Lee Frost es un fotógrafo británico (nacido en Yorkshire en 1966, vive en Northumberland, cerca de la costa) de los más conocidos en el Reino Unido en fotografía de paisaje y de viajes y uno de los autores que más vende del mundo.

 

(c) Lee Frost

 

 

Biografía

Su introducción a la fotografía vino a la tierna edad de 15 años, con una cámara (casi un ladrillo) rusa réflex de 35mm Zenit y se dio cuenta muy rápidamente de que había descubierto su vocación y la excusa perfecta para no trabajar en su vida.

Mientras que era aún un adolescente su trabajo comenzó a aparecer en la prensa y, como si ésa no fuera recompensa suficiente, incluso le pagaban.

Se dio cuenta de que si podía repetir este proceso más a menudo, incluso podría cumplir su sueño de no trabajar en su vida, así que comenzó a tomar más fotografías … y algunas eran realmente buenas.

En 1988 viajó a Estambul con un amigo y, a la vuelta, presentó una serie de imágenes del viaje a un concurso de la revista SLR Photography Magazine y, milagrosamente, ganó. Parece ser que solo se habían presentado tres personas, pero el premio fue un viaje de una semana con los gastos pagados a Turquía … Seis meses más tarde consiguió un empleo en la misma revista como articulista, sin que hasta el momento tuviera una palabra publicada.

Sin embargo se encontró escribiendo como un pato en el agua y su talento fue reconocido rápidamente. En 1990 obtuvo un par de premios por sus artículos sobre técnica fotográfica.

Con 25 años, dejó de trabajar para revistas y editoriales y decidió caminar sólo por la vida con sus dos amores: hacer fotografías y escribir sobre ello.

20 años después acumula 20 libros, centenares de artículos en revistas, centenares de millares de imágenes y millones de palabras y sigue trabajando: sus artículos aparecen regularmente en Digital SLR Photography, Black & White Photography y Amateur Photographer, mientras que sus imágenes son vendidas por Robert Harding Worldwide, Getty Images, Trevillion Images, The National Trust Photographic Library, ImageState, The Travel Library y Millennium Images.

En los últimos años también ha realizado también talleres de fotografía y viajes con su compañía Photo Adventures.

 

 

Referencias

 

 

Libros