Lori Needleman

Lori Needleman es una fotógrafa estadounidense (vive en Teruel, España) que realiza principalmente fotografía mostrando la cultura y lugares de España al público americano.

 

 

© Lori Needleman

© Lori Needleman

 

 

Biografía

Lori Needleman es licenciada en Comunicación por la Boston University (Massachusetts) y amplió sus estudios en fotografía en UCLA (Universidad de California Los Ángeles), en el Santa Monica College y en el Otis Art & Design College.

Sus trabajos han sido reconocidos con premios como The International Photography Lucie Awards, PDN Photo Annual, Lürzer’s International Archive o Women In Photography International Awards. Sus imágenes también han aparecido en publicaciones como In Style Magazine, Destination Weddings y la revista Contraluz o el Diario de Teruel.

Durante un vuelo de Los Ángeles a Nueva York en el año 2000, Lori leyó en una revista de viajes un pequeño artículo sobre una fiesta que se celebra en Teruel, una pequeña ciudad de España, en torno a la historia de dos desdichados enamorados, y que tiene lugar en torno a los días de San Valentín, en febrero. Dicha historia despertó su interés y empezó a investigar sobre ella. Contactó a través de la página oficial de la Fundación Bodas de Isabel, y fue invitada a venir y participar en la fiesta, ocasión que aprovechó en uno de sus múltiples viajes a Europa.

Una vez aquí contactó con la directora de la fundación, Raquel Esteban, con la que estableció una buena amistad, a pesar de la dificultad idiomática, y Lori comenzó a viajar a Teruel año tras año, primero para Las Bodas, después con estancias más prolongadas, hasta afincarse en la ciudad mudéjar.

En 2007 conoció al hoy en día su marido, el también fotógrafo, Diego Hernández Estopiñán, mientras ambos documentaban gráficamente la XXI edición de Las Bodas de Isabel de Segura, y este año 2013, en febrero, ha sido la pregonera de estas fiestas.

Además, escribe en la versión estadounidense del blog informativo y de viajes The Huffington Post.

Después de tres años viviendo en España, Lori Needleman presentó su página Lori Needleman’s ESPAÑA sobre sus experiencias como americana viviendo en España. La web fue seleccionada por PDN Photo Annual 2011 como una de las mejores páginas de fotografía del año 2011.

 

 

Referencias

Jerome Sessini

Jerôme Sessini es un fotógrafo francés (nacido en 1968) cuyas fotografías siempre tienen una estética compositiva que otorgan una mayor fuerza a la parte de esas cruentas realidades que muestra.

 

Cuba. La Havana<br />
© 2008 Jerome Sessini / Magnum Photos

© Jerome Sessini / Magnum Photos

 

 

La gente ordinaria siempre pierde, ya sea en Irak, México o Francia.

No me gustan las categorías rígidas, a veces hay arte en el foto periodismo y otras hay foto periodismo en el arte.

 

 

Biografía

Jerôme Sessini, autodidacta y freelance, descubrió la fotografía documental a través de los libros que le dejaba un amigo fotógrafo. Comenzó a trabajar para la agencia Gamma en Kosovo en1999 y ha cubierto casi todos los acontecimientos y crisis internacionales, mostrando imágenes de desolación y falta de esperanza en zonas de crisis en Haití, Mogadiscio, Líbano, Iraq, Libia, Siria y Cuba. Personajes resignados a sus suerte, abandonados en medio de la guerra o las situaciones de miseria.

Enseguida consiguió reconocimiento internacionalmente y ha publicado en periódicos y revistas de prestigio como Newsweek, Stern, Paris-Match, Le Monde y el Wall Street Journal.

Su fotografía también se ha expuesto individualmente en la Festival Visa Photo de Perpignan, en los Rencontres d’Arles, la Bibliothèque Nacional François-Mitterrand, así como con el Ministerio de
Cultura
francés.

Sus fotografías de Cuba reflejan la miseria, la lucha diaria de la población por cubrir esas necesidades básicas. La fotografía de una tienda abierta de noche en una esquina de la Habana vieja, la desolación que expresa contrasta con y se acerca más a los perdedores de Edward Hopper que ocultaban sus soledades en la barra de un bar.

Es una de las últimas incorporaciones de la agencia Magnum.

Acaba de publicar su libro The Wrong Side (Un lugar equivocado) en el que muestra un trabajo que comenzó en el año 2008 sobre la guerra del narcotráfico en el norte de México y en el que narra a la perfección el sufrimiento de aquellos que se encuentran entre dos fuegos y que sólo intentan sobrevivir para no convertirse en el objetivo de los asesinos. Este proyecto, llamado So far from God, too close to America consiguió varios premios antes de ser terminado.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Enrique López-Tapia de Inés

Enrique López-Tapia de Inés es un fotógrafo español (vive en Madrid) especializado en fotografía de viajes y naturaleza, que ha recorrido los lugares más recónditos de nuestro planeta, siendo su debilidad los paisajes más extremos como los desiertos, selvas, volcanes y la alta montaña.

 

 

© Enrique López-Tapia de Inés

© Enrique López-Tapia de Inés

 

 

 

Biografía

Ha publicado en las principales revistas especializadas españolas: Siete Leguas, Lonely Planet, Altair, Viajar, Conde Nast Traveler, Descubrir, Campo Base, Digital Camera, El Dominical, El Mundo, El Semanal, El Viajero de El País, Gentleman, Yo Dona, GEO, Integral, Muy Interesante, Planeta Humano, Ronda Iberia, Rutas del Mundo, Viajes National Geographic, Photo, Terre Sauvage, World Heritage, The Independent, …

Sus fotografías han ilustrado diversas guías de viaje y libros de gran formato (LUNWERG, PLANETA, ESPASA).

Recientemente compagina su trabajo fotográfico con la realización de talleres de fotografía de viajes en diversos destinos internacionales entre los que se encuentran Nepal y Namibia.

Ha colaborado con organismos internacionales como la UNESCO y realizado reportajes fotográficos para diferentes ONG como Ayuda en Acción, Namaskarong y Médicos del Mundo.

Actualmente sus imágenes forman parte del archivo de varias agencias de fotografía como CONTACTO en España y la agencia especializada en naturaleza y medio ambiente NATURE PICTURE LIBRARY en Bristol, Inglaterra.

Su archivo fotográfico es muy extenso y abarca los cinco continentes:

Galardonado con en numerosas ocasiones, sus principales premios en 2012 han sido:

  • Premio de Honor a la Mejor Fotografía y ganador absoluto del Certamen Internacional de Fotografía de Montaña y Naturaleza Montphoto.
  • LUX de Bronce Reportaje Temático en los XX Premios Nacionales de Fotografía Profesional LUX.
  • Mención de Honor Portrait en los Premios Internacionales WPGA.
  • Premio Conde Nast TravellerCelebration” en los Travel Photographer of the Year.

 

 

 

Referencias

Cass Bird

Cass Bird es una fotógrafa estadounidense (nacida en 1974, vive en Brooklyn, Nueva York) que crea impresionantes editoriales de moda, con un aire seductor y un estilo contemporáneo, al mismo tiempo que está considerada una de las mejores retratistas americanas actuales.

 

© Cass Bird

© Cass Bird

 

 

 

Biografía

Bird creció en Los Ángeles, se graduó en el Smith College en 1999, se mudó a Nueva York y actualmente vive en Brooklyn.

Después de su éxito en el A + C “Festival for the Emerging Photographers de Nueva York,  su exposición J.D.’s Lesbian Utopia en Deitch Projects (Nueva York) fue todo un éxito. Más recientemente, su obra ha sido expuesta en el Palazzo Cavour en Turín, Italia.

Sus fotografías de mujeres y hombres jóvenes llaman la atención sobre la expresión fluida de los roles de género y la androginia en la cultura juvenil de hoy, y lo que ha descrito como “la convergencia de estilos de vida alternativos con conceptos aceptados de maternidad, crianza y familia“.

En los veranos de 2009 y 2010, Bird viajó a Sassafrass, Tennessee, con un grupo de jóvenes mujeres, un armario de vestidos vaporosos y una cámara. Estas mujeres, ayudantes de estudio, amigas, o seleccionadas en las calles de Nueva York, habían sido seleccionadas por la propia Bird por su identidad sexual, y también por su torpeza relativa en frente de la lente. El resultado fue Rewilding, una recuperación de la naturaleza, un retrato feliz de la feminidad moderna y una fiesta de camaradería entre mujeres.

Su trabajo aparece regularmente en The New York Times “T” Magazine, Interview, Paper, Details, The New Yorker, Rolling Stone, ID, Dazed and Confused, Monopol y Nylon, y también forma parte de la colección del Brooklyn Museum, de Nueva York.

Además de numerosas exposiciones en grupo, ha expuesto en solitario en:

  • 2005 JD’s Lesbian Utopia, Deitch Projects, Nueva York
  • 2003 The Insiders, Brewery Artist Space, Los Ángeles, California.

 

 

Referencias

Libros

Manuel Queimadelos

Manuel Queimadelos Alonso es un fotógrafo gallego (nacido en La Coruña, vive en Valencia) que realiza fotografía deportiva. Futbol, tenis, golf, fórmula 1, futbol playa, hípica, ciclismo, kitesurf, vela, motociclismo, rugby, … sus fotografías aparecen en multitud de prensa virtual y en papel.

 

 

© Manuel Queimadelos

© Manuel Queimadelos

 

 

 

Biografía

Es representado por GettyImages. Su fotografía es mayoritariamente deportiva, pero también hace noticias y publicidad.

Es gerente de Lensclub, la primera empresa online de alquiler de objetivos y accesorios profesionales de las dos marcas más importantes del mercado: Nikon y Canon.

 

 

 

Referencias

Peter McBride

Peter McBride es un fotógrafo y periodista estadounidense (nativo de Colorado) cuyo amor por la aventura, las culturas y el aire libre lo han llevado por todo el mundo a más de 60 países: ha viajado desde las selvas de África a los glaciares del Everest, y ha profundizado en los ritmos de la calle de Cuba y en las profundidades de las aguas de la Antártida.

 

© Peter McBride

© Peter McBride

 

 

 

Biografía

Peter McBride se crió en un rancho de ganado de Colorado y posteriormente se graduó en el Dartmouth College con una licenciatura en Inglés y Estudios Ambientales. Es un apasionado de la cultura latina y habla español con fluidez y domina el portugués.

Ha obtenido diversos premios: Pictures of the Year International, Communications Arts, The Society of Professional Journalists, la Society of Publication Designers y la beca Knight Fellowship for Professional Journalists en la Stanford University.

Cuando no está en trabajando en un encargo, Pedro en las montañas o en los ríos alrededor del Roaring Fork Valley en Colorado.

Su fotografía se ha publicado en National Geographic, Smithsonian, Outside, Esquire, Sports Illustrated, Men’s Journal, Stern, GEO y otras publicaciones, incluyendo clientes comerciales como Casio, Bose y Patagonia. Su pasión, combinada con una profunda creencia en la conservación, lo impulsó a pasar más de dos años documentando su río local, el Colorado. Este proyecto personal culminó en el libro The Colorado River. Flowing Through Conflict y en el corto Chasing Water(Mountainfilm 2011).

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

 

 

DVD

Juan Dolcet

Juan Dolcet Santos fue un fotógrafo español (nacido en Madrid en 1914 y fallecido en 1990 también en Madrid) integrado en la Escuela de Madrid, que llevó a cabo una fecunda obra desde un enfoque directo de la fotografía en el campo del retrato, el reportaje social y la fotografía de composición.

 

 

© Juan Dolcet

© Juan Dolcet

 

 

 

Biografía

Tuvo una formación autodidacta ya que su padre falleció cuando era adolescente y tuvo que entrar en el mundo del trabajo a una edad temprana, sin embargo como su padre era un fotograbador interesado en el arte le fomentó el interés por el mismo y la costumbre de visitar exposiciones artísticas.

Trabajó como ayudante en un taller familiar de grabado donde llegó a dominar sus técnicas y se inició como aficionado en la fotografía. Posteriormente ingresó en la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre en la que llegó con el tiempo a ser jefe de la Sección de Grabado.

Mostró interés por la pintura, la escultura, la música y la fotografía y conoció a muchos artistas como Rafael Canogar, Manolo Millares, Antonio Saura, Lucio Muñoz, Antonio López García y un largo etcétera a los que tuvo ocasión de hacer retratos.

En los años 50 su afición a la fotografía le llevó a ser un gran conocedor de esta materia y en 1955 se presentó y ganó el importante Premio Negtor (que volvería a ganar en 1966), obteniendo así un viaje a Alemania donde profundizó en su afición y tomó la valiente decisión de dedicarse plenamente a la fotografía. A su regreso a España presentó su dimisión en la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre, renunciando a su sueldo fijo y demás ventajas por seguir valerosamente con su gran vocación, apoyado por su esposa, que también trabajaba en la Fábrica.

Cuando en 1954 ingresó en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid se integró en la corriente renovadora de la misma formando parte primero del grupo fotográfico La Palangana y después de la denominada Escuela de Madrid. Con Gerardo Vielba, Fernando Gordillo, Paco Gómez, Leonardo Cantero, Gabriel Cualladó y otros miembros de la misma compartía en gran medida una fotografía de tipo directo mediante la que conseguía unas imágenes que se pueden considerar de raíz antropológica, tanto para el retrato como para el reportaje social.

Con su cámara al cuello, recorrió a partir de los años 50 numerosos lugares de la geografía española, intentando plasmar la belleza natural de sus paisajes, las costumbres y el sentir de la gente, con una mirada directa, desprovista de retórica.

Además de su obra personal, retrató a muchos de los más importantes artistas de su época, y también fue el  fotógrafo de las galerías de arte y por su objetivo pasaron gran parte de las obras de arte expuestas en aquellos años. Los libros y catálogos de entonces contaban con las reproducciones perfectas de Dolcet y en su archivo fotográfico figuraron muchas de las pinturas y esculturas realizadas en la mitad del siglo XX en Madrid.

Uno de sus retratos fue portada en 1963 del diario ABC destacando la presentación de fotografías en el Concurso Nacional de Bellas Artes que se celebraba anualmente y estaba reservado anteriormente a pintura, escultura, dibujo, grabado y arquitectura.

Su trabajo ha sido expuesto en países como Alemania, Estados Unidos o Argentina. Una de las exposiciones más conocida fue la que realizó en 1975 en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid con el nombre de Fotógrafos de la Escuela de Madrid. Obra 1950/1975 y que se repitió en el Museo Municipal de Arte Contemporáneo a finales de 2006.

Su obra forma parte de la colección de la Universidad de Navarra.

 

 

Referencias

Dominic Nahr

Dominic Nahr es un fotorreportero suizo (nacido en 1983, vive en Nairobi, Kenia, desde 2009) cuyo objetivo es mostrar acciones que ya no suceden o que se han olvidado, trabajando con una mirada firme e inquebrantable para narrar relatos verdaderos de disturbios civiles y crímenes infligidos en la búsqueda de la protección de las fronteras físicas o psicológicas.

 

 

© Dominic Nahr

© Dominic Nahr

 

 

 

Biografía

Nahr se crió en Hong Kong, donde se estableció como reportero gráfico. Allí, trabajó para el South China Morning Post como fotógrafo de plantilla. En 2007, sin dejar de asistir a la universidad de Toronto, Nahr convirtió en un fotógrafo freelance, trabajando para revistas como Newsweek, GQ y The Fader.

Se graduó de la Ryerson University en 2008 después de terminar un proyecto en Detroit, EEUU.

Tiene su sede en Nairobi, Kenia, desde 2009 y es un fotógrafo contratado por la revista Time. Se incorporó como nominado a Magnum Photos en 2010 y está representado también por la O’Born Contemporary Gallery de Toronto.

Sus premios más recientes son:

  • 2013: 3º premio en General News, singles, en el World Press Photo.
  • 2012: 1º premio en Pictures of the Year International Awards y una Honorable Mention
  • 2010: 3º premio en Days in Japan International Photojournalism Awards
  • 2009: Oskar Barnack Newcomer Award en el Arles Photo Festival
  • 2009: 2º premio en la categoría Current Affairs en los Sony World Photography Awards
  • 2009: Ganador del PDN 30 under 30 del Photo District News Magazine

En 2010 fue seleccionado para participar en la Joop Swart Masterclass y consiguió becas de Magnum y del Pulitzer Centre.

Entre sus clientes se incluyen las revistas Time, The New Yorker, National Geographic Magazine, Stern, The Telegraph Magazine, The Sunday Times, The Wall Street Journal, Le Monde Magazine Internazionale y GQ France.

Sus fotografías son también parte de muchas de las colecciones importantes de todo el mundo.

 

Referencias

Laure Albin Guillot

Laure Albin Guillot fue una fotógrafa francesa (nacida el 14 de febrero de 1879 en París y fallecida el 22 de febrero de 1962, también en París) considerada la gran dama de la fotografía francesa. Para  muchos críticos y profesionales de la época, fue, en su tiempo, la mejor fotógrafa del mundo.

 

Laure Albin Guillot

Laure Albin Guillot

 

 

 

Biografía

Laure Manffredi era hija de una familia burguesa acomodada, que estudió pintura y dibujo, y cuyo interés por la fotografía se inició tras su matrimonio en 1987 con el médico y científico Dr. Albin Guillot, y los amigos que los frecuentaban: políticos, intelectuales, arquitectos…, fueron el tema de sus primeros retratos. También realizó paisajes de estilo pictorialista, para practicar algunas técnicas, como la copia al carbón Fresson (muchas de ellas en colaboración con el propio Pierre Fresson) y otras alquimias de laboratorio. Sus copias son impecables.

Sin embargo, no fue una pictorialista, como muchos la han encasillado, sino que pasó del pictorialismo a formar parte de la Nouvelle vision de los años 30.

Desde 1901 y en  colaboración con su esposo fotografió especímenes microscópicos, células de plantas y organismos animales, con un resultado espectacular,  y fue su primer gran trabajo, que se publicó con el nombre de Micrografie Decorative en 1931, en honor a su marido muerto.

Realizó unas magnificas ilustraciones de desnudo masculino  para el poema Narcisse de Paul Valery, que rendido a su talento le escribió “…ha hecho usted simplemente un poema al lado del mío …”. Sus desnudos femeninos, son también antológicos, e ilustró 12 Chansons de Bilitis del poeta Pierre Löuys en 1937, y la Deesse Cypris de Henry de Monhterlant. Y con Man Ray y Pierre Boucher, Le Un en Photographie.

Después de la guerra, Laure continuó trabajando para ganarse la  vida. Moda, retrato y niños eran sus recursos seguros. Con su edad, sin embargo, los cajones de su estudio estaban llenos de ideas que en su mayor parte no pasaron de ser sólo proyectos.

A final de los años 50, una inundación destruyó gran parte de su trabajo de los años 20 y 30. A  Laure le resultó  ya muy difícil recuperar las fuerzas  tras la catástrofe. Y la llama de la creación, se fue extinguiendo, hasta su muerte.

Sus fotografías se encuentran en numerosas colecciones, incluyendo el Getty Museum, Yale University Art Gallery, National Galery of Canada, George Eastman House, la Biblioteque Nationale y, por supuesto, la Societé Francaise de Photographie.

A las exposiciones que realizó en vida, se suma la que se realiza estos días, hasta el 12 de mayo de 2013, en la Galería Nacional del Jeu de Paume, en París.

 

 

 

Referencias

Charles Nègre

Charles Nègre fue un fotógrafo y pintor francés (nacido el 9 de mayo de 1820 en Grasse y fallecido el 16 de enero de 1880, también en Grasse) pionero de la fotografía, conocido por su obra de paisaje y de arquitectura de París, Chartres y del sur de Francia.

 

Henri Le Secq et Le Stryge sur Notre-Dame de Paris, 1853, Charles Nègre

Henri Le Secq et Le Stryge sur Notre-Dame de Paris, 1853, Charles Nègre

 

 

Gutenberg dio al mundo la imprenta del pensamiento; hoy, Alteza, puede mediante la heliografía realizar la imprenta de la forma exterior. Con la participación de la heliografía, las bellas obras de arte, de cualquier índole, podrán ser reproducidas, publicadas, vulgarizadas.

 

 

 

Biografía

Nació en una familia de origen italiano llamada Negri, que se instaló en la ciudad en 1778 y regentaba una confitería. Con 18 años comenzó a estudiar pintura en París con Paul Delaroche, Drolling y después con Ingres. Desde 1843 expuso sus pinturas y en 1851 Napoleón III le compró uno de sus cuadros.

En 1844 comenzó a experimentar con la fotografía, con el fin de mejorar su trabajo pictórico, pero ésta acabó convirtiéndose en su actividad principal, aunque nunca dejó de pintar. Comenzó realizando daguerrotipos y luego calotipos (a partir de 1850), pero tras la aparición del colodión trabajó (desde 1853) con este procedimiento y estuvo investigando sobre la heliografía y el huecograbado. En 1849 comenzó a experimentar con los procesos del papel, sobre todo los del papel encerado, proceso creado por Le Gray.

Participó en la Misión Heliográfica y fue uno de los fundadores de la Sociedad Francesa de Fotografía. Recibió el encargo de fotografiar la catedral de Chartres y diversas obras de arte del museo del Louvre, con fines documentales. Sus calotipos de 52×72 cm son de los mayores creados con esta técnica. Trabajó en esa época con su colega Henri Le Secq.

Su obra titulada Deshollinadores caminando (Ramoneurs en marche) realizada en diciembre de 1851 está considerada como el primer ejemplo de fotografía de reportaje realizado por un francés. Esta fotografía forma parte de un reportaje que podría haberse realizado con el fin de realizar una pintura, pero que dio lugar a una serie de reportajes fotográficos documentales sobre trabajadores, artesanos o comerciantes que se retrataban a modo de «tipos».

En 1852 estuvo impartiendo clases en la Escuela Superior de Comercio de París y al mismo tiempo comenzó a realizar fotografías en el sur de Francia, obteniendo más de doscientos negativos para su serie La Midi de la France. En 1856 publicó en la revista La Lumière su método de grabado heliográfico (gravure heliografique), que llamó «grabado paniconográfico». Consolidaba la técnica de Niépce del heliograbado con un baño de oro-platino.

En 1861 realizó el que se puede considerar el primer reportaje social francés, sobre el asilo imperial de Vincennes.

En 1863 se retiró a vivir a Niza donde realizó numerosas fotografías de sus alrededores. Uno de los motivos fue que el Premio del Duque de Luynes se lo dieron a Alphonse Poitevin en vez de a sus fotografías realizadas por su complejo método de grabado que ofrecían mayor calidad, y otro, algunos problemas de salud.

Murió olvidado en su ciudad natal, y fue redescubierto en 1936 gracias a grandes exposiciones fotográficas organizadas en París y Nueva York, luego en los años setenta del siglo XX tras la publicación de dos biografías suyas en 1976 y 1980.

Su sobrino-nieto, Joseph Nègre, trabajó toda su vida para revivir el pasado glorioso de su tío abuelo. En 1991, publicó el libro La Riviera de Charles Nègre con fotografías de la Costa Azul y el interior de Francia.

Sus trabajos se han conservado particularmente bien, gracias al cuidado de sus  descendientes y al de los coleccionistas Andre y Marie-Therese Jammes.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Charles Nègre photographe: 1820-1880, por André Jammes, 1963
  • La Riviera de Charles Nègre,1991

Benedicte Kurzen

Benedicte Kurzen es una fotógrafa freelance francesa (nacida en 1980, vive en Johannesburgo, Sudáfrica) que realiza fotografía documental enfocada principalmente en los conflictos y cambios socioeconómicos del continente africano.

 

© Benedicte Kurzen

© Benedicte Kurzen

 

 

Biografía

Obtuvo un máster en Historia Contemporánea en la Universidad de la Sorbona en Francia. Estudió un año un master en estudios semiológicos, escribió su memoria sobre el “mito del fotógrafo de guerra” y decidió mudarse a Israel en 2003. Su viaje fotográfico comenzó cubriendo duras noticias en la Franja de Gaza. Entre 2003 y 2005 viajó regularmente desde Francia a Israel, Irak, Egipto y el Líbano.

Animada por Stanley Greene para contribuir al proyecto “Violencia contra la Mujer” en colaboración con Amnesty International y Médecins Sans Frontières (MSF), Bénédicte cambió de las noticias a la fotografía documental, mostrando la situación de las viudas en la Franja de Gaza, que se proyectó en Visa pour l’image, 2005.

En 2005, se mudó a Sudáfrica y, con otras cinco fotógrafas, creó EVE Photographers, grupo  dedicado a documentar temas de mujer a nivel mundial. Motherhood, su primera obra colectiva se expuso ampliamente en Europa, y en el Festival de Fotografía de Lianzhou y el Angkor Photo Festival. Desde entonces, ha estado cubriendo el continente africano.

De 2008 a 2011, formó parte del programa VII Mentor Program and Network bajo la tutoría de Gary Knight y Chris Morris. Desde 2011, volvió a trabajar independientemente. Una beca del Centro Pulitzer le permitió iniciar un proyecto a largo plazo sobre las violencias sectarias que tienen lugar en Nigeria.

En 2009 participó en la prestigiosa World Press Photo Joop Swart Masterclass.

Su trabajo ha aparecido en Time, Newsweek, Paris Match, Le Monde, Courrier International, The Times, Der Spiegel, Die Welt, La Republicca Magazine, New Yorker, Harpers, TIME, el New York Times, Newsweek y Stern, entre otros.

En 2013 se ha unido a la agencia Noor Images como miembro asociado. Para ampliar su comprensión de los lugares que visita, ha aprendido a hablar Inglés, alemán, español, algo de árabe y hebreo, y también Zulú.

En últimos años ha realizado estas exhibiciones y obtenidos estos premios:

  • 2013. Exposición Once I was here, Gallery 345, Toronto, Canadá.
  • 2012. Exposición Nigeria: divided Under God, en VISA pour l’Image, Perpiñán,
  • 2012. Finalista  en la Visa d’Or, VISA pour l’Image
  • 2012. Exposición The steel shell : the port of Lagos, Lagos Photo Festival, Lagos, Nigeria.
  • 2012. Exposición Nigeria: divided Under God, Shade of Women Festival, Roma, Italia.
  • 2011. Beca del Pulitzer Center por Nigeria: divided Under God.

 

 

Referencias

Anastasia Taylor-Lind

Anastasia Taylor-Lind es una fotorreportera sueca/inglesa (nacida en en 1981)  que documenta historias que están socialmente en cuestión y, a menudo, se centran en la vida de las mujeres en su lucha por sobrevivir en sociedades patriarcales, de la antigua Unión Soviética o limítrofes.

 

© Anastasia Taylor-Lind

© Anastasia Taylor-Lind

 

 

 

Biografía

Anastasia Taylor-Lind es licenciada en Fotografía Documental por la Universidad de Gales, Newport y el London College of Communication, y ha trabajando para clientes como National Geographic, GEO Alemania, The Telegraph Magazine, The Observer Magazine, The Sunday Times Magazine, Marie Claire, ELLE Francia, Newsweek, Time, The Guardian Weekend y The New York Times.

Su obra ha sido expuesta en la Galería Saatchi, el Club Frontline, la National Portrait Gallery de Londres, Fovea Expossitions en Nueva York, Pikto Gallery en Toronto, Oude Kerk en Ámsterdam y El Nuevo Museo de Arte Moderno de México en Santa Fe, así como otros lugares a nivel internacional.

Anastasia recibió una beca FNAC Fotoperiodismo en 2010, y ha ganado varios premios como el Fotógrafo Joven Canon 2009 de en Italia. En 2011 fue seleccionada para participar en la Joop Swart Masterclass que organiza World Press Photo. Y ya en 2012:

  • 1º puesto en la categoría feature picture story del POYI
  • Center Awards, Proyecto ganador.
  • Picto Top Pick Award

Anastasia es actualmente miembro de la VII Photo Agency.

Como ejemplo de los proyectos que desarrolla:

  • recientemente pasó cinco semanas en el sur de Rusia y parte de Ucrania para rodar un reportaje sobre el resurgir cosaco, fotografiando algunas de las escuelas de cadetes que han surgido para la enseñanza de las técnicas tradicionales de los cosacos: artes marciales, bailes folclóricos y montar a caballo. Una de las escuelas que eligió es el Ataman Platov cerca de Rostov-on-Don, que es la única que acepta a niñas como residentes. Realizó las fotografías con una Bronica 6 × 6 con un detector de nivel y desde la cintura, para una mejor relación con las cadetes.
  • también ha documentado a las mujeres kurdas de las guerrillas de Irak,
  • y a las jóvenes rusas entrenándose para ser supermodelos.

 

 

Referencias