Ana Robles

Ana Robles es una médica veterinaria, psicóloga social y fotógrafa argentina. La mayor parte de su obra son retratos, algunos ambientados. Hace también fotografía de naturaleza y paisaje, pero su mayor interés es sobre la gente.

 

Black Gioconda © Ana Robles

Black Gioconda © Ana Robles

 

 

Me gustaría transmitir que somos todos iguales, no importa en qué condición social nos encontremos, en que cultura, con el sufrimiento o con la alegría, con el modo de ver la vida, con mas o menos restricciones. Todos somos una construcción social, modificados diferentemente por el lugar donde nacimos, sangramos igual y sentimos igual y la diversidad nos enriquece y aúna.

Si la globalización se cumple, el mundo va a ser muy aburrido. Me refiero al avasallamiento de los pueblos y la pérdida de culturas, como está ocurriendo en todos los rincones del planeta.

 

 

 

Biografía

A Ana María Robles, hace unos 15 años, la dueña de un paciente (Ana es veterinaria) con la que charlaba de viajes y experiencias, le comentó que estaba haciendo un curso de fotografía y le invitó a su  foto club.  El interés por la gente, por diferentes culturas ya lo tenía Ana, pero  nunca pensó en que fuera atraparle tanto la fotografía.

Su primera cámara fue una Canon semiautomática, analógica por supuesto. Le gustó la actividad, pero había que aprender mucho.  Hizo diversos cursos y comenzó a participar en concursos.

Es un camino de experiencias y sensaciones. Es un placer la  captura del momento justo, el logro de una imagen, sentir  empatía con los personas, las situaciones que se producen, la maravillosa buena onda de la gente. Le gusta meterse en sus costumbres, en sus modos,  en sus reacciones. Siempre ha tenido magnificas experiencias porque la gente más simple, abre sus casas y se brinda sinceramente. A ese aspecto de la fotografía le está absolutamente agradecida.

Ha ganado numerosos premios nacionales e internacionales. Es un referente actual de la fotografía argentina en la concursística internacional. También ha participado en muestras individuales y colectivas realizadas en galerías y en congresos junto a la sociedad de Médicos Veterinarios Artistas. Obtuvo el segundo premio en el concurso Luz de las Américas de National Geographic en 2006, que significó la publicación de su obra en la prestigiosa revista.

 

 

 

Referencias

David Chauvin

David Chauvin es un fotógrafo estadounidense (vive en La Place, Louisiana) que crea espectaculares imágenes de la naturaleza, paisajes y vida salvaje, sobre todo de Lousiana y de la Costa del Golfo.

 

 

© David Chauvin

© David Chauvin

 

 

La palabra pantano tiene una connotación negativa para muchas personas que no han tenido la suerte de ser testigo de primera mano de su belleza sutil. No todo el mundo tiene la oportunidad de remar bajo la luna llena entre los centenarios cipreses o ser testigos del apareamiento de las garza en primavera.

 

 

 

Biografía

David Chavin creció en la pequeña ciudad de Edgard, Louisiana, con el río Mississippi en la puerta principal y los pantanos del Lac des Allemands en la parte trasera de su casa. Este mundo natural era un parque infantil para él.

La fotografía ha sido la evolución natural de la pesca, caza y exploración de su juventud. Cañas, armas y redes han sido sustituidas por una cámara y un trípode. En lugar de pescar y cazar, la búsqueda de una hermosa luz es ahora su razón de ser.

Ríos, lagos, pantanos, marismas y costas, los ricos y diversos ecosistemas del sur de Louisiana le han ayudado a dar forma a su visión fotográfica. Aves, insectos, paisajes y todo lo demás es un motivo apropiado a fotografiar cuando la oportunidad se presenta, pero la calidad de la luz es el factor principal en la creación de sus imágenes.

A pesar de que le gusta viajar a otras partes del mundo para fotografiar otras bellezas naturales, las mejores imágenes las hace en lugares íntimamente conocidos.

Todo su trabajo desde 2004 es digital y cree que las herramientas modernas ofrecen una increíble cantidad de libertad en todas las etapas del proceso fotográfico para dar forma a una imagen que representa más de cerca el espíritu que habita en la tierra y aguas de nuestro hogar.

 

 

 

Referencias

Scott Conarroe

Scott Conarroe es un fotógrafo canadiense (nacido en 1974 en Edmonton, Alberta) cuya fotografía de paisaje y de entornos edificados evocan tradiciones pictóricas románticas mientras participa plenamente de un discurso crítico contemporáneo.

 

© Scott Conarroe

© Scott Conarroe

Creo que ese efecto pictórico ocurre principalmente en la cámara. Mis exposiciones van de varios segundos a minutos, y la luz cambia constantemente. Mis negativos no reflejan realmente lo que ve el ojo, sino distintos momentos visuales en una única imagen. El tiempo se abstrae, el espacio se comprime y la combinación de colores aumenta la distancia entre mis fotos y la realidad. Eso ocurre gracias a la romántica mezcla de luces que me gusta. La ausencia de sombras hace la componente de realidad aún menor.

