Ruth Orkin

Ruth Orkin fue una cineasta y fotógrafa estadounidense (nacida en Boston, Massachusetts, el 3 de septiembre de 1921 y fallecida el 16 de enero de 1985) conocida por fotografiar celebridades, la ciudad de Nueva York y a músicos clásicos.

 

 

American girl in Italy, 1951 (c) Ruth Orkin

 

Ser un fotógrafo es hacer que la gente mire lo que tú quieres que mire.

 

 

Biografía

Hija de una actriz de cine mudo, había perseguido a las celebridades desde pequeña para conseguir sus autógrafos. Más adelante trabajó en los estudios de la MGM como chica de los recados y, finalmente, descubrirá su pasión inmortalizando con su máquina fotográfica a estos protagonistas. Tuvo su primera cámara a los 10 años.

Sus retratos fotográficos de estrellas del espectáculo son testimonios únicos de personajes que revelan también la persona que hay detrás de la máscara pública, porque Orkin sabía indagar con gran desenvoltura el universo más amplio y emocional.

A los 17 Ruth hizo un largo viaje con su bicicleta desde Los Ángeles hasta Nueva York para ver la Feria Mundial de 1939. Llevando siempre su cámara consigo, tomó fotografías en Washington, Chicago y Boston. En 1943 se mudó a Nueva York y empezó a trabajar para todas las revistas más importantes.

Fotografió a los más grandes músicos de la época: Leonard Bernstein, Isaac Stern, Aaron Copland, Jascha Heifitz, Serge Koussevitzky y a muchos otros.

A finales de los años 40, Ruth, llegada desde Hollywood, asiste a una conferencia en la PhotoLeague, el templo de la fotografía social, de Morris Engel (que, en 1936, con 18 años, había aprendió la técnica fotográfica en esta asociación, y que con el tiempo se había convertido en profesor) quedándose prendada al instante.

En 1951, la revista LIFE la envió a Israel con la Filarmónica de Israel.

Ruth y Morris se casaron en 1952, después de años de relación tanto personal como profesional. Ambos realizaban instantáneas por las calles, recogiendo verdaderas escenas del teatro de la humanidad en el corazón vibrante de Nueva York que ofrecía continuos “espectáculos”.

Ellos fueron parte integrante de esa época, ella moderna y determinada, él comprometido y audaz. Su novedosa investigación visual rompía los límites del lenguaje y de la emoción, tanto en fotografía como en cine.

Entre 1976 y 1978 Orkin enseñó en Nueva York en la School of Visual Arts y en 1980 en el International Center of Photography.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

 

 

Películas

  • The Little Fugitive, 1953 (editora, codirectora y coguionista)
    • Nominada a los Oscar (Mejor puesta en escena original)
    • León de Plata, en el Festival de Venecia.
  • Lovers and Lollipops, 1955 (editora, coproductora, codirectora y coguionista)

Pavel Kiselev

Pavel Kiselev es un fotógrafo ruso de origen búlgaro que realiza principalmente fotografía de desnudo.

 

 

(c) Pavel Kiselev

 

 

Biografía

Desde los 5 años se relaciona con la creatividad, su primera exposición fotográfica la realizó a los doce años. Desde entonces ha tenido tiempo para reflexionar sobre la naturaleza, la creatividad, las artes y la fotografía y el lugar que ocupa todo ello en la vida, y a pesar de que lo intentó con la ingeniería y con todo tipo de artes (pinturas, dibujos, cerámica, talla de madera, tapicería…) hace ya más de 25 años que se decidió por la fotografía.

Para Kiselev el proceso creativo es la más importante manifestación de la naturaleza humana. La creatividad es un proceso de armonización de l entorno visual en todos sus niveles: física, moral, energéticamente. Mientras se crean trabajos artísticos de cualquier tipo, una persona se desarrolla espiritualmente y, a través de su resultado, influencia a la gente que puede comprender la creatividad.

El principal propósito de su trabajo en la fotografía es encontrar un componente sexual pero no de una manera formal. Trabaja tanto en estudio como en exteriores, aunque dice preferir estos últimos, o bien estudios improvisados en localizaciones diversas.

