Nikos Economopoulos

Nikos Economopoulos es un fotógrafo griego (nacido en 1953 en Kalamata, vive actualmente en Atenas) conocido principalmente por su fotografía de los Balcanes, Grecia y Turquía principalmente.

 

(c) Nikos Economopoulos

 

Prefiero gastar mi tiempo en mi rincón del mundo: el sur de Europa y Asia occidental, donde puedo comprender los códigos y hacer las conexiones.

Nunca he fotografiado puestas de sol ni he retratado a mis niños. Durante ocho o nueve años fotografié los fines de semana y durante mis días de fiesta, siempre de una manera seria, trabajando de la mañana a la noche.

No hay diferencias verdaderas [entre los Griegos y los turcos]. Amo Turquía y puedo vivir allí. No puedo vivir en París o en Londres, pero Estambul, allí sí puedo vivir.

 

Biografía

Estudió Derecho en la Universidad de Parma, Italia, y trabajó como periodista en Grecia.

Comenzó a hacer fotografía con 25 años cuando un amigo en Italia le enseñó un libro del trabajo de Henri Cartier-Bresson, que le impactó de forma inmediata y duradera. Estuvo 2 años comprando libros de fotografía antes de empezar a hacerla él mismo.

Le incomodaba ideológicamente que los griegos y los turcos fueran enemigos e iba muchos fines de semana a sacar fotografías a Turquía para sorpresa de sus conciudadanos.

Animado por Costa Manos se unió a Magnum Photos en 1990 llegando a ser miembro de pleno derecho en 1994, tras su trabajo en Albania, Bulgaria, Rumanía y la antigua Yugoeslavia. Sus primeros trabajos le consiguieron en 1992 el premio Mother Jones de fotografía documental.

Con la ayuda de los Hermanitos de los Pobres, en 1994 emprendió un proyecto sobre la pobreza y la exclusión en Europa, centrándose en la comunidad gitana de Grecia.

En 1995 y 96 fotografió a los mineros del lignito y a la minoría musulmana en Grecia.

En 1997 y 98 fotografió a la gente que vivía en la “Línea Verde” que separa las comunidades griega y turca en Chipre, la migración ilegal a través de la frontera albano-griega, a los jóvenes de Tokio, etc.

Dos años más tarde cubrió el éxodo de los albaneses huyendo de Kosovo, trabajando también en una comisión para la Universidad del Egeo.

En su trabajo en Japón se sintió incapaz de comunicarse con la gente que a las tres semanas de trabajo se volvió a casa, a sus Balcanes. En 2001 ganó el premio Abdi İpekçi por promover la amistad entre Turquía y Grecia.

Las fotografías de Economopoulos se han publicado en The Guardian, The Independent, Le Monde, Libération, The New York Times, El País y Die Zeit.

Actualmente cree que no hay futuro en el fotoperiodismo, con una pérdida de calidad en las fotografías de los periódicos, y que Robert Capa no haría fotografías si viviera ahora.

Su trabajo está en colecciones permanentes del Centre Méditerranéen de la Photographie (Córcega)  y del Museo Benaki (Atenas).

 

Referencias

 

 

Libros

  • 2003 My Preveza
  • 2002 Economopoulos, Photographer
  • 2001 About Children
  • 2000 Dance Ex Machina
  • 1998 Lignite Miners
  • 1995 In the Balkans

Jim Brandenburg

Jim Brandenburg es un cineasta y fotógrafo estadounidense (nacido en 1945 en Luverne, Minnesota) que ha marcado estilo en los fotógrafos de la naturaleza, sobre todo en la técnica. En sus más de 3 décadas trabajando para National Geographic, ha viajado por el mundo haciendo fotos para la revista.     (c) Jim Brandenburg

La fotografía es más primitiva que la escritura… como los animales de los cuales descendemos, confiamos más en la visión que la palabra … el viejo refrán “una imagen vale más que mil palabras” lo resume todo.

