Erwin Kraus

Erwin Kraus fue un montañero, pintor y fotógrafo colombiano, de origen alemán (nacido en 1911 en Bogotá y fallecido en el 2000) que fue primer escalador de los picos de los Andes de Colombia, un reconocido hito de la historia de la fotografía en Colombia y pintor paisajístico de temas de alta montaña.

 

(c) Erwin Kraus

Uno sale de la ciudad, pequeño y humilde, para encontrarse con la naturaleza grande, inmensa, perdurable.

 

 

Biografía

Nació en Bogotá en 1911, de padres alemanes. Aunque ya había recibido clases de pintura en Colombia y un tío suyo le había regalado una cámara de fotos, fue en Suiza y Alemania (de 1926 a 1935) donde aprendió a escalar montañas, fotografía, dibujo, pintura, a administrar negocios y a trabajar con piedras y metales preciosos, siguiendo una tradición familiar de joyeros orfebres.

Se le conoce como el pionero del montañismo en Colombia: en 1938, con Anton Lampel, escaló por primera vez los 5.160 metros del cerro Pan de Azúcar, en el Nevado del Cocuy; al año siguiente coronó los 5.775 del pico Simón Bolívar, en la Sierra Nevada de Santa Marta, en compañía de Guido Pichler y Enrico Praolini, y en 1942 volvió al Cocuy para conquistar, antes que nadie, el Ritacuba Negro, junto a Heriberto Hublitz. En aquella época el montañismo era considerado en Colombia cosa de locos y en la mayor parte de las ocasiones sus compañeros eran europeos.

Pero si es admirable su trayectoria como montañista, no es menos destacada su carrera de pintor. Antes de cumplir 30 años participó en el Primer Salón de Artistas Colombianos, donde obtuvo una mención honorífica. En 1942 expuso por primera vez en Nueva York y cuatro años más tarde se hizo merecedor del tercer lugar en el VII Salón Nacional con el cuadro “La Tarde“. Hasta 1986 había colgado cerca de 30 exposiciones en Colombia, Estados Unidos y Europa.

Es una pasión que ha ido de la mano con el montañismo. En cada viaje se preparaban, con la misma dulzura, las cuerdas para la escalada y los cuadernos en los que quedarían bosquejados páramos, llanuras, selvas y sabanas. Y con el montañismo, inseparable la fotografía, con su Rolleiflex.

A finales de los sesenta dejó el alpinismo por una enfermedad en sus ojos. Se dedicó a la pintura con la vocación de quien recuerda el paisaje pero no cuenta con la suerte de transmitirlo por medio del pincel. Sus fotos, en cambio, que se han expuesto en varias ocasiones en esta última década, son el testimonio sensible de un apasionado escalador.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Stephen Shore

Stephen Shore es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1947 en Nueva York) conocido por sus inexpresivas imágenes, escenas banales y objetos sobre los Estados Unidos. También fue uno de los pioneros en el uso de la fotografía en color.

 

(c) Stephen Shore

 

Una fotografía sucede cuando algo interior se conecta, una experiencia que cambia como lo hace el fotógrafo.

 

 

Biografía

Se interesó por la fotografía desde muy, muy joven: su tío le regaló un cuarto oscuro de revelado cuando tenía seis años, empezó a usar una cámara de 35mm tres años más tarde para hacer sus primeras fotografías en color, y cuando tenía diez años le regalaron una copia del libro American Photographs de Walker Evans, que le influenció profundamente.

Su carrera profesional comenzó con catorce años cuando presentó sus fotografías a Edward Steichen, por entonces encargado de fotografía del Museum of Modern Art (MoMa) de Nueva York. Éste supo reconocer el talento de Shore y adquirió tres de sus trabajos. Cuando tenía diecisiete años conoció a Andy Warhol y empezó a frecuentar su estudio, la Factoría, para fotografiarle a él y al entorno creativo que le rodeaba. En 1971, con 24 años, Shore fue el segundo fotógrafo en vida que expuso su obra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

En 1972 abandonó la escena artística de Nueva York , embarcándose en una serie de viajes a la América rural tomando fotografías de paisajes, en un viaje desde Manhattan a Amarillo, Texas, que despertó su interés por la fotografía en color. Observando las calles y pueblos por los que viajaba tuvo la idea de fotografiarlos en color, primero usando una cámara de 35mm y luego una cámara de 4×5″ y finalmente una de 8×10″.  El revelado de las películas y las ampliaciones corrían a cargo de Kodak. Con su método doméstico, cercano al espíritu amateur, esquivaba el trabajo de laboratorio para revelarse como una mirada personal y sincera, ciertamente apasionada.

En 1974 obtuvo una beca National Endowment for the Arts, en 1975 una beca Guggenheim y en 1976 expuso su trabajo en color en el MoMA.

Su obra ha sido expuesta de forma individual en el Museum of Modern Art de Nueva York, Center for Creative PHotography en Tucson y en el Art Institute de Chicago, entre otros.

Su libro Uncommon Places, de 1982, fue una especie de biblia para los nuevos fotógrafos que usaban el color, porque junto con William Eggleston, su trabajo probó que la fotografía en color, como la pintura o la fotografía en blanco y negro, podía ser considerada un tipo de arte. Muchos artistas posteriores, como Nan Goldin, Andreas Gursky, Martin Parr, Joel Sternfeld y Tomas Struth, han reconocido estar influenciados por su trabajo.

Desde 1982, es el director de fotografía del Bard College, en Massachusetts.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Al Weber

Al Weber es un fotógrafo estadounidense (nacido en Denver, Colorado, en 1930, vive en Carmel Highlands, California) cuya carrera en la fotografía abarca 6 décadas, incluyendo desde procesos en blanco y negro a los de color y trabajando en temas desde fotografía aérea, industrial y arquitectónica a retratos, fotografía abstracta y a imágenes del sudoeste americano, incluyendo 50 años de arte rupestre indio americano.

 

(c) Al Weber

 

 

Biografía

Hijo de un ávido pescador y cazador, no disfrutaba con estos “deportes” así que en las excursiones con su padre se dedicaba a sacar fotos.

Estudió fotografía en la Universidad de Denver, y logró una cierta maestría en el retrato en estudio.

Después de 4 años en el Cuerpo del Marines en la Guerra de Korea, se trasladó a la Península de Monterrey, trabajando en el Monterey Herald, estableciéndose más tarde como fotógrafo comercial lo que le permitió poder trabajar también en su fotografía artística, animado por fotógrafos como John Livingston y Wynn Bullock.

En su larga carrera de 60 años en la fotografía, ha conseguido un reconocimiento internacional tanto como por su obra como por su actividad como profesor y mentor. Sus imágenes se han mostrado en más de 200 exposiciones.

Reconocido fotógrafo comercial, sus fotos se han publicado en las revistas Time-Life, Fortune y Holiday, forman parte de colecciones permanentes como las de The Art Institute of Chicago, M. H. de Young Museum, UCLA, Utah Museum of Fine Arts y la Ansel Adams Collection, y sus clientes más importantes han sido Dupont, Kaiser, International Harvester, Eastman Kodak, Polaroid y Hasselblad.

Como educador, Weber habrá dado clases a más de 10.000 estudiantes en talleres y clases como instructor del Monterey Peninsula College, del Friends of Photography, de la University of California en Santa Cruz y en los célebres talleres Ansel Adams Workshop en Yosemite.

También ha contribuido a crear la Fundación para la Preservación Fotográfica (FfPP) para ayudar a fotógrafos o a sus fundaciones a mantener en buenas condiciones sus archivos. Ejemplos de este trabajo son la conservación de los archivos de Steve Crouch y de Oliverio Gagliani, asegurando que estas fotografías estén disponibles para el disfrute y la educación de las generaciones venideras.

 

 

Referencias

Sisse Brimberg

Sisse Brimberg es una fotógrafa danesa (nacida en Copenhague) cuya pasión particular son las historias histórico/culturales que requieren mucha de investigación y aún más imaginación. No se puede fotografiar la historia, por supuesto, así que se tiene que encontrar formas de hacer visible el pasado.

 

(c) Sisse Brimberg

 

 

Biografía

Nacida y criada en Copenhague, Dinamarca, ha trabajado regularmente para National Geographic desde 1976, cuando una beca danesa le permitió que estudiara fotoperiodismo en esta sociedad. Antes de eso trabajó como aprendiz en un estudio fotográfico comercial y tuvo su estudio propio 5 años.

Desde entonces, ha cubierto todos los temas y ha viajado por todo el mundo para National Geographic.

Ha publicado más de 30 historias que van desde la industria del papel en Japón a la cultura vikinga del norte de Europa. Su trabajo se exhibe en todo el mundo, incluyendo Dinamarca, así como Alemania, Grecia, Brasil, México, el International Center for Photography en Nueva York y en el Newseum de Washington, D.C. Su artículo sobre trabajadores emigrantes fue premiado con el Picture Story of the Year de la National Press Photographers’ Association.

Ella ha sido una de las 5 fotorreporteras incluidas en el libro Woman Photographers at National Geographic.

Ella y su marido, Cotton Coulson, poseen una compañía de comunicación, KEENPRESS, que produce fotografía y películas video en HD para publicaciones y compañías internacionales. Mucho de su trabajo se centra en el medio ambiente, asuntos climáticos e historias de viajes por todo el mundo.

Ambos son contribuidores frecuentes a la revista National Geographic Traveler y tienen su archivo fotográfico en la NG Image Collection. También realizan talleres de fotografía y expediciones con National Geographic.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Phillip Jones Griffiths

Phillip Jones Griffiths fue un fotoperiodista galés (nacido el 18 de febrero de 1936 en Rhuddlan, Denbighshire, y fallecido el 19 de marzo de 2008 en Londres) conocido sobre todo por sus fotografías de la Guerra de Vietnam, que vivió desde dentro, compartiendo las condiciones de soldados y de civiles y poniéndose en riesgo personal.

 

(c) Phillip Jones Griffiths

 

La guerra de Vietnam era como una pecera donde los valores del americano y del vietnamita se podían observar, estudiar, y debido a sus naturalezas tan diferentes, valorarse más fácilmente.

La capacidad de mantener la perspectiva es muy importante para un periodista. En una situación tensa se necesita la capacidad de estar allí, para mantener la mente fría y mantenerse trabajando sin llegar a frustrarse.

 

 

 

Biografía

Su primera fotografía fue a un amigo, en un bote de remos de Holyhead, con una Brownie de su familia.

Estudió farmacia en Liverpool y trabajó en Londres como encargado de noche en el Boots the Chemist de Piccadilly, mientras que también lo hacía como fotógrafo a tiempo parcial para el Manchester Guardian.

Griffiths comenzó su trabajo como fotógrafo freelance a tiempo completo en 1961 para el Observer, viajando a Argelia en 1962, en las últimas fases de su guerra de liberación, en plena fase del programa de “reagrupamiento” organizado por Francia en las comunidades remotas.

En 1966 se unió a Magnum Photos llegando a ser miembro a pleno derecho en 1971.

Cubrió la guerra de Vietnam desde 1966, trabajando para Magnum Photos, que encontró sus imágenes difíciles vender a las revistas americanas, pues mostraban el sufrimiento de la gente vietnamita y reflejaban su opinión de la guerra como un episodio de continuación de la descolonización de posesiones europeas anteriores. Como galés que era (otro David contra Goliat), simpatizó rápidamente con el pueblo campesino vietnamita atacado por un enemigo poderoso y mucho más fuerte. Sus fotografías tampoco gustaron mucho al gobierno de Vietnam del Sur.

Devoto por el blanco y negro, tuvo que utilizar Ektachromes presionado por Life para obtener fotos en color. Sus conocimientos de química por sus estudios de farmacia, le llevaron a construir una caja negra para conservar sus rollos de color que cogían una dominante verde en Vietnam. Magnum perdería posteriormente buena parte del material en color de Griffiths.

Afortunadamente, sus fotografías de Jackie Kennedy de vacaciones con su amigo Lord Harlech en Ankor Wat, Camboya, le aportaron el dinero suficiente para continuar con su trabajo en Vietnam y publicar su libro Vietnam inc. en 1971, que acabada la guerra pudo ya venderse en Estados Unidos.

Su amigo Henri Cartier-Bresson dijo de él que “Después de Goya, nadie ha retratado mejor la guerra que Phillip Jones Griffiths

En 1973, cubrió la guerra del Yom Kippur. Después trabajó en Camboya de 1973 a 1975, siendo uno de los pocos fotógrafos occidentales en poder hacerlo. Cubrió la mayor parte de los conflictos de la segunda mitad del silo XX, viajando a más de 120 países de los 5 continentes. Sus fotografías han aparecido en la mayor parte de las revistas importantes del mundo.

En 1980 fue nombrado director de Magnum y vivió durante ese tiempo (5 años) en Nueva York.

Su obra fue sujeto de una exhibición en EEUU en 2005 y 2006 titulada 50 years on the Frontline.

Cuando fue consciente de su condición terminal, afectado por un cáncer, organizó una fundación para preservar su archivo, dirigida por sus 2 hijas.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Tod Papageorge

Tod Papageorge es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1940) cuya carrera comenzó en el movimiento de la fotografía callejera de Nueva York de los años 60.

 

(c) Tod Papageorge

 

 

 

Biografía

Comenzó a hacer fotografías en 1962 cuando era profesor de literatura inglesa en la Universidad de New Hampshire al descubrir la obra de Henri Cartier-Bresson.

A finales de 1965, tras 3 años (San Francisco, Boston y Europa) alejado de los estudios, fue a Nueva York a vivir, y se encontró con Garry Winogrand cuando comenzaba un pequeño taller en su apartamento. Garry le invitó a que se uniera a la clase, y Tod le dijo que no tenía dinero, pero Garry le dijo que no importaba. Joel Meyerowitz también estaba allí. Tod llevó la primera noche las fotos que había hecho en España y Francia y que había impreso en un pequeño cuarto oscuro en el American Center en París. Garry las miró y dijo “Estas fotos están pidiendo a gritos que las publiquen”. Así fue como Garry Winogrand se convirtió en el mentor de Tod Papageorge.

Obtuvo 2 becas Guggenheim y otras 2 NEA Visual Artists.

Su trabajo está en colecciones públicas como el Museum of Modern Art y el Art Institute de Chicago.

Desde 1979, dirigió el departamento de fotografía en la Yale University School of Art, donde sus estudiantes más importantes han sido Philip-Lorca diCorcia, Lois Conner, Abelardo Morell, Andrew Bush, Susan Lipper, Gregory Crewdson, An-My Le, Anna Gaskell y Katy Grannan.

Uno de sus trabajos más importantes es su serie de 25 años de fotografías en Central Park,  utilizando una cámara de 6×9.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

Joel Sternfeld

Joel Sternfeld es un fotógrafo estadounidense (nacido en Nueva York el 30 de junio de 1944). Pionero del color, es conocido por sus imágenes documentales de gran formato y en color de escenas de los Estados Unidos. Su obra busca introducirnos en una realidad donde la nitidez, el color resplandeciente y luminoso, nos sumerge de lleno en uno de los instantes (perfecto, detenido y lleno de detalles) de una narración.

 

(c) Joel Sternfeld

 

 

 

Biografía

Tras sus estudios en Dartmouth College enseñó fotografía en el Sarah Lawrence College en Nueva York desde 1985. Comenzó a hacer fotografías en color en 1970 después de aprender la teoría del color de Johannes Itten y de Josef Albers. El color fue un elemento importante de sus fotografías a partir de entonces.

Comenzó fotografiando la realidad social de las ciudades y los campos norteamericanos, siguiendo de alguna manera la estela de la obra fotográfica de Walker Evans. Trabaja con una cámara 8x10”.

American Prospects (1987) es su libro más conocido y explora la ironía de los paisajes alterados por la mano del hombre en los Estados Unidos. Para hacer el libro, fotografió cosas ordinarias, incluyendo también ciudades abandonadas y paisajes estériles.

Su libro On This Site: Landscape in Memoriam (1997), es sobre la violencia en América. En él fotografía los lugares de tragedias recientes. Al lado de cada fotografía está el texto sobre los acontecimientos que sucedieron en esa localización.

De 1991 a 1994 trabajó con Melinda Hunt para documentar el cementerio público de Nueva York en Hart Island, dando como resultado su libro Hart Island (1998).

Ha recibido dos becas Guggenheim (1978 y 1982), una National Endowment for the Arts Photographers Fellowship (1980) y el premio de Roma (1990-91).

Tiene muchos trabajos en las colecciones permanentes del MOMA en Nueva York, en el Getty Center de Los Ángeles, en la Maison Européenne de la Photographie, en Paris, en el Seattle Art Museum y en el Whitney Museum of American Art, Nueva York

Ha influido en una generación de fotógrafos del color, incluyendo a Thomas Struth y a Andreas Gursky, que ha tomado prestadas muchas de las técnicas de Sternfeld.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Gosia Janik

Gosia Janik es una fotógrafa polaca (nacida en 1978 en Częstochowa, vive en Madrid) que realiza fotografía de bodas, retrato, comercial y artística.

 

 

(c) Gosia Janik

 

 

 

Biografía

Estudió Magisterio con especialización en fotografía. Diez años de experiencia en su país natal en todo tipo de eventos sociales: bodas, comuniones, bautizos, sesiones fotográficas familiares, de parejas y de niños. También realizó fotografía comercial y promocional.

Buscando nuevos rumbos e inspiraciones, en 2010 se trasladó a Madrid esperando desarrollar sus habilidades y crecer. Siempre con ganas de aprender y de disfrutar.

En su trabajo más personal observa cambios, capta emociones, persigue momentos… revela sentimientos: la esencia de cada persona, una historia, un amor.

La mayor parte de su portafolio está realizada en su estudio de Polonia. Gentes normales, amigos y clientes. No hay modelos ni profesionales. Luz natural, sin pantallas reflectoras ni flashes. Procesadas personalmente.

Practica yoga y tiene una serie de fotografías de asanas, mayormente autorretratos..

 

 

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Libros

Alexandre Deschaumes

Alexandre Deschaumes es un fotógrafo y músico francés que realiza fotografía de paisaje, de naturaleza, creando atmósferas melancólicas, románticas y salvajes. Pero la tristeza sólo es bonita si se tiñe de esperanza y, en sus fotografías, la luz natural tiene un papel muy importante. Esta luz, es la esperanza. En cualquier caso, para él, la fotografía es la búsqueda de la luz, y le parece que esto es así también para la vida en general.

 

 

(c) Alexandre Deschaumes

 

La inspiración debe permanecer como lo primordial. La belleza permite elevar el espíritu y crea para siempre la necesidad de alcanzar las esferas etéreas.

Encuentro mi inspiración en mi esperanza y mis miedos, a través de una simple mezcla de elegantes curvas, líneas y armonía de color.

 

 

Biografía

Comenzó en la fotografía en 2003 por razones abstractas, de una manera natural, sin quererlo. Deseaba experimentar una cierta forma de belleza, experimentando y aprendiendo solo, a su manera, sin fin alguno ni ambición de llegar a ningún lado. Era una especie de diversión egoísta y solitaria. Una llamada interior que había que seguir. Era la misma sensación que cuando cogió una guitarra algunos años atrás y poco a poco tocaba 6 horas al día.

Desde 2009 organiza los talleres Stages Photos, en montaña con un guía o de forma privada, en los cuales intenta trasmitir su pasión por la fotografía en una inmersión total en la naturaleza.

Los fotógrafos que lo influyen son, entre otros: Art Wolfe, Michael Anderson y Marc Adamus. También se siente inspirado por pintores como Albert Bierstadt, Bruno Gentile, Raphael Lacoste, …

Más allá de la fotografía, intenta desarrollar una visión personal y general de su universo abstracto a través de sus imágenes, que, a veces están pensadas como una pintura.

Es también músico compositor y los colores extraños se juntan a menudo con sus visiones armónicas.

 

 

Referencias

Mark Cohen

Mark Cohen es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1943 en Wilkes-Barre, Pennsylvania, donde vive actualmente) conocido principalmente por su particular fotografía callejera.

 

(c) Mark Cohen

© Mark Cohen

 

 

Sabía mucho sobre fotografía artística … entonces empecé a hacer algo fuera del contexto de cualquier otro fotógrafo.

Lo haría simplemente paseando, encuadrándoles, haciendo la foto con flash porque es una manera sencilla de conseguir una toma nítida e iluminada y desaparecer al momento.  Pero me di cuenta de que había una cierta clase de electricidad al hacerlo.

 

 

 

Biografía

Estudió en la Universidad Estatal de Pennsylvania y en el Wilkes College entre 1961 y 1965, y abrió ya un estudio comercial de fotografía en 1966, para poder realizar al mismo tiempo su fotografía artística y personal.

Su primera fotografía que se exhibió fue en 1969  en la exposición Vision and Expression organizada por Nathan Lyons en la George Eastman House.

Le concedieron dos becas Guggenheim y recibió un National Endowment for the Arts en 1975.

La mayoría del trabajo por el cual se le conoce es realizado en las vecindades de Wilkes-Barre y de Scranton. Hace sus fotografías en un plano muy corto, con un gran angular y con flash, cortando con frecuencia las cabezas, concentrándose en los pequeños detalles y momentos.

Comenta que sus influencias vienen de muchos fotógrafos que siguieron a Cartier-Bresson, como Frank, Koudelka, Winogrand, Friedlander y también de Diane Arbus.

Ha enseñado fotografía en Princeton University, Wilkes College y Kings College.

 

 

 

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Libros

Henry Gilpin

Henry Gilpin fue un fotógrafo estadounidense (nacido en Cleveland, Ohio, en 1922 y fallecido el 10 de diciembre de 2011) cuya obra fue mayoritariamente en blanco y negro, paisajes y fotografías abstractas. Ha querido siempre que su trabajo fuera accesible y abordable, al mismo tiempo que conservaba una calidad de impresión lo más alta posible.

 

 

(c) Henry Gilpin

 

Hazlo bien, hazlo tú mismo y utiliza el sistema de zonas.

 

 

Biografía

Comenzó a fotografiar en 1934, con la cámara Kodak Vest Pocket de su madre. Cuando su familia cambió un horno del carbón por la calefacción de gas él convirtió la carbonera en su primer cuarto oscuro.

La Segunda Guerra Mundial interrumpió su fotografía. Como piloto, realizando misiones secretas en el teatro europeo, lanzando comandos y recogiendo soldados de la resistencia detrás de las líneas alemanas. En una de sus 58 misiones voló tan bajo que una hoja se pegó en el fuselaje de su avión. La tiene enmarcada en una pared de su casa.

Henry entró al departamento del sheriff de Monterrey en 1951. En 1953, le asignaron a la división de detectives de la cual se retiró como capitán de detectives en 1964. Como era el que más sabía de fotografía, llegó a hacer casi el 90% de las fotografías de escena del crimen y de autopsias.

Henry Gilpin comenzó su carrera fotográfica en Yosemite en 1959, tras asistir a un taller de Ansel Adams. Este le convenció de que dejara su Leica de 35mm y se pasara a una 4x5”, aunque mayoritariamente usaría una Hasselblad de 2¼”, llegando a probar hasta 8x10”.

Henry Gilpin ha dado clases de fotografía a estudiantes de Monterey Peninsula College desde 1963. Su formación como ingeniero le ayudó sin duda a la comprensión del proceso técnico de la fotografía, un área que Ansel Adams dominaba y que él pronto comenzó a enseñar.

Aparte de su carrera de enseñanza, ha sido instructor en muchos talleres durante años, incluyendo talleres Ansel Adams en Yosemite desde 1967 y otros muchos.

Sus fotografías se incluyen en colecciones públicas y privadas por toda América, así como en prestigiosos museos incluyendo el Museo de Arte Moderno de San Francisco.

 

 

Referencias

Gordon Gahan

Gordon Gahan fue un fotógrafo estadounidense (nacido en Nueva York el 5 de noviembre de 1945 y fallecido el 19 de octubre de 1984 en Las Islas Vírgenes) conocido principalmente por su trabajo con National Geographic en los años 70 y 80. Muy sensible, creía que las fotografías debían ser reveladoras pero no invasivas.

 

 

(c) Gordon Gahan

 

Espero que mis fotografías den al lector lo que mi trabajo me da a mí: preguntas, más preguntas y una fascinación con historia. Un cultivador de raíces de taro en la Polinesia Francesa lo dijo de esta manera: “Lo que usted quiere saber nadie lo sabe. Lo que usted quiere ver no puede ser visto. Ya no existe. Pero por favor, envíeme su revista. Quizás sus palabras lo digan, quizás sus fotos lo enseñen.”

 

 

Biografía

Gordon W. Gahan salió de la Universidad de Columbia en 1962 para dedicar su vida a la fotografía. En el plazo de tres años, se convirtió en el jefe de departamento más joven de la historia de United Press International, cubriendo la ciudad de Minneapolis. En 1967 fue llamado a filas por el ejército de los Estados Unidos y se ofreció voluntario para trabajos fotográficos en Vietnam.

Sus fotografías para el Army Digest mostraban a los soldados en la línea del frente. Durante este tiempo, algunas de sus imágenes fueron vendidas a Time y Newsweek bajo nombres falsos. Recibió dos Estrellas de Bronce y un Corazón Púrpura en menos que un año.

Gahan comenzó a trabajar para National Geographic Society en 1969, entrando en plantilla en 1972. Durante sus años con ella realizó 16 importantes artículos y cinco libros. Viajó por todo el mundo: Japón, Kenia, Senegal, Egipto, Israel, Turquía, Grecia, la antigua Unión Soviética, Alemania, Francia, Suiza, Portugal, Inglaterra, Canadá, Estados Unidos, México, Brasil, Guatemala, Belice, Panamá, Bolivia, Perú, Colombia, Argentina, Australia, Nueva Zelanda, Vanuatu, Polinesia francesa y Tonga.

Recibió diversos premios por su magnífico trabajo, incluyendo varios Picture of the Year. Y su trabajo fue portada de National Geographic muchas veces. Su trabajo fue exhibido en la Corcoran Gallery y en la Universidad de Harvard.

Dejó National Geographic en 1982 para cofundar Prism Photography con Martin Rogers y Howie Shneyer.

Murió en un accidente de helicóptero en 1983.

 

 

Referencias

 

 

Libros