En el año 2004 estableció su Escuela de Arte dentro de la Academia Internacional de la Fotografía de la que es el director y desde donde ayuda a desarrollar el talento y enseña a nuevos valores.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Shelby Lee Adams

Shelby Lee Adams es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1950 en Hazard, Kentucky, vive actualmente en Massachusetts) conocido principalmente por sus fotografías de la gente de los Apalaches profundos.

 

(c) Shelby Lee Adams

 

 

 

Biografía

Nacido en una familia en el campo, sus abuelos eran granjeros, pero su padre tenía una buena posición y viajaba mucho. El creció casi en el asiento trasero del coche de su padre.

Con 18 años salió para estudiar bellas artes y fotografía a Cleveland, aunque pasaba los largos veranos en el campo. Rodeado de artistas, el choque cultural fue muy fuerte y, avergonzándose de sus orígenes decía que era de Cincinnati.

Tuvo contacto con el trabajo de la FSA y, aunque no le gustaba mucho, se sumergió en libros de fotografía documental. Con su tío, que era médico rural, visitó las partes más recónditas de las montañas Apalaches y contempló la pobreza de sus gentes, encontrando una similitud con la que había visto en los libros.

Desde 1974, y casi ininterrumpidamente, fotografía una de las regiones más atrasadas de Estados Unidos, en los confines de Kentucky, Tennessee y Virginia. Es conocido allí como picture man (el hombre de las fotos), pero para llegar a ser aceptado ha debido salvar barreras sociales muy difíciles de franquear. Hoy, más de 35 años después, sigue todavía visitando a esta gente, volviendo de año en año, visitando, estudiando y documentando sus vidas.

En sus últimos trabajos, Adams nos muestra a familias que han salido de sus remotas montañas y viven en caravanas, con los discos de las antenas parabólicas dominando el paisaje. Donde antes fotografiaba a padre e hijo rodeados de vacas, ahora retrata a una familia en un porche celebrando Halloween o a una pareja de ancianos con su perro en frente de una antena parabólica. Todo cambia y permanece al mismo tiempo.

Entre otros premios, ha obtenido en 2010 una beca Guggenheim Fellowship.

Sus obras están en colecciones permanentes como Art Institute of Chicago, Museum of Contemporary Photography, Chicago, International Center of Photography, Nueva York, Musée de l’Élysée, Lausanne, Museum of Modern Art, Nueva York, Fogg Museum, Cambridge, Massachusetts, National Gallery of Canada, Ottawa, San Francisco Museum of Modern Art, Smithsonian American Art Museum, Washington, DC, Stedelijk Museum, Ámsterdam, Time Life Collection, Rockefeller Center, Nueva York, Victoria and Albert Museum, Londres y Whitney Museum of American Art, Nueva York.

Entre otras exposiciones, este mes de octubre ha presentado su serie Salt & Truth en Madrid, en la EFTI (Escuela de Fotografía Centro de Imagen).

 

Referencias

 

 

Libros

Pascal Fellonneau

Pascal Fellonneau es un fotógrafo francés (nacido en Burdeos, reside en París) que captura paisajes europeos desde Islandia a su Burdeos natal. No sólo documenta el paisaje, sino que también explora cómo lo habitamos y cómo obramos recíprocamente con él.

 

(c) Pascal Fellonneau

Las partes importantes de mi trabajo exploran paisajes en un ambiente urbano en los límites de las ciudades. Me esfuerzo en representar las mutaciones arquitectónicas, culturales y sociales causadas por las agitaciones del mundo moderno. Siento el impulso de registrar los espacios desolados e industriales de los cambios de entorno de extensión suburbana, paisajes desolados e industriales, amplios espacios vacíos, paisajes alterados por el hombre, … Como si, de repente, importara tomar posesión de tales territorios para atestiguar los cambios que ocurren en mi realidad urbana.

