Rudolf Lehnert

Rudolf Lehnert fue un fotógrafo austriaco nacionalizado francés (nacido el 13 de julio de 1878 en Velká Úpa, Bohemia, antiguo Imperio Astro-Húngaro y actualmente República Checa, y fallecido en Redeyef, Túnez, el 16 de enero de 1948) cuya historia está unida a la de Ernst Landrock, junto con el cual nos ofreció una vista compasiva de la gente de otros países con una profundidad inolvidable. Bajo el polvo de sus placas de vidrio ha quedado reproducida la visión de una sociedad y de una época, así como los elementos característicos de eso que denominamos “orientalismo”.

 

 

Filletes bédouines, 1910. Lehnert & Landrock

Filletes bédouines, 1910. Lehnert & Landrock

 

 

 

 

Biografía

Rudolf Franz Lehnert quedó huérfano con 14 años y fue recogido por su tío y terminó sus estudios en Viena. Posteriormente (1898 – 1901) los completaría en el Instituto de Artes Gráficas de Viena, uno de los pocos sitios en aquella época en los que se enseñaba fotografía.

Tras un primer viaje a Sicilia, Lehnert  viajó a Túnez de donde se trajo un buen número de fotografías. En Suiza y en 1904 conoció al alemán Ernst Heinrich Landrock y ambos descubrieron que tenían el mismo sueño de visitar y trabajar en “oriente medio”.  Se hicieron socios y trabajaron juntos desde 1904 hasta 1930. Lehnert era el fotógrafo y Landrock el hombre de negocios, gestionando el laboratorio/estudio de fotografía que establecieron en Túnez, desde 1904 hasta 1914 y luego también en El Cairo.

La tienda original de Lehnert & Landrock estuvo situada en la Avenida de Francia, Túnez. La mantuvieron abierta durante 10 años hasta que el gobierno francés les obligó a cerrarla en la Primera Guerra Mundial (Austria era enemiga de Francia). En ese momento, Lehnert estaba de viaje. Cuando regresó a Túnez, le informaron que su tienda había sido cerrada y su propiedad confiscada. Lehnert fue detenido por los franceses y enviado a un campo de internamiento en Córcega.

Mientras tanto, Landrock, desesperado por la situación de su amigo, fue a Suiza en busca de ayuda. Ambos se reencontraron en Davos, donde Lehnert conoció a Eugenie Schmitt, su futura esposa.

Después de la guerra, Lehnert conoció a gente de la recién formada República Checa, de la que él era originario, que eran  aliados del gobierno francés, y le ayudaron a conseguir sus pertenencias confiscadas.

En 1920, Lehnert y Landrock se mudaron a El Cairo y fundaron la Oriental Art Pubishing House (La casa del arte oriental).

En 1924, empezó el boom de las cartas postales en Europa. Lehnert y Landrock establecieron un negocio para la reproducción de cartas postales, vendiendo a mayoristas en Viena y otros editores de toda Europa. Trabajaron juntos hasta 1930, cuando, tras una ruptura no demasiado amigable, Lehnert regresó a Túnez mientras que Landrock continuó con el negocio hasta 1938. Lehnert murió en Túnez en 1948 y Landrock lo haría en 1966 en Kreuzlingen (Alemania).

Las cartas postales de Lehnert y Landrock están a la venta todavía hoy en día. Existe una pequeña tienda en El Cairo, que es gestionada por el nieto de Lehnert, donde los turistas pueden comprar postales y otros recuerdos. La familia mantiene los derechos de las fotografías de Lehnert y Landrock.

Los precios de algunas postales muy antiguas han subido considerablemente en los últimos años, ya que hoy en día se reconoce el valor artístico de lo que consiguieron esos dos fotógrafos curiosos en un mundo exótico que para entonces era completamente desconocido.

De manera consciente o inconsciente, el trabajo de Lehnert constituye una muestra de adhesión a ese movimiento que nos presenta un Oriente tal y cómo lo entendía el europeo de finales del siglo XIX. Para plasmarlo, buscó el escenario perfecto en el desierto, localizando la arena pulcra y la luz ideal. Y sorteó las reglas éticas a las que les obligaba la época y la sociedad valiéndose, incluso, de mujeres contratadas en burdeles para utilizarlas como modelos en sus posados.

 

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Sam Falk

Sam Falk fue un fotógrafo estadounidense (nacido en 1901 y fallecido en Sunrise, Florida, en 1991) que fue fotógrafo en el The New York Times durante más de 40 años y que fue precursor en el periódico del uso de las cámaras de 35mm.

 

Armed but not especially dangerous, 1958 © Sam Falk

Armed but not especially dangerous, 1958 © Sam Falk

 

 

 

Biografía

Falk fue un pionero en la fotografía de 35 milímetros en The Times, en el que entró en plantilla en 1925 y durante su carrera se especializó en fotografía de gente famosa y de acontecimientos importantes.

Viajó con presidente Calvin Coolidge y cubrió convenciones políticas y combates de boxeo del campeonato nacional. También cubrió el juicio por el secuestro de Lindbergh, las finales del Kentucky Derby y viajó por Estados Unidos y Europa tomando fotografías para la revista The New York Times Magazine.

Sus fotografías fueron a menudo tema de exposiciones en solitario, incluyendo una en la Smithsonian Institution, que duró 14 meses.

Se retiró en 1969.

 

 

Referencias

Eva Watson-Schütze

Eva Watson-Schütze fue una pintora y fotógrafa estadounidense (nacida el 16 de septiembre de 1867 en Jersey City, Nueva Jersey, y fallecida en Chicago en 1935) cuya obra fue pictorialista y se adhirió al grupo Photo-Secession.

 

 

© Eva Watson-Schütze

© Eva Watson-Schütze

 

 

 

Biografía

Como muchos de los fotógrafos de finales del siglo 19, Eva Lawrence Watson, inicialmente intentó ser una pintora y estudió 6 años en la Pennsylvania Academy of the Fine Arts, inicialmente con el conocido pintor y fotógrafo Thomas Eakins, para posteriormente desarrollar una fuerte pasión por la fotografía.

De 1894 a 1896 compartió un estudio de fotografía con Amelia Van Buren, otra alumna de esa academia y un año después abrió su propio estudio de retrato en Philadelphia, donde a los 4 años gozaba ya de una gran reputación como fotógrafo profesional, mostrando sus trabajos en el prestigioso Philadelphia Salon y en exhibiciones en grupo que llegaron a Londres y París, escribiendo artículos en varios periódicos y siendo etiquetada como una de las “Mejores fotógrafas de América”.

En 1901 se casó con el abogado Martin Schütze que había nacido en Alemania, y se trasladó a Chicago, donde montó un nuevo estudio, donde pronto atrajo a una gran clientela por su romántica y potente puesta en escena y promocionando su carrera, de manera que en 1902 fue elegida miembro del Linked Ring, la importante organización londinense que promocionaba el pictorialismo, enfatizando la vertiente artística de la fotografía en lugar de la simple documentación.

En 1903 fue unos de los fotógrafos que fundaron la Photo-Secession y en 1905 mostró su obra en la famosa e influyente galería 291 de Alfred Stieglitz en Nueva York.

Desde 1902, ella y su marido pasaron sus veranos en Woodstock, Nueva York, donde eventualmente Eva viviría seis meses al año trabajando en la fotografía y la pintura.

A partir de 1910 fue abandonando poco a poco la fotografía en favor de la pintura y hacia 1920 sólo la utilizó para temas familiares.

En 1929 (hasta 1935) Watson-Schütze llegó a ser la directora de la The Renaissance Society, un museo sin colecciones, fundado en 1915 en la University of Chicago, que mostró bajo su mandato la obra de los primeros modernistas Pablo Picasso, Georges Braque, Marc Chagall, Jean Arp, Joan Miró, y Constantin Brâncuşi, entre otros.

Posteriormente a su muerte se han realizado 2 exposiciones retrospectivas de su obra:

  • Eva Watson-Schütze, Chicago Photo-Secessionist, en la University of Chicago Library en 1985, y
  • Eva Watson-Schütze, Photographer, en el Samuel Dorsky Museum Art de la State University of New York en New Paltz en 2009.

 

 

 

Referencias

Nicolas Tikhomiroff

Nicolas Tikhomiroff es un fotógrafo francés (nacido en París en 1927), miembro de Magnum Photos  cuya obra principal trata de guerras y del mundo del cine, aunque también realizó fotografía de moda y publicidad.

 

© Nicolas Tikhomiroff

© Nicolas Tikhomiroff

 

 

Biografía

Hijo de padres rusos emigrados a Francia, pasó sus años escolares en un colegio de internos especial para niños emigrantes, cuya primera lengua era el ruso.

Se unió al ejército francés con 17 años, tras la liberación de París, pasando varios meses en Alemania y tres años en Indochina.

Al acabar su servicio militar, Tikhomiroff encontró trabajo en el laboratorio de un fotógrafo de moda. Usando una Rolleiflex, comenzó a tomar las fotografías para diversas revistas entre las que estaba Marie France.

En 1956, tuvo un encuentro decisivo con el periodista francés Michel Chevalier y al que acompañó  como fotógrafo freelance en largos viajes a la Unión Soviética, África y Oriente Medio.

Se unió a Magnum en 1959 y realizó numerosos reportajes fotográficos de las guerras de Vietnam, Camboya, Laos y Argelia. Participó en el importante proyecto de Magnum World Cinema, fotografiando a Orson Welles, Fellini, Visconti y muchos otros, desarrollando una gran amistad  con Welles mientras que fotografiaba el rodaje de The Trial y Falstaff.

Tikhomiroff también realizó encargos de publicidad y de moda. Aunque nunca ha llegado a ser miembro de pleno derecho de Magnum Photos su trabajo de la primera época todavía es distribuido por la agencia.

Se retiró de las actividades profesionales en 1987, viviendo en la la región de la Provence, en el sur de Francia, donde pasa mucho de su tiempo trabajando en proyectos y ensayos personales.

Recientemente se han realizado exposiciones de su obra en

  • 2006 Festival Internazionale di Roma, Roma
  • 2006 Doozo Art Books, Roma.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • 2002 Mars 1961 Piaf en Studio.

Manuel Vilariño

Manuel Vilariño es un artista, pintor y poeta gallego (nacido en A Coruña el 22 de mayo de 1952, vive y trabaja en Bergondiño) cuyo trabajo se basa principalmente en inventar realidades.

 

 

Paraíso fragmentado, 2001-2003 © Manuel Vilariño

Paraíso fragmentado, 2001-2003 © Manuel Vilariño

 

 

Trabajo con la poesía y la fotografía, con el vuelo de las imágenes. Para mí ser y ver es todo la misma cosa, pero, fundamentalmente, mi trabajo es fotográfico, aunque el territorio de lo imaginario es indivisible.

 

 

 

Biografía

Se inició en la fotografía durante los años 70, sintiéndose atraído en aquella primera etapa por temas de tipo social. Pero su incombustible curiosidad le llevó muy pronto a experimentar con una gran variedad de efectos y técnicas que le permitían especular con la forma y el color para lograr composiciones abstractas de una arrebatadora personalidad.

El artista comenzó a exponer como fotógrafo en la muestra colectiva en Ferrol, en 1983, haciéndolo más tarde en diversas ciudades de Galicia, España, Europa y América, desde Cuba a Estados Unidos. En 2002 el Centro Gallego de Arte Contemporáneo le dedicó una gran exposición en Santiago de Compostela y a partir de ahí obtuvo el suficiente reconocimiento como para poder vivir  actualmente de la venta de su obra, evidentemente, fuera de España.

Aunque su obra más característica son los bodegones con animales muertos (naturalezas muertas) y otros elementos alegóricos como calaveras, frutas, velas o herramientas, también realiza retratos y paisajes. Su interés por la poesía, los místicos de India y Etiopía, y los discursos filosóficos transitan entre las luces y las sombras de su concepción de la fotografía como una puesta en escena de las entrañas y profundidades del pensamiento poético.

Su obra figura en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, CGAC de Santiago de Compostela, Fine Arts Museum de Houston, Colección Coca-Cola, Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa de La Coruña, Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, ARTIUM en Vitoria-Gasteiz y otros muchos de España, Europa y Estados Unidos, así como en importantes colecciones institucionales, entre ellas la de la Junta de Galicia.

En 2007 su obra representó a España en la 52ª Bienal de Venecia y recibió el Premio Nacional de Fotografía 2007 por el reconocimiento a una trayectoria personal, en la que desde la fotografía reflexiona sobre la vida, los ciclos vitales y el sentido del tiempo a través de su apasionada observación de la naturaleza.

 

 

 

Referencias

Sabine Weiss

Sabine Weiss es una fotógrafa suiza nacionalizada francesa (nacida en Saint-Gingolph, Suiza, en 1924) cuyo trabajo personal se puede encuadrar en la corriente de la fotografía humanista, estando ligado a la vida en su cotidianeidad, a las emociones y a las gentes, mezclando hábilmente poesía y observación social, sus fotos expresan un cierto amor personal por la vida. Utiliza esencialmente el blanco y negro, y cuida con precisión el encuadre, la calidad de la luz, los ambientes, …

 

 

© Sabine Weiss

© Sabine Weiss

 

 

Biografía

Sabine Weber fue atraída desde muy joven por la fotografía, comenzando a hacer fotos a los doce años con una máquina de fotos que consiguió con el dinero de su paga. Su madre la llevaba a exposiciones de pintura y a ver iglesias romanas y su padre la apoyó en su afición a la fotografía, cuya técnica aprendería  de 1942 a 1945 al lado de un fotógrafo de estudio de Ginebra, Frédéric Boissonnas.

Obtuvo su diploma de fotografía y abrió su estudio personal en Ginebra antes de marcharse para siempre a París en 1946. Se convirtió entonces, a los 22 años y por recomendación de un amigo, en la asistente del célebre fotógrafo de moda Willy Maywald, con el que aprendió la importancia de la luz natural como fuente de emoción.

Trabajó después en moda, reportaje, publicidad. También, apasionada por la música, hizo retratos de las grandes figuras de la música (Ígor Stravinski, Benjamin Britten, Pablo Casals, Stan Getz, …), pero también de la literatura y el arte en general (Francis Scott Fitzgerald, Fernand Léger, Pougny, Alberto Giacometti, Robert Rauschenberg, Jan Voss, Jean Dubuffet, Joan Miró, March Chagal, Andre Breton, …); colaborando también en varias revistas y periódicos de América y Europa: Vogue, Match, Life, Time, Town and Country, Holiday, Newsweek, …).

Recorrió además el mundo como fotógrafa de prensa, pero sobre todo ha explorado las calles de París, frecuentemente de noche, en busca de sujetos variados pero que expongan la apariencia humana en su universalidad: escenas de calle, soledades, niños, creencias, figuras humanas en la niebla, fugacidad de las emociones, etc. Los niños, los ancianos, las sonrisas de las estrellas, son habituales en su obra, todo ello relacionado por la característica común de la espontaneidad y la sencillez.

Desde 1950, está representada por la agencia Rapho, primera agencia de prensa francesa que es además administradora del trabajo de, entre otros, Robert Doisneau (que fue quien la propuso entrar en la agencia tras un encuentro en el despacho del director de Vogue), Willy Ronis, Édouard Boubat, etc.

Sabine se casó ese mismo año con el pintor estadounidense Hugh Weiss, a quien había conocido en un viaje a Italia tiempo antes, y entabló amistad con personalidades del medio artístico como Jean Cocteau, Maurice Utrillo, Georges Rouault y Jacques Henri Lartigue. Con este último, compartía el amor por la humanidad y el gusto por las visiones íntimas de la vida.

En 1955, Edward Steichen eligió tres de sus fotografías para la mítica exposición The Family of Man.

A pesar de sus éxitos y de la reciente publicación de un monográfico titulado 100 photos de Sabine Weiss pour la liberté de la presse por Reporteros Sin Fronteras en 2007, Sabine Weiss es una personalidad discreta y poco conocida por el gran público.

Sabine Weiss es oficial en la Ordre des Arts et des Lettres desde 1999 (Chevalier en 1987).

Sus fotografía forman parte de diversas colecciones prestigiosas en todo el mundo: Museos de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) y Kioto, Metropolitan Museum of Art, Art Institute of Chicago, Musée de l’Élysée en Lausanne, Centre Georges-Pompidou, Maison européenne de la photographie, Kunsthaus de Zúrich, Musée français de la photographie.

Durante una subasta en 2005, una de sus fotos, La sortie du metro, fue adjudicada por 11.500 €.

Últimamente se ha consagrado a realizar exposiciones de su obra humanista, olvidando todo su archivo de trabajo comercial.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Sofie Knijff

Sofie Knijff es una fotógrafa holandesa (nacida en Vilvoorde, Bélgica, en 1972, vive en Holanda) que crea espacios teatrales en los cuales ilusión y realidad se entremezclan.

 

 

© Sofie Knijff

© Sofie Knijff

 

 

Biografía

Tras estudiar teatro en L’ Atelier International de Theatre, París, y en la Theateracademie Maastricht, se graduó en 2007 en la Fotoacademie de Ámsterdam.

Sofie fue ganadora del premio Peopleʼs Choice 2009 de la revista FOTO8. Fue nominada para el premio Chouchou de Arles en 2008, el Emerging Artist del Fotomuseum Winterthur en 2009, el Talent Latent de 2009 y el Harry Pennings en 2011. Fue becada por el Sem Presser Fonds en 2011 y por la Mondriaan Foundation en 2012.

Su obra ha sido expuesta, entre otros, en el Fotodok de Utrecht, el New York Photo Festival y el Foto8 Summer Show.

Durante varios años Sofie viajó con su cámara por Sudáfrica, India, Mali, Brasil, Islandia y Groenlandia. En esos países fotografió a los niños de sus series, creando para ellos un entorno propio. Bajo el nombre de Translations presenta sus retratos, en los que, como fotógrafa, trata de aislar a los niños de su entorno e influencias diarias para que, en la intimidad del estudio y centrada en sus expresiones, ellos puedan potenciar su propio carácter. Paralelamente, Sofie fotografió los espacios vacíos donde vivían esos niños, consiguiendo imágenes donde el mundo interior y exterior se reflejan y se influencian mutuamente.

 

Referencias

Tereza Vlčková

Tereza Vlčková es una fotógrafa checa (nacida el 3 de noviembre de 1983) considerada uno de los más famosos jóvenes artistas checos, consiguiendo fama internacional sus fotografías que son, normalmente, de gran tamaño en color, con una gran sofisticación técnica, y un contenido misterioso, inquietante para el espectador.

 

 

Sentiment I © Tereza Vlčková

Sentiment I © Tereza Vlčková

 

 

 

Biografía

Estudió Fotografía Publicitaria en la Tomas Bata University de Zlin.

Su trabajo se ha podido apreciar en varias exposiciones, entre las que destacan los Rencontres d´Arles, ParisPhoto, el festival LOOK3, el Festival de Fez, el FotoWeek DC de Washington, Aperture Foundation y el Mes de la Fotografía de Bratislava, entre otros.

Entre otros premios, recientemente ha ganado el Prix de la Photographie 2011 (PX3) en la categoría Fotografía Artística

Su obra se encuentra en las colecciones permanentes del Musée de l’Elysée de Lausanne, del PPF
Art
de la República Checa y de la Michaelis School of Fine Art de Ciudad del Cabo.

Sus perturbadoras imágenes están influenciadas por el interés de la autora en la moda y el retrato, donde a menudo experimenta los límites de lo kitsch. En la serie Two, Tereza investiga el oscuro concepto del Doppelgänger, vocablo alemán que define el doble fantasmagórico que acompaña a una persona viva. Se ocupa de las cuestiones del yo y de cómo nos percibimos. Se pregunta si estamos solos o somos seres solitarios. ¿Podría existir alguien tan similar a nosotros, tan parecido, no sólo emocional sino fisiológicamente? ¿Son todas las gemelas verdaderas o han sido creadas como un alter ego de las chicas? La fotógrafa busca la delgada línea que separa ficción y realidad.

 

 

 

Referencias

Jon Uriarte

Jon Uriarte es un fotógrafo vasco (nacido en Hondarribia, Gipuzkoa, en 1980, vive y trabaja como profesor de fotografía en Barcelona) que realiza fotografía conceptual trabajando entorno a los límites de la identidad y de la propia fotografía.

 

© Jon Uriarte© Jon Uriarte

 

 

Biografía

Estudió Fotografía en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya en Barcelona. Un año antes de terminar los estudios, abrió un estudio de fotografía y empezó su carrera profesional: catálogos de moda y campañas de publicidad para varias marcas de moda.

En el verano de 2007, becado por el Ministerio de Cultura, se trasladó a Nueva York para ampliar y especializar sus conocimientos en el International Center of Photography de Nueva York. En EEUU siguió trabajando en el mundo de la fotografía de publicidad y la moda asistiendo a varios fotógrafos. Fue allí donde también empezó a trabajar como colaborador para el diario El País.

Dos años mas tarde, becado por la Diputación de Gipuzkoa, se trasladó a Madrid donde cursó un master en Fotografía Artística de PHotoEspaña y la Universidad Europea de Madrid y empezó a trabajar como profesor de fotografía.

Al margen de la fotografía comercial, desde sus inicios como estudiante, ha desarrollado su propio trabajo fotográfico y ha expuesto en diversos centros y galerías de arte, tanto en muestras colectivas como individuales, entre los que destacan La Casa Encendida de Madrid, el Koldo Mitxelena de Donostia, el Studio 304 de Nueva York, el centro HBC de Berlín y la Sala d’Art Jove de Barcelona.

En la serie Album, Jon investiga el objeto que más ha potenciado la fotografía a lo largo de la historia y el que, a la vez, ha sido siempre relegado a la esfera de lo amateur y de lo puramente anecdótico: el álbum de familia. Usándose a sí mismo como conejillo de indias y a partir de las imágenes que conforman su álbum familiar, el autor nos conduce a una nueva dimensión visual: la del recuerdo sin rostro. Registros temporales que con el cuidadoso retoque se convierten en imágenes fantasmagóricas. Escenas normales que con esta simple acción nos reclaman una nueva forma de aproximación a estos registros temporales.

En la serie The men under the influence con retratos de hombres vestidos con la ropa de sus parejas, realizados en sus espacios compartidos, incide en el reciente cambio de roles en las relaciones de pareja heterosexuales. Busca representar la sensación de pérdida de referencias por parte del hombre cuando se relaciona con mujeres que han dado un paso mas allá conquistando, por fin, un espacio propio y cómo ese triunfo por parte de ellas, crea una sensación de extravío en ellos.

En Nuevos organismos explora la relación entre la naturaleza y el ser humano, subrayando la base orgánica que une a los seres vivos.

 

 

 

Referencias

Roger Ballen

Roger Ballen es un geólogo, pintor y fotógrafo estadounidense (nacido en Nueva York en 1950, vive en Johannesburgo, Sudáfrica, desde los 70) cuyas fotografías, siempre en blanco y negro, han tenido como objeto central revelar aspectos de base de la condición humana. Si hasta mediados de la década de los 80 sus fotografías tenían un carácter documental, a finales de dicha década inició una nueva etapa donde lo real le sirve para realizar un trabajo de búsqueda introspectiva que le lleva a crear imágenes de carácter, en ocasiones, alucinatorio y surreal, protagonizados por la mezcla o la agrupación de objetos y personajes en ambientes sórdidos y extraños, donde no sabemos donde se hallan los límites entre ficción y realidad.

 

 

Puppy between feet, 1999 © Roger Ballen

Puppy between feet, 1999 © Roger Ballen

 

La cámara es en último término un espejo del interior de cada uno, hay mucho que ver y encontrar.

 

 

Biografía

Hijo de Adrienne Ballen, que trabajaba en la agencia Magnum, y que abrió en Estados Unidos en los años 60 una de las primeras galerías de foto de ese país, estuvo en contacto siempre con la fotografía y relacionándose con fotógrafos de la talla de Bruce Davidson, Andre Kertesz (su principal inspirador), Steichen o Cartier-Bresson.

La muerte de su madre y un general descontento con los valores occidentales le empujaron a abandonar Estados Unidos y a embarcarse en un viaje de cinco años que le llevó hasta El Cairo, Grecia, Nepal e Israel, estableciéndose definitivamente en Sudáfrica en 1982.

La obra de Ballen evolucionó del fotoperiodismo a la concepción de un universo personal desde el que sorprende constantemente al mundo del arte. Texturas, composiciones, objetos, animales, personajes perturbadores y elementos gráficos crean composiciones únicas que cautivan emocionalmente al espectador. Intentar explicar sus imágenes es un esfuerzo inútil ya que éstas pertenecen a una forma de contar que no puede ser traspasada a otra disciplina. Ballen recurre a la pintura, la escultura y la fotografía para crear algo totalmente nuevo.

En 2001 obtuvo el premio al mejor libro fotográfico en PhotoEspaña y en 2002 fue nombrado fotógrafo del año en los Rencontres d´Arles. Últimamente nos ha sorprendido con uno de los clips musicales más interesantes del año, I fink you freeky, para el grupo Die Antwoord.

Su obra forma parte de las colecciones permanentes del Berkeley Art Museum, la Bibliotèque Nationale de París, el Centre Georges Pompidou, el Stedelijk Museum de Ámsterdam, el MoMA y la Tate Britain de Londres.

Ha exhibido su trabajo en la Bibliotheque Nationale de París, la Triennale Milano y en la Gagoisan Gallery New York, entre otros lugares.

Es fundador de la Roger Ballen Foundation que promueve la educación de la fotografía en Sudáfrica mediante la organización de cursos impartidos por fotógrafos internacionalmente reconocidos.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

O Zhang

O Zhang es una artista y fotógrafa china (nacida el 23 de noviembre de 1976 en Guangzhou, que vive y trabaja en Nueva York) cuyo trabajo examina aplicaciones el tema de la identidad y la transformación en la China contemporánea. Además de fotografía realiza pintura, cortos e instalaciones.

 

© O Zhang

© O Zhang

 

Mi inspiración viene del concepto de “la rebelión es la regla”, el lema de la revolución cultural china (1966 -1976). Intento producir una serie de imágenes que cuestionen las asunciones actuales sobre la primacía del poder occidental bajo mi propio entendimiento.

 

 

Biografía

Hija de un traductor de inglés que fue trasladado en la Revolución Cultural China al campo en la remota provincia de Hunan, vivió una infancia en la que tuvo que adaptarse a situaciones donde se sentía una extraña, conviviendo con idiomas y grupo étnicos minoritarios. Recuerda su niñez como “muy pacífica y colorida,” y cree que allí es donde ella fundamentó sus preferencias estéticas

Se graduó en Bellas Artes en la Academia Central de Arte de Pekín (donde aprendió fotografíapor su cuenta) y obtuvo un máster en Bellas Artes en Central St. Martins School of Art en Londres y en Fotografía en el Royal College of Art de Londres. En 2004 se trasladó a Nueva York, desde donde viaja a China cada año.

Ha sido nominada para los premios de la Chinese Contemporary Art, Beck’s Future y Creative Capital, entre otros. Su trabajo se ha podido ver por todo el mundo. Destacan sus exposiciones en el Deutsche Guggenheim Museum de Berlín, Kunsthalle Museum de Hamburgo, Museo Miró de Barcelona, Andy Warhol Museum de Pittsburgh o Queens Museum of Art de Nueva York.

Su trabajo se ha publicado en revistas como Art in America, The Art Newspaper, Canadian Art, The Evening Standard, The Guardian, The London Times, Shanghai Bund Magazine, Surface, TimeOut Beijing, TimeOut London, The Village Voice y Ishu. Y forma parte de colecciones importantes como las del Guggenheim Museum, Nueva York; Santa Barbara Museum; Clifford Chance Art Collection, Londres, y el Millennium Monument Art Museum Collection, Pekín.

Su autobiografía, An Empire Where the Moon Light Never Fades, fue un best-seller en China en 2009.

En su primera serie, Masterpieces in my Eyes, Zhang proyectaba imágenes de obras maestras occidentales de modelos femeninos desnudos y las fotografiaba en un esfuerzo para imponer “los estándares masculinos de la forma femenina”.

Desde que en 1991 China flexibilizó su ley de adopción, las familias estadounidenses han adoptado más de 55 mil bebés chinos, de los cuales casi todas son niñas. Su serie Daddy & I retrata a algunas de estas familias, explorando cómo afectan los distintos aspectos étnicos y culturales especialmente a padres e hijas y cómo miramos a las nuevas familias en una sociedad con tantos prejuicios. La fotógrafa potencia en sus retratos el poder femenino que emana de la futura mujer y la relación con el padre maduro. Pero aparte de estas cuestiones formales, O Zhang crea una alegoría acerca del potencial de China como nación, su poder de adaptación a las nuevas circunstancias aprendiendo de Occidente, mientras es adoptada por un padre y espera la edad madura para independizarse.

Su serie más reciente es The World is Yours (But Also Ours) en la que sus imágenes representan la juventud china que usa camisetas de estilo americano con textos en “Chinglish” completadas con lemas en caracteres gráficos chinos, tomados de la revolución cultural china y de las escrituras de Mao Zedong mientras que otros son de la misma Zhang mismo, imitando el estilo tradicional de la propaganda maoísta y mostrando el contraste y crisis de identidad de la juventud en China.

En la serie titulada Horizon  viajó a una remota aldea de China central para hacer retratos fotográficos de las niñas de la aldea. Las imágenes resultantes, a gran tamaño, se muestran en una gran instalación de tres filas; en la superior las niñas están en una colina mirando hacia abajo a los espectadores; en medio las niñas están a la altura de los ojos y en la inferior miran hacia arriba a los espectadores.

O Zhang es representada por CRG Gallery en Nueva York, Pékin Fine Arts en Pekín y FA Projects en Londres.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Jacqueline Roberts

Jacqueline Roberts es una fotógrafa española (nacida en 1969 en París, vive y trabaja en Wincheringen, Alemania) que se considera una madre y fotógrafa autodidacta y forma parte de las fotógrafas apasionadas por los niños, con un talento excepcional para captar la esencia infantil transformándola en adultez a través de montajes y retoque.

 

 

© Jacqueline Roberts

© Jacqueline Roberts

Biografía

Vive y trabaja en Wincheringen con su marido británico Gareth y sus tres hijos, Madoc, Malen y Emrys, que son los objetos principales de sus fotografías.

Sus retratos han sido publicados en portadas de revistas, libros y álbumes musicales. Su trabajo ha sido expuesto en Francia, España, Alemania y Luxemburgo y ha ganado varios premios internacionales, como los de la International Photography de Nueva York o el de la Photographie de París.

Jacqueline es autodidacta y trabaja con distintos medios fotográficos tanto digitales como  analógicos, así como con técnicas fotográficas del siglo XIX, colodión húmedo y ambrotipos. Actualmente prepara la monografía Kindred Spirits (Almas gemelas) que se publicará en 2013.

A través de las imágenes de su serie Kindred Spirits, hace un alegato visual que celebra la infancia y, por extensión, la vida. La fotógrafa se encuentra en un momento en el que observa cómo sus hijos maduran mientras que sus padres envejecen. Dos opuestos que recuerdan el inexorable paso del tiempo y la fugacidad de la vida. Con grandes dosis de nostalgia, crea un álbum familiar, una maleta para la futura memoria de sus hijos que les ayudará a entender y apreciar el transcurso del tiempo, un hecho que para ella es muy presente.

Exhibiciones en solitario:

  • Hellershof Zilliken, Nittel, Alemania 2012
  • European Court of Auditors, Luxemburgo, 2009

En grupo:

  • GetxoPhoto 2012, Getxo, España, 2012
  • Espai d’art, Ayuntamiento de Gandía, España, 2011
  • Prix de la Photography 2011, Espace Dupon, París, France, 2011
  • Prix de la Photography 2009, Espace Dupon, París, France, 2009

Premios:

  • International Photography Awards (Nueva York), 2011, 1º premio en la categoría Retrato (no profesional) con la serie Come & Play.
  • Prix de la Photographie, Paris (PX3), 2011 1º premio en la categoría Retrato de niños (no profesional) con la serie Come & Play.
  • Julia Cameron Award 2011 -WPGA, 1º premio en la categoría Fotografía artística con Menina.
  • Julia Cameron Award 2011 -WPGA, 3º premio en la categoría Portrait, People and Figure con Erlinda, Emrys and Malen
  • Pollux Award 2011 -WPGA, 1º premio en la categoría Niños, con Bakugan and other images.
  • Portraits & People 2011 -WPGA runner up, con Bianca y Menina.
  • Prix de la Photographie, Paris (PX3), 2009 1º premio en la categoría Fotografía artística (no profesional) con Meninas.
  • International Photography Awards (Nueva York), 2009, 1º premio en la categoría Fotografía artística-Retrato (no profesional) con Portrait of a Doll.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Kindred Spirits, se publicará en 2013.