Nat Farbman

Nat Farbman fue un fotógrafo estadounidense, de origen polaco (nacido en 1907 en Polonia, fallecido en 1988).

 

© Nat Farbman

© Nat Farbman

 

 

Biografía

Con 4 años, su familia se trasladó a los Estados Unidos.

Tras estudiar ingeniería eléctrica en la Universidad de Santa Clara, comenzó a trabajar como fotógrafo freelance.

Durante 15 años trabajó en plantilla para la revista Life y fue considerado uno de sus fotógrafos más versátiles.

 

 

Referencias

Étienne Carjat

Étienne Carjat fue un caricaturista, escritor y fotógrafo francés, (nacido en Fareins, Ain, en 1828 y fallecido en París, el 9 de marzo de 1906), reconocido por sus retratos fotográficos de escritores, artistas y cómicos. Editó la revista Le Boulevard.

 

© Étienne Carjat

© Étienne Carjat

 

 

Biografía

Proveniente de una familia modesta, fue era pintor, poeta y hombre de letras, En 1841, con 13 años, descubrió el dibujo gracias al señor Cartier, fabricante de sederías donde se colocó como aprendiz, bajo las órdenes del dibujante, Sr. Henry. Estuvo allí 3 años.

Aprendió de Pierre Petit la técnica fotográfica y comenzó a trabajar en ello en el año 1860 con la apertura de su estudio fotográfico en París, donde, planteó el retrato fotográfico como una tarea artística ajena a la comercialidad. Trabajaba con fondos grises y sin elementos de decoración, para centrarse en lo realmente importante, el rostro del modelo.

Por su cámara pasaron conocidos personajes de París como políticos (Jules Ferry, Léon Gambetta), escritores (Victor Hugo, Charles Baudelaire, Arthur Rimbaud), pintores (Corot, Courbet, Delacroix, Daumier), actores (Frédérick Lemaître, Sarah Bernardt), sus amigos bohemios y también sus contrarios. Pero, pese a la calidad de sus retratos, fue eclipsado ante la fama alcanzada por Nadar.

En 1871 apoyó a la Comuna de París y publicó poemas políticos en el diario La Commune. En 1875, fundó la revista Le Boulevard que también dirigió. Realizó un importante trabajo de caricaturista, publicado, sobre todo en el periódico Le Diogène del cual fue cofundador.

Su trabajo más famoso es un retrato que hizo de Arthur Rimbaud, en octubre de 1871. Paul Verlaine, Rimbaud y Carjat fueron miembros de Villains Bonhommes, un pequeño grupo creado en 1869. En  1872, en una discusión tuvo lugar durante una cena del grupo, Rimbaud hirió gravemente a Carjat con una vara metálica. Como reacción, éste destruyó la mayoría de las fotografías que había hecho de Rimbaud, quedando sólo ocho en la actualidad.

Dejó una importante colección de caricaturas y fotografías, entre las que algunas de las famosas fotos de Rimbaud han alcanzado grandes sumas en subastas.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Literatura:

  • Croquis biographiques (1858)
  • Les Mouches vertes, satire (1868)
  • Peuple, prends garde à toi ! Satire électorale (1875)
  • Artiste Et Citoyen: Poésies (1883)

Fotografía:

Jeremiah Gurney

Jeremiah Gurney fue un fotógrafo estadounidense (nacido el 17 de octubre de 1812 en Coeymans, Nueva York, y fallecido el 21 de abril de 1895) que realizó daguerrotipos en Nueva York.

 

Jeremiah Gurney

Jeremiah Gurney

 

 

Biografía

Gurney trabajó en joyería en Saratoga, pero pronto trasladó su negocio a Nueva York City y poco después giró a la fotografía, habiendo sido instruido por Samuel Morse (quizás fuera en 2º americano en conocer el proceso del daguerrotipo). Fue uno de los pioneros de este proceso, abriendo la primera galería de fotos americana en Broadway en 1840, y cobrando $5 por un retrato.

Creó retratos notablemente detallados, aprovechando completamente la notable interpretación tonal del proceso del daguerrotipo, que dominaba. Seleccionó a sus clientes en la élite de la sociedad de Nueva York, lo que él llamaba “Personas distinguidas de la época”  y evitaba las figuras políticas y del mundo del espectáculo que eran más proclives a su rival y anteriormente empleado, Mathew Brady. La calidad de los retratos de Gurney pronto le encumbraron como el daguerrotipista más fino de la ciudad.

Sus habilidades fotográficas recibieron numerosos reconocimientos, incluyendo un relato en el Scientific American del 5 de diciembre de 1846.  En los años 40 exhibió sus imágenes en numerosas exposiciones como la American Institute Fair y más adelante en el Crystal Palace de Londres, alcanzando renombre internacional. Su negocio prosperó y en 1858 se construyó un estudio de mármol blanco de tres pisos en el 770 de Broadway para contener su obra.

Gurney desempeñó un papel determinante en la formación de la primera ola de fotógrafos pioneros en los Estados Unidos. Un ejemplo es Mathew Brady, que se hizo un nombre por sus fotografías de la guerra civil. También trabajaron para él A.B. Weeks, Caleb Hunt, el brasileño J.I. Pacheco, T. Hayes, W.A. Perry, Solomon N. Carvalho, A.A.Turner, Samuel J. Miller, …

Adaptándose a las novedades de la técnica fotografía, fue el pionero en los 50 del uso del daguerrotipo mamut, con placas del doble de tamaño, y comenzó a utilizar los procesos de papel casi exclusivamente alrededor 1853.

Gurney se asoció brevemente formando varias sociedades en Nueva York, incluyendo una con su hijo Benjamin de 1860 a 1874.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

O. Louis Mazzatenta

O. Louis Mazzatenta es un fotógrafo estadounidense (vive en Clifton, Virginia) ligado estrechamente a National Geographic durante su larga carrera y que ha realizado fotografía documental, principalmente de arqueología.

 

© O. Louis Mazzatenta

© O. Louis Mazzatenta

 

 

Biografía

Onofrio Louis Mazzatenta estudió periodismo en la Kent State University, y posteriormente un máster en periodismo en la Northwestern University’s Medill School of Journalism.  Posteriormente, trabajó como fotógrafo y editor de fotografía en el Minneapolis Tribune y en otros periódicos del cercano oeste americano.

También estuvo en plantilla en la  U.S. Army Information School. antes de comenzar su carrera de más de 42 años en la revista National Geographic, donde trabajó como editor de fotografía, director de maquetación y diseño, escritor y fotógrafo, entre otros papeles.

Después de jubilarse en 1994, continuó su trabajo editorial y de fotografía. Su primera tarea tras su jubilación fue el lanzamiento de National Geographic Japan, la primera aventura de la sociedad en una lengua no inglesa.

Después de su éxito, se retiró de nuevo, pero a los 2 meses estaba en China, fotografiando las nuevas excavaciones del ejército de terracota de Qin Shi Huangdi en Xi’an. Su reportaje fotográfico, China’s Warriors Rise from the Earth, se publicó en el número de octubre de 1996 de National Geographic.

Después de esto, realizó más trabajos para National Geographic y para otros clientes. Sus trabajos han aparecido en U.S. News & World Report, Time, Newsweek, Ranger Rick y otras publicaciones internacionales. Ha expuesto en España, Nueva York, Italia y otros muchos sitios.

Aunque ha fotografiado por todo el mundo, sus lugares preferidos son China e Italia porque ambos países son ricos en arqueología, un tema que le apasiona. En China, ha fotografiado a los ejércitos de terracota y ha cubierto las dinastías Shang y Han. En Italia, ha fotografiado a las víctimas enterradas por el Vesubio en Herculano, a los etruscos, a la Via Appia, los Bronces de Brindisi y al  arte italiano en peligro de desaparición.

Está orgulloso de forma especial por haber producido y editado la fotografía de los artículos sobre la  restauración de los frescos de Migel Ángel en la capilla de Sixtina del Vaticano.

 

 

 

Referencias

Ruth-Marion Baruch

Ruth-Marion Baruch fue una escritora, poeta y fotógrafa estadounidense (nacida en Berlín el 15 de junio de 1922 y fallecida en 1997) famosa principalmente por sus fotografías del área de la bahía de San Francisco en los años 60, sobre todo las series sobre los Panteras Negras y los hippies de Haight-Ashbury.

 

Eldridge Cleaver © Ruth-Marion Baruch

Eldridge Cleaver © Ruth-Marion Baruch

 

 

Biografía

Nacida en Berlín, sus padres emigraron a los Estados Unidos cuando tenía 5 años. Hija de un neurocirujano, creció en Nueva York City y se licenció en periodismo de la Universidad de Missouri en 1944. En 1946 fue la primera mujer en obtener un master en Fotografía/Bellas Artes  en la Universidad de Ohio, con su tesis Edward Weston: The Man, The Artist and the Photographer.

Se trasladó a San Francisco, continuando su formación en la California School of Fine Arts bajo la dirección de los fotógrafos Ansel Adams, Minor White, Homer Page y Edward Weston. Allí se encontró con el también fotógrafo Pirkle Jones, con el que se casó en 1949.

Durante su carrera, hizo ensayos fotográficos sobre las compras de las mujeres en la Union Square de San Francisco, los hippies en Haight-Ashbury en el Summer of Love de 1967, el Partido de los Panteras Negras y la ciudad de Walnut Grove.

Las fotografías de los Panteras Negras (realizadas junto con su marido Pirkle Jones) fueron mostradas en el Young Memorial Museum en San Francisco y después en el Studio Museum de Harlem, en el Dartmouth College y la en Universidad de California en Santa Cruz.

 

Referencias

 

 

 

Libros

Jitka Hanzlová

Jitka Hanzlová es una fotógrafa checa (nacida en Náchod, República Checa, en 1958) de las más reconocidas en el panorama internacional actual. En su obra busca la esencia de las personas, de la naturaleza y de los objetos, poniendo de manifiesto las relaciones y tensiones que se establecen entre ellos.

 

© Jitka Hanzlová

© Jitka Hanzlová

 

Convivimos con nuestro pasado y nuestra memoria. Vivir en el exilio significa aplastar nuestra memoria; vivir sobre una pierna perdiendo el equilibrio, poniendo nuestra esperanza en el futuro.

El camino que recorro es mirar atrás para ver el futuro.

 

 

Biografía

Nacida en 1958 en la entonces República Socialista de Checoslovaquia, en 1982 se trasladó a la ciudad de Essen, en la República Federal Alemana, huyendo del régimen comunista que gobernaba su país.

Su condición de exiliada ha marcado profundamente su trayectoria artística y su obra se convirtió en una constante indagación sobre las relaciones entre el individuo y el lugar en el que habita y en cómo este último puede determinar una identidad.

Entre 1987 y 1994 estudió Tecnologías de la Comunicación en la Universidad de Essen, especializándose en fotografía. A partir de entonces Hanzlová organiza su trabajo en torno a diferentes series en las que reflexiona sobre sus propias experiencias vitales, y sobre la representación de los lugares y los temas de la Historia del Arte.

Su reconocimiento internacional viene de la mano de sus series Rokytnik (1990-1994), donde retrata el pequeño pueblo checo en el que creció, y Female (1997-2000), donde recopila retratos de mujeres de varios países.

Ha recibido en los últimos años los más importantes galardones en el campo de la fotografía, como:

  • el premio Otto Steinert, en 1993,
  • el European Photography Award en 1995,
  • la beca del DG Bank de Frankfurt en 1996,
  • el Grand Prix de Rencontres d´Arles, en 2003
  • el BMW-Paris Photo Prize for Contemporary Photography en 2007.

Su obra se encuentra en algunas de las colecciones y museos más prestigiosos del mundo, como el MoMA (Nueva York), Museum Ludwing (Colonia), Fotomuseum Winterthur (Suiza), San Francisco Museum of Modern Art, Stedelijk Museum (Ámsterdam), Colección EVN María Enzenrsdorf (Austria) o Colección REFCO (Chicago).

En la actualidad, y hasta septiembre, la Fundación Mafre, ofrece en su sala Azca de Madrid, la mayor retrospectiva internacional de la artista que reúne de manera cronológica nueve de sus series fotográficas con una minuciosa labor de construcción de vínculos entre las actuales y las más antiguas, para ofrecer una lectura coherente de sus últimos veinte años de trabajo. Como curiosidad, todas las fotos que se exponen en este proyecto son de formato vertical. que incluye 142 fotografías, escogidas de sus series:

  • Rokytník (1990-1994) es el pueblo en que creció y en el que aún viven sus
    familiares. Las fotografías nos muestran un mundo melancólico, a la vez propio y extraño, en el
    que intenta atrapar el tiempo perdido.
  • Bewohner (1994-1996). Estas fotografías ponen de manifiesto la soledad, la incomunicación y la pérdida de raíces de una gran ciudad.
  • Brixton (2002). Instantáneas de la capital afrocaribeña de Londres.
  • Forest (2000-2005). Donde el bosque de su infancia cobra todo el protagonismo. Es la vuelta a las raíces, manifestando el lado extraño y siniestro del bosque, al que debía enfrentarse cuando acudía a fotografiar siempre sola.
  • Here (1998, 2008-2010).  La ciudad de Essen muestra la yuxtaposición del ser
    humano y la naturaleza, del desarrollo urbano y el paisaje.
  • Cotton Rose (2004-2006). Trascendiendo del arquetipo, desvela la naturaleza, las personas y la arquitectura del Japón.
  • There is Something I Don’t Know (2000-2012). El rostro muestra las señas de identidad
    distintivas del ser humano.
  • Horses (2007-2012). Fotos que reflejan su especial atracción por los caballos.
  • Flowers (2008-2012). Serie inconclusa, enlaza con la tradición de las naturalezas muertas
    de flores que, a modo de memento mori, recuerdan la caducidad de la vida y la perennidad de la muerte.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Jessica Lange

Jessica Lange es una actriz de cine y fotógrafa estadounidense (nacida en Cloquet, Minnesotta, el 20 de abril de 1949) es una actriz estadounidense, ganadora de dos premios Oscar, además de haber publicado 2 libros de fotografía y ser un embajador humanitario de la UNICEF, especializándose en la epidemia de SIDA en el Congo y Rusia.

 

Tenejapa, Chiapas © Jessica Lange / diChroma photography

Tenejapa, Chiapas © Jessica Lange / diChroma photography

 

Biografía

Jessica Phyllis Lange estudió Bellas Artes en 1967 en la Universidad de Minnesota, que dejó para casarse con el fotógrafo Francisco “Paco” Grande, hijo del científico asturiano Francisco Grande Covián, y viajar por los Estados Unidos como bohemios en una furgoneta. Durante un tiempo antes de divorciarse vivió en España y París, donde permaneció después un tiempo estudiando mimo con Étienne Decroux.

Regresó a Nueva York en 1973 y recibió clases de interpretación mientras trabajaba como camarera y compartía apartamento con Jerry Hall y Grace Jones en Manhattan. Fue descubierta por el ilustrador de moda Antonio López y trabajó brevemente como modelo.

En 1976, el productor Dino De Laurentiis la descubrió y contrató para protagonizar el remake de King Kong, película con la cual comenzó y casi terminó su carrera, debido a las duras críticas que recibió. Sin embargo, tras su actuación en el remake de Bob Rafelson de El cartero siempre llama dos veces en 1981, las críticas cambiaron totalmente y pudo continuar trabajando como actriz, haciendo papeles principales en películas icónicas y ganando dos Premios de la Academia (Oskar) a la mejor actriz por sus papeles en Tootsie, en 1983, y Blue Sky, en 1995.

A comienzos de los años 90 (cuando Sam Shepard, su tercer marido, le regaló una Leica M6) Jessica volvió a sus hazañas fotográficas otra vez.

Sus imágenes se realizan principalmente en sus viajes y su cámara ha capturado escenas en EEUU, Francia, Finlandia e Italia, pero tiene predilección por México, por sus “luces y noches maravillosas”.

En 2008, Lange publicó su propia colección de fotografías en blanco y negro 50 Photographs con una introducción especial de Patti Smith.

Una exposición de su trabajo, junto con una serie de sus películas, fue presentada en el museo internacional más antiguo de fotografía y de cine, la George Eastman House, después de lo cual Lange fue premiada con el primer George Eastman House Honors Award en 2009.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Sergio Scabar

Sergio Scabar es un fotógrafo italiano (nacido en 1946 en Ronchi dei Legionari, Gorizia, donde vive y trabaja actualmente) que emplea un laborioso método para crear impresiones únicas, determinadas por su ratio bien equilibrado entre química y sensualidad.

 

Silenzio di luce, 2006 © Sergio Scabar

Silenzio di luce, 2006 © Sergio Scabar

 

 

… en mis fotografías mis referencias nunca deben ser obvias ni reconocibles fácilmente; lo que ocurrió antes de la captura y lo que podría suceder después debería seguir siendo un misterio. Quiero que las imágenes que yo propongo sean como una vaga intuición, como algo futurible, como una mirada prolongada …

 

 

 

Biografía

Comenzó a interesarse por la fotografía en 1964. De 1966 a 1974 participó frecuentemente en concursos nacionales e internacionales utilizando la fotografía como un medio para contar cosas, como reportaje.

Poco a poco, en los años 80, su obra fue cambiando sustancialmente, desapareciendo la figura humana y concentrando su interés en la naturaleza, sublimando el aspecto material y conceptual. Con su serie El teatro de las cosas, en 1996 comenzó un proceso alquímico a la sal de plata “ejemplar único

Un método de trabajo artesanal emerge principalmente con respecto a la obra precedente: hay contacto con los materiales, volver al método, la meticulosidad y el tiempo, la calibración del detalle en los tonos bajos, la utilización de las reacciones químicas y sensoriales, unido todo ello en la búsqueda de la esencia de la creatividad.

A partir de un simple disparo, Sergio Scabar crea obras de arte únicas con su uso de una técnica de impresión que es misteriosa y alquímica. Sus trabajos son el resultado de una serie elaborada de procesos manuales, sólo aparentemente tradicionales, en los cuales el negativo expuesto se transforma lentamente. La suya es una elaboración de la realidad que revela un mundo hecho de sombras: luces muy tenues y sombras profundas. Todo ello forma parte de la investigación paciente, lenta y poética del artista.

Las imágenes que crea son hechas exclusivamente con medios fotográficos, sin ninguna modificación pictorialista ni digital adicional. El artista busca alcanzar un equilibrio entre los materiales sensibles a la luz, los productos químicos, el papel y el agua para acentuar el brillo, la sombra y la forma. Este contacto directo con los materiales es fundamental para Scabar, porque incorpora su concepto del deseo de trabajar solamente con los métodos tradicionales y meticulosos de la fotografía clásica.

La singularidad posterior de cada fotografía es acentuada por el variado y distinto marco que Scabar crea personalmente para sus imágenes.

En 2003 recibió el premio Friuli Venezia Giulia Fotografia.

Sus más recientes exhibiciones en solitario:

    • 2011 Cidinors, Museo Etnografico del Friuli, Udine
  • 2011 Nel silenzio delle cose, Galleria Sottopasso della Stua, Padova
  • 2008 Silenzio di luce, LipanjePuntin artecontemporanea, Roma

 

  • 2008 Silenzio di luce, Centro Arti Visive La Castella, Motta di Livenza
  • 2007 Silenzi di luce, Associazione Culturale Acanto, Bertinoro

 

  • 2007 Silenzi di luce, Artestudio clocchiatti, Udine

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Silenzio di Luce
  • Cidinors

Miguel Rio Branco

Miguel Rio Branco es un artista multidisciplinar y fotógrafo brasileño (nacido en 1946 en Las Palmas de Gran Canaria, España, vive en Rio de Janeiro, Brasil) que realiza fotografía documental con una gran carga poética. Sus trabajos se caracterizan por el tratamiento de la superficie de las imágenes y por la utilización de colores fuertes, provenientes de la pintura.

 

 

© Miguel Rio Branco

© Miguel Rio Branco

 

 

Mi trabajo tiene mucha conexión con la piel, porque ella es la superficie que nos conecta con este mundo, tanto en el placer como en el dolor. Ella es un diálogo entre exterior y el interior, una separación y al mismo tiempo una conexión.

Desde el principio, he confiado siempre en el entrecruzamiento. Pintar me llevó a la fotografía. Dibujar al collage. La fotografía al cine. La música a la poesía. La poesía a la instalación. Todos estos encuentros son encrucijadas en la búsqueda de la comprensión y expresión de mí mismo en relación con el mundo.

 

 

Biografía

Su padre era diplomático, por ello Miguel da Silva Paranhos do Rio Branco nació en las Islas Canarias y durante su infancia estuvo viviendo en Portugal, Suiza, Brasil y Estados Unidos.

En 1966 realizó estudios en el Instituto de Fotografía de Nueva York y en 1968 en la Escuela Superior de Diseño industrial de Rio de Janeiro. Comenzó dedicándose a la pintura y en 1974 realizó una exposición de sus cuadros en Berna ya que residía en Suiza en esa época. También colaboró en producciones cinematográficas sobre todo como director de fotografía (unos 30 cortos y largometrajes) y dirigió unos 10 cortos.

Tras unos inicios en los que simultaneó la pintura y la fotografía, se decantó pronto hacia este último medio. Su primer éxito profesional le llegó en 1972, gracias a un reportaje sobre la prostitución en El Salvador. De vuelta a la capital carioca, en 1985, retomó nuevamente su faceta de creador plástico y comenzó a realizar tanto fotografías y proyecciones como collages e instalaciones.

Su trabajo más conocido es el que le vincula a su labor como corresponsal de la agencia Magnum en Latinoamérica a partir de 1980. Comenzó a colaborar con la agencia Magnum en 1980 y en 1982 se convirtió en corresponsal pero no ha llegado ser miembro de la misma.

Sus imágenes tratan las duras condiciones de vida en Sudamérica, pero desbordan los límites del reportaje periodístico para adentrarse en el reino de lo poético y lo conceptual. Desde el punto de vista del estilo, su gusto por los colores oscuros e intensos y su uso acentuado del claroscuro imprimen a sus imágenes cierto aire caravaggiesco. Ha recibido numerosos premios periodísticos, entre los que destaca el Premio Kodak de la Crítica Fotográfica en 1982.

A partir de la bienal de São Paulo de 1983 comenzó a realizar instalaciones espaciales combinando fotografías y música buscando una especie de poesía documental.

Partiendo de imágenes tomadas en 1979 en Pelourinho realizó un cortometraje titulado Nada me llevaré cuando muera, a aquellos que me deben les cobraré en el infierno que el autor considera un documental poético.

Sus fotografía han sido publicadas en revistas de todo el mundo como Stern, National Geographic, Geo, Aperture, Photo Magazine, Europeo, Paseante, …

Su obra forma parte también de colecciones públicas y  privadas europeas y americanas, como  Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro; Museu de Arte Moderna de São Paulo; Museu de Arte de São Paulo; Centro George Pompidou, París; San Francisco Museum of Modern Art; Stedelijk Museum, Ámsterdam; Museum of Photographic Arts of San Diego y Metropolitan Museum of New York.

Exposiciones individuales más recientes:

  • 2010 Novas obras. Museo Inhotim. Brumadinho, Brasil.
  • 2009 Divulgaçoes de un Delirante. Silvia Cintra Galeria. Ipanema. Brasil
  • 2008 Dislecsia. Casa de América. Madrid. España
  • 2008 Floating Darkness, Chochouin Buddhist Temple Gallery, Tokyo, Japan.
  • 2008 Amarrando Piedras. Galeria Oliva Arauna. Madrid. España

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Louis-Désiré Blanquart-Evrard

Louis Désiré Blanquart-Evrard fue un fotógrafo y editor francés (nacido en Lille el 2 de agosto de 1802 y fallecido el 28 de abril de 1872) conocido por inventar el procedimiento de la copia a la albúmina.

 

© Louis Désiré Blanquart-Evrard

© Louis Désiré Blanquart-Evrard

 

 

 

 

Biografía

Después de trabajar primero para una compañía de tabaco, comenzó a estudiar química bajo la tutela de Frederic Kuhlmann, y se convirtió rápidamente en el ayudante de laboratorio de su instructor. Durante este aprendizaje, combinó su interés en el arte con la ciencia, y estuvo particularmente interesado en técnicas de pintura en porcelana y marfil.

Después de casarse con la hija de un prominente comerciante textil de Lyon y convertirse en comerciante de ropa, en la década de 1840 se empezó a interesar por la fotografía. Estudió el calotipo y en 1847 fue el primero en difundir este procedimiento en Francia. Desarrolló un método de bañar el papel en soluciones de yoduro de potasio y de nitrato de plata en lugar de poner con pincel estos baños químicos en la superficie del papel.

En 1850 desarrolló y publicó la técnica de la copia en papel a la albúmina, que alcanzó pronto un gran éxito. Presentó su invento en la Academia de Artes de París el 27 de mayo de 1850.

En 1851 fundó cerca de Lille la Imprimerie Photographique, una editorial de arte a gran escala, que difundió las imágenes de otros fotógrafos franceses, como Hippolythe Bayard, Charles Marville, Le Secq, John Stewart  o Auguste Salzmann, en grandes álbumes fotográficos. Produjo hasta 24 álbumes de fotografía usando 550 negativos de los mejores fotógrafos de la época. La producción total de esta empresa pionera fue de unas 100.000 impresiones. Su presentación lujosa acentuó los paralelos entre la fotografía y la impresión artística tradicional. Fue también autor de varios libros de historia y arte sobre la fotografía.

Sin embargo, a pesar de su gran éxito profesional, su negocio sufrió una intensa competencia sufriendo los frenéticos avances fotográficos de este período. También, el público no era particularmente receptivo a sus mejoras debido al alto coste asociado a sus procesos. Las litografías, aunque inferiores en calidad, eran más baratas. A pesar de la baja de sus precios a mitad, tuvo que cerrar su empresa en 1855.

En 1854 fue miembro fundador de la Sociedad Francesa de Fotografía.

Con el fotógrafo inglés Thomas Sutton, abrió el Establishment for Permanent Positive Printing en Jersey en 1855, pero también se cerró al cabo de 2 años.

Fundó la revista Photographique Notes.

Blanquart-Evrard dedicó sus últimos años al estudio de la fotografía de color, y publicó su investigación en varios textos, incluyendo Intervention de l’art dans la photographie (1863) y La photographie, ses origins, ses progress, ses transformations (1869). En 1870, formó equipo con el fotógrafo Ducos du Hauron para abrir una empresa de impresión tricolor, pero desafortunadamente, la guerra Franco-Prusiana llegó y la empresa nunca llegó a materializarse.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Mildred Grossman

Mildred Grossman Berkowitz fue una fotógrafa estadounidense (nacida en 1916 en Brooklyn, Nueva York) y fallecida en 1988, también en Nueva York) que fue reconocida y premiada por sus trabajos, profesora y miembro activo de la Unión de Profesores de Nueva York en los años 40.

 

© Mildred Grossman

© Mildred Grossman

 

 

 

Biografía

Profesora de Contabilidad y Negocios en la Central Commercial High School, fue también el fotógrafo en plantilla del periódico del Sindicato de Trabajadores de la Educación, Teacher News.

También en esa época, a finales de los 40, se unió a la Photo League de Nueva York, recibiendo clases de fotografía documental y de calle.

Fotografió la conferencias anuales Teachers Union Educational Conferences en el Waldorf-Astoria. Su cámara captó a locutores invitados como el dramaturgo Arthur Miller, guionistas de la lista negra como Dalton Trumbo y a educadores y activistas como el Dr. W.E.B. Du Bois y Paul Robeson, receptores de los premios TU por servicios distinguidos en la causa de la educación para la paz y libertad.

También cubrió la marcha de los profesores en Albany por aumentos salariales, las protestas en Washington, y los piquetes en Ciudad Nueva York protestando contra las injustas prácticas de trabajo de la resolución Timone.

Su valor y activismo no pasaron desapercibidos y, después de doce años como profesora, la Dirección de Educación determinó que Grossman no se había separado satisfactoriamente de sus lazos con el Partido Comunista, y la despidieron en abril de 1954 por “insubordinación y conducta inapropiada para un profesor”.

A pesar de ello, continuó trabajando como fotógrafo, viajando por el mundo, documentando la lucha de los sindicatos, las luchas individuales y las vidas de los desheredados de su país.

En 1955, 2 obras suyas fueron expuestas en la mítica exposición de Edward Steichen, The Family of Man, en el MoMA. En ese año comenzó a trabajar como fotógrafo para el New York Hotel Trades Council.

En 1958 se casó con Motel “Mark” Berkowitz, un judío polaco superviviente del holocausto, con el que viajaría posteriormente a Polonia, donde ganó en 1966 el concurso “Strike Rally”.

Trabajó como fotógrafo freelance, trabajadora social y profesora de fotografía. En 1973 ella y un grupo de profesores fueron exonerados de sus cargos en la caza de brujas y reinstalados en sus puestos.

Póstumamente se publicó el libro Eye of the Storm: Photographs by Mildred Grossman, donde la Universidad de Maryland, del Condado de Baltimore, cataloga sus fotografías y vida como educadora, fotógrafa y activista de los derechos civiles.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Serkan Gûnes

Serkan Gûnes es un fotógrafo sueco y turco (nacido en 1980 en Estambul, vive en Estocolmo, Suecia, desde el 2000) que realiza fotografía de naturaleza, sobre todo paisaje. Su estilo poético y único y su aguzado sentido de la luz capturan y revelan la verdad de la naturaleza de la mejor manera.

 

 

SerkanGunes

© Serkan Gûnes

Obtengo un gran placer fotografiando la fauna salvaje, pero el paisaje detiene mi corazón.

 

 

 

Biografía

Este joven y con talento fotógrafo de la naturaleza, nació en Estambul y con 20 años se trasladó a Suecia. Dos años más tarde su mujer Azize le regaló su primera cámara por su cumpleaños. Esto le cambió la vida, y su pasión por tocar la guitarra cambió por la fotografía de naturaleza.

Con su nueva cámara recorrió los bosques suecos, visitó los lagos y se fue de excursión por sus archipiélagos. Allí descubrió la luz del norte.

Serkan es el primer y único sueco que ha ganado el premio Eric Hosking Award, por el mejor portafolio de un fotógrafo joven. Esta competición está organizada por la revista BBC Wildlife y el  Natural History Museum de Londres, y es reconocida como el premio más prestigioso de la fotografía de fauna mundial actual. También ha sido nombrado Nature Photographer del año (2009) por la Agencia de Protección Ambiental de Suecia. En 2011 ha obtenido los premios Abisko Scholarship y One-Year Working Stipend, por su libro Stockholm.

Su trabajo se ha publicado extensamente en Escandinavia, Turquía, Inglaterra, Francia, Alemania, Holanda y Japón. Serkan es miembro de la Asociación de Fotógrafos Suecos de Naturaleza.

Ha sido un componente del blog europeo de fotografía de naturaleza Nature Photo Blog.

 

 

Referencias

 

 

Libros