 

Biografía

Empezó como fotógrafo y director de películas de naturaleza mientras estudiaba en la University of Minnesota en Duluth. Después trabajó de editor gráfico para el periódico Worthington Daily Globe en Minnesota del Sur y luego comenzó a trabajar de fotógrafo freelance para National Geographic. En 1978 firmó un contrato fijo con National Geographic. Además de trabajar para esta sociedad (donde publicó más de 20 foto reportajes, realizó varias presentaciones en televisión y participó en la edición de muchos libros) ha participado activamente en otras publicaciones fotográficas norteamericanas e internacionales como New York Times, Life, Time, Audubon, Smithsonian, Natural History, GEO, Modern Maturity, BBC Wildlife, Outdoor Photographer, National Wildlife y Outside. También fue encargado por The United States Postal Service para crear una colección de sellos sobre la vida silvestre en 1981. En el transcurso de su larga carrera, ha recibido multitud de prestigiosos premios nacionales e internacionales por su trabajo:

  • El National Press Photographers Association (NPPA) lo nombró dos veces como el Fotógrafo del Año por su trabajo la revista National Geographic.
  • Fotógrafo Kodak del Año en Vida Silvestre por la BBC Wildlife Magazine y el Museo de Historia Natural de Londres,
  • Premio a la Trayectoria por la Asociación de Fotógrafos de la Naturaleza de América del Norte (NANPA).
  • Es uno de los 5 norteamericanos que han recibido el premio World Achievement Award del Programa de Medio Ambiente de las Naciones Unidas (1991) en reconocimiento a su trabajo en este ámbito.
  • Ha sido Maestro Hasselblad en 2002,
  • Leyenda Nikon Detrás de la Lente en el año 2001,
  • Explorador de la Luz de Canon 2005-08.

 

Referencias

 

Libros

Tomohide Ikeya

Tomohide Ikeya es un fotógrafo japonés (nacido en 1974 en Kanagawa) para quien el agua y la naturaleza humana son una constante en su trabajo, y dentro del líquido elemento, el mar como vehículo conductor y representante de la naturaleza.

 

(c) Tomohide Ikeya

 

Soy un fotógrafo que tiene un concepto de “Control” en mi trabajo.

El agua es una de las cosas incontroladas que el ser humano nunca puede dominar.

El agua es una de las cosas incontroladas que nunca el ser humano puede manejar. Tuve muchas oportunidades para pensar en “agua” cuando buceaba en diversos países como un hobby.

El agua no sólo da vida, sino que también tiene vida. Por otro lado, el agua no es la Madre de la Creación o el Maestro de la Destrucción, es simplemente ser “agua”.
El agua es una existencia filosófica mucho incluso antes de ser tan “sólo agua”.

Es una de las razones por las que me convertí en fotógrafo, y por lo que he ido creando mis obras, que tienen siempre relación con el agua.
Estoy tratando de expresar “entusiasmo por la vida” con la fotografía a través de la figura del Agua y de los Seres Humanos.

 

 

Biografía

Trabajó como chef en un restaurante italiano de 1992 a 1999.

Haciendo submarinismo vio a un fotógrafo haciendo fotografía submarina y quiso hacer lo mismo. Trabajó como asistente de CARATS (Katsuji Tkasaki) en el 2000, empezando a trabajar como freelance en 2002.

Tiene varias series principales de fotografía:

BREATH (Respiración)
Esta es la serie más reciente. Se centra en la respiración, una actividad vital de los seres humanos que es controlada por nosotros mismos. Un número infinito de burbujas de aire apareciendo en el agua nos permite ver el “aliento” con total nitidez.

WAVE (Ola)
Es su primera serie, y largamente galardonada. Ikeya plantea interrogantes sobre la relación entre la naturaleza y los humanos, al capturar el límite que se lleva a cabo por el chapoteo de las olas. Integración y resistencia. Las olas tratan al ser humano como una cosa que bloquea el flujo normal de la naturaleza, sin embargo, curiosamente, no se puede negar el hecho de que el ser humano también se incluye en el ciclo de la naturaleza.

MOON (Luna)
Aquí el agua también forma parte del proceso poético y creativo, esta vez en perfecta harmonía con una luna que simplemente se intuye o que es representada por la misma modelo.

Tiene los siguientes premios:

  • International Photography Awards 2007: Primer premio en Publicidad por su serie Wave.
  • Prix de la Photographie Paris “Water” Competition 2008: Menciones por Wave y Breath.
  • International Photography Awards 2009: 1º premio en Gente por Breath.
  • International Photography Awards 2009: 2º premio en Especial por Breath.
  • International Photography Awards 2009: 2º premio en Publicidad por Nude Jewelry.

 

 

Referencias

Edwin Smith

Edwin Smith fue un pintor, escritor y fotógrafo inglés (nacido en Canonbury, Islington, Londres, el 15 de mayo de 1912 y fallecido en Saffron Walden, Essex, un 29 de diciembre de 1971) considerado el fotógrafo británico más importante de arquitectura y  paisaje de mediados del siglo XX, por sus características obras de arquitectura y paisajes de jardines ingleses.

 

(c) Edwin Smith

 

 

Biografía

Se compró una Kodak Box Brownie con 15 años, pero el proceso de revelado no le gustaba.

Con 16 años empezó a estudiar arquitectura, en el Politécnico del Norte, en Holloway, pero abandonó su carrera tras el abandono de su padre, trabajando como dibujante durante varios años, con la esperanza de convertirse en pintor.

Animado por el artista Paul Nash estudió fotografía y poco a poco se convirtió en un fotógrafo independiente en 1935, trabajando brevemente para la revista Vogue como fotógrafo de moda y para la agencia de publicidad Marcus Brumwell Stuart.

En 1935, se casó con Rosemary Ansell, pero el matrimonio terminó en divorcio dos años después, viviendo con la artista y escritora Olive Cook, con quien se casó en 1954.

Por su cuenta o en colaboración con su segunda esposa fue el autor o contribuyó a numerosos libros durante su vida (algunos, incluso, de enseñanza de la fotografía) y sus fotografías son regularmente utilizadas en la actualidad. Durante veinte años, sus imágenes engalanaron muchos libros notables y ayudaron a redefinir las nociones de identidad británica para la generación de la posguerra.

Smith también fue un prolífico artista. Produjo obras en acrílicos y óleos, dibujos, grabados en linóleo y grabados en madera a lo largo de su vida, y en años más tarde en Saffron Walden, elaboró algunos planos arquitectónicos para propiedades locales.

Su archivo fotográfico fue legado al Royal Institute of British Architects, al igual que sus cuadernos de notas que contienen registros detallados de las fotografías tomadas en sus viajes por toda Gran Bretaña y Europa.

Smith fue también un ávido coleccionista y creador de Teatros de papel (Toy Theatre). A la muerte de su esposa, la colección pasó al Pollock’s Toy Museum Trust.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

Muchos de éstos fueron colaboraciones entre él (fotografía) y su esposa Olive Cook (texto).

David Douglas Duncan

David Douglas Duncan es un fotoperiodista estadounidense (nacido el 23 de enero de 1916 en Kansas City, Missouri) considerado uno de los fotógrafos más influyentes del siglo XX, muy conocido por sus dramáticas fotografías de guerra, Corea y Vietnam principalmente, y de Picasso.

 

 

(c) David Douglas Douncan

 

Las jóvenes generaciones quizá piensan que Picasso era misterioso. No lo era en absoluto. Para mí, en cambio, existe un misterio: le he fotografiado unas veinticinco mil veces. En cada ocasión, parecía completamente normal, semejante a cualquier persona, excepto por los ojos. Se reía, estaba siempre muy atento a lo que decías, se interesaba por ti. Pero en mis encuentros con él nunca llegué a saber en qué pensaba.

 

 

Biografía

Con una infancia marcada por su interés por la vida al aire libre, estudió arqueología, zoología marina y español, idioma que años más tarde le serviría para comunicarse con Picasso.

Fotografiando como freelance obtuvo sin querer fotografías del famoso ladrón de bancos John Dillinger, disfrazado de mujer, queriendo entrar un hotel incendiado en Tucson para recuperar una maleta con el fruto de su botín. Fotos que se perdieron en el diario Tucson Citizen sin llegar a ser impresas.

En la Segunda Guerra Mundial, fue fotógrafo en los frentes del Pacífico Sur. Durante este tiempo, revistas como National Geographic le compraron diversos artículos, lo que le animó a continuar con la fotografía tras el fin del conflicto.

Así, entre 1946 y 1956 fue fotoperiodista para la conocida revista Life, para la que inmortalizó acontecimientos históricos como el final de la ocupación británica de India, el boom del petróleo en Arabia Saudí, la guerra civil de Grecia y, sobre todo, las guerras de Corea y Vietnam.

Robert Capa le animó a conocer a Pablo Picasso. En 1956, en uno de sus viajes a Europa, probó suerte, se dirigió a Mougins, Cannes, y se presentó en la casa del artista, La Californie, con un anillo grabado con los nombres ‘PICASSO – DUNCAN’ como regalo de bienvenida, siendo recibido por el artista mientras éste se bañaba. Fue cuando le tomó su célebre primer retrato  y surgió una amistad que duró hasta la muerte del andaluz en 1973 y que propició miles de fotografías (25.000) y siete libros que introducen al lector en un espacio reservado para el trabajo, la familia y los amigos del genial pintor.

En 1971 se convirtió en el primer fotógrafo en exponer en solitario en Whitney Museum of American Art de Nueva York, tras haber recibido en 1967 la medalla de oro Robert Capa, premio que otorga el Overseas Press Club.

En 1996 donó su archivo al Harry Ransom Center, de la Universidad de Texas en Austin.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Darcy Padilla

Darcy Padilla es una fotógrafa estadounidense que realiza una dura fotografía documental.

 

 

(c) Darcy Padilla

 

 

 

Biografía

Después de trabajar para diversos medios (The New York Times y The Washington Post, entre otros) decidió trabajar por libre y perseguir sus propios proyectos documentales.

En uno de sus proyectos a largo tiempo empleó un año visitando celdas de aislamiento en una prisión de alta seguridad en Vacaville, California, fotografiando reclusos con SIDA. Con él consiguió su primer Alexia Grant For World Peace & Understanding.

El SIDA y sus consecuencias están presentes en muchos de sus trabajos, como cuando estuvo 3 años fotografiando a los huéspedes de los hoteles de los peores barrios de San Francisco, pudiendo observar las consecuencias de la pobreza y de la soledad, las familias rotas, las drogas y la devastación del SIDA. Con este proyecto consiguió una beca John Simon Guggenheim.

Su mayor proyecto ha sido The Julie Proyect, registrando la vida de Julie, una mujer a la que siguió fotográficamente unos 17 años hasta su muerte.

Los premios que ha obtenido son:

  • W. Eugene Smith Award for Humanistic Photography
  • John Simon Guggenheim Memorial Foundation Fellowship
  • Soros Foundation/Open Society Institute Individual Fellowship
  • Alexia Foundation for World Peace
  • Getty Images Grant for Editorial Photography
  • World Press Photo.

Realiza también fotografía de boda y está enseñando fotografía en el San Francisco Art Institute.

 

 

Referencias

Aurelio González

Aurelio González es un fotógrafo español (nacido en Uad-Lau, Marruecos, el 14 de noviembre de 1931) emigrado a Uruguay y que recogió principalmente la convulsa historia de este país en las décadas de los 50, 60 y 70.

 

AurelioGonzalez

 

 

Biografía

 

Nacido en una localidad de Marruecos llamada Uad-Lau, a los 17 años se trasladó a las Islas Canarias donde permaneció cuatro años, mientras cumplía el servicio militar.

Terminada “la mili” pensó en encontrar mejor destino emigrando a América, llegando a Montevideo, Uruguay, en 1952 como polizón en un barco italiano llamado “Andrea C”, tras varios intentos fallidos.

Durante los primeros años trabajó en la fábrica metalúrgica Nervión y en la industria de la construcción. Muy tempranamente se acercó a los grupos españoles antifranquistas y poco tiempo después se insertó en los círculos allegados al Partido Comunista.

Se hizo fotógrafo por casualidad. Como retribución del buen trato recibido por Aurelio, Lucio Navarro le enseñó fotografía. González le había albergado en su casa mientras terminaba de reponerse de una enfermedad pulmonar y buscaba un mejor sitio donde vivir, y poco tiempo después, Aurelio comenzaría a colaborar honorariamente con fotografías para el Semanario Justicia.

Con la creación del diario El Popular en 1957, la actividad foto periodística se hizo más intensa y González pasó a trabajar, junto con un equipo de fotógrafos, en el nuevo diario. Las fotografías de los barrios obreros de Montevideo como el Cerro, la Teja o Nuevo París, las peticiones de los trabajadores que allí vivían, sus organizaciones sindicales y sus manifestaciones callejeras constituían los principales intereses del “diario de la clase obrera”.

Tras el golpe de estado fue amenazado y perseguido en varias oportunidades por las fuerzas represivas. El Popular fue clausurado el 30 de noviembre de 1973 por la dictadura y la actividad profesional de González y su equipo de fotógrafos fue totalmente prohibida, pero antes consiguió esconder gran parte del archivo fotográfico. Permaneció en Uruguay hasta septiembre de 1976, cuando obtuvo asilo en la Embajada de México y partió exiliado hacia dicho país.

Las fotografías de la huelga general de 1973 que llevaba consigo se convirtieron en símbolos de lucha y denuncia contra la dictadura uruguaya en el exterior. Estas imágenes viajaron con Aurelio González por España, Holanda, Francia, Portugal y Cuba y se reprodujeron en los boletines de casi todas las comunidades de uruguayos exiliados en el mundo.

El 15 octubre de 1985, Aurelio volvió a Uruguay reinsertándose en su actividad como fotoperiodista en La Hora Popular. Pero no pudo encontrar los archivos fotográficos escondidos en el edificio del Popular.

Tres años después, viajó a Santiago de Chile para registrar los festejos populares contra Pinochet y en el año 2003 volvió a España nuevamente donde permaneció hasta el 4 de octubre de 2004.

En enero de 2006 fueron hallados en muy buenas condiciones la mayor parte de los negativos, más de 48.000 imágenes, fueron rescatados escondidos por González en 1973 en un lugar diferente del que éste afirmaba haber utilizado.

Aurelio González continúa su actividad fotográfica hasta el día de hoy colaborando con Carta Popular y Voces del Frente.

Actualmente puede visitarse la muestra fotográfica Entre el oficio y la militancia de Aurelio González y el fotoperiodista chileno Luis Navarro. La exhibición es en la foto galería A cielo abierto del Prado y permanecerá hasta el 29 de noviembre.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Fui testigo. Una historia en imágenes

 

 

Video

 

Resumen entrevista a Aurelio González

Ken Kitano

Ken Kitano es un fotógrafo japonés (nacido en 1968 en Tokio, donde vive) que realiza fotografía de múltiples exposiciones consiguiendo imágenes de una gran fuerza plástica.

 

(c) Ken Kitano

 

 

Biografía

En 1991 se graduó en el Nihon University’s College of Industrial Technology.

Es fotógrafo freelance desde  2003.

Ha obtenido los premios:

  • Society of Photography Award en 2004 y
  • Newcomer’s Award of the Photographic Society of Japan en 2007.

Ha estado trabajando en su proyecto Our Face desde 1999, comenzando en su Japón nativo retratando miembros de grupos sociales, asociaciones, clubs o profesiones como abogados, atletas o bailarines. En la actualidad está ampliando el ámbito de la gente retratada a todo el mundo. Después agrupa en capas todas las fotografías del grupo en una única imagen.

Desde 2007 ha estado también trabajando en dos series de paisajes:

  • En One Day muestra paisajes naturales y urbanos capturados varias veces a lo largo del día desde una posición fija. Así el flujo del tiempo llega a ser visible por el movimiento del sol.
  • En Flow and Fusion capta el movimiento de la gente a través de la captura de las masas en horas punta. Gracias a una larga exposición el gentío en movimiento se disuelve y parece agua o humo.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Gregory Crewdson

Gregory Crewdson es un fotógrafo estadounidense (nacido el 26 de septiembre de 1962 en Brooklyn, Nueva York)  famoso por sus imágenes surrealistas y de elaborada escenificación que muestran hogares y vecindarios norteamericanos.

 

(c) Gregory Crewdson

 

He estado siempre fascinado por la condición poética del crepúsculo y su poder de convertir lo ordinario en algo mágico y sobrenatural.

Siempre estoy interesado en las tensiones. La primera sería a partir de la colisión de lo familiar y lo extraño. Está presente en todas mis fotos, una inesperada sensación de misterio.

Lo importante es hacer ese momento tan bello y misterioso como sea posible. No quiero saber realmente como se resuelve la historia, creo que es muy más interesante que permanezca como una pregunta.

Biografía

Su primera experiencia en fotografía, con 10 años, fue asistir a una exposición retrospectiva de Diane Arbus en el MOMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York).