 

Biografía

Ha realizado diversas exposiciones de su trabajo en Francia, Grecia y Alemania. En su web presenta diversas series, de las que comentamos algunas:

Su serie La ferme (La Granja) es un ejercicio en que intentó documentar la casa de sus abuelos donde pasó su niñez. Ubicada en Montagne, Francia, la granja se diluye entre la producción casera de vinos y los recuerdos de quién sabe cuántas generaciones. Sus fotos parecen despedir un dulce aroma a recuerdos que todos podríamos tener: las cortinas viejas de la abuela, el tapete kitsch, la foto antigua del bisabuelo …

Su serie Cold Cold Ground fue realizada en Akureyri, la ciudad más grande del norte de Islandia,  localizada aproximadamente a unos 100 kms. al sur del círculo polar, en un fiordo que se abre sobre el mar de Groenlandia. Y donde el clima en invierno anima poco a los lugareños a salir de casa. Aquí el autor recoge algunos barrios, industriales o residenciales, en imágenes que tratan de registrar de forma topográfica el lugar.

 

En su serie Building Sites, documenta los emplazamientos edificados alrededor de su ciudad natal de Burdeos, con una interesante evolución hacia la representación de paisajes urbanos. Capturando la esencia del lugar sin excesivas pretensiones, de una forma honesta y tranquila, sus imágenes son una observación del estilo local, de su cultura y del impacto del hombre a través del entorno construido.

 

 

Referencias

Thomas Dworzak

Thomas Dworzak es un fotorreportero alemán (nacido en Kötzting en 1972) y miembro de Magnum Photos.

 

(c) Thomas Dworzak, Magnum Photos

 

Me gusta el hecho de que no pueda controlar todo, de que las fotografías son lo que sucede, más que el resultado de las decisiones que yo tomo. Se podría decir que esto es la desventaja de la fotografía, pero es también lo que la hace mágica.

 

 

Biografía

Creció en Cham, una pequeña ciudad en los bosques bávaros. Hacia el final de sus estudios, comenzó a viajar y fotografiar por Europa y Oriente Medio, viviendo en Ávila, Praga y Moscú y estudiando español, checo y ruso.

Después de fotografiar la guerra de la antigua Yugoslavia, vivió en Tiblisi, Georgia, desde 1993 hasta 1998. Documentó los conflictos de Chechenia, Karabakh y Abjasia, al mismo tiempo que trabajaba en un proyecto a mayor escala sobre la región del Cáucaso y su gente.

A partir de 1999,residiendo en París, cubrió la crisis de Kosovo, sobre todo para US News y World Report, y volvió a Chechenia el mismo año. Después de la caída de Grozni a principios de 2000, comenzó un proyecto sobre el impacto de la guerra de Chechenia en el vecino Cáucaso del Norte. También fotografió otros acontecimientos en Israel, la guerra en Macedonia, y la crisis de refugiados en Paquistán.

Después del 11 de septiembre, pasó varios meses en Afganistán en una asignación para el New Yorker. Volvió otra vez a Chechenia en 2002. Ha fotografiado desde entonces en Iraq, Irán y Haití, y ha cubierto las revoluciones en las antiguas repúblicas soviéticas de Georgia, Kirguizistán y Ucrania.

Basado principalmente en Nueva York desde 2004, Dworzak ha estado fotografiando el mundo de la política americana y del impacto de la guerra en Iraq. Está trabajando actualmente en su proyecto  Valiassr, un ensayo en la avenida principal de Teherán.

Entró en Magnum en 2000 y es miembro de pleno derecho desde 2004.

Ha obtenido los siguientes premios:

  • 2005 Picture of the Year International Award
  • 2003 POYs
  • 2002 POYs
  • 2001 World Press Photo: Spot News Story, 1st prize
  • 2001 Prix Bayeux, Francia
  • 2001 Prix Terre d’Images Scoop d’Angers, Francia
  • 2000 Prix Kodak, Kodak Young Photographer of the Year

 

 

Referencias

 

 

Libros

Gerardo Vielba

Gerardo Vielba fue un crítico fotográfico y fotógrafo madrileño (nacido en Madrid en 1921 y fallecido en 1992), figura básica en la renovación de la fotografía española que tuvo lugar a partir de los años cincuenta del siglo XX. Su amor por lo cotidiano y su instinto para “cazar” las composiciones más poéticas del espectáculo que para él constituía la calle, unido a sus aportaciones teóricas, su labor divulgativa y su actividad como presidente de la Real Sociedad Fotográfica de Madrid, lo convierten en un hito indispensable en nuestra “corta pero intensa”  historia fotográfica.

