Publio López Mondéjar

Publio López Mondéjar es un fotógrafo, foto-historiador, periodista y Académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (nacido en Casasimarro, Cuenca, en 1946). Actualmente es el foto-historiador español que goza de mayor reconocimiento en su trayectoria profesional y uno de los primeros historiadores de la fotografía en España.

 

 

 

 

 

Biografía

Estudió bachillerato en el Colegio de los Escolapios de Albacete y Ciencias Políticas y Económicas y Periodismo en la Universidad Complutense de Madrid y en la Escuela Oficial de Periodismo.

Realizó cursos de fotografía y seminarios con Ramón Masats y Cartier-Bresson.

Fue periodista colaborador de publicaciones periódicas como Triunfo, Madrid, Informaciones y Pueblo. Corresponsal en Londres (1972-75) de Sábado Gráfico y Criba, además de colaborador en la sección de cultura de diversas publicaciones.

Ha publicado numerosas obras que tienen por objeto la historia gráfica de nuestro país en los dos últimos siglos a través de una magnífica selección fotográfica realizada en todas sus obras. Ha dedicado más de tres décadas de su vida a recuperar la memoria visual de nuestro país, rescatando del olvido innumerables imágenes.

Ha sido también comisario de diversas exposiciones y ha participado además en obras colectivas como Cien años de fotografía española y latinoamericana (1984).

Su trayectoria ha sido reconocida con el premio de los Encuentros Internacionales de Fotografía de Arlés (1996) y el Premio Especial del Ministerio de Cultura (1989, 1997 y 2002).

En la actualidad publica sus trabajos en El País, La Vanguardia, ABC y en diversas revistas especializadas; dicta conferencias sobre fotografía e historia de la fotografías en numerosas instituciones culturales y extranjeras. Asimismo, imparte clases de postgrado en diversas universidades españolas y en la Escuela de Fotografía EFTI.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

 

 

 

Video

Conversaciones entre Publio López Mondéjar y Gervasio Sánchez

Rankin

Rankin es un fotógrafo británico (nacido en 1966) que realiza con gran éxito fotografía de retrato y de moda y publicidad. Las lentes de Rankin capturan, crean y desvelan iconos.

 

 

© Rankin

© Rankin

 

Hay un momento en que la gente dice de tu trabajo es revolucionario, pero tienes que seguir siendo revolucionario siempre. No puedes seguir disparando a las estrellas del pop toda tu vida. Tienes que seguir cambiando, seguir avanzando en busca de lo nuevo, de lo inusual.

La fotografía es para mí una adicción. Me siento nervioso después de un par de días sin una cámara. Todo el que me conoce dice que soy más feliz cuando estoy fotografiando.

 

 

 

Biografía

John Rankin Waddelll fue criado en Saint Albans, Hertfordshire. Mientras estudiaba contabilidad en la Universidad de Falmouth, se dio cuenta de que sus intereses estaban en otra parte y se pasó a estudiar fotografía de estudio en el London College of Printing. Durante este tiempo, Rankin se encontró con Jefferson Hack, con quien inició una revista llamada Dazed & Confused, una vez que se había graduado.

En 1999 Hack y Rankin fundaron Film Dazed & TV, una compañía de producción televisiva. En 2000 Rankin lanzó su propia revista de moda trimestral, RANK, y posteriormente lanzó Another Magazine, Another Man y más recientemente HUNGER.

Ha fotografiado a Britney Spears, Kate Moss, Kylie Minogue, Spice Girls, Madonna, David Bowie, Björk, Juliette Binoche, Lily Allen, Kevin Spacey, The Rolling Stones, Vivienne Westwood, Cate Blanchett, Damien Hirst, la reina Isabel II, Tony Blair y MIA. Al mismo tiempo contribuye con campañas de publicidad para organizaciones benéficas como Women’s Aid y otras.

Ha realizado campañas de publicidad para marcas como Nike, Umbro, Reebok, Marks and Spencer, Rimmel, L’Oreal, Hugo Boss, Levi, Chen Shiatzy, Thomas Wylde, Longchamp, Aussi, Madonna for H&M, Dove, BMW y Coca Cola. También ha realiza anuncios televisivos con Chris Cottam, para la gama de productos Dove y cosméticos Rimmel. Ambos también hicieron la película de gánsters ambientada en Londres The Lives of the Saints  y videos promocionales para KelisAcapella”, Nelly FurtadoSay It Right”, Marina and the Diamonds‘I Am Not a Robot”, RobynCobrastyle”, Sky FerreiraOne“, The NoisettesEver Fallen in Love”  y The EnemyNo Time For Tears”.

En su trabajo Fashion creó sus propios tributos a las imágenes icónicas de Cecil Beaton, Erwin Blumenfeld, Richard Avedon, Helmut Newton, Herb Ritts, David Bailey  y Guy Bourdin, entrevistándose con una gran variedad de fotógrafos, modelos y asistentes, utilizando modelos contemporáneos como Heidi Klum y otras reconocidas modelos.

Trabaja mucho para la televisión, realizando documentales como South Africa in Pictures para la BBC, trabajando en realities como Britain’s Missing Top Model, enseñando fotografía en la serie Jamie’s Dream School, presentando documentales como America in Pictures – The Story of Life Magazine, etc..

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Jayro Montesinos

Jayro Montesinos es un fotógrafo madrileño (nacido el 8 de junio de 1970 en Madrid) interesado en los retratos y desnudos masculinos, la fotografía erótica, con una obsesión por capturar el tiempo que se escapa. También realiza fotografía de moda.

 

 

© Jayro Montesinos

 

 

 

Biografía

Enrique Solano Montesinos estudió Ciencias Políticas en la Universidad Complutense de Madrid. En 1998 se graduó y viajó a San Francisco. A su vuelta a España realizó un master en Recursos Humanos y empezó a trabajar para diferentes empresas.

Siempre interesado en el arte contemporáneo siguió la fotografía, pintura y escultura contemporáneas muy de cerca. Realizó un curso de pintura creativa y empezó a trabajar como asistente de diversos fotógrafos y después empezó a publicar en diferentes revistas internacionales y españolas, como Zero Magazine, Interview, Coisas do Brasil,

En 2007 participó en la publicación del libro Black vol.5  en Sudáfrica, con otros cuatro fotógrafos. En 2010 realizó su exposición individual EROS en el THE VISIBLE FESTIVAL en Madrid, y en 2011 ETNIKO en DLRO LIVE. Otras exposiciones colectivas y colaboraciones en las que ha participado son en la Lesile Loman Gallery de Nueva York, Proyect Anonimart en PhotoEspaña, JustMadrid en MadridPhoto.

En 2012 ha realizado una portada para la revista NOIS con un artículo y 4 fotos, ha participado con 10 fotografías en septiembre en la galería eka & moore de Madrid, en una exposición colectiva de arte erótico, y en octubre en el Festival de Otoño de la galería Emma, con una mención especial por parte del jurado. En diciembre estará en el festival art bassel de Miami en la galería Hangar.

Participa en el grupo internacional Walking Galleria donde se reúnen artistas de diferentes ámbitos 1 día al mes y salen a la calle a enseñar sus obras en Madrid, Barcelona, Bilbao, Londres y San Paulo.

Para él, su fotografía es la forma de expresión artística, donde el rodaje es más importante que el retoque digital. Está interesado en la belleza como concepto y en otras culturas y en las gentes de otros países. Trata de reconvertirse desde la pintura y busca una nueva visión de la imaginación mezclando fotografía y pensamiento.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Peter Beard

Peter Beard es un artista, escritor y fotógrafo estadounidense (nacido el 22 de enero de 1938 en Nueva York) conocido principalmente por sus collages de fotografías de África, principalmente fauna.

 

© Peter Bread

© Peter Bread

 

Estamos ciegos. Como los elefantes nos adaptamos astutamente a los daños que causamos en un gran juego de la culpa que es efecto de lo políticamente correcto. ¡La ayuda y el SIDA! … La negación de los límites … poblaciones enteras sin control, liderazgo sin educación, el petróleo crudo y la política cruda, el tribalismo y la territorialidad, la saturación de los sentidos, el consumo conspicuo, la caída voluntaria en la trampa demográfica, ¡la adición de mil millones de personas retorciéndose en la tierra cada década!; la anarquía, la insurgencia, la guerra, la enfermedad, un loco vaquero, la mediocridad histórica, la traición y la vergüenza ENGAWAHHH-… el grito original de Tarzán. Demos la bienvenida a todo y tomemos notas mientras el mundo se destruye.

 

 

 

Biografía

Peter Hill Beard nació en una rica familia. Uno de sus bisabuelos era un magnate del ferrocarril y gran mecenas del arte, con grandes colecciones y propiedades, y Peter creció en un ambiente cercano al arte y la belleza, canalizando la mayor parte de su energía creativa en sus diarios a base de recortes, que comenzó a compilar en 1949 a la edad de once años. Después de descubrir su amor por la fotografía (sus primeras fotografías datan de cuando tenía 12 años), utilizaría las fotografías para ampliarlos y mejorarlos.

Beard asistió a la Universidad de Yale, donde se matriculó como estudiante de pre-medicina, pero pronto cambió su especialidad por la Historia del Arte.

Beard leyó Memorias de África de Karen Blixen, que lo inspiró a viajar a África en 1955. Más tarde, después de reunirse con Blixen en Dinamarca, compró una granja de unas 17 hectáreas  en África, cerca de la de Karen en Kenia. Realizó muchas fotos de fauna y allí comenzó su fuerte apuesta por los collages y el uso de sangre animal en los recortes para realzar su obra, siendo testigo del comienzo de la explosión demográfica de Kenia, que puso en jaque a los recursos limitados e hizo mella en la fauna.

Durante los 60 y los 70 trabajó en el Tsayo Park, los Aberdares y el lago Rudolph en la frontera norte de Kenia.

Beard es famoso no sólo por sus fotografías de elefantes africanos en peligro de extinción, sino por los retratos de supermodelos y estrellas de rock como Mick Jagger, David Bowie, Iman, Veruschka y Minnie Cushing (su primera esposa). Estuvo casado también con la modelo Cheryl Tiegs. y era muy conocido por su elegancia y atractivo personal.

Tuvo amistad con Andy Warhol, Jackie Onassis, Radziwill Lee, Truman Capote y Bianca Jagger cuando todos vivían en Montauk y Manhattan, Nueva York, en los años 1970 y 1980. Beard también tuvo una relación estrecha con el pintor Francis Bacon. Fotografió a Bacon y también él fue el modelo de varias pinturas de Bacon. Beard viajó con los Rolling Stones en su mítica gira Rolling Stones 1972 por EEUU.

En el año 1975 presentó su primera exposición en la Blum Helman Gallery pero fue con su muestra de 1977 que marcó un antes y un después en su carrera presentando instalaciones hechas a partir de carcasas de elefantes y diarios memorabilia en la sede del New York’s International Center for Photography.

En sus obras, documenta la historia de sus relaciones con todo el mundo que le rodeaba: África, Karen Blixen, la farándula de Nueva York, el mundo de la moda, Hollywood y la administración Kennedy. Las página están cubiertas con fotografías de mujeres, mensajes telefónicos, los márgenes escritos en tinta china, recortes de periódicos, hojas secas e insectos, viejas fotografías en tonos sepia, dibujos de animales y personas realizados por artistas kikuyu, citas de Joseph Conrad, objetos encontrados, imágenes de cadáveres en descomposición de elefantes y, a veces, la propia sangre de Beard.

Recientemente, tras un “accidente” en el que un elefante casi lo mata y que le costó más de un año de recuperación, está alejándose poco a poco de una África que ya no es lo que era, y que va encaminada a su destrucción esencial por la superpoblación y el cambio de costumbres, tras haber destruido en un abrir y cerrar de ojos millones de años de proceso evolutivo.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Josep Turner Keiley

Joseph Turner Keiley fue un abogado, escritor, crítico de arte y fotógrafo estadounidense (nacido el 26 de julio de 1869 en Maryland y fallecido el  21 de enero de 1914 en Nueva York) que colaboró estrechamente con Alfred Stieglitz y fue uno de los miembros fundadores de la Photo-Secession. A lo largo de su vida sus fotografías fueron exhibidas en numerosas exposiciones internacionales y logró el reconocimiento internacional tanto por su estilo artístico como por su escritura.

Lenore, por Joseph T. Keiley

Lenore, por Joseph T. Keiley

Biografía

Keiley nació en Maryland, el mayor de siete hermanos. La familia se mudó poco después de su nacimiento a Brooklyn, Nueva York, donde se crió.
Fue a la escuela en Nueva York y se convirtió en un abogado, fundando el bufete de abogados Keiley y Haviland en Manhattan.
Empezó a fotografiar hacia 1895 y conoció a la fotógrafa neoyorquina Gertrude Käsebier, que en ese tiempo se dedicaba a fotografiar a los indios americanos del Wild West Show de Buffalo Bill. Keiley también fotografió estos mismos temas, y en 1898 nueve de sus grabados fueron expuestos en el Philadelphia Photographic Salon. Uno de los jueces fue Stieglitz, que escribió una crítica entusiasta de la obra de Keiley.
Gracias a su éxito en Filadelfia al siguiente año Keiley se convirtió en el cuarto estadounidense admitido en el Linked Ring, que en ese momento era la sociedad fotográfica más destacada en el mundo promoviendo el pictorialismo.
En 1900 se unió al Camera Club de Nueva York y tuvo una exposición individual en la galería del club. En ese momento Stieglitz era el vicepresidente del club y el editor de Camera Notes, la revista del club, y Keiley pronto se convirtió en su aliado más cercano. Stieglitz le pidió que fuera editor asociado de la revista, y durante los siguientes años, Keiley será uno de sus escritores más prolíficos, contribuyendo con artículos sobre estética, reseñas de exposiciones y artículos técnicos. También publicó varias de sus fotografías publicadas en la revista.
Mientras trabajaba con Stieglitz los dos comenzaron a experimentar con una nueva técnica de positivado para impresiones de platino basadas en glicerina, y escribieron juntos un artículo sobre el tema que se publicaría más tarde en Camera Notes.
En 1902 Stieglitz incluyó a Keiley como uno de los miembros fundadores de la Photo-Secession, y contribuyó con 15 de sus copias (una más que Edward Steichen) a la exposición inaugural de la Photo-Secession en el National Arts Club.
Cuando Stieglitz comenzó Camera Work en 1903 le pidió a Keiley que fuera editor asociado, contribuyendo con decenas de ensayos, críticas y artículos técnicos, y aconsejó a Stieglitz sobre nuevos fotógrafos prometedores de Europa. Keiley publicó 13 grabados publicados en Camera Work.
Posteriormente viajó por Europa y México, y pasó varios años tratando de llevar a un amigo radical, en un golpe de estado pacífico, a ser presidente de México.