De niño trataba de escuchar con la oreja pegada al suelo mientras su padre, que era psicoanalista, pasaba consulta en el piso de abajo. Su obra, en alguna medida, es el resultado de aquella experiencia.

De adolescente formo parte de un grupo de punk rock llamado “The Speedis”, populares en Nueva York, cuya canción Let Me Take Your Photo (Déjame aprovechar tu foto) fue profética de lo que Crewdson se convertiría más tarde. En 2005 Hewlett Packard utilizó la canción para la publicidad de sus cámaras digitales.

A mediados de 1980 estudió fotografía en la Universidad del Estado de Nueva York. Obtuvo un master en Bellas Artes en la Universidad de Yale y fue profesor en Sarah Lawrence, Cooper Union, Vassar College y en la Universidad de Yale, hasta 1993.

Sus obras muestran escenas ficticias que diseña concienzudamente y con todo lujo de detalles para construir visualmente la sensación que está en su cabeza, lo que él llama momentos congelados, habitualmente inquietantes y que nos recuerdan a las películas clásicas de terror, gracias a una estética profundamente cinematográfica: paisajes urbanos desolados, calles vacías misteriosas, personas que deambulan por calles mojadas, algunas desesperadamente solitarias, mujeres desnudas que reflexionan cabizbajas, …

En la producción de sus fotografías, utiliza un equipo de personas idéntico al del cine. Es el director artístico y, a veces, ni dispara él mismo el obturador de su cámara de gran formato.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

Marcos López

Marcos López es un artista y fotógrafo argentino (nacido en 1958 en Gálvez, Santa Fe) que se ha consolidado como una figura central del arte latinoamericano contemporáneo.

 

 

(c) Marcos López

 

Lo que trato de aprender es el refinamiento de la cultura popular

La poética de la profunda América la encuentro a tres cuadras de mi casa, con relojes de Taiwán,     iPhones truchos, Motochorros y no sé qué.

Estoy todo el tiempo como si volviera a ser un estudiante del colegio secundario, jodiendo en el límite de que no me descubran y me echen a la mierda.

 

 

Biografía

Estudió ingeniería en la Universidad Tecnológica Nacional (Regional Santa Fe) donde estudia ingeniería. Comenzó a tomar fotografías en 1978. En 1982 abandonó los estudios universitarios para dedicarse por completo a la fotografía.

En 1982 obtuvo una beca de perfeccionamiento otorgada por el Fondo Nacional de las Artes. Se trasladó a Buenos Aires y asistió a una serie de talleres de prestigiosos fotógrafos argentinos y extranjeros.

Entre 1982 y 1983, realizó un ensayo documental en el Hospital Neuropsiquiátrico José T. Borda y trabajó en un taller psicoterapéutico de un año de duración con los pacientes.

En 1984 participó en la creación del grupo Núcleo de Autores Fotográficos, junto a 12 colegas (Pintor, Grossman, Pérez Aznar, E.Gil…). Trabajan durante tres años generando un ámbito para la discusión, la crítica y la investigación de la fotografía como medio de expresión, realizando también diversas exposiciones.

Se relaciona con artistas plásticos de otras disciplinas (L. Maresca, M. Schvartz…) y participa en la concepción y realización de proyectos colectivos: La Kermesse, Lavarte, La Conquista, etc.

Trabajó en fotografía documental y colaboró con diversos medios independientes que se publican en Buenos Aires: Expreso Imaginario, Banana, Alfonsina, El Porteño, El Angel, …

En 1989 formó parte de la primera promoción de becarios extranjeros de la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, en Cuba. Residió un año y medio en Cuba como alumno de la Escuela donde realiza documentales para cine 16 mm y video.

Trabajó en Buenos Aires como realizador de documentales y en varios largometrajes como asistente de iluminación y fotógrafo de filmación.

En 1993 publica su primer libro Retratos, con fotografías en blanco y negro. Después de esto, creyendo que de ese modo podría combatir su lado melancólico y tomarse la vida desde un ángulo menos denso, comenzó a investigar con el color, desarrollando la serie Pop Latino que publicó en el 2000.