 

 

(c) Gerardo Vielba

 

 

 

Biografía

Realizó estudios de dibujo en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid y con catorce años comenzó a realizar fotografías. Posteriormente realizó estudios de radiotelegrafista de aviación e ingeniero técnico aeronáutico, siendo profesor en esos estudios posteriormente. También tenía inquietudes creativas en otros campos como en la literatura, llegando a ser finalista en el Premio Concha Montalvo de novela corta.

En 1954 entró como miembro en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid participando activamente en la redacción de su boletín.

Cuando en 1956 la Agrupación Fotográfica Almeriense (AFAL) creó una revista pionera en España participó en ella activamente.

En 1963 se unió al grupo La Palangana y se formó una corriente innovadora en el seno de la misma llamada Escuela de Madrid (Cualladó, Dolcet, Gómez, Gordillo o Masats). Este movimiento supuso un cambio de rumbo en la fotografía madrileña que estaba muy penetrada por el pictorialismo y la fotografía de salón.

A partir de 1960 participó en numerosos concursos fotográficos obteniendo diversos premios: Perutz Internacional (1960), Premio Nacional de Bellas Artes (1962), etc.

En 1961 comenzó a colaborar en la revista Arte Fotográfico con artículos de crítica fotográfica, lo que realizó durante 18 años hasta el declive de la misma. Otras colaboraciones suyas se encuentran en Cuadernos de Fotografía (1972-1974), la revista de la RSF (1973-1981), La Fotografía (1989-1991), Foto Profesional (1990-1992), Imagen y Sonido, El Juguete, Flash Foto, Nueva Lente, Zoom, Diorama, etc. Paralelamente participaba en numerosas exposiciones.

Desde 1964 hasta su fallecimiento fue presidente de la Real Sociedad Fotográfica.

Vielba, enormemente intuitivo, comprendió tempranamente que la verdadera dimensión de la fotografía no era ser un medio de comunicación, sino una herramienta de expresión plástica. Fue docente, historiador, articulista, crítico y conferenciante. Promovió y organizó encuentros, cursos y exposiciones sobre fotografía con el objetivo de transmitir a las generaciones venideras el valor del conocimiento de la historia de la fotografía española.

Sus retratos son espontáneos, contundentes y culturales en sintonía con los producidos por la corriente neorrealista. Retratos familiares, huellas del diario cómplice e íntimo del autor. Fotografías que transmiten felicidad, reposo, sosiego, ternura, amistad, reunión, naturalidad y un absoluto respeto por el arte de la imagen. Es, pues, uno de los principales exponentes del movimiento con frecuencia denominado “realismo humanista” que irrumpió en el panorama fotográfico español en los años 60 del pasado siglo.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Aleksey & Marina

Los rusos Aleksey Kozlov (fotógrafo) y Marina Khlebnikova (diseñadora) forman una pareja artística (residentes en San Petersburgo) desde 1995.

 

(c) Aleksey & Marina

 

 

 

Biografía

Desde 2004, están comprometidos en crear imágenes fotográficas que anuncian moda, belleza y glamour, incluyendo la producción anual de alguna de las colecciones de fotografía exclusiva para calendarios promocionales de grandes marcas.

Aleksey & Marina también son autores de los trajes, accesorios y peinados para sus fotografías, que son, siempre, sencillamente espectaculares.

Desde 1998 han estado trabajando en el proyecto común photopainting (síntesis de fotografía y pintura), que incluye técnicas especiales de procesar soluciones de a película negativa usando ácidos y los tintes conocidos únicamente por profesionales. Esta técnica, encontrada en un libro antiguo, ha renacido con el photopainting, permitiendo a crear obras de arte brillantes, costosas y muy poco usuales.

Entre otros premios han conseguido en 2011 el Grand Prix Trophy VICTORIA, del Supercircuit austriaco.