Referencias

Susan Lipper

Susan Lipper es una fotógrafa estadounidense (nacida en 1953 en Nueva York, donde vive) que  explora su descripción subjetiva de América haciendo hincapié en que los retratos pueden ser ya sea una descripción de la persona, una relación con el fotógrafo, el espectador y, finalmente, la cultura que los contiene.

© Susan Lipper

© Susan Lipper

Biografía

Después de estudiar poesía romántica inglesa en la universidad, obtuvo un MFA en fotografía en la Universidad de Yale en 1983.
Más adelante, consiguió becas de The NEA y New York Foundation for the Arts.
Después de salir de Yale regresó a Londres, donde había estado 1 año estudiando, y donde quería quedarse pero no pudo conseguir un permiso oficial para trabajar allí y volvió en 1986 a Nueva York, donde aprendió a conducir y comenzó a hacer pequeños viajes en coches de alquiler para hacer fotografías. Sus viajes en 1987 la llevaron por todo el país, impulsada por un patriotismo recién descubierto, así como un compromiso de promover la alfabetización a través de su trabajo fotográfico.
Como era bastante novata, prefería andar por pequeñas carreteras rurales hasta que se sintió más cómoda al volante. Al mismo tiempo quería profundizar en el corazón de América y una serie de casualidades le llevaron a ese pequeño lugar del oeste de Virginia llamado Grapevine, donde se encontró inmediatamente adoptada por la mayoría de los habitantes, especialmente por una familia.
Su ensayo se publicó en Inglaterra en 1994 y el público británico reconoció las huellas de su propia cultura en sus fotos de la rural Virginia Occidental. Aunque aparentemente era un documental clásico, este trabajo subraya los roles excesivamente polarizados de los hombres y mujeres del campo.
Trip, su segunda monografía, es un viaje a través de pequeñas ciudades de los Estados Unidos, mayormente alrededor de la carretera interestatal 10, jugando con estereotipo masculino de los viajes trascendentales al interior de América, en una historia de ficción no-narrativa.
Durante sus viajes Lipper leía las obras de Frederick Barthelme, en particular, Painted Desert, con el que estableció una colaboración de un año de duración a través de Internet, sin llegar a conocerse en persona. En este libro Lipper pone de relieve los roles conflictivos de la imagen y el texto y no es una típica historia de fotografía de los años 30.
Después de Trip, Lipper comenzó una serie de ensayos proféticos que no están marcados por la geografía. Por ejemplo, en la serie Not Yet Titled, tenía la intención de utilizar textos encontrados en instalaciones militares, pero los acontecimientos de 2001 aparcaron el proyecto. Off Route 80 es una serie de paisajes y retratos fotográficos de video iniciadas en 2006, volviendo a Grapevine no de una manera abstracta, sino romántica.
Durante los últimos diez años su trabajo ha sido expuesto ampliamente en los EEUU y Europa. Siendo sus más recientes las de Where are we? Questions of landscape, en el Victoria & Albert Museum de Londres en 2001, Pool Party en la Yossi Milo Gallery de Nueva York en 2004, How We Are – Photographing Britain en la Tate Britain de Londres en 2007, Myth, Manners and Memory: Photographers of the American South en el  De La Warr Pavilion en Bexhill on Sea, Inglaterra, en 2010.
Su obra forma parte de colecciones públicas como el Metropolitan Museum de Nueva York, The Museum of Contemporary Art en Los Ángeles,  The San Francisco Museum of Modern Art, The Museum of Fine Arts en Houston y The Victoria and Albert Museum en Londres.

Referencias

Libros

Laura Len

Laura Len es una fotógrafa madrileña, que en sus fotografías busca crear una atmósfera especial de ensueños y misterio, de forma que cada imagen incite a evadirse de lo cotidiano dejando volar  la imaginación para entrar en un mundo de contenidos oníricos.

 

© Laura Len

© Laura Len

 

 

Biografía

Licenciada en Física pero enamorada de la creatividad, ha dirigido durante más de 12 años un departamento de Audiovisuales en una gran empresa multinacional, realizando todo tipo de producciones publicitarias y de comunicación. En esa trayectoria ha estado en contacto con diversos formatos y técnicas fotográficas.

​Actualmente se dedica plenamente a la realización de fotografías artísticas y creativas en las que el mundo de la fantasía y de la realidad se entremezclan. Tiene en la actualidad dos colecciones, FantasíaSueños de luz. Imparte también master-class y talleres ​sobre su proceso creativo en diversas instituciones.​

​Miembro de la Real Sociedad Fotográfica y de la Agrupación Fotográfica de San Sebastián de los Reyes (Madrid)

​Obtuvo el primer premio en el Certamen NacionalEl Lobo y el Madroño” con su colección ¿De qué color es la soledad?