 

 

 

Biografía

Scott Conarroe obtuvo un master en la Nova Scotia College of Art and Design en 2005 tras licenciarse en el Emily Carr Institute of Art and Design en 2001.

Su fotografía está realizada con una cámaras de 4x5” y largas exposiciones, desde algunos segundos hasta 15 y 20 minutos en algunos casos, normalmente desde lugares elevados y realizadas muchas veces al amanecer. El movimiento de la luz durante ese tiempo y su particular luminosidad hace que las imágenes aparezcan como pictóricas al mismo tiempo que los elementos retratados son evidentemente contemporáneos.

Muchas de sus fotografías son de zonas urbanas en las que no aparecen personas en réplica a la superpoblación urbana de estos días y/o como resultado del síndrome del ocaso del imperio y la posible desaparición de la raza humana de las ciudades

Su trabajo está en algún lugar entre los Becher y Sugimoto, entre el fotoconceptualismo de Vancouver y el impresionismo francés, pero también se identifica fuertemente con varias ramas de la fotografía tradicional americana. Pero, en realidad, a quien se acercó conscientemente fue a Robert Frank, emulándole descaradamente durante un tiempo.

Viajero incansable, se ha recorrido en furgoneta el interior y la costa de Canadá y las EEUU. En uno de sus frecuentes traslados, limpiando sus cajas de fotografías, observó que muchas de ellas eran de paisajes relacionados con el ferrocarril y creó su proyecto By Rail. Esto le llevó a By Sea, donde fotografió las cosas norteamericanas. Posteriormente ha realizado otros proyectos en China y numerosos estudios mayoritariamente de paisajes urbanos. También utiliza el video.

Obtuvo una beca Chalmers en 2008 y ha sido citado como uno de los 30 mejores fotógrafos emergentes por PDN en 2010. Ha sido artista en residencia en el Light Work (Syracuse, EEUU); Cerbex (Beijing, China) y Villa Sträuli (Winterthur, Suiza), y fue uno de los participantes en el Canadian Forces Civilian Artist Program en 2011. En este año obtuvo también el premio Duke and Duchess of York Prize for Photography. En 2013 ha conseguido una beca Gugenheim.

El trabajo de Conarroe estuvo en el pabellón de Canadá en la Expo Mundial de Shanghai, en el espectáculo itinerante Arena: El arte de Hockey, y en el 2009 Lishui Photo Festival de China.

Además, su estudio de la infraestructura ferroviaria de América del Norte forma parte de la exposición itinerante de la Art Gallery of Windsor.

Sus fotografías forman parte de colecciones públicas y privadas como por el Canada Council Art Bank, The Bank of Montreal, The Cleveland Clinic, ...

Conarroe está representado por la Stephen Bulger Gallery de Toronto.

 

 

 

Referencias

Claude Nori

Claude Nori es un editor y fotógrafo francés (nacido en Toulouse en 1949) cuya obra es puro romanticismo estético, desnudos de mujeres espectaculares, gestos cotidianos, gamas cromáticas, paisajes desolados y urbanos, blancos y negros, pasión desde la adolescencia a la madurez. Su obra es un canto de amor a la juventud y al propio amor, acariciado por una brisa y un sol mediterráneo.

 

© Claude Nori

© Claude Nori

 

 

La primera vez que embarqué hacia Stromboli se apoderó de mí la misma emoción que siente un niño cuando abre las páginas de un comic (Tintin: L’Ile Noire de Hergé) para encontrar entre sus paisajes y colores a sus personajes favoritos. Los míos están en blanco y negro y muestran la furia de un volcán y los ríos de lava entre los cuales se escondió el tumultuoso amor de Roberto Rossellini e Ingrid Bergman. Luego, en un segundo viaje, tomé la mano de la mujer a quien amaba, Gino Castoriano y de repente la isla comenzó a parecerse a esa imagen.

 

 

 

Biografía

Nacido en 1949 en Toulouse de padres italianos que montaron una tienda de comestibles en el centro de la ciudad y posteriormente un restaurante donde los italianos del suroeste encontraban los productos y platos típicos de su país, Claude Nori tuvo una infancia feliz.

Cuando parecía destinado a convertirse en un director de cine y había comenzado a estudiar en el Conservatorio Independiente de Cine Francés en París, descubrió la fotografía en 1968 gracias al Mayo Francés con su compañero de clase Patrick Chapuis, con el que compartió el laboratorio en casa de sus abuelos, su primera exposición en 1971 y algunas fotografías publicadas en Photographie nouvelle.

Jean (Yan) Dieuzaide, que era el maestro incontestable de la fotografía en Toulouse le incitó a aprender la historia de la fotografía prestándole algunos libros muy importantes.

Después de trabajar para Vogue y Daily Telegraf Magazine, en 1974, dejó Toulouse por Paris y, en buena parte por que no encontraba editor para su libro Lunettes, creó Contrejour: una revista, una empresa editorial y una galería en Montparnasse. Rápidamente Contrejour se convirtió en una centro de reuniones y promoción de nuevas formas de fotografía, publicando los primeros libros de fotógrafos como Guy le Querrec, Bernard Plossu, Sebastiao Salgado, Arnaud Claass, Denis Roche, Jeanloup Sieff, Gilles Peress, Luigi Ghirri, Sabine Weiss. Pierre and Gilles, Edouard Boubat, Robert Doisneau y Willy Ronis.

En 1984, en colaboración con Gabriel Bauret and Lorenzo Merlo, fundó la revista Camera International. También les Cahiers de la Photographie; ha participado en numerosos eventos culturales antes de fundar, en 1999, el festival Terre d’images en Biarritz, donde reside actualmente.

Ha expuesto en numerosos festivales (Arles, Malmoe, Houston, Tokio, Valencia, Roma, Corigliano, Rio de Janeiro, Coímbra, México, …) y galerías, y sus imágenes están presentes en numerosas colecciones.

Es representado por la Galerie Nicomède.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Lunettes 1975
  • Je vous aime 1979
  • Une fille instantanée. Novela 1981
  • Il me semble vous avoir rencontré quelque part 1983
  • L’été dernier ; Manifeste photobiographique 1983
  • À l’Institut 1986
  • Lotus Park 1987
  • Stromboli 1991
  • Des images et des jours 1995
  • Fugues toulousaines : images choisies et quelques textes 1997
  • Toi et moi 1999
  • Un été italien 2001
  • Les Couleurs du bonheur 2004
  • La Photographie en France des origines à nos jours 2008
  • Passions al dente 2010
  • La géométrie du flirt 2011
  • Jours heureux au Pays basque 2011
  • Dopo la dolce Vita 2011.
  • Claude Nori. Les desirs son déjà des souvenirs, 2012

Fernando Gordillo

Fernando Gordillo Escudero es un fotógrafo español (nacido en 1933) que formó parte de la llamada Escuela de Madrid y del movimiento de renovación de la fotografía en España en la segunda mitad del siglo XX.

 

 

© Fernando Gordillo

© Fernando Gordillo

 

 

Biografía

En su juventud sus padres le regalaron una cámara fotográfica comprada en Alemania y realizó cursos en diferentes países. En 1953 comenzó a trabajar como fotógrafo freelance. Pronto entró en contacto con miembros de la Real Sociedad Fotográfica y de la Agrupación Fotográfica de Guadalajara.

Entre 1960 y 1970 realizó un reportaje del pueblo de Pedro Bernardo ofreciendo una imagen idílica del mismo. También colaboró en la revistas Arte Fotográfico, Imagen y Sonido, Noticiero Universal y Anuario de Fotografía Española.

En 1963 entró a formar parte del grupo La Palangana creado en 1957 por Gabriel Cualladó, Leonardo Cantero y Francisco Gómez.

En 1972 fue el primer director de la revista fotográfica Cuadernos de Fotografía que disponía de un consejo editorial formado casi en exclusiva por miembros de la Escuela de Madrid: Gabriel Cualladó, Francisco Gómez, Leonardo Cantero, Gerardo Vielba, Pedro Pascual y Fernando de Giles.

En 1996 una gran exposición en el Museo del Prado conmemoraba el 250 aniversario del nacimiento de Goya y Fernando Gordillo obtuvo un permiso especial de la dirección de la pinacoteca para realizar fotografías libremente en sus salas durante mes y medio. El fruto de aquella experiencia fue un magnífico ensayo fotográfico titulado Goya y el pueblo de Madrid.

A lo largo de su trayectoria recibió diversos premios, uno de los últimos fue el Premio Villa de Madrid de Fotografía de 1997.

 

 

 

Referencias

Sir John Herschel

Sir John Herschel fue un matemático y astrónomo inglés (nacido el 7 de marzo de 1792 en Slough, Buckinghamshire, y fallecido el 11 de mayo de 1871 en Collingwood, cerca de Hawkhurst, Kent). En el ámbito de la fotografía inventó la cianotipia. También acuñó los términos fotografía, negativo, positivo y descubrió el uso del tiosulfato de sodio como fijador de las sales de plata. Su campo principal de trabajo fue la astronomía, donde hizo importantes contribuciones

 

 

Bonneville, cerca de Ginebra en el camino a Chamonix. Sir John Herschel

Bonneville, cerca de Ginebra en el camino a Chamonix.
Dibujo de grafito a mano realizado con la ayuda de una cámara lúcida.
Sir John Herschel

 

 

 

Biografía

Sir John Frederick William Herschel  fue el único hijo del astrónomo William Herschel, el descubridor del planeta Urano. Estudió en Eton College y St John’s College, Cambridge, y se graduó con los más altos honores en matemáticas.

Durante su etapa de estudiante se hizo amigo de Charles Babbage y George Peacock; precisamente fue la corrección de errores sistemáticos en tablas astronómicas, tarea en la que trabajaron ambos, las que animaron a Babbage a construir una máquina automática de cómputo que eliminase el trabajo humano a sugerencia suya.

Sus intereses científicos se extendieron a distintas áreas, como la óptica, la cristalografía, la mineralogía, la geología, la meteorología, la química y otras más, pero desde luego su campo principal de trabajo fue la astronomía, donde hizo importantes contribuciones. Una de ellas fue el descubrimiento de las órbitas elípticas de las estrellas dobles y la demostración de que se mueven de acuerdo con las leyes de Newton, lo que amplió la aplicación de la teoría newtoniana, del sistema solar a todo el universo

En el año 1800, hizo un descubrimiento muy importante. Estaba interesado en aprender cuánto calor pasaba través de los filtros coloreados con los que observaba el sol, ya que había notado que la cantidad de calor que transmitían dependía del color. Herschel diseñó un experimento muy original para comprobar su hipótesis, haciendo pasar luz solar a través de un prisma de cristal para generar un espectro: el arco iris. Luego midió la temperatura de cada color. Al medir las temperaturas de la luz violeta, azul, verde, amarilla, naranja y roja, notó que cada color tenía una temperatura determinada que aumentaba al ir del violeta al rojo. Después de realizar ese experimento, Herschel decidió medir la temperatura en una zona ubicada un poco más allá de la luz roja del espectro, al parecer desprovista de luz. Para su sorpresa, descubrió que esta región tenía la temperatura más alta de todas. Eran los “rayos caloríficos” (posteriormente denominados rayos infrarrojos), que existían más allá de la región roja del espectro. Encontró que eran reflejados, refractados, absorbidos y transmitidos igual que la luz visible.

Empezó con la astronomía en 1816, cuando construyó un telescopio reflector con espejo. Entre 1821 y 1823 reexaminó, junto con James South, las estrellas binarias catalogadas por su padre. Por este trabajo logró en 1826 la Medalla de oro de la Real Sociedad Astronómica (la volvería a ganar en 1836); y la medalla Landale del Instituto de Francia en 1825; la Royal Society le otorgó además la Medalla Copley por sus contribuciones matemáticas. Fue nombrado Sir en 1831.

Herschel hizo numerosas contribuciones importantes a la fotografía. Realizó mejoras en los procesos fotográficos, en particular en la invención de la cianotipia y algunas variaciones de proceso (como la chrysotipia), los precursores del proceso modelo moderno. Experimentó con la reproducción del color, tomando nota de que los rayos de diferentes partes del espectro tiende a impartir su propio color de un papel fotográfico. Colaboró ​​en la década de 1840 con Henry Collen, retratista de la reina Victoria. Descubrió originalmente el proceso del platino sobre la base de la sensibilidad a la luz ultravioleta de las sales de platino, que sería posteriormente desarrollado por William Willis.

Sin saber que el  término fotografía ya había sido acuñado por Hercules Florence en 1834  Herschel también lo definió en 1839. También acuño los términos negativo y positivo a la fotografía.

Descubrió en 1819 que el tiosulfato de sodio era un disolvente de haluros de plata, e informó a Talbot y Daguerre de su descubrimiento de que este hiposulfito de sodio (hipo) podría ser utilizado como fijador fotográfico, para filar las fotos y que fueran permanentes, después de aplicarlo experimentalmente, a principios de 1839. Su innovadora investigación sobre el tema fue leído en la Royal Society de Londres en marzo de 1839 y enero de 1840.

Otra de sus contribuciones fue hacer la cartografía completa de los hemisferios celestes. El del norte lo hizo en Inglaterra, y el del sur, en el Cabo de Buena Esperanza, a donde Herschel viajó con su familia y su telescopio en 1833 y permaneció cuatro años, una de las etapas más felices de su vida, completando la clasificación de los cielos del norte iniciada por su padre William, y continuada por él mismo. Llegó a Ciudad del Cabo el 15 de enero de 1834. Entre sus observaciones se encontraba la vuelta del cometa 1P/Halley.

Allí se encontró con Julia Margaret Cameron con la que tuvo una buena amistad y que realizó buena parte de los retratos de Herschel que se conservan. También escribió sobre la evolución de las especies desde un punto de vista gradualista, influenciando a su amigo Charles Babbage en su Noveno Tratado de Bridgewater, y a Charles Darwin (que le visitó en Ciudad del Cabo junto con el capitán Robert FitzRoy).

Herschel volvió a Inglaterra en 1838 y publicó Resultados de observaciones astronómicas hechas en el Cabo de Buena Esperanza en 1847. En esta publicación propuso los nombres de los siete satélites de Saturno conocidos en esa época: Mimas, Encélado, Tetis, Dione, Rea, Titán y Jápeto.

En el mismo año, Herschel recibió su segunda Medalla Copley de la Royal Society por este trabajo. Unos años después, en 1852, propuso también los nombres de los cuatro satélites conocidos entonces de Urano: Ariel, Umbriel, Titania y Oberón.

Herschel no restringió sus intereses a la ciencia, sino que en sus últimos años se ocupó de publicar una traducción de La Ilíada en verso, y además ocupó durante cinco años el puesto de director de la Casa de Moneda, el mismo que un siglo antes había sido desempeñado por Newton.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • On the Aberration of Compound Lenses and Object-Glasses (1821)
  • A preliminary discourse on the study of natural philosophy, part of Dionysius Lardner’s Cabinet cyclopædia (1831, 1840)
  • A Treatise on Astronomy (1833)
  • Outlines of Astronomy (1849)
  • General Catalogue of 10,300 Multiple and Double Stars
  • Familiar Lectures on Scientific Subjects
  • General Catalogue of Nebulae and Clusters
  • Manual of Scientific Inquiry (1849)
  • Familiar Lectures on Scientific Subjects (1867).
  • On the Chemical Action of the Rays of the Solar Spectrum on Preparations of Silver and Other Substances, Both Metallic and Non-Metallic, and on Some Photographic.

Rip Hopkins

Rip Hopkins es un fotógrafo inglés (nacido en 1972, vive en Bruselas) cuyo trabajo, en la frontera entre la fotografía documental y la expresión artística, ha sido ampliamente expuesto y publicado. Y está presente en colecciones internacionales públicas y privadas. Siempre está buscando nuevas áreas de experimentación.

© Rip Hopkins

© Rip Hopkins

 

Desde un principio la fotografía era algo mágico para mi, trasladar la realidad a papel con mis propias manos. Poco a poco se convirtió en un registro del tiempo, después en una herramienta para contar mi versión de la realidad a otros.

 

 

Biografía

Rip Hopkins ha estado tomando fotografías desde que tenía diez años de edad. Durante sus estudios en la Ecole Nationale Supérieure de Création Industrielle de Paris, dedicó su tiempo a las películas fotográficas y documentales con Médecins sans frontières (Médicos sin Fronteras), con quienes viajó por Bosnia, Liberia, Sudán, Uganda, …
Desde hace más de diez años, se interesó en la demografía y en el peligro de extinción de pueblos marginados en todo el mundo.
En 1996 se unió a la Agencia Vu.
En 1997 recibió una beca Mosaïque, y los premios Observer Hodge Award y Kodak Young Photo-Reporter Award, éste en1998.
Hoy en día, Rip Hopkins vuelve a la búsqueda de espacios de expresión, esta vez más cerca de casa. Las imágenes que crea dan una visión poco común de nuestra sociedad. Se concentra con gran delicadeza en la práctica de color, y pasa con total libertad, desde paisajes a retratos.
Mientras trabajaba para la prensa, las instituciones, y la publicidad, ha desarrollado proyectos personales que exploran los límites, posibilidades y sorpresas de la fotografía.
Está representado por la Galerie Le Réverbère y por LT2 para publicidad.
En 2000, obtuvo una beca de la Fundación Hachette, lo que permitió una investigación fotográfica en Tayikistán. Con este trabajo, en 2002 ganó el premio HSBC en la fotografía y pudo publicar el libro Tadjikistan tissages. Ese mismo año, ganó la beca FIACRE que le permitió hacer el libro Déplacés.
Ha expuesto su obra en la Photographers Gallery (Londres), el Musée d’Orsay (París), la Maison Européenne de la Photographie (París) y el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo (Estrasburgo). Sus obras forman parte de la colección de la Fundación Guerlain, FNAC, Banco LaSalle, HSBC y del Centro Pompidou.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Wesley Law

Wesley Law es un fotógrafo irlandés al que le gusta fotografiar cualquier cosa con la que la luz juegue, pero mayoritariamente las costas salvajes y el mar.

 

© Wesley Law

© Wesley Law

 

La búsqueda de composiciones y la espera de cambios sutiles de la luz con la cámara lista para disparar siempre es una experiencia absorbente y azarosa, pues la naturaleza es  caprichosa e imprevisible. Pero el espectáculo siempre es bonito, especialmente cuando la imagen es esculpida por una luz dramática, y así, si la vuelta a casa es sin una imagen que haga justicia a la realidad, queda el placer de haber estado allí contemplando la maravilla de la naturaleza.

 

 

 

Biografía

Desde la compra de su primera réflex digital, ha pasado de tomar instantáneas casuales de los lugares que por los que pasaba a comenzar a visitar deliberadamente sitios que le gustaban en momentos en que los que esperaba que la luz fuera óptima para una fotografía espectacular.

Siempre disfrutó de la costa de Irlanda, cuyas numerosas playas de arena suelen dan paso a escarpados acantilados. Cuando era pequeño exploraba estas rocas con una sensación de sorpresa, sin saber lo que encontraría. Años más tarde, como fotógrafo y con el mismo sentido de sorpresa, se encuentra cada vez más fascinado por el movimiento perpetuo del mar y su interacción con el cielo y la última frontera de la tierra.

Fotógrafo autodidacta, ha mejorado su fotografía disfrutando de libros de fotografía y navegando en Internet por las páginas de muchos fotógrafos de talla mundial.

Hoy en día, compite en salones internacionales de fotografía artística y ha obtenido numerosos premios entre los que podemos citar 6 FIAP Blue Badge (Mejor autor del salón), 8 medallas FIAP (5 de ellas de oro),  10 medallas de oro PSA y muchos otros otros premios (incluidas otras 21 medallas de diverso tipo), sólo entre 2011 y 2012.

Este mes de abril 2013 tiene una exposición en Festimage, Calella, España, tras haber ganado el pasado año el premio al mejor autor del salón en el Trofeo Torretes 2012.

 

 

 

Referencias

Isabel Steva Hernández (Colita)

Isabel Steva Hernández (Colita) es una fotógrafa catalana (nació en Barcelona, en pleno corazón del barrio del Eixample, el 24 de agosto de 1940) que en 50 años de profesión ha realizado más de 40 exposiciones y publicado más de 30 libros de fotografía. Tras la llegada de los ayuntamientos democráticos y la desaparición del franquismo, se especializó en fotografiar su ciudad, Barcelona, y su área metropolitana, evidenciando sus cambios y evolución, reflejando siempre la vida cultural y social de Cataluña.

Joan Manuel Serrat © Colita

Joan Manuel Serrat © Colita
Yo lo hago todo. Domino el oficio por delante y por detrás. Hay algunos que saben del oficio menos que de Franco.

Biografía

Estudió hasta los 17 años en el Sagrado Corazón, y tras acabar el preuniversitario de letras, se trasladó un año a París para estudiar Civilización Francesa en la Universidad de la Sorbona.
A su vuelta a Barcelona, conoció a los fotógrafos Oriol Maspons, Julio Ubiña y Xavier Miserachs, de los cuales aprendió el “oficio” y se profesionalizó como fotógrafa. En 1961, trabajó un año con Xavier Miserachs, como laboratorista y estilista.
En 1962, trabajó en el archivo de personajes de la película Los Tarantos del director Francesc Rovira Beleta, traba amistad con su protagonista, la genial bailaora de flamenco Carmen Amaya. Se aficionó al arte flamenco, y se trasladó a Madrid, donde se instaló dos años, realizando las fotografías de promoción de Antonio Gades y La Chunga.
En los últimos años del franquismo vuelve a Barcelona y colabora con la prensa progresista del momento: Fotogramas, Tele/eXprés, Mundo Diario, Destino … También alternó la prensa con la fotografía de cine, colaborando con la denominada Escuela de Barcelona, (Aranda, Camino, Esteva, Duràn …), trabajando con los mejores directores de fotografía del momento: Luis Cuadrado, Juan Amorós, Fernando Arribas, entre otros.
Se especializó en retrato y es considerada la fotógrafa de la denominada Gauche divine barcelonesa (grupo de profesionales, intelectuales y artistas), y con dicha colección de retratos realizó una exposición en 1971 en la Galería Aixelà, patrocinada por Bocaccio y el promotor Oriol Regàs, que fue clausurada al día siguiente por la policía.
En 1967 colaboró estrechamente con la discográfica Edigsa y el movimiento de la Nova Cançó Catalana, realizando campañas de prensa y promoción, portadas de discos, posters, especialmente de Guillermina Motta, Núria Feliu y Joan Manuel Serrat, que culminó con la exposición en 1998 de El Serrat de Colita.
Durante la transición democrática colabora con las revistas Interviú, Reporter, Cuadernos para el diálogo, La Calle, Bocaccio …
Su obra figura en la colección del Museo Nacional de Arte de Catalunya. En 1998 el Ayuntamiento de Barcelona le impuso la Medalla al Mérito Artístico junto a los fotógrafos Oriol Maspons y Leopoldo Pomés.

Referencia

Libros

Ha realizado la fotografía, a veces en colaboración con otros fotógrafos, de los siguientes libros:

  • 1972: Habanera.
  • 1973: Una tumba.
  • 1973: Luces y sombras del flamenco. Reeditado en 2006.
  • 1974: Guía secreta de Barcelona.
  • 1977: La antifémina.
  • 1977: El llibre de la Diada (varios).
  • 1981: Els cementiris de Barcelona. Con Pilar Aymerich.
  • 1982: Nueva guía secreta de Barcelona.
  • 1982: Arranz Bravo y Bartolozzi en su laberinto (varios).
  • 1982: El Ensanche de Barcelona.
  • 1982: Tretze que canten.
  • 1985: Art català contemporani.
  • 1987: L’Anoia.
  • 1988: La recerca a la Universitat Autònoma de Bellaterra.
  • 1988: El Zoo de Barcelona.
  • 1988: Diàlegs a Barcelona. Con Xavier Miserachs.
  • 1988: La creació del món.
  • 1988: Els barcelonins. Con Oriol Maspons y Xavier Miserachs.
  • 1989: Les masies del Prat.
  • 1989: Barceldones. Varias fotógrafas
  • 1989: La silla Lola. Con Manel Esclusa.
  • 1990: Catalunya, un gran mercat.
  • 1991: Núria Feliu, 25 anys.
  • 1991: Cornellà, una ciutat.
  • 1991: Amigos. Con Pilar Aymerich.
  • 1992: El Parc Zoològic de Barcelona (varios).
  • 1992: 15 dies d’eufòria. (Las Olimpiadas de Barcelona). Con Oriol Manspons y Xavier Miserachs.
  • 1993: Retrato de Rosa Chacel (varios).
  • 1993: Homenatge a Walter Benjamin (varios).
  • 1995: Ciutat Vella, visions d’una passió. Con Leopoldo Pomés, Toni Riera y Oriol Manspons.
  • 1995: Cornellà, la passió i el desig.
  • 1995: 29 municipis i un riu.
  • 1995: Historia de la cerámica española.
  • 1996: Crònica Apassionada de la Nova Cançó.
  • 1998: Portuàrium. Con Oriol Maspons, Xavier Miserachs y Lluis Permanyer.
  • 1998: L’Hospitalet.
  • 1998: Sant Andreu.
  • 1999: Carmen Amaya 1963. Taranta, agosto, luto y ausencia. Con Julio Ubiña.
  • 1999: El riu que veia passa els trens.
  • 1999: Barcelona, dona d’aigua.
  • 1999: Oken 1989-1999. (varios).
  • 1999: Ayuntamientos democráticos de Cataluña. Con Paco Elvira.
  • 2000: Agenda 2001. Ayuntamiento de Barcelona.
  • 2000: La gauche divine. Con Oriol Maspons y Xavier Miserachs.
  • 2002: 24 horas con la gauche divine.
  • 2002: Castelldefels tot l’any.
  • 2002: El riu de l’hivern.
  • 2003: Els interiors d’illa de l’Eixample.
  • 2003: Sin misterios del flamenco.
  • 2004: Cornellá, una ciudad.
  • 2006: Piel de toro.
  • 2006: Mirades paral·leles.
  • 2007: Una historia de la Marina de Sants.
  • 2007: Sant Climent de les Cireres.
  • 2008: Memorias de Barcelona. Con Xavier Miserachs.
  • 2010: Colita.  La Fábrica.
  • 2010: Colita. La meva cançó.

Diego López

Diego López es un fotógrafo andaluz cuya pasión por la fotografía de naturaleza le ha llevado a dedicar más de 10 años de su vida a dicha tarea, en la que sigue sorprendiéndonos con la variedad de sus imágenes, en las que capta desde las más insospechadas texturas y los más ínfimos detalles de la naturaleza hasta las más increíbles tomas aéreas y panorámicas que hacen de sus exposiciones todo un cúmulo de buenas sensaciones para el espectador que las visita.

 

© Diego López

 

 

 

Biografía

Diego se inició con las aves en Doñana y en las marismas del Guadalquivir, zona que aún sigue robando gran parte de su tiempo seducido por su entorno, aunque actualmente ha tomado como preferentes en su trabajo los paisajes y la biodiversidad de Andalucía.

A día de hoy, el fin último de su labor ha cambiado y el acopio indiscriminado de imágenes de sus inicios han dado paso a un mayor rigor en la selección de sus trabajos, insistiendo en la tarea de captar y recopilar las imágenes más bellas y sorprendentes que la naturaleza le pueda ofrecer, para así acercar cada vez más la fotografía al arte que ésta verdaderamente representa.

Sus fotografías han sido publicadas en algunas de las más prestigiosas revistas nacionales e internacionales relacionadas con su trabajo como National Geographic, Visión Salvaje, Natura, La Garcilla, Chasseur d’images, Paisajes desde el tren, Natur + Cosmos, Terre Sauvage, Cosmos, National Geographic Viajes,

Ha recibido premios en distintos concursos internacionales como el European Wildlife Photographer of the Year de la GDT, Glanzlichter o el Festival de Montier además de haber conseguido el primer premio de fotografía de la Consejería de Medio Ambiente de la Junta de Andalucía en 2008.

Ha formado parte del equipo de fotógrafos seleccionados por National Geographic y la Unión Europea para desarrollar el mayor proyecto de fotografía de naturaleza jamás realizado a nivel intracomunitario: Wild Wonders of Europe, para el que ha fotografiado en Polonia, Lituania y la bahía de Cádiz (desde el aire).

 

Referencias

Frantisek Drtikol

František Drtikol fue un fotógrafo checo (nacido el 3 de marzo de 1883 en Příbram y fallecido el 13 de enero de 1961 en Praga) especialmente conocido por sus fotografías e características épicas, normalmente desnudos y retratos. Primer fotógrafo checo de renombre mundial, su inclinación hacia el simbolismo y el modernismo, la admiración por el cuerpo humano, así como su extraordinario talento de jugar con la luz y la sombra caracterizaron su legado artístico.

 

 František Drtikol

 František Drtikol

 

 

Una buena cámara fotográfica no hace un buen fotógrafo.

 

 

 

Biografía

Drtikol se convirtió en fotógrafo contra su propia voluntad. Quiso estudiar pintura, pero sus padres le obligaron a aprender el oficio de fotógrafo. Su amor hacia la pintura le ayudaría más tarde en su profesión fotográfica, puesto que le permitió hacer esbozos de la composición de sus futuras fotografías.

Ansioso de conocer más sobre fotografía, Drtikol viajó a Múnich, donde estudió dos años en una escuela para jóvenes talentos. La ciudad alemana era entonces uno de los más importantes centros del modernismo europeo y sus primeras composiciones figurativas están marcadas claramente por este estilo. Los retratos femeninos tienen una atmósfera sentimental y la composición de las fotografías es altamente decorativa.

El año 1919 es el inicio de su carrera artística, abriendo su primer estudio en una de las calles céntricas de Praga, y en poco tiempo, comenzó a gozar de fama y prestigio, retratando a la flor y nata de la sociedad checa, así como a personalidades de la vida política y cultural de la época, incluido el primer presidente checoslovaco, Tomas Garrigue Masaryk.

También los desnudos femeninos fueron para Drtikol un tema repetido, puesto que complacían plenamente su sentido de la estética. Con ayuda de la luz y las sombras destacaba las siluetas o determinados detalles, mostrando su forma y, sobre todo, su hermosura.

En las décadas de 1920 y 1930, obtuvo importantes premios en salones internacionales de fotografía.

En los años 30, comenzó a experimentar, reemplazando a los modelos vivos por figuritas o siluetas de papel, comenzando a sentirse plenamente libre y satisfecho con su obra. Llamó a este periodo “fotopurismo”.

Drtikol abandonó su profesión en 1935, dedicándose a la pintura y a la filosofía oriental, yoga y budismo. Falleció apenas recordado en 1961. Su legado artístico es parte de las colecciones del Museo de Artes Aplicadas de Praga.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Le nus de Drtikol (1929)
  • Zena he Svetle (Mujer en la Luz).

 

 

 

Video

 

Art of Photography–Frantisek Drtikol

Patrick Gonzales

Patrick Gonzales es un fotógrafo francés (nacido en 1965 en Migennes, vive en Dijon, Borgoña) que nos lleva a un mundo de fantasía donde la imaginación transforma nuestra vida cotidiana en un viaje de ensueño. Su estilo es un híbrido entre la pintura y la fotografía, consiguiendo una excelente expresión de fotografía artística.

© Patrick Gonzales

© Patrick Gonzales

 

Biografía

Patrick Gonzales trabajaba como pintor e ilustrador cuando en el 2000 le pidieron que fotografiara una boda, y descubrió su pasión por la fotografía. Esta pasión se convirtió en profesión y desde entonces combina sus dos talentos: el de fotógrafo y el de artista digital.
Su tema principal son los sueños y la infancia. Influenciado por el surrealismo, nos lleva a un universo digno de El Principito o de El viaje de Chihiro. Contemplar sus fotos nos da la oportunidad de viajar a lomos de un rinoceronte, de nadar con un pez gigantesco, de abordar a una mariposa inusual.
Todo esto tiene lugar en un escenario imaginario, lleno de flores gigantescas cuyas sombras podía ocultar una paloma, donde una tortuga está volando en el cielo con la ayuda de un globo. La mayoría de sus fotos son de un blanco y negro que intensifica sus maravillosos “decorados”.
Consigue recrear una esencia de los años 30 y 40 gracias al blanco y negro y a la vestimenta retro. Después entra la edición con los cielos nublados y una atmósfera de sueños.
Patrick Gonzales lleva una larga trayectoria habiendo expuesto en Paris, Londres, Indiana (EEUU), entre otros lugares.

Referencias