La década del 2000/2010 ha sido muy fructífera para él, recibiendo galardones, realizando exposiciones en solitario y en grupo, viendo como sus trabajos se publican y forman parte de colecciones por todo el mundo, dando charlas y talleres …

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros

Kim Boske

Kim Boske es una fotógrafa holandesa (nacida en 1978 en Hilversum, vive en Ámsterdam) que realiza una investigación en el sistema espacio/tiempo que se oculta detrás de la fachada del mundo visual. Ella ve este sistema como una estructura que se construye encima de estructuras diferenciadas más pequeñas: una tela de araña de acontecimientos simultáneos. Sus fotos incorporan varios niveles, combinando diversos momentos al mismo tiempo. De esta manera se revelan los fenómenos que son imposibles de considerar o de ver a simple vista.

 

(c) Kim Boske

 

 

Biografía

Se graduó en 2005 en la Royal Academy of Fine Art de La Haya.

En estos últimos años su trabajo se ha exhibido en el Amsterdam’s Centrum voor Fotografie, Netherlands Photography Museum de Rotterdam, Singapore’s International Photography Festival, Ron Mandos Rotterdam, New Jersey USA (2008), así como en Platform 21 en Ámsterdam en 2006.

Sus series de bodegones de flores han sido creadas combinando diferentes tomas, tomadas a lo largo de un día en una única imagen, desempeñando un papel importante la luz cambiante. El resultado tiene una serenidad profunda y un uso único de la luz.

En su serie Mapping, fascinada por el mundo siempre cambiante y por ver cómo cada uno tiene un distinto punto de vista, incluso cuando se observa un árbol en un campo abierto, presenta varias fotos de un solo árbol, cada una desde un ángulo distinto, combinándolas en una imagen, con lo cual el espectador ve el árbol entero en una única imagen.

 

 

Referencias

Pasquale Caprile

Pasquale Caprile Trucchi es un reconocido fotógrafo español (nacido en Madrid el 9 de agosto de 1958 de padres y abuelos italianos) y embajador lomográfico en España, especializado en fotografía de autor, publicitaria y comercial, que destaca por su capacidad para experimentar con la luz, el color y la imagen.

 

 

(c) Pasquale Caprile

(60) Este es el tiempo necesario para que la química de una Polaroid trabaje y haga su función con el fin de dar a luz una nueva instantánea. Un tiempo muy corto y a la vez infinitamente eterno, cuando esperas durante el revelado, a que la imagen salga como por arte de magia, de entre dos papeles repletos de una química que desprende un olor celestial.

 

Biografía

Tras 3 años estudiando administración de empresas, viajó a Londres y se licenció en el London College of Printing en fotografía publicitaria y fotoperiodismo.

En 1979 estuvo trabajando 2 años como asistente del fotógrafo John Chalis, especializado en fotografía comercial y publicitaria. También colaboró con revistas y agencias publicitarias y fue corresponsal de la revista náutica Bitácora.

De vuelta a Madrid en 1982 comenzó a trabajar para alta joyería, y posteriormente montó Estudio P7, colaborando con revistas de decoración como: Nuevo Estilo, Casa 16, Mucho Más, El País Dominical, Casa Vogue, Telva, Elle Decoración, …

A finales de los 90 fue pionero en fotografía digital (hoy en día no ha abandonado la analógica) y colabora en grandes campañas de publicidad. Realiza la fotografía de varios libros de cocina.

En la feria Photokina en Colonia, toma contacto con la Sociedad Lomográfica, convirtiéndose en su embajador en España y organizando el Primer Congreso Internacional Lomográfico en Madrid.

Fotógrafo por naturaleza, le interesa observar, analizar y contar historias con sus fotografías, utilizando la fotografía como una herramienta que le permite expresar sus sentimientos y fijar los detalles de cada día, la belleza de la vida y todas sus verdades.

Es un trabajador incansable, realizando encargos publicitarios, montando diversos proyectos propios, organizando eventos fotográficos y exposiciones. También le gusta y disfruta con la docencia, habiendo creado una escuela de fotografía.

Entre otros, tiene los siguientes premios:

  • International Photography Awards 2005: 3º premio en la categoría Fine Art con la serie Papyros
  • Premio Lux Plata 2004 por la colección Las flores de Santa Bárbara
  • Premio Nacional de Fotografía “Alimentos de España 2001”
  • London International Advertising Awards 1994

Ha participado en más de 30 exposiciones, individuales y colectivas, entre las que destacan Los cielos de Madrid, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

 

 

Referencias