​Algunas de sus fotografías han sido portadas de libros de autores europeos y norteamericanos.

 

 

 

Referencias

Chris Killip

Chris Killip es un fotógrafo del Reino Unido (nacido el 11 de julio de 1946 en Douglas, Isla de Man, vive en Hardward, Massachusetts)  conocido por sus potentes imágenes en blanco y negro de gente y lugares principalmente ingleses. Su fotografía es dura y es más aceptada y publicada en Alemania que en la propia Inglaterra, a pesar de que su obra representa algunos de los registros visuales más importantes de la vida en los 80 en Gran Bretaña.

 

Helen and Hula-hoop, Seacoal Beach, Lynemouth, Northumberland © Chris Killip, 1984

Helen and Hula-hoop, Seacoal Beach, Lynemouth, Northumberland © Chris Killip, 1984

 

Cuando vi por primera vez la playa de Lynemouth en enero de 1976, reconocí  la industria  por encima de todo, no estaba viendo nada más. La playa debajo de mí estaba llena de actividad con caballos y carros como saliendo del mar. Los hombres estaban de pie junto al mar, al lado de los carros, con pequeñas redes conectados a los postes para “pescar” el carbón desde el agua. Aquí la Edad Media y el siglo XX quedaban entrelazados.

 

 

 

Biografía

Dejó la escuela a los dieciséis años y se unió al único hotel de cuatro estrellas en la Isla de Man como director de hotel en prácticas. Con 18 se decidió a tiempo completo a la fotografía convirtiéndose en fotógrafo playa con el fin de ganar suficiente dinero para salir de la isla.

En 1964 fue contratado en Londres como asistente del fotógrafo publicitario Adrian Flowers y el periodo 1966-69 trabajó como asistente freelance de varios fotógrafos en Londres. Dejó la fotografía comercial para dedicarse a la que él quería.

En 1969, después de su primera exposición de fotografía en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, decidió regresar a la fotografía en la Isla de Man. Fue allí donde produjo su primer libro Isla de Man, con texto de John Berger, en 1980.

Trabajaba las noches en el bar de su padre y volvía a Londres de vez en cuando para imprimir su obra. En 1971, Lee Witkin, propietario de galerías en Nueva York, le encargó una edición limitada de su portafolio de la Isla de Man, pagándole por adelantado y así Killip pudo seguir fotografiando.

En 1972 recibió un encargo del The Arts Council of Great Britain para fotografiar Huddersfield y Bury St Edmunds para la exposición Two Views – Two Cities.

En 1975, se trasladó a vivir en Newcastle-upon-Tyne con una beca de dos años del Northern Arts Photography Fellow.

Killip se convirtió en miembro del Comité de la Fotografía de las Artes del Norte en 1976, el Consejo de las Artes de Gran Bretaña en 1977, y miembro fundador, comisario de la exposición y asesor en la Galería del Lado, Newcastle-upon-Tyne, de la que fue director del 77 al 79.

Killip comenzó a fotografiar a la gente en la playa de carbón de Lynemouth (Noroeste de Inglaterra) después de siete años de intentos fallidos de obtener su consentimiento. Entre 1983 y 1984 vivió en una caravana en un campamento junto a la playa y documentó con su estilo  objetivo sus vidas, el trabajo y el esfuerzo por sobrevivir en dicho lugar. Esta serie dio lugar  en 1988 a in fraganti.

En 1989 fue comisionado por Pirelli Reino Unido para fotografiar la fuerza de trabajo en su fábrica de neumáticos en Burton-on-Trent.

En 1989 recibió el Premio Henri Cartier Bresson por su libro In Fragante y en 1991 fue invitado a ser profesor visitante en el Professor of Visual and Environmental Studies de la Universidad de Harvard. En 1994 fue nombrado profesor titular y fue presidente departamento de 1994-98. Vive en los EEUU, y sigue enseñando en la Universidad de Harvard.

Realizó junto con el trabajo de Martin Parr, algunos de los registros visuales más importantes de la vida en los 80 en Gran Bretaña, aunque menos kirsh y más social.

Ha expuesto, literalmente, todo el mundo, ha escrito mucho, ha aparecido en la radio y en la televisión, y ha sido particularmente activo en el comisariado de muchos espectáculos memorables.

Su obra aparece en las colecciones permanentes de importantes instituciones como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, George Eastman House, el Fine Arts Museum de San Francisco, Museum Folkwang, de Essen, el Stedelijk Museum de Amsterdam, National Gallery of Australia, Canberra y el Victoria and Albert Museum, Londres.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Bert Stern

Bert Stern es un fotógrafo estadounidense (nacido el 3 de octubre de 1929 en Brooklyn, Nueva York) destacado por sus trabajos sobre moda y retratos de celebridades. Su serie más mediática es la sesión que hizo de Marilyn Monroe con más de 2.500 fotografías poco antes de su muerte.

 

 

© Bert Stern

© Bert Stern

 

 

Biografía

Con dieciocho años empezó a trabajar en un banco de Wall Street, pero pronto lo abandonó para trabajar como ayudante de arte del director Herschel Bramson.en la revista Look, donde enseguida se hizo amigo de un joven fotógrafo de la plantilla: Stanley Kubrick.

En 1951 trabajó como cámara del ejercito americano en Japón. Luego entró como director artístico en la revista Mayfair y pronto inició su colaboración con revistas como Vogue, Squire, Look, Life, Glamour y Holiday.

El despegue de su carrera y la edad de oro de la publicidad ocurrieron al mismo tiempo. Stern, con su campaña Driest of The Dry para Smirnoff, contribuyó a vender más vodka de lo que Smirnoff jamás se pudo imaginar, convirtiendo a EEUU en el primer consumidor mundial de esta bebida y a Stern en un famosísimo fotógrafo, que  a la edad de 25 años era ya el fotógrafo más deseado de Madison Avenue, de Hollywood y del mundo de la moda a escala mundial.

Stern estuvo en el origen de la evolución creativa del mundo de la publicidad y, junto a Irvin Penn y Richard Avedon, fue uno de los primeros fotógrafos en convertirse en estrella.

Entre sus trabajos de esa época se encuentra un retrato de Louis Armstrong de 1959 realizado para una campaña publicitaria de Polaroid que incluso se llegó a considerar de excesiva calidad para la misma.

Su trabajo más conocido es The last sitting (La última sesión) que es una colección de 2.571 fotografías tomadas a Marilyn Monroe en 1962 en el hotel Bel-Air de Los Ángeles. Este reportaje lo realizó seis meses antes de la muerte de la estrella y parte del mismo se publicó en Vogue. La primera edición del libro The Last Sitting se hizo en 1982 y en él el mismo Stern cuenta el encuentro con detalle.

Él también pasó por algunas crisis en su vida. Tuvo alguna relación tormentosa, luego conoció a Allegra Kent, una famosa bailarina de ballet con la que se casó y tuvo tres hijos, y a la que hizo  fotos fascinantes intentando capturar el halo mágico que siempre parecía acompañarla, inmortalizándola en todas sus posturas de danza, en todos los momentos imaginables.

Pero, celoso de las parejas de baile de Allegra e inseguro, tomaba pastillas para soportar las maratonianas sesiones de fotos y empezó a tener alucinaciones y a comportarse agresivamente. Le diagnosticaron episodios de esquizofrenia y su mujer, horrorizada, lo abandonó llevándose a los niños. Stern decidió aceptar la invitación de un amigo suyo que vivía en España y allí pasó una larga temporada para recuperarse hasta 1976. Tras su regreso a Nueva York se dedicó a realizar fotografía publicitaria y colaboraciones en revistas.

En 2008, con casi ochenta años, Stern replicó el reportaje fotográfico de Marilyn teniendo como modelo a Lindsay Lohan.

Entre las mujeres famosas que ha fotografiado se encuentran Audrey Hepburn, Elizabeth Taylor, Madonna, Kylie Minogue, Drew Barrymore, Shirley MacLaine, Claudia Cardinale, Jacqueline Bisset, Brigitte Bardot y Catherine Deneuve.

También ha realizado trabajos en el cine con fotografía fija: Lolita en 1962, Cita con un ángel muy especial en 1987 o en American masters en 2006, como director en Jazz on a Summer’s Day en 1960 o como protagonista en Becoming Bert Stern en 2009.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Christian Rodríguez

Christian Rodríguez es un fotógrafo uruguayo (nacido en Montevideo en 1980, vive en Madrid) que  centra su mirada en la vida de mujeres, buscando historias muy cercanas y cotidianas. Su interés radica en mostrar una visión moderna y cotidiana de la mujer y su entorno.

 

© Christian Rodríguez

© Christian Rodríguez

 

 

 

Biografía

Por el amor que su abuela le inculcó por las artes plásticas, cursó varios años (1993-1999) el taller de Dellioti de artes plásticas y se introdujo en la fotografía de forma amateur a la edad de 20 años. Realizó también diversos talleres de fotografía en Uruguay, Chile y España.

En 2004 y 2005 trabajó en VTV y Tenfield (Uruguay) realizando tareas de cámara de prensa, estudio y producción. Su primer trabajo en medios fue en el diario La Republica (2005) y ese mismo año comenzó a colaborar con el diario Ultimas noticias. En enero del 2006 entró en plantilla en el diario El Observador (Uruguay) donde estuvo hasta finales del 2008. Durante ese mismo periodo realizó campañas de moda y publicidad.

Ha colaborado con las agencias de noticias France Presse, AP, EFE y Reuters.

En 2006 realizo la cobertura del conflicto Israel-Hezbolah en el sur del Líbano, comenzando a interesarse en los acontecimientos cotidianos más que en los noticiables. A finales de 2007 ingresó en la agencia de stock Win-initiative (EEUU) realizando trabajos documentales y de estudio.

En 2007 documentó el trabajo y la dedicación de los bailarines del Ballet Nacional Sodre en la preparación de El Cascanueces de Chaikovski en su serie Jeté que más tarde se editaría en libro (el grand jetté es un paso de ballet donde se alcanza el máximo de elasticidad y armonía pareciendo que el cuerpo, con las piernas abiertas, flota sobre el escenario y la música).

En 2008 ganó la beca Roberto Villagraz y en enero del 2009 vino a Madrid a realizar el master de EFTI. Desde entonces reside en Madrid y alterna su trabajo personal con el profesional.

Ha desarrollado dos proyectos de largo recorrido:

  • Mujeres migrantes (2009-2012), con el cual ha obtenido el premio Futuro Efti 2009 y fue seleccionado en Descubrimientos Photo España 2010.
  • Xiec (2009-2012) sobre el circo nacional de Vietnam.

Una de las cualidades que distinguen a Christian es su gran capacidad para entrar en la intimidad de la vida cotidiana y contar historias.

Sus premios más recientes son:

  • 2012, Mención de honor IILA/Fotografía. Roma, Italia.
  • 2011, 1º puesto POYi Latinoamérica con su ensayo sobre la migración.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Jeté.

George Hurrell

George Hurrell fue un fotógrafo estadounidense (nacido el 1 de junio de 1904 en Covington, Kentucky, y fallecido el 17 de mayo de 1992) que realizó una gran contribución a la imagen de glamour del Hollywood de los años 30 y 40. Es conocido como el “Grand Seigneur of the Hollywood Portrait“. Sus fotografías de actrices de los años dorados de la meca del cine se han convertido en iconos, no sólo de las actrices que aparecen en ellos, sino de toda una época que evoca glamour, talento y drama. Con su técnica creó un completo lenguaje visual que aún es imitado por muchos fotógrafos.

 

Greta Garbo © George Hurrell

Greta Garbo © George Hurrell

 

 

Biografía

Para cuando tenía ocho años, ya había desarrollado un interés por la pintura y el dibujo. Cayó en la fotografía casi accidentalmente: después de estudiar en el Art Institute de Chicago, Hurrell fue el encargado de fotografiar cuadros y pintores de una colonia artística en Laguna Beach, en 1925. Previamente, con 19 años, había trabajado como asistente del retratista Eugene Hutchinson.

Hurrell se mudó al oeste con la esperanza de continuar sus estudios de arte. En poco tiempo, sin embargo, las fotografías ocuparon el lugar de los cuadros, al darle más dinero que la pintura.

Uno de los primeros conocidos fotografiados fue la famosa aviadora Florence Poncho” Barnes. A través de ella, conoció a la estrella del cine mudo, Ramón Novarro, que le encargó una serie de retratos. Encantado con los resultados, Novarro mostró sus fotografías a sus compañeros de trabajo en la MGM, donde, llamó la atención de la primera actriz Norma Shearer.

Shearer, estaba desesperada por convencer a su marido, el jefe de producción de MGM, Irving G. Thalberg, que podía tener el sex appeal suficiente como para realizar el papel de The Divorceé, así que contrató a Hurrell para una sesión fotográfica, que fue tan buena y sugerente que consiguió su papel.

Thalberg y Shearer quedaron tan impresionados con este trabajo que le contrataron como director de la galería de retratos de MGM en 1930. En los próximos dos años, Hurrell ya había fotografiado a todas las estrellas de la MGM, desde Joan Crawford, Clark Gable y Greta Garbo hasta Wallace Beery y Marie Dressler, pasando por Dorothy Jordan, Myrna Loy, Robert Montgomery, Jean Harlow, Rosalind Russell y Carole Lombard.

Su obra establecía un nuevo estándar para los retratos de Hollywood, incluso inspiró un nuevo nombre para el género “la fotografía de glamour”. Después de unos desacuerdos con la MGM, estableció su propio estudio en Sunset Boulevard, al que las estrellas acudirían en masa.

También trabajó para Warner Bros, ayudando a crear las carreras de estrellas como Bette Davis, Humphrey Bogart, Ann Sheridan, Olivia de Havilland, Alexis Smith, Maxine Fife, Errol Flynn y James Cagney, y Columbia, fotografiando a Rita Hayworth. También a  Katherin Hepburn, Jean Harlow, John Payne y muchos más.

Tras servir en la guerra en la Unidad de Cine de la Fuerza Aérea de EEUU, Hurrell regresó a Hollywood, pero se encontró que su viejo estilo del  glamour ya no estaba de moda, y se trasladó a Nueva York, donde continuó fotografiando en publicidad y moda en los años 50. En 1956 se trasladaría definitivamente a California.

A partir de 1965, con una exposición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York que revivió el interés por su obra, su trabajo ha sido exhibido en museos de todo el mundo y volvió a fotografiar estrellas de cine como Liza Minelli, Paul Newman, Robert Redford. Sharon Stone, Brooke Shields y John Travolta. Warren Beatty, Annette Benning, Natalie Cole, …

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Ruth Bernhard

Ruth Bernhard fue una fotógrafa estadounidense de origen alemán (nacida en Berlín el 14 de octubre de 1905 y fallecida el 18 de diciembre de 2006 en San Francisco) conocida principalmente por sus estudios de desnudos con una iluminación teatral, que expresan su interés en la figura y la forma abstractas.

 

Two Forms, 1963 © Ruth Bernhard

Two Forms, 1963 © Ruth Bernhard

 

 

Mi búsqueda, a través de la magia de la luz y la sombra, es aislar, simplificar y dar énfasis a la forma con la mayor claridad. Mi objetivo es indicar la proporción ideal y revelar la masa escultural y el espíritu dominante.

Si he elegido la forma femenina en particular es porque la belleza ha sido degradada y explotada en nuestro sensual siglo XX. La mujer ha sido objeto de muchas cosas sórdidas y baratas, sobre todo en la fotografía. Mi misión ha sido elevar y fomentar la imagen de la mujer con una reverencia atemporal.

Dejé que la vida me hiciese regalos. Y todo ocurrió más o menos como se suponía que debía ocurrir. No busqué nada. Se diría que todo me buscó a mí.

 

 

 

Biografía

Sus padres, Lucian y Gertrud, se divorciaron cuando ella tenía dos años, y su padre la crió con la ayuda de dos profesoras de unos cuarenta años. Su padre, diseñador gráfico y tipógrafo, era famoso por haber diseñado la fuente Bernhard, que todavía se utiliza hoy en día. Se volvió a casar y tuvo cuatro hijos.

Ruth siguió a su padre a Nueva York en 1927, después de completar dos años en la Academia de Bellas Artes de Berlín. Trabajó un tiempo como asistente de  Ralph Steiner en la revista Delineator y también hizo fotografía para su padre y diseñadores industriales.

Se introdujo en los círculos de la subcultura lésbica de la comunidad artística de Manhattan, conociendo a Berenice Abbott. Empezó a fotografiar desnudos femeninos a principios de los años treinta, También realizó la fotografía del primer catalogo publicado del Museum of Modern Art de Nueva York.

En 1935, un encuentro casual con el fotógrafo Edward Weston en la playa de Santa Mónica, California, alteró el curso de su vida. Weston se convirtió en su mentor y Ruth estudió con él durante años. Según dijo, ver sus fotografías por primera vez fue una revelación: Era la luz en la oscuridad. Allí, ante mí, se encontraba una prueba indiscutible de lo que yo consideraba posible: un artista de una intensa vitalidad cuyo medio de expresión era la fotografía. Ambos mantuvieron una gran amistad y una apasionada correspondencia durante mucho tiempo, que no llegó a mayores porque Ruth no quería ser una amante más del fotógrafo.

En los años cuarenta, pasó a formar parte del Group f/64, uniéndose a fotógrafos modernistas de la Costa Oeste como Weston, Ansel Adams, Minor White, Imogen Cunningham, Wynn Bullock y Dorothea Lange. Todos ellos abordaban sus temáticas con un planteamiento purista. Su obra se caracteriza por la claridad fotográfica y una precisión detallada.

En particular, la influencia de Weston en el trabajo de Bernhard resulta evidente en la simplicidad compositiva de sus estudios de desnudos y sus naturalezas muertas realizadas con objetos orgánicos como conchas y pimientos.

Bernhard fotografiaba casi exclusivamente en el estudio. Era conocida por hacer una sola fotografía desde un ángulo específico después de crear meticulosamente una composición, en ocasiones durante días.

También se ganó la vida con encargos de fotografía comercial. A principios de los años cuarenta, inició una relación con la artista y diseñadora Eveline Phimister, y durante los 10 años siguientes vivieron juntas en Nueva York, y más tarde en Carmel, Los Ángeles y San Francisco, que se convertiría en la residencia permanente de Bernhard en 1953.

En 1967, conoció a un coronel afroamericano de las fuerzas aéreas, Price Rice, 10 años más joven que ella y que la cortejo durante 10 años antes de llegar a ser amantes. Estuvo con él, pero en residencias separadas, hasta su muerte, en 1999.

Bernhard se ganó la vida dando clases particulares en su estudio y dirigiendo talleres. Publicó varios libros de fotografía, y su obra figura en colecciones del San Francisco Museum of Modern Art, el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, el Museum of Fine Arts de Houston, la George Eastman House, la Bibliotheque Nationale de París y el Victoria and Albert Museum de Londres.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros