Saúl Orduz

Saúl Orduz fue un fotógrafo colombiano (nacido en 1922 en Sogamoso, Boyacá, y fallecido el 5 de junio de 2010) cuya obra es una memoria visual que permite viajar a través de los diferentes cambios y escenarios que constituyen la ciudad de Bogotá. Fue el pionero de la fotografía aérea en Colombia.

 

 

© Saúl Orduz

© Saúl Orduz

 

Biografía

Con 13 años fue bachiller y se trasladó a Bogotá a finales de los 30, donde hizo de “chico de los recados” en la Sección de Aeródromos de Avianca, utilizando los laboratorios fotográficos de SCADTA (Sociedad Colombo Alemana de Transportes Aéreos) para hacer sus primeros contactos con el laboratorio fotográfico.

Entre 1940 y 1949, gracias a su insistente apego a la fotografía, Orduz trabajó en la Fairchild Aereal Survey, empresa de aerofotografía que trabajaba para las compañías de petróleo del país. Allí bajo la tutela de su director Gunar Liky, se entrenó ya formalmente en técnicas de laboratorio, manejo de cámara y fotomuralismo, convirtiéndose en un experto técnico en aerofotografía (que requería por supuesto completar horas de vuelo) para finalmente ascender laboralmente hasta convertirse en Jefe de Laboratorios.

Pero, a pesar de que sus fotografías aéreas le merecieron portadas de revistas y periódicos de circulación nacional, a través de la lente y su mirada perpetuó imágenes citadinas, personajes inolvidables de la vida artística y política a nivel nacional e internacional que fueron noticia en los más de 50 años de trabajo de este fotógrafo.

Su lente capturó en el tiempo y en el espacio las imágenes de una histórica e inolvidable Bogotá, donde las calles, sus gentes y diferentes espacios urbanos evocan a los espectadores en momentos únicos e irrepetibles de la ciudad y de sus vidas.

Con más de mil gráficas aéreas de la ciudad logradas desde 1960, realizó la primera expedición de fotografía aérea que se hizo sobre la Región del Caquetá y cuya responsabilidad recayó en él.

Años más tarde como fotógrafo independiente, Orduz fue contratado por el Doctor Luis Barriga, Director del Museo del Oro de Bogotá para realizar el primer registro fotográfico de las piezas de la colección. Su vinculación al Banco de la República le permitió registrar la Imprenta de billetes, sus salones, las máquinas, proyectos y el acceso a personalidades como el General Gustavo Rojas Pinilla entre otros.

Orduz fue también el encargado de fotografiar la demolición del Hotel Granada y la construcción, en el mismo emplazamiento, del nuevo edificio del Banco de la República.

También trabajó los últimos años de su vida profesional para el Acueducto de Bogotá tomando fotografías del registro gráfico de la inauguración de la Represa del Neusa y de muchas de sus obras en construcción como Chingaza, Chivor, Guavio. De esta manera se convirtió en el principal fotógrafo del crecimiento urbano en Bogotá.

Sus últimos años los pasó en la pobreza vendiendo algunas copias de las fotos que la gente aún le seguía pidiendo. El Acueducto no le aseguró una pensión, vivía de la de uno de sus hijos fallecido en la Armada.

El Museo de Bogotá adquirió la mayoría de sus fotos por un valor ridículo cuando él tenía 87 años.

En verano de 2004 se celebró en Bogotá la exposición retrospectiva “La memoria gráfica de Saúl ORDUZ”.

A finales de 2010, principios de 2011 se expuso en el Museo de Bogotá, ‘Fotografía, ciudad y patrimonio’, una exhibición de cien imágenes relacionadas con el patrimonio cultural de Bogotá, con fotografías de Saúl Orduz, Daniel Rodríguez, Luis Alberto Acuña y Jorge Gamboa.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Amelia Troubridge

Amelia Troubridge es una fotógrafa inglesa (nacida en 1974 en Londres).

 

© Amelia Troubridge

© Amelia Troubridge

 

 

Biografía

Autodidacta en la fotografía, Amelia cogió por primera vez una vieja cámara Pentax en 1992, que le dejó su padre.

Tras acabar sus Estudios Americanos en Londres y Nueva York, recibiendo una matrícula de honor en 1995, comenzó a trabajar en encargos para Esquire y para la revista The Sunday Times.

En 1996  realizó su primer gran reportaje, Dublin’s Urban Cowboys (vaqueros urbanos de Dublín).

Un año más tarde, le concedieron el premio Ian Parry como fotógrafo joven del año en los premios Nikon Press. Y le siguieron otros premios como una World Press Masterclass y la nominación al Young Photographer of the Year, por el The International Center of Photography de Nueva York.

Sus trabajos han aparecido en revistas como Time, Vanity Fair, Conde Nast Traveller (E.E.U.U.), The Saturday and Sunday Times Magazine, The Face, GQ, Esquire, Tatler, Harpers Bazaar, ES, Stern, Dazed and confused, Vogue, Rolling Stone y The Observer.

Ha viajado con los grupos Motorhead y New Order, y ha fotografiado a personalidades como Fidel Castro para The Times y París Hilton para la portada de Tatler.

Ha trabajado en publicidad para clientes como CNN, HSBC, Vodafone, Canon, Domestic Violence, Nescafe, SHELTER, The British Tea Council, BMG/Arista, EMI, Sony, Channel 5, The Weinstein Co, Pathe, The BBC, ITV y Stephen Webster.

Su trabajo se ha exhibido en numerosas exposiciones en solitario en Europa y América.

Comenzó una colaboración con el director de cine Michael Winterbottom en 1999 en su célebre Wonderland. Y como consecuencia de ello, en sus siguientes películas 24 Hour Party People en 2001 y A Cock and Bull Story en 2006.

 

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Dean Conger

Dean Conger es un fotógrafo estadounidense (nacido el 26 de agosto de 1927 en Casper, Wyoming, vive en Durango, Colorado) conocido por sus trabajos para National Geographic.

 

 

© Dean Conger

© Dean Conger

 

 

Biografía

Cogió su primera cámara con 10 años. Un compañero de clase le invitó al laboratorio de su hermano mayor y se fascinó con el proceso. Con 14 años publicó su primera foto en el Casper Tribune Herald.

Mientras estudiaba en el Casper College y después en la Universidad de Wyoming siguió haciendo fotografías y un golpe de suerte le permitió entrar en el Denver Post, donde consiguió experiencia y varios prestigiosos premios.

Después de nueve años con el Denver Post, se unió a la National Geographic Society como fotógrafo de plantilla en 1959. Sus trabajos le llevaron por todas partes de Europa, Asia y Estados Unidos.

A principios de los 60, consiguió varias portadas en la revista Life con retratos de la carrera espacial.

Hizo más de 30 viajes a la antigua Unión Soviética, fotografiando para la revista National Geographic y para el libro Journey Across Russia. Ese esfuerzo ganó una citación de excelencia del Overseas Press Club y el premio World Understanding de la Universidad de Missouri, del National Press Photographers Association  (NPPA) y de Nikon.

Fue nombrado Newspaper Photographer of the Year tres veces durante los años 50 y Magazine Photographer of the Year en el concurso Pictures of the Year de 1962. También recibió el premio  José A. Sprague Memorial de la NPPA en 1987.

Estuvo como director auxiliar de la división de fotografía de National Geographic, y dirigió más adelante su división de servicios audiovisuales. Se retiró en 1989 de National Geographic y vive en Durango, Colorado, con su esposa, Lee.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Jakob Tuggener

Jakob Tuggener fue un pintor, cineasta y fotógrafo suizo (nacido en 1904 en Zúrich y fallecido en 1988) de gran personalidad, que, influenciado por el cine expresionista alemán de los años 20, desarrolló un estilo poético fuertemente expresivo que se convirtió en un modelo para muchos fotógrafos jóvenes después de la Segunda Guerra Mundial, influyendo en una generación entera de fotógrafos suizos.

 

 

© Jacob Tuggener

© Jacob Tuggener

 

Biografía

Comenzó a hacer fotografía en 1926. En 1934 comenzó un proyecto de treinta años de fotografiar bailes de sociedad y de la ópera en Zúrich, St. Moritz y Viena. Al contrario que otros fotógrafos que registraron los eventos de una manera periodística, Tuggener hizo fotografías muy personales que reflejaron su adoración por las mujeres elegantes y su fascinación por la vida nocturna de la alta sociedad.

En los temas principales de su trabajo fotográfico: trabajo en fábricas, la sencilla vida rural simple y las fiestas magníficas de la alta sociedad, preparó un gran número de maquetas de libros listas para publicar, pero solamente encontró a un editor para Fabrik, que tampoco se vendió mucho, aunque ha llegado a ser un icono de los libros de la fotografía.

Sus trabajos también aparecieron en la famosa revista suiza de fotografía Camera, en su periodo más floreciente, la postguerra, junto con los de Gotthard Shuh, Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, Bill Brandt y Robert Frank (que fue muy influenciado por él).

Tuggener fue presentado por Otto Steinert, en la exposición “Fotografía sujetiva” de 1951/53  y sugerido por Robert Frank a Edward Steichen para la exposición “Fotografía Europea de la posguerra” y la exposición y posterior libro “Family of Man” en 1953/55.

El Helmhaus de Zúrich le dedicó una retrospectiva en 1974.

Tuggener dejó un trabajo de toda su vida inmenso y prácticamente sin tocar: más de 60 maquetas de libros de fotografía, millares de fotografías y de trabajos impresos, centenares de diapositivas de color, dibujos, acuarelas, pinturas al óleo y más de 20 películas mudas.

Olvidado hasta cierto punto, actualmente su obra ha vuelto a la vida, formando parte de numerosas exposiciones sobre fotógrafos y fotografía suiza.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Mitsuaki Iwago

Mitsuaki Iwagō es un fotógrafo japonés (nacido el 27 de noviembre de 1950 en Tokio) reconocido mundialmente por su fotografía de animales salvajes.

 

 

(c) Mitsuaki Iwago

(c) Mitsuaki Iwago

 

Los animales sienten la órbita del sol y la rotación de las estaciones en su piel. Son receptores puros de la energía de la Tierra.

 

 

 

Biografía

Hijo de Tokumitsu Iwagō, un reconocido fotógrafo de fauna salvaje, después de graduarse en la Universidad Hosei, fue como ayudante de su padre a las Islas Galápagos y allí decidió convertirse en fotógrafo.

Desde entonces ha fotografiado incontables lugares por todo el globo. Sus hermosas fotografías han inspirado la imaginación de otros muchos fotógrafos y le han conseguido un reconocimiento internacional.

Su trabajo Umi kara no tegami (Cartas desde el mar) ganó el premio Kimura Ihei en 1979 y le permitió dedicarse a tiempo completo a la fotografía.

Enamorado de África llegó a trasladar a su familia allí. Su libro sobre el Serengeti es un bestseller mundial.

También fue el primer fotógrafo japonés en conseguir dos portadas en National Geographic. Utiliza material Olympus y actualmente da charlas para la Olympus Corporation.

Su particular uso de los colores y del contraste han creado un estilo, llamándolos los “colores de Iwago”. Sus imágenes advierten al mundo de los rápidos cambios en el medio ambiente y su impactos.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Sandra Bartocha

Sandra Bartocha es una fotógrafa alemana (nacida en 1980 en Neuendorf, Neubrandenburg, vive en Potsdam) que realiza fotografía de naturaleza y de viajes. Le gusta la naturaleza, el mar y los árboles.

 

(c) Sandra Bartocha

(c) Sandra Bartocha

 

 

Biografía

Como hija de fotógrafo se interesó en fotografía muy temprano. Mientras que estudiaba Media y Literatura Inglesa en la Universidad de Potsdam trabajó como ayudante para un fotógrafo de estudio, pero pronto comprendió que éste no era su mundo.

Por su pasión por el aire libre y la naturaleza pronto se especializó en fotografía de paisajes locales: costa, bosques y flores. Su objetivo principal es crear imágenes que interpreten una escena de una manera artística y estética evocando emociones en lugar de documentar simplemente una escena bonita.

En 2007 comenzó a dedicarse a la fotografía a tiempo completo y fue elegida vicepresidente de la GDT (Asociación Alemana de Fotógrafos de Fauna). Desde 2008 es el principal redactor de la revista GDT Forum Naturfotografie.

Ha participado con éxito en competiciones internacionales de fotografía como GDT EWPY, ASFERICO, Glanzlichter y ha ganado dos veces la competición 100 imágenes del año del GfF en 2006 y 2007. Sus imágenes aparecen regularmente en postales y calendarios así como en revistas dedicadas a la fotografía de la naturaleza.

También forma parte del colectivo Nature Photo Blog.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Die Fotoschule in Bildern. Naturfotografie
  • Müritz-Nationalpark: Hommage an eine Landschaft
  • Farbklang Wildnis – Impressionen aus dem Müritz-Nationalpark
  • Großartige Fotografen und ihre Leidenschaft: Edition Artepictura 2011
  • Wild Wonders of Europe: UNBEKANNT, UNERWARTET, UNVERGESSLICH
  • Wilde Wälder in Europa
  • Nordische Momente: Tiergeschichten aus Taiga und Tundra
  • Natur und Tiere fotografieren: Mit dem Naturfotografen unterwegs
  • Portfolio 20. Wildlife Fotografien des Jahres
  • Portfolio 21. Wildlife Fotografien des Jahres

Van Deren Coke

Van Deren Coke fue un autor, escultor, coleccionista de arte, educador, director de museos y fotógrafo estadounidense (nacido el 4 de julio de 1921 en Lexington, Kentucky, y fallecido en 11 de julio de 2004 en Albuquerque) que unió a su fotografía experimental y alternativa una labor educadora y de comisariado acercando y divulgando la fotografía en Nuevo México.

 

Three Graces, 1969 (c) Van Deren Coke

Three Graces, 1969 (c) Van Deren Coke

 

Los artistas están interesados en las fotografías como fuentes de ideas para su trabajo. De donde  vienen y cómo se hacen es de poco interés para ellos.

Como las posibilidades de la fotografía directa parecen haberse agotado, han sido los fotógrafos que conocen la historia del arte, no simplemente la historia de la fotografía, los que han marcado las direcciones importantes para el futuro.

 

 

 

Biografía

Frank Van Deren Coke, nativo de Lexington, Kentucky, comenzó con la fotografía a los 15 años, trabajando un tiempo como asistente de Ansel Adams en Carmel, California. Pero Coke estaba más interesado en el trabajo de Edward Weston y posteriormente de Paul Strand.

Entró en la Universidad de Kentucky en 1939 y fue a cursos de verano en la Clarence White School, Nueva York.

En la II Guerra Mundial estuvo en la marina americana, primero como oficial de inteligencia y después como oficial de artillería en un destructor de escolta en el Atlántico y más adelante como oficial al mando de un LST (barco de desembarco de tanques) en el Pacífico, incluyendo la campaña de Okinawa.

Abandonó el negocio familiar, Van Deren Hardware, para dedicarse al arte. Obtuvo su M.F.A. en Historia del Arte y Escultura en la Universidad de Indiana en 1958, y más adelante fue profesor adjunto de Historia de Arte y de Fotografía en la Universidad de Florida.

Fue director fundador del Museo de Arte de la Universidad de Nuevo México en 1970 y de 1971 al 72 fue director de la George Eastman House.

Tras ver una exhibición de Coke en Nueva York en 1973, Joel Peter Witkin se apuntó a la Universidad de Nuevo México.

Sus primeras obras particularmente estaban en la tradición purista de sus mentores Ansel Adams y Edward Weston. Fotografiaba temas sencillos como proas del barco, portales o desnudos con un acento en el diseño abstracto, y después al imprimirlas ponía en evidencia la gama tonal completa del negativo.

En los años 60 comenzó a trabajar en un estilo surrealista, usando negativos del siglo XIX como elemento de sus fotos y de manipulando sus impresiones en el cuarto oscuro. Los resultados eran fotografías con un sentido fuerte del diseño gráfico, a menudo con algunos elementos reconocibles: árboles espectrales, manos, fotos viejas.

Reconocido como historiador de arte, obtuvo una beca Guggenheim en 1975 y una Fulbright en 1989.

Desde 1979 hasta 1987, fue el director del departamento de fotografía del Museo de Arte Moderno de San Francisco. Emprendió un programa agresivo de compras de obra, ampliando el foco para incluir imágenes altamente experimentales, de diseño, producidas en Alemania, Francia y Checoslovaquia. También compró trabajos importantes de fotógrafos conocidos tales como Bill Brandt, Brassai, Laszlo Moholy-Nagy, Man RayAugust Sander, doblando casi el tamaño de la colección del museo durante su mandato.

Tras su retiro se trasladó a Santa Fe, donde escribió, dio charlas y continuó haciendo de comisario en muestras de fotografía.

 

 

Referencias

 

 

Libros

David Hurn

David Hurn es un fotógrafo inglés, de origen galés (nacido el 21 de julio de 1934 en Redhill, Surrey, Inglaterra, vive y trabaja en Gales) fotógrafo documental y miembro de Magnum Photos.

 

 

(c) David Hurn

(c) David Hurn

La vida como se revela delante de la cámara está tan llena de complejidad, de maravillas y de sorpresa que encuentro innecesario crear nuevas realidades. Hay más placer, para mí, en las cosas tal como son.

La fotografía documental es la presentación o la representación de un hecho real de una manera que lo haga creíble y vivo a una audiencia en este tiempo.

Cuando una madre hace una fotografía de un bebé (la fotografía de un bebé es seguramente el tipo de fotografía documental más recurrente) hay una gran probabilidad de que los miembros de su familia reconozcan al niño. Por supuesto que es posible que no puedan hacerlo. Pero es más probable reconocer al niño por una fotografía que mirando una pintura o leyendo una descripción escrita.

Es importante tener el equipo correcto para el propósito en curso y que sea compatible con su propia personalidad. ¡Es posible insertar un tornillo con un martillo pero el trabajo es mucho más eficiente con un destornillador, preferiblemente uno motorizado!

Un fotógrafo no debe sólo caminar por las calles sino que debe caminar mucho, con un propósito; así que el equipo más importante después de la cámara son unos buenos pares de zapatos. Un escritor puede hacer mucho trabajo sin salir de una habitación pero un fotógrafo tiene que estar allí, así que le espera un infierno de salidas.

Los fotógrafos no deben poner sus fotos en una caja debajo de sus camas y ser los únicos que las vean. Si ponen la película en sus cámaras se presupone que quieren capturar lo que ven y mostrarlo a alguien diferente. La fotografía es comunicación.

Como una guía general yo diría que para un ensayo de 7 fotos yo tiraría de 20 a 30 carretes de 36 fotogramas de 35mm. Una imagen con calidad de exposición solo ocurre probablemente cada 100 películas. Es lo que hay.

Aprende de los mejores, los demás no tienen nada que ofrecer.

 

 

 

Biografía

Hurn es un fotógrafo autodidacta. Comenzó su carrera en 1955 trabajando para la agencia Reflex.

Se ganó su reputación como periodista fotográfico por su documentación de la revolución húngara de 1956, que fue publicada en Life Magazine, Picture Post, The Observer y otros periódicos.

A principios de los 60, trabajó como fotógrafo de moda en Londres, París y Nueva York. Sus fotografías para Voge y Harper incluyeron a “algunas de las mujeres más hermosas del mundo”.

En 1963, encargado por los productores de las películas de James Bond para realizar una serie de fotografías con Sean Connery y las actrices de Desde Rusia con amor. Como no llegó a tiempo la pistola Walther PPK, Hurn utilizó su propia pistola de aire Walther LP-53, convirtiéndose ésta en un símbolo de James Bond en muchos posters de esta serie de películas.

En 1965 entró en Magnum y se convirtió en miembro de pleno derecho en 1967.

En 1967 Dino de Laurentis le contrató para fotografiar en Roma a Jane Fonda haciendo Barbarella.

En 1972, se trasladó al País de Gales, donde había pasado parte de su niñez, y en 1973 fundó la School of Documentary Photography en Newport, Gales. Dirigió la escuela hasta 1990, cuando se retiró para volver a una vida como fotógrafo a tiempo completo, trabajando en proyectos personales.

También se apartó del fotoperiodismo documental, dando una aproximación más personal a la creación de la imagen.

Su libro País de Gales: La tierra de mi padre ilustra los aspectos tradicionales y modernos del País de Gales.

Ha obtenido los premios:

  • 1995, Arts Council of Wales Bursary
  • 1993/94, Bradford Fellowship
  • 1987/88, Imperial War Museum Arts Award
  • 1979/80, U.K./USA Bicentennial Fellowship
  • 1975, Kodak Social Photographic Bursary
  • 1971, Welsh Arts Council Award.

Sus obras forman parte de colecciones de, entre otros museos: British Council, Londres, Bibliothèque Nationale, París, Galerie du Château d’Eau, Toulouse, International Center of Photography, Nueva York, University of New Mexico, Albuquerque, National Library of Wales, Aberystwyth, …

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Melitón Rodríguez

Melitón Rodríguez fue un fotógrafo colombiano (nacido en Medellín, Colombia, en 1875 y fallecido en 1942) cuyo nombre está asociado al desarrollo de la fotografía en Colombia entre finales del siglo XIX y principios del siglo XX y que dejó un valioso material gráfico de importancia cultural, social e histórica. Sus obras son auténticas composiciones artísticas y se preocupó por retratar la cotidianidad de todos los estratos sociales de Medellín y Antioquia.

 

Los zapateros (c) Melitón Rodríguez

Los zapateros (c) Melitón Rodríguez

 

 

Biografía

Luis Melitón Rodríguez Márquez, hijo de Melitón Rodríguez Roldán, tallador de mármol y lápidas, en 1885 tomó lecciones de dibujo y pintura en el taller del pintor Francisco Antonio Cano, con quien tuvo una gran amistad.

A los diecisiete años, en 1892, comenzó a trabajar la fotografía en compañía de su hermano Horacio Marino. “Rodríguez y Jaramillo” fue inicialmente un taller familiar de fotografía y pintura: Horacio Marino era el fotógrafo, Melitón y su hermana Rafaela retocaban negativos, y Ernesto Martínez trabajaba de ayudante.

Se presume que los dos hermanos aprendieron la técnica fotográfica con su tío Ricardo Rodríguez Roldán, de quien se dice que fue ayudante de fotografía en París en la década de 1860.

La Fotografía Rodríguez se estableció de manera independiente en 1897. Horacio Marino se dedicó a la arquitectura y el estudio quedó a cargo de Melitón, que asumió toda la responsabilidad de la empresa fotográfica con 22 años. Desde los 14 había estado vinculado al estudio y conocía todos los secretos del oficio, adquiridos por las enseñanzas de su hermano y por la práctica cotidiana del oficio. Trabajó en él hasta 1938, cuando se retiró.

Melitón Rodríguez participó en distintas exposiciones artísticas durante su carrera y obtuvo varios premios, entre los que se destaca el que ganó en Nueva York en 1895 por su foto Los zapateros. A lo largo de su vida llevó un diario personal y de trabajo donde registró ensayos con distintos procedimientos y analizó y juzgó su labor minuciosamente.

Además de sus trabajos personales, fue un precursor en la fotografía publicitaria: a principios del siglo realizó un contrato con cigarrillos Hidalgos, Cóndor y Victoria para producir mil copias fotográficas diarias, las cuales venían dentro de las cajetillas de cigarrillos para coleccionar.

Prestó atención tanto a los aspectos estéticos, tales como la iluminación y la composición, como a la experimentación con productos químicos y técnicas novedosas para su época. Incluso fabricó algunos instrumentos, entre ellos una ampliadora de formato grande, única en su género.

Puede decirse que la mayor parte de la sociedad de Medellín de las primeras cuatro décadas del siglo xx pasó por el estudio de Rodríguez. Matrimonios, efemérides personales o familiares quedaron registradas en su archivo.

Realizó también fotografías artísticas, donde la evocación y la alegoría se hacen presentes. Viajó por diversos pueblos de Antioquia y captó escenas de los municipios y vistas panorámicas, que hoy constituyen, junto con las demás piezas de su vasta obra, documentos esenciales de la historia de Antioquia y, en particular, de Medellín y sus gentes.

Fotografía Rodríguez se mantiene aún activa, aunque el estilo cambió sustancialmente, se perdió lo artístico y solo se trabajó una fotografía comercial como la hacían los demás estudios de Medellín, gracias a los descendientes del fotógrafo, que conservaron su organizado archivo de más de 80 000 negativos (aunque se han perdido gran cantidad del material en acetatos que se ha deteriorado a través del tiempo) hasta 1995 en que este archivo fue adquirido por la Biblioteca Pública de Medellín.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Henry Holmes Smith

Henry Holmes Smith fue un fotógrafo estadounidense (nacido en 1909 en Bloomington, Illinois, y fallecido en 1986 en San Rafael, California) seguidor de la corriente de la Bauhaus y conocido principalmente por su labor de profesor de fotografía.

 

 

© Henry Holmes Smith

© Henry Holmes Smith

 

Hasta cierto punto, los seres humanos que crean arte no necesitan que les digan lo que se supone que hacen.

La luz más brillante hace la marca más negra.

Alguien dijo recientemente que la mejor cosa que un estudiante podría hacer era conseguir algunas exhibiciones y publicar un libro, pero no dijo nada sobre ser un ser humano, nada sobre tener importantes sentimientos o conceptos de humanidad. Esto es mala educación. Debo ser un ser humano primero y si además hago fotografía, eso es bueno para la fotografía.

La gente está compitiendo para ganar en un juego que el juego del perdedor. El juego es tener mejores imágenes rutinarias que cualquiera que haga imágenes rutinarias. Si usted quiere ver cómo son las imágenes rutinarias, tan solo tiene que ojear el portafolio de cualquier estudiante.

Pienso que control es la palabra incorrecta. Lo diría de esta manera. Usted ve una muchacha encantadora en una habitación abarrotada y camina hacia ella con la esperanza en su mente. Ésa es la manera en que hago mis fotografías.

 

 

Biografía

Compró una cámara a un compañero de colegio y comenzó a revelar y positivar su propia película. Se graduó en 1933 en la Universidad del Estado de Ohio. Su dedicación a la fotografía vino de la New Vision de Moholy-Nagy y de las fotografías de Francis Bruguiere.

En 1937 montó su cuarto oscuro en Bloomington, comenzó un trabajo intensivo sobre la impresión de la transferencia entintada y desarrolló una teoría de la síntesis tricolor de objetos descoloridos. Ayudó a planificar la instalación de la fotografía en el New Bauhaus de Moholy-Nagy (actualmente Institute of Design) en Chicago y enseñó allí hasta que se cerró en 1938.

Después de la Segunda Guerra Mundial donde sirvió en las Islas Gilbert e Iwojima estuvo varios años enseñando en la Universidad de Indiana. Algunos de sus alumnos fueron Jerry Uelsmann, Jack Welpot, Robert W. Fichter, Betty Hahn y Ralph Eugene Meatyard.

La experimentación formó parte de su trabajo fotográfico, lo que podría deberse en parte a que se inició como pintor. En 1931 ya empezó a experimentar con la fotografía realizada con flash a altas velocidades. En 1936 comenzó a emplear técnicas para obtener fotografías artísticas en color como los procesos de transferencia de color múltiple. Posteriormente realizó fotografías sin utilizar la cámara, empleando sólo la luz en lo que llamó «abstracciones de luz (Ligth Abstraction)».

Su trabajo fotográfico no ha tenido un gran reconocimiento a pesar de que a él se le considera un gran maestro de la fotografía.

Se jubiló en 1977 como profesor emérito, y se trasladó a Incline Village, Nevada, continuando con la experimentación del color y la escritura. Pero era demasiada nieve y se trasladó a San Rafael, California, donde murió en marzo de 1986.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Ralph Eugene Meatyard

Ralph Eugene Meatyard fue un óptico y fotógrafo estadounidense (nacido el 15 de mayo de 1925 en Normal, Illinois, y fallecido el 7 de mayo de 1972) interesado en lo extraño y lo simbólico, con raros contenidos y una puesta en escena (niños enmascarados, muñecos mutilados, casas abandonadas) respondiendo siempre a una sesuda reflexión intelectual.

 

(c) Ralph Eugene Meatyard

 

 

Trabajo en varios grupos diferentes de imágenes que actúan unas con otras, pasando por varias maneras abstractas a una forma de lo surreal. He sido llamado predicador, pero en realidad soy generalmente más filosófico. Nunca he realizado una fotografía abstracta sin contenido. Un educado fondo Zen influencia todas mis fotografías.

 

 

Biografía

Tras la guerra se casó con Madelyn McKinney y se trasladó a Lexington, Kentucky, trabajando como óptico en Tinder-Krausse-Tinder que también vendía material fotográfico. Sus dueños eran miembros activos del Lexington Camera Club.

Con el nacimiento de su primer hijo, con 25 años, se compró una cámara para hacerle fotos. En 1954 se unió al Lexington Camera Club y a la Photographic Society of America. En el club se encontró con Van Deren Coke que sería una gran influencia en sus trabajos y con el que realizó la exhibición Creative Photography en 1956.

La experiencia le gustó y a mediados de los 50 asistió como alumno para perfeccionar su técnica a algunos talleres de verano cuyos profesores eran Minor White (que también le introdujo en el zen) y Henry Holmes-Smith ( del que aprendió a experimentar y a no tenerle miedo al riesgo).

Continuó con su trabajo fotográfico, generalmente en los días de fiesta, en su cuarto oscuro en su casa, hasta su muerte en 1972. Su acercamiento a la fotografía era improvisado e influenciado muy fuertemente por la música de jazz de su tiempo.

Aunque vivió durante toda su corta vida dentro de unos patrones bastante normales (entrenador del equipo de beisbol del colegio, directivo de la asociación de padres), cuando hacía fotos no era precisamente tradicional: reclutaba a sus hijos y amigos y los metía en bosques o edificios abandonados, enmascarándolos de tétricos animales humanoides, retrataba a muñecos mutilados, escenificaba escenas que, decía, nacían de sus sueños en vigilia.

Como otros fotógrafos como Henry Holmes Smith y Harry Callahan, produjo mucho trabajo altamente experimental, incluyendo exposiciones múltiples, movimientos deliberados de la cámara, luces sobre el agua y sobre todo imágenes desenfocadas, creando un estilo propio “Sin foco”.

Con su temprana muerte en 1972, una semana antes de cumplirlos  47 años, tuvieron que ser sus amigos y colegas quienes terminaran una monografía de Meatyard para Aperture y publicaran The Family Album of Lucybelle Crater (1974) que había preparado antes de su muerte.

Mientras que vivió su trabajo fue mostrado y coleccionado por museos importantes, publicado en importantes revistas de arte, y considerado por sus pares como un fotógrafo de lo más original y perturbador. Hizo exhibiciones con fotógrafos como Edward Weston, Ansel Adams, Minor White, Aaron Siskind, Harry Callahan, Robert Frank y Eikoh Hosoe. Pero hacia final de los 70, sus fotografías empezaron a aparecer solamente en exposiciones del arte “sureño” y tras su muerte sus fotografías se fueron olvidando hasta la última década, en que gracias principalmente a los críticos europeos, ha emergido el interés por su personal obra, empezando a entenderla y a apreciarla, siendo reivindicado como precursor de las corrientes tenebristas y sicológicas tan en boga desde comienzos del siglo XXI. Una antología de su obra, Dolls and Masks (Muñecas y máscaras) se expone en el Museo De Young de San Francisco.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Peter Essick

Peter Essick es un fotógrafo estadounidense (vive en Stone Mountain, Georgia) cuyas fotografías, además de documentar el impacto del desarrollo humano en la naturaleza y los aspectos medioambientales, son capaces de revelar los aspectos emocionales y espirituales de la naturaleza.

 

 

Kitka River, Finland, 2009 (c) Peter Essick

 

 

Biografía

Peter estudió empresariales en la Universidad de California del Sur y tiene un master en fotoperiodismo por la Universidad de Missouri. Cree que un periodista fotográfico debe poseer el ojo de un diseñador, la curiosidad inquisitiva de un antropólogo y la visión personal de un artista.

Ya desde sus estudios en la Universidad de Missouri y durante los últimos 25 años ha trabajado como fotógrafo freelance para clientes como la revista National Geographic, donde ha publicado más de 30 artículos sobre temas muy diversos.

Ha viajado por los 7 continentes y por todos los estados de EEUU recogiendo historias, siguiendo la ruta de la primera cruzada, descendiendo a una mina de diamantes en Botswana, paseando por una selva tropical en Papúa Nueva Guinea o por un rincón solitario del Japón.

Tiene un interés especial en historias sobre la naturaleza y el medio ambiente. Sus fotografías favoritas y, al mismo tiempo más reconocidas, son sobre el Japón interior, las tierras yermas y salvajes de Norte América, el ciclo de carbón, el calentamiento global del planeta y el agua dulce. Su historia sobre residuos nucleares ganó en 2002 un premio World Press Photo.

Además de sus trabajos en National Geographic, sus fotografías también fueron incluidas en la exhibición Photography, Man and the Environment en Viterbo, Italia, y en la Thy Brothers’ Keeper en el Flint Institute of the Arts de Michigan.

En  2005, la revista Outdoor Photographer publicó una historia sobre los esfuerzos de Essick para fotografiar los efectos del calentamiento global.

Sus fotografías se han exhibido por Europa y Estados Unidos y se han incluido en Great Images of the 20th Century de la revista Times y en 100 Best Photographs de National Geographic.

Está representado por Aurora Photos y por Lumiere Gallery en Atlanta.

 

 

Referencias