 

 

Referencias

Christopher Morris

Christopher Morris es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1958 en California, vive en Nueva York) conocido principalmente por sus fotografías de un mundo en guerra, que en la actualidad ha optado por una fotografía más antropológica e, incluso, por la de moda. Podríamos resumir su obra en Guerra, Políticos y Moda.

 

 

Flanked by U.S. Vice President Dick Cheney and Secretary of Defense Donald Rumsfeld, U.S. President George W. Bush addresses reporters on a road outside his ranch in Crawford, Texas, August 23, 2004.</p>
<p>Photo By: Christopher Morris / VII</p>
<p>

 

 

Biografía

Aunque en su portafolio hay también fotografía de moda (publica regularmente en la revista de moda italiana Amica) y retratos documentales, la mayor parte de su trabajo se ha concentrado en las guerras: la invasión de Iraq, la guerra de la droga en Colombia, la guerra del golfo Pérsico, las de Afganistán, Somalia, Yugoslavia y Chechenia.

También documentó la presidencia de George W. Bush para Time y es miembro fundador de la agencia VII Photo.

Estos últimos años, Morris trabajó en su monografía My America que fue publicada en 2006. Describe esta obra como su viaje personal en una América republicana. Con los retratos y los paisajes, espera que el espectador “vea lo que él vio y sienta lo que él sentía: una nación que ha envuelto sus ojos tan firmemente en rojo, blanco, y azul que ha quedado ciega.”

Ha recibido muchos premios por su trabajo. Entre otros:

  • Robert Capa Gold Medal
  • Premio Olivier Rebbot
  • Premio Feature Photography del Overseas Press Club
  • Premio Magazine Photographer of the Year de la University of Missouri School of Journalism
  • Dos premios Infinity Photojournalist  del International Center of Photography
  • Premio Visa d’Or
  • Varios premios World Press Photo.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Nicolás de Lekuona

Nicolás de Lekuona fue un pintor, dibujante, diseñador, escritor y fotógrafo vasco (nacido el 19 de diciembre de 1913 en Ordizia, Gipuzkoa, y fallecido el 11 de junio de 1937 en Frúniz, Vizcaya) todo un artista de vanguardia, con una prolífica obra a pesar de su corta vida.

 

 

(c) Nicolas De Lekuona

 

 

Biografía

Primogénito de siete hermanos, nació en el seno de una familia acomodada de talante liberal, en la atmósfera rural del pueblo vasco de Villafranca de Ordizia, a escasos 42 km de la sofisticada y cosmopolita ciudad de San Sebastián.

Tras pasar su adolescencia y juventud entre Ordizia y San Sebastián, sus primeros estudios de arte los realizó en Beasain y después los continúo en San Sebastián.

Posteriormente se trasladó a Madrid a estudiar aparejador durante tres años, donde estableció contacto con Jorge Oteiza y José Sarriegui al frecuentar el café Pombo.

Durante su etapa como estudiante no dejó de participar en exposiciones sobre todo en el País Vasco, a donde regresó una vez terminados sus estudios, trabajando en San Sebastián en el estudio del arquitecto Florencio Mocoroa.

Se puede considerar un artista de vanguardia que realizó su primera exposición en 1932 y denominó sus trabajos como pinturas industriales. Sus primeras fotografías se enmarcan en la corriente de la Nueva Visión por la utilización de encuadres diagonales, primeros planos o picados y contrapicados, mientras que sus fotomontajes muestran una influencia de la Bauhaus pero también las recibe del futurismo y del constructivismo e incluso del movimiento dadá.

La guerra civil española trastocó, como a otros muchos, su dedicación a la arquitectura y al arte en general. Tras ser ocupada Ordizia por el ejército golpista de Franco, se integró en el mismo, realizando labores de camillero y, con ayuda de una mula, retiraba los cadáveres de los soldados muertos en el campo de batalla. Un día murió por el fuego amigo en un bombardeo en Frúniz, con 23 años, perdiendo la cultura vasca y española uno de sus más prometedores artistas.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Pierre Cordier

Pierre Cordier es un fotógrafo belga (nacido el 28 de enero de 1933 en Bruselas) que realiza quimigramas, imágenes en papel fotográfico obtenidas combinando técnicas pictóricas con la acción de productos químicos.

 

PierreCordier

 

 

Biografía

En 1952 tuvo un encuentro importante en su vida con George Brassens, que le animó a seguir “un comino no explorado y lleno de obstáculos”.

Inventado en noviembre de 1956, el quimigrama combina la física de la pintura (barniz, cera, óleo) y la química de la fotografía (emulsión fotosensible, revelador, fijador); sin el aparato fotográfico, sin ampliadora y a plena luz.

Precursores de esta técnica son los fotogramas de László Moholy-Nagy o los rayogramas de Man Ray.

Abandonó completamente la fotografía en 1967 para consagrarse exclusivamente al quimigrama.

Entre 1965 y 1998 estuvo ejerciendo como profesor en la escuela superior de Artes Visuales de la Cambre en Bruselas.

En 1968 fue miembro fundador del grupo Generative Fotografie junto a Gottfried Jäger, Kilian Breier y Hein Gravenshost.

Su obra ha sido expuesta en diversas ocasiones entre las que pueden destacarse:

  • en 1967 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York,
  • en 1988 en el Museo de Arte Moderno de Bruselas,
  • en 1993 en el Centro George Pompidou de París, su homenaje a Jorge Luis Borges Livrillisible, La Suma, Topogrammes
  • su retrospectiva de 2007 en el Museo de la Fotografía de Charleroi.
  • en 2010, en el Victoria & Albert Museum en Londres.

Algunos de estos museos disponen de quimigramas en sus colecciones permanentes.

 

 

Referencias

Martin Cooper

Martin Cooper es un diseñador de moda, modisto y fotógrafo artístico estadounidense (nacido en 1965 en Columbia) cuyo trabajo fotográfico se concentra en el desnudo femenino bellamente coloreado a mano inspirado en la astrología y el deporte antiguo.

 

(c) Martin Cooper

Estoy fascinado actualmente por el capricho y la excentricidad del siglo XIX. ¡Estoy trabajando en un proyecto muy especial inspirado por este período… y la pelvis femenina!

 

 

Biografía

Estudió en The Parsons School of Design en 1987.

Ha vivido en Londres, trabajando más 15 años como vicepresidente de diseño de Burberry, la conocida compañía británica, pero volvió a Nueva York para continuar su carrera en la moda y en la fotografía.

Ha diseñado también trajes para ballets colaborando con los coreógrafos Kevin O’Day (Stuttgart Ballet,…) y Rebeca Rice (Boston Ballet).

Su fotografías han sido adquiridas por The Polaroid Collections, The Henry Buhl Collection  y Beth Rudin-Dewoody Collection.

Es miembro del CFDA (Consejo de diseñadores de moda de América) y de la prestigiosa Royal Photographic Society de Inglaterra.

Su estudio OrchisArts realiza contribuciones anualmente a las organizaciones contra el cáncer de mama.

Su nueva serie se centra en la pelvis humana, por que cree que la pelvis es el hueso más fascinador y más polémico del cuerpo humano.

 

 

Referencias

Robert Gregory Griffeth

Robert Gregory Griffeth es un fotógrafo estadounidense cuyas imágenes están llenas de abstracción y surrealismo acercándonos a una nueva percepción de una realidad oculta que nos lleva a un destino desconocido.

 

(c) Robert Gregory Griffeth

 

 

 

Soy un fotógrafo artístico que ha crecido en medio del arte y la fotografía y, mediante ella, expreso mis pensamientos y lo que veo en mi mente.

 

 

Biografía

Inicialmente fue atraído por la televisión y la música como influencias principales en su vida, pero se decidió por plasmar lo que tenía en su cabeza.

Usando película y papel fotográficos sin la ayuda de lo digital y con su estilo de los años 20 busca su inspiración en libros de antiguos fotógrafos y aprende composición en los pintores clásicos.

Realiza sus collages en blanco y negro encajando en ellos mensajes ocultos y códigos secretos que crean una atmósfera aún más perturbadora donde las cosas pueden ser lo contrario de lo que parecen.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros