Michael Yamashita

Michael Yamashita es un fotógrafo estadounidense (nacido en San Francisco en 1949) que trabaja principalmente para National Geographic y que dedica su atención a figuras históricas, reviviendo sus viajes con imágenes contemporáneas que se conectan con el pasado.

 

 

© Michael Yamashita

© Michael Yamashita

 

 

 

Biografía

Michael Yamashita nació en San Francisco y se crió en Montclair, Nueva Jersey. En 1971 se graduó en estudios asiáticos en la Universidad de Wesleyan en Connecticut, y poco después se fue a Asia, donde pasó siete años.

Yamashita se interesó por la fotografía a través de su hermana, una excelente fotógrafa aficionada, y, a pesar de que no ha asistido a ningún curso de fotografía, ha logrado convertir su pasatiempo en una carrera brillante que combina sus dos pasiones: los viajes y la fotografía.

Colaborador de National Geographic desde 1979, cuando volvió de Asia, Yamashita ha dedicado especial atención este continente, pero su trabajo le ha llevado por todo el mundo, desde Somalia hasta el Sudán, desde Inglaterra hasta Nueva Guinea, desde Irlanda a Nueva Jersey.

Habla japonés con fluidez y también ha fotografiado todo Japón, el hogar de sus padres. La especialidad de Yamashita es la de seguir las huellas tanto de los hombres como del paisaje, a través de sus mayores fuentes de inspiración, como Marco Polo, el poeta japonés Basho, el explorador chino Zheng He, el río Mekong, y la Gran Muralla.

The Ghost Fleet (La flota fantasma) es una película narrada por Yamashita basada en su artículo sobre la mayor flota naval de barcos de madera de la historia y su almirante Zheng He, ganó el premio al Mejor Documental Histórico en el Festival Internacional de Cine de Nueva York.

Hoy, destaca a Ernst Haas y a Henri Cartier-Bresson entre sus muchos inspiradores, además de, por supuesto, sus compañeros de la revista National Geographic.

Es un frecuente orador y docente en conferencias y talleres de fotografía en todo el mundo. Ha recibido premios muy importantes como Pictures of the Year, Photo District News, el New York Art Directors Club y el Asian-American Journalists Association.

Se han realizado grandes muestras de su trabajo en Tokio, Beijing, Seúl, Hong Kong, Singapur, Frankfurt, Roma, Los Ángeles y Washington DC. Sus imágenes de la Zona Desmilitarizada de Corea protagonizaron una muestra en el Festival de Fotoperiodismo de Perpiñán, en Francia.

Cuando no viaja, vive con su familia en una zona rural del estado de Nueva Jersey, donde tiene un estudio fotográfico y es bombero voluntario.

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros

Medford Taylor

Medford Taylor es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1939 en Conway, Carolina del Norte, vive en Richmond, Virginia) que realiza fotografía de naturaleza y viajes, trabajando principalmente para National Geographic, documentando culturas, tierras y vida salvaje, desde los movimientos pro derechos humanos de los aborígenes de Australia hasta la migración de las mariposas monarca en Méjico.

 

© Melford Taylor

© Melford Taylor

 

 

Biografía

Asistió a la Universidad de High Point en su estado natal, donde se graduó con una licenciatura en ciencias. Después de completar cinco años como oficial naval, continuó su educación en la escuela de posgrado en la Universidad de Missouri, especializándose en fotoperiodismo y descubriendo su pasión por la fotografía.

Tras sus estudios, Taylor se convirtió en fotógrafo de plantilla del Houston Chronicle y, posteriormente, del Virginian-Pilot de Norfolk. Aunque con sede en Washington, DC, trabajó como freelance para revistas como Time y Newsweek.

Taylor ha trabajado como freelance para National Geographic Society desde 1984. Sus trabajos para la revista National Geographic Traveler han incluido historias del National Baseball Hall of Fame, Newfoundland, los Everglades y el Big Bend National Park. En la revista de National Geographic ha publicado artículos sobre el interior de Australia, el lago Superior y las Islas Madeira, entre otros. Sus fotos también aparecen en varios libros de National Geographic.

Ha ganado numerosos premios de la Virginia News Photographers Association y la White House News Photographers Association. Su trabajo ha sido publicado en revistas nacionales e internacionales como los GEO francés y alemán y Air and Space.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

Paul Graham

Paul Graham es un fotógrafo británico (nacido en 1956, vive actualmente en EEUU) conocido como uno de los primeros fotógrafos documentales que ha usado de manera ejemplar el color.

 

 

© Paul Graham

© Paul Graham

 

 

Cuando estás obligado a ser sencillo, te ves en la obligación de afrontar el verdadero problema. Cuando no puedes ofrecer ornamento, tienes que ofrecer sustancia.

Los momentos que cambian tu percepción de las cosas llegan de manera inesperada, como la vida misma. El verdadero reto es reconocerlos y seguirlos donde quiera que te lleven.

Lo maravilloso de la fotografía es que es un baile entre el artista y el mundo.

Los fotógrafos deben ser poetas y renovar el lenguaje.

 

 

 

Biografía

Graham es un experto de las fotografías C-type. Siempre ha impreso sus propias imágenes y al principio de su carrera, la impresión de las fotografías de otros eran su principal fuente de ingresos. Desde hace más cinco años trabaja en digital, cambio que le lleva a moverse de un medio digital a otro constantemente: escáner, correcciones, pruebas impresas y copias finales.

Su obra se caracteriza por un profundo compromiso social y político con los temas que aborda: desde el conflicto en Irlanda del Norte, plasmado en su serie Troubled Land (1986), o su reflexión sobre la identidad del continente europeo en New Europe, hasta el retrato generacional sobre la juventud en su transición a la edad adulta que desarrolló en su proyecto End of An Age (1998).

Durante la preparación de la retrospectiva que Graham coordinó en la Whitechapel de Londres, el artista se dio cuenta de las diferentes estructuras de las películas y concibió la idea para su serie abstracta Films, una poética melodía de su antigua relación con la película fotográfica.

En la que es su última serie hasta el momento, American Night, realiza un acercamiento sin concesiones a la sociedad norteamericana, en la que da visibilidad a la situación de desigualdad, racismo y pobreza, sobre la que se sostiene su vieja utopía de progreso y bienestar. Su estancia de varios años en este país se ve reflejada entre otros estilos en unas imágenes muy blancas, en contraste con la fotografía en ByN fuertemente contrastada que se utiliza normalmente para reflejar estos temas.

Ha sido premiado con el Deutsche Börse de Fotografía (2009) y ha recibido las becas Winston Churchill Memorial (1983) y Guggenheim (2010). Consiguió en 2012 el premio Hasselblad.

Ha expuesto individualmente en el MoMA de Nueva York (2009), la Tate Gallery de Londres (1996), y el Fotomuseum de Winterthur, Suiza. Sus últimas exposiciones han sido Street & Studio: An Urban History of Photography, en la Tate Modern de Londres (2008) ,así como una retrospectiva de su obra en el Folkwang Museum de Essen y la Whitechapel Gallery de Londres (2009). En 2011 ha expuesto en Kunstverein Freiburg, en Alemania, uno de sus primeros trabajos, Beyond caring, de mediados de los 80, en los que con cámara oculta nos muestra cómo era la situación de los desempleados en Inglaterra, en la Whitechapel de Londres una amplia visión retrospectiva de su trabajo, Photographs 1981-2006, en la galería Anthony Reynolds de Londres ha presentado Films, en la Fundación Botín en Santander, España, presentó dos de sus series más conocidas, New Europe (1986-1992) y A Shimmer of Possibility (2004-2006) y en la madrileña galería La Fábrica su serie Films.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Mert & Marcus

Mert & Marcus son una pareja de fotógrafos de moda. Mert Alas es turco (nacido en 1971) y Marcus Piggott es galés (nacido en 1971). Ambos han definido el estilo visual de la fotografía de moda de la última década y como dúo son de los fotógrafos más respetados y aclamados de la actualidad.

© Mert & Marcus

© Mert & Marcus
La diferencia entre nosotros y otros fotógrafos es que nos preocupamos mucho por la apariencia. Pasamos la mayor parte del tiempo en el maquillaje y la peluquería.

Biografía

Mert Alas y Marcus Piggott se conocieron en Londres hace apenas 11 años, empezando a trabajar conjuntamente en 1999.  Mert era músico, concretamente compositor de música clásica, mientras que Marcus era diseñador gráfico. Cuando se encontraron por primera vez, Marcus trabajaba como asistente fotográfico, mientras que Mert hacía de modelo profesional. Su trabajo y su estilo está muy influenciados por la fotografía de Guy Bourdin y también por el uso de la manipulación digital, en la que destacan como pioneros.
La primera revista que confió en ellos fue Dazed & Confused que no solo compraron su primera editorial, sino que la convirtieron en portada de la revista. Sus retratos destacan por su sofisticación, la imagen de mujeres poderosas, imágenes que rozan siempre la perfección. Ellos mismos comentan que la diferencia entre ellos y otros fotógrafos, es que cuidan hasta el último detalle. Dicen que pierden infinidad de tiempo con el maquillaje y la peluquería, creen que estos aspectos son mucho más importantes que la técnica fotográfica.
Para ellos, el retoque es algo crucial en la fotografía, convirtiéndose en uno de sus sellos de identidad y claves de su trabajo. Dicen que sin su equipo de técnicos y retocadores, no serían los mismo, todos funcionan como un equipo…
El equipo trabaja hoy para revistas como Vogue EE.UU., Vogue Italia, W Magazine, Pop Magazine, Numero y Arena Homme Plus.
Sus principales clientes son lo más de las marcas de moda, como Louis Vuitton, Missoni, Giorgio Armani, Roberto Cavalli, Fendi, Kenzo y Miu Miu, y las casas de perfumes como Gucci, Yves St Laurent, Givenchy y Lancôme.
También han trabajado con celebridades de la talla de Madonna, Linda Evangelista, Björk, Scarlett Johansson, Lady Gaga, Shakira, Jennifer López, Gisele Bündchen, Lindsay Lohan, Charlotte Rampling, Kylie Minogue, Sophie Ellis-Bextor y más recientemente con Victoria Beckham para Giorgio Armani.
Hicieron las fotografías de la carátula del CD Furious Angels  de Rob Dougan, y también dirigieron el video musical Girl Gone Wild de Madonna.

Referencias

Angus McBean

Angus McBean fue un fotógrafo galés (nacido en Newbridge el 8 de junio de 1904 y fallecido en Suffolk, el 9 de junio de 1990) especializado en las imágenes sobre el teatro. Sus retratos en muchos casos de actores famosos eran surrealistas.

 

Audrey Hepburn © Angus McBean

Audrey Hepburn © Angus McBean

 

 

Yo nunca supe lo que eran las longitudes focales o lo que eran las velocidades de la película. Yo sólo sabía lo que podían hacer por mí.

 

 

Biografía

Nació en Newbridge, Monmouthshire, Gales del Sur, hijo de un inspector de minas de carbón, por lo que viajó mucho en su infancia.

Compró su primera cámara, una Kodak y un trípode, cuando la Primera Guerra Mundial estaba terminando. Fascinado por las propiedades mágicas de la fotografía, quería retratar personas y vendió un reloj de oro que le dejó su abuelo para conseguir las cinco libras necesarias para comprar este equipo.

Después de la temprana muerte de su padre, se trasladó con su madre y hermana menor a Acton, Londres en 1925. Sus padres hubieran querido que fuera un dibujante o un gerente de banco, pero estuvo trabajando para los grandes almacenes Liberty en el departamento de restauración de antigüedades como aprendiz, al mismo tiempo que seguía con la fotografía, la creación de máscaras y ver obras de teatro en el West End. Se compró una magnífica cámara Soho Tropical de medio formato, revestida de caoba y bronce

En 1932 dejó su trabajo en Liberty y se dejó crecer la barba para simbolizar el hecho de que nunca más tendría un salario de esclavos. Comenzó a trabajar como fabricante de accesorios de teatro, participando en la escenografía medieval de la obra Richard of Bordeaux interpretada por John Gielgud en 1933.

Su trabajo con las máscaras teatrales le dio popularidad y el fotógrafo Hugh Cecil le ofreció un trabajo en su estudio de Mayfair, lo que le permitió aprender el oficio y un año y medio después abrió su propio estudio en Belgrave Road de Londres.

Cuando todavía era conocido como fabricante de máscaras, en 1936 recibió el encargo de Ivor Novello para fabricar las máscaras de su obra El hipócrita feliz. Novello quedó tan impresionado con las fotografías románticas de McBean que le encargó hacer una serie de fotografías de la producción y de la joven actriz Vivien Leigh. Las fotografías las realizó con la iluminación propia del escenario obteniendo unos resultados que sustituyeron a las fotos realizadas por la empresa que se encargada de modo habitual. De este modo se convirtió en fotógrafo y como trabajo principal comenzó a fotografiar a Vivien Leigh y otros actores en el escenario y en el estudio. Este trabajo de fotógrafo de actores lo estuvo realizando hasta su muerte treinta años después.

Después de tomar una serie de fotografías para la revista The Sketch empezó a experimentar en 1937 con algunos retratos surrealistas. Los sujetos, por lo general actrices hermosas o actores del momento, se colocaban en forma muy detallada, dentro de sets construidos especialmente o los paisajes en el estudio. Pero la llegada de la guerra y los bombardeos de Londres, le hicieron cerrar su estudio y trasladarse a Bath.

En 1942 fue arrestado en unos aseos y acusado de actos delictivos de la homosexualidad por los que fue condenado a cuatro años de prisión, aunque fue liberado en el otoño de 1944.

Tras la finalización de segunda guerra mundial abrió un nuevo estudio en Endell Street en Covent Garden, aunque pronto pudo recuperar a sus antiguos clientes y volver a ser el fotógrafo del teatro londinense. Era el fotógrafo oficial del Stratford Memorial Theatre, la Royal Opera House, el teatro Sadler’s Wells, en el Festival de Glyndebourne, en el teatro Old Vic y en las producciones de HM Tennent, trabajando además en las más importantes manifestaciones teatrales, musicales y del ballet clásico. Sus retratos surrealistas aparecían en revistas como Daily Sketch y Tatler. Entre las personas que retrató se encuentran Agatha Christie, Audrey Hepburn, Laurence Olivier y Noel Coward.

En 1964 aceptó realizar las fotografías del primer álbum de los Beatles, llamado Please, please me, por lo que realizó un reportaje del que sólo quedan algunos ejemplares ya que la mayor parte de los negativos fueron destruidos accidentalmente en 2007.

Con 70 años, se retiró oficialmente y durante una década no tomó ninguna fotografía profesional, solo para unos pocos amigos de Suffolk, a donde se había trasladado a vivir, y que pasaron del surrealismo a una aproximación al constructivismo. También se ocupó la restauración de antigüedades, hacer collages y esculturas de resina. Poco a poco, sin embargo, comenzó un notable resurgimiento de interés en su trabajo y se organizaron exposiciones, programas de televisión y McBean comenzó una ronda regular de clases. El primer libro sobre su obra apareció en 1982.

Al año siguiente la revista francesa L’Officiel lo convenció de salir de su retiro para que hiciera una serie de fotografías de moda a color. A pesar de que nunca había trabajado fuera de Gran Bretaña antes o con modelo, las fotografías fueron un gran éxito y también realizó una serie de fotos para la revista Vogue Francesa.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Anne W. Brigman

Anne W. Brigman fue una actriz, poeta y fotógrafa estadounidense (nacida en 1869 en Hawai y fallecida en Eagle Rock, cerca de Los Ángeles, el 8 de febrero de 1950) componente del grupo Photo-Secession y reconocida fotógrafa pictorialista, cuya obra más personal fue el desnudo femenino en paisajes naturales.

 

 

Soul of the Blasted Pine, 1908 (autorretrato) © Anne W. Brigman

Soul of the Blasted Pine, 1908 (autorretrato) © Anne W. Brigman

 

 

Biografía

Anne Wardrope Nott nació en Hawai, nieta de un misionero destinado allí. Se trasladó a California cuando tenía dieciséis años. Formada como pintora, se pasó a la fotografía en 1902, realizando ese mismo año su primera exposición de fotografía, en el segundo Salón de San Francisco, una exhibición en grupo anualmente organizada por el Club de la Cámara de California.

Su tema favorito era el desnudo femenino, a menudo planteado al aire libre en paisajes dramáticos que sugieren una conexión íntima y poderosa del mundo natural.

Influenciada por Alfred Stieglitz y los pintores tonalistas trató de llevar la fotografía al terreno de las Bellas Artes, manipulando frecuentemente sus negativos en el cuarto oscuro para crear suaves efectos subjetivos. También utilizó lápices, pinturas, productos químicos e incluso herramientas de grabado directamente en sus negativos. Igualmente, combinaba a menudo negativos, colocándolos juntos en la ampliadora para que las imágenes se superpusieran, irónicamente, para lograr una imagen más natural.

Dotaba a los elementos del paisaje de California con su visión muy personal, que trataba de superar la percepción generalizada de que la fotografía es un mero instrumento de descripción. Entre otros logros, su trabajo apareció en tres números de Camera Work, publicado por Alfred Stieglitz hasta 1917.

Brigman fue una de los dos miembros originales de California del grupo de fotografía artística de la Photo-Secession, fundada por Alfred Stieglitz, y fue el único fotógrafo del Oeste Americano en ser nombrado miembro del grupo. También fue miembro del Linked Ring británico.

En 1929 se trasladó a Long Beach, California, donde siguió en la fotografía, centrándose en fotografías abstractas de las playas de Los Ángeles y la fotografía industrial.

Un año antes de su muerte publicó un libro de poemas y fotografías titulado Songs of a Pagan.

El trabajo de Anne Brigman se encuentra en colecciones de los museos más importantes, incluyendo el Museo de Arte Moderno de San Francisco, el Museo de Oakland, en California, el Museo Metropolitano de Arte y el Museo J. Paul Getty.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Yasuhiro Ishimoto

Yasuhiro Ishimoto fue un fotógrafo japonés (nacido en San Francisco, EEUU, el 14 de junio de 1921 y fallecido en Japón el 6 de febrero de 2012) cuya fotografía refleja tanto la sociedad norteamericana como la japonesa. Era un fotorreportero, pero no de grandes acontecimientos, sino de la vida diaria.

 

© Yasuhiro Ishimoto

© Yasuhiro Ishimoto

 

 

 

Biografía

Hijo de una familia japonesa dedicada a la agricultura, cuando tenía tres años se trasladó con sus padres a Japón, donde estudió agricultura en la Escuela Agrícola de la Prefectura de Kochi, estudios que finalizó en 1938. Un año después regresó a Estados Unidos donde entre 1940 y 1942 amplió sus estudios de agricultura en la Universidad de Berkeley.

Al declararse la guerra con Japón durante la Segunda Guerra Mundial debido a su origen étnico fue recluido en el campo de Armach en Colorado, donde permaneció hasta el final de guerra, y donde adquirió la virtud de pasear y observar de una manera tranquila.

En 1946 comenzó a realizar fotografías durante su estancia en Chicago donde había iniciado estudios de arquitectura en la Universidad de Northwestern. Sin embargo, en 1948 abandonó esos estudios para dedicarse a estudiar fotografía con Harry Callahan y Aaron Siskind en el Instituto de Tecnología de Illinois.

En 1950 recibió el premio al mejor fotógrafo novel otorgado por la revista Life y en 1951 y 1952 el premio Moholy-Nagy. Poco después el Museo de Arte Moderno de Nueva York le pidió hacer las fotografías del palacio imperial de Katsura, que terminó en 1958. El resultado se dio a conocer en un libro que se publicó el año 1960 en la colaboración con los arquitectos Walter Gropius y Kenzo Tange.

En 1961 se trasladó a vivir a Fujisawa y un año después comenzó a dar clases en el Instituto de Diseño Kuwasawa y en el Colegio de Fotografía de Tokio. Entre 1966 y 1971 fue profesor en la Universidad Zokei de Tokio. En 1969 decidió convertirse en ciudadano japonés.

Entre 1975 y 1978 se dedicó a viajar por diferentes países entre los que se encuentran Irak, Irán, Turquía, China, España, la India, Australia y algunos de América del Sur y del norte de África.

Ha recibido numerosos galardones y reconocimientos entre los que se encuentran:

  • Premio de la Asociación de Críticos Japoneses a los mejores libros publicados por Katsura y Someday, somewhere;
  • Premio Camera Art de 1962 por The face of Chicago;
  • Premio Mainichi Art de 1970 por su libro Chicago, Chicago;
  • Premio del Ministerio de Educación de Japón en 1978 por su libro The Mandalas of the Two world;
  • Premio de la Sociedad Fotográfica de Japón en 1991, y
  • fue nombrado “Hombre de Distinción Cultural” por el gobierno japonés en 1996 .

Dos de sus fotografías formaron parte de la mítica exposición The Family of Man de Edward Steichen en el MoMA de Nueva York en 1955.

En 2004 donó su archivo de más de siete mil imágenes al Museo de Arte de Kochi.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Richard Misrach

Richard Misrach es un fotógrafo estadounidense (nacido en Los Ángeles, California, en 1949) que ha abordado la relación entre la sociedad contemporánea y la naturaleza, especialmente en el Oeste Americano. Consigue que el espectador se meta en su mundo por medio del dominio del color.

 

© Richard Misrach

© Richard Misrach

 

 

Es el calor, el tacto de la tierra, la enorme sensación de soledad y silencio, y la extraordinaria escala de todo… hace que el estar allí sea tan profundamente satisfactorio; física y mentalmente es donde me siento más vivo.

 

 

 

Biografía

En la década de 1970, fue uno de los precursores del renacimiento de la fotografía a color y a gran escala, que es una práctica extendida en la actualidad.

Misrach es conocido por su serie en curso, Cantos del Desierto, un proyecto en el que lleva trabajando durante más de 35 años, revelando un complejo panorama del desierto americano, que es tan fascinante como misterioso y la compleja relación del hombre con él. Se trata de uno de los proyectos más extensos de la fotografía contemporánea.

Otros de sus proyectos incluyen la documentación del corredor industrial a lo largo del río Mississippi que se conoce como el Callejón del Cáncer; el estudio riguroso de las condiciones meteorológicas y la hora en sus fotografías de serie Golden Gate; On the beach, en la que sus fotografías desde una perspectiva aérea, estudian la interacción de las personas y el aislamiento; y su proyecto actual, que supone una ruptura radical con su trabajo hasta la fecha, con sus primeras imágenes digitales.

Misrach, tras trabajar con cámaras de gran formato, ha adoptado la técnica digital hábilmente y la utiliza para generar paisajes surrealistas, intercambiando los positivos y negativos a lo largo del espectro de color.

Las fotografías de Misrach se encuentran entre las colecciones de más de cincuenta importantes instituciones, como el Museo de Arte Moderno, el Whitney Museum of American Art, Nueva York, la National Gallery of Art, Washington, DC, el Metropolitan Museum of Art, Nueva York, el Centro Georges Pompidou, Paris, y el Tokyo Metropolitan Museum of Art.

Ha obtenido numerosos premios,  como cuatro becas de la National Endowment for the Arts, una beca John Simon Guggenheim Foundation Fellowship, el Premio Literario del PEN Center West en no ficción, el Infinity Award del International Center of Photography y el 2002 Kulturpreis.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Steve Winter

Steve Winter es un fotógrafo estadounidense (creció en Indiana, vive en Nueva Jersey) cuya fotografía de naturaleza, principalmente fauna, se ha publicado repetidamente en National Geographic.

 

© Steve Winter

© Steve Winter

 

 

Biografía

Steve Winter se crió en Fort Wayne, Indiana. Desde pequeño soñaba con ser un fotógrafo de la revista National Geographic. Su primera cámara fotográfica fue un obsequio de su padre, cuando tenía siete años; el cual, posteriormente le enseñaría los principios de la fotografía.

Se mudó a California para estudiar en la Academia de Arte de la Universidad de San Francisco, donde comenzó a trabajar como asistente del fotógrafo de National Geographic Michael Nichols.

Luego se mudó a Nueva York, donde trabajó como reportero fotográfico para la agencia Black Star y colaboró con diversas publicaciones, como GEO, Fortune, Time, Natural History y Newsweek. Fue enviado a Costa Rica a hacer un reportaje sobre el Instituto Nacional de Biodiversidad de aquel país. Fue entonces cuando conoció la selva y quedó fascinado por la tarea de los científicos.

Estuvo colaborando con la revista infantil Throught World, cuando en 1991 National Geographic lo llamó para hacer su primer foto-reportaje en Guatemala. Desde entonces ha recorrido el mundo, capturando imágenes de la fauna salvaje para la revista, tratando temas como Cuba, los osos gigantes de la península de Kamchatka en Rusia, los tigres en el Valle de Hukawng de Birmania, y la vida a lo largo del río Irrawaddy, también en Birmania.

Realizando esos trabajos, ha sido atacado por rinocerontes en la India, perseguido por jaguares en Brasil y acosado por un oso pardo en Siberia, ha caído en arenas movedizas de Birmania, sobrevoló volcanes en erupción, visitó aldeas de las más remotas del globo y persiguió durante seis semanas al leopardo de la nieve en Ladakh, India.

Actualmente vive en New Jersey, y continúa colaborando con National Geographic. Su trabajo más reconocido es Snow Leopard, donde documentó al leopardo de la nieve o irbis, especie en peligro de extinción que habita las montañas de Asia Central. Este trabajo le mereció el premio Wildlife Photographer of the Year en 2008.

En la nueva versión del sistema operativo Mac OS X Snow Leopard de Apple, se incluyen como fondo de pantalla, fotografías de esta serie de Steve Winter.

 

 

Referencias

Matthew Rolston

Matthew Rolston es un fotógrafo estadounidense (nacido en Los Ángeles el 1 de marzo de 1955) cuya actividades principales son la fotografía de moda y dirigir videos musicales y comerciales. Es conocido por sus personales técnicas de iluminación y es uno de los máximos exponentes del nuevo glamour de Hollywood.

 

© Matthew Rolston

© Matthew Rolston

Biografía

Tras estudiar virtualmente en casi cada escuela del sur de California, estudió ilustración, fotografía y cine en el Art Center College of Design, en Pasadena.

Descubierto y lanzado por Andy Warhol para la revista Interview, tras su primer trabajo que fue retratar a un desconocido director de cine llamado Steven Spielberg, sus fotografías han aparecido en revistas como Harper’s Bazaar, Interview, Marie Claire, Cosmopolitan, Esquire y Rolling Stone y ha trabajado con muchos diseñadores y empresas como GAP, Ralph Lauren, Neutrogena, Campari, L’Oreal, Clairol, Estée Lauder, Pantene, Burberry, Maybelline, Bacardi, Levi’s, Elizabeth Arden, General Motors, Max Factor, Old Navy y Revlon.

Sus obras han sido expuestas en Europa, Japón y EEUU, como, por ejemplo, en el Museo Whitney de Arte Americano en Nueva York.

Ha dirigido más de 80 vídeos musicales (Miley Cyrus, Cristina Aguilera, Beyoncé, Madonna,  Michael Jackson, …) y comerciales.

Una colección de sus fotografías fue publicada en 1991 en el libro Big Pictures.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Tommy Ingberg

Tommy Ingberg es un fotógrafo sueco (nacido el 6 de diciembre de 1981, reside en Upplands Väsby, al norte de Estocolmo) que realiza una sencilla fotografía surrealista en blanco y negro.

 

© Tommy Ingberg

© Tommy Ingberg

 

 

Biografía

Tommy Ingberg se interesó desde muy pequeño en la fotografía, y a la edad de 15 años consiguió su primera cámara, una Praktica de dos lentes.

Tras varios años de fotografía intensiva, la llegada de su primera cámara digital le permitió una nueva relación con la fotografía. Con una curiosidad insaciable pronto se familiarizó con las diversas áreas de la fotografía: retratos, fotografías de conciertos, fotografías callejeras, de naturaleza y de todo lo demás.

Todo ello le daría grandes conocimientos fotográficos y le haría un buen fotógrafo técnicamente hablando, fuertemente influenciado por la opinión generalizada de que todo arte fotográfico interesante es creado directamente en la cámara. Sin embargo, los motivos que buscaba simplemente no existían, al menos no en la realidad.

Lentamente su estilo fue madurando hasta llegar a crear un universo imaginario en el que las imágenes crecen se desarrollan más allá de la cámara. Con altas dosis imaginativas y una sencillez que contrasta con los conceptos surrealistas que expone, Ingberg nos propone un viaje a través del subconsciente hacia preguntas y respuestas audaces.

Tommy trabaja sobre todo la fotografía en blanco y negro, realizando montajes surrealistas y simbólicos. Realiza sus fotografías tanto en estudio como en el campo combinando más tarde el material de origen con el trabajo con el ordenador. Sus imágenes comienzan con un sentimiento, una historia, un enigma para que el espectador pueda pensar. Trabaja con pocos elementos y cada parte se va sumando en la historia donde todavía se encuentran enigmas para que el espectador pueda completarlos.

 

 

 

Referencias

Peter Henry Emerson

Peter Henry Emerson fue un escritor y fotógrafo inglés (nacido en Sagua la Grande, Cuba, el 13 de mayo de 1856, y fallecido en Falmouth, Reino Unido, el 12 de mayo de 1936) que defendió el papel de la fotografía como arte que posee sus propios recursos creativos utilizando presupuestos naturalistas, y fue un ardiente defensor de la toma de fotografías del natural. Sus obras son consideradas como los primeros ejemplos que llevan a la fotografía a ser considerada como una forma de arte.

 

Peter Henry Emerson

Peter Henry Emerson

Nada en la naturaleza tiene un contorno duro, todo se observa frente algo, y los contornos se desvanecen entre una y otra cosa, a menudo de forma tan sutil que no puede distinguirse donde termina uno empieza otro. En esta mezcla de decisión e indecisión, de pérdida y encuentro, se halla todo el encanto y el misterio de la naturaleza.

 

 

 

Biografía

Nació en Cuba en 1856, en la plantación de caña de azúcar de su padre. En 1869 se trasladó de Wilmington (Delaware), donde había asistido al colegio desde los ocho años, a la Inglaterra natal de su madre.

En 1879 se tituló en Medicina en el King’s College de Londres con brillantes resultados académicos y continuó sus estudios en el Clare College, en Cambridge, antes de volver al King College Hospital a ocupar un puesto como médico que obtuvo en unas oposiciones. En 1882 compró su primera cámara para ilustrar un tratado de ornitología que preparaba un amigo.

En 1884 se trasladó a vivir a Norfolk Broads, embrujado por su extraordinario paisaje, una red de ríos navegables y lagos, y después en 1886 abandonó la carrera médica y se dedicó a escribir y a hacer fotografía. También alcanzó metas destacables en alrededor de media docena de deportes.

Desde 1885 estuvo exponiendo fotos y ganando premios en diferentes salones, entre ellos en la Royal Photographic Society, en la que desató una gran polémica sobre las obras que se premiaban. Como enérgico defensor de sus opiniones, dio conferencias, escribió teorías y críticas, organizó y juzgó exposiciones y, lo más importante, exhibió y publicó sus propias y revolucionarias imágenes fotográficas.

Emerson menospreció la obra de Henry Peach Robinson, por entonces fotógrafo de moda en Inglaterra, y criticó no sólo la artificialidad de las poses y su sentimentalismo, sino también lo que constituía la técnica central de Robinson: la obtención de copias por combinación de varios negativos. Emerson criticó todas las intervenciones manuales incluido el retoque y defendió la pureza de la imagen directa no manipulada, y de la visión fotográfica sin artificios.

Encantado con la excelente calidad de grabado conseguida por los hermanos Coll para su obra Vida silvestre en aguas de marea, Emerson consiguió sonsacarles los secretos de su oficio y en Las lagunas inglesas y hojas de pantano hizo él mismo los grabados a mano; También empleó otros tipos de impresiones nobles como la platinotipia. Emerson fue precursor de Alfred Stieglitz.

En 1890, dos años después de la publicación de su libro Naturalistic Photography, Emerson se retractó de sus opiniones en un escrito titulado The Death of Naturalistic Photography (La muerte de la fotografía natural). Las implicaciones de algunos experimentos referentes a la sensibilidad de los materiales fotográficos, que precedieron a la invención del fotómetro, le llevaron a la conclusión de que la fotografía, al ser un proceso puramente mecánico, no podía aspirar a la categoría de arte, ya que el fotógrafo no debía alterar los valores tonales mediante un acto de puro deseo estético. Como consecuencia, en la reedición de su libro Naturalistic Photography cambió el título de su último capítulo Photography a pictorial art (La fotografía, un arte pictórico) por Photography not an art (La fotografía no es un arte).

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Life and Landscape on the Norfolk Broads (1886),
  • Pictures from Life in Field and Fen (1887),
  • Idylls of the Norfolk Broads (1888),
  • Pictures of East Anglian Life (1888),
  • Naturalistic Photography for Students of the Art (1889),
  • Wild Life on a Tidal Water (1890).