Nigel Harniman

Nigel Harniman es un fotógrafo inglés (nacido en Londres) dedicado principalmente a la fotografía de publicidad de coches.

 

 

One Eyeland Mars Ice Cream © Nigel Harniman

One Eyeland Mars Ice Cream © Nigel Harniman

 

 

 

Biografía

Nigel Harniman, cuando era niño se pasaba todo el tiempo libre jugando con motores, desarmándolos e intentando volver a montarlos, no siempre con éxito. Siempre los objetos con ruedas y con o sin motor fueron parte de su vida.

Cuando tenía 16 años, pidió a sus padres una moto para su cumpleaños, pero le compraron una cámara. En ese momento quedó hecho polvo, pero resultó que el regalo se convirtió en su vocación. Por supuesto, luego ha tenido innumerables motos y coches.

Estudió fotografía en la universidad, trabajó en Londres como asistente para los mejores estudios y fotógrafos y luego comenzó a realizar sus propios trabajos.

En sus primeros días como asistente en Londres, fue hospitalizado después de caerse de su Honda 750VFR  tras ir hasta el sur de Francia intentando llegar a tiempo para el inicio de una sesión de Renault.

También acabó con su viejo Nissan GTR empotrado en la calle de boxes del circuito de Donnington.

Tiene la suerte de haber hecho de su pasión una profesión y gasta su tiempo fotografiando localizaciones en sitios tan diversos como Barbuda, Billericay, Rio y Reading.

Nigel realizó su primer proyecto CGI en 2006 para una campaña de anuncios en prensa y vallas publicitarias por todo EEUU del nuevo modelo Ford Edge.

Entre sus clientes se pueden citar Alfa Romeo, Audi, Bentley, Buick, Cadillac, Chrysler, Eurostar, Ford, Honda, Isuzu, Jaguar, Jeep, Land Rover, Lancia, Mercedes-Benz, Mitsubishi, Nissan, Opel, Peugeot, Puma Ropa de deporte, RAC, Renault, Subaru , Suzuki, Toyota, Virgin, Opel, Volvo ….

Ha trabajado para las agencias AMV BBDO Londres, BBDO Detroit, Dentsu Japón, Euro RSCG París, Hakuhodo París, JWT Dubai y Detroit, Lowe Londres, Latcha EEUU, McCann Frankfurt y Detroit, Nexus París, Ogilvy Londres, RKCR Y & R Londres, Publicis Londres & París, Saatchi & Saatchi Londres…..

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Mike Reyfman

Mike Reyfman es un fotógrafo ucraniano (nacido en 1961 en Kharkov, Ucrania, vive en Chicago, EEUU) reconocido paisajista y fotógrafo de naturaleza y galardonado por su fotografía en prestigiosos concursos internacionales de fotografía.

 

© Mike Reyfman

© Mike Reyfman

 

 

 

Biografía

Sus recuerdos de la infancia están llenos de buenos momentos familiares y cálidos veranos en Ucrania leyendo grandes libros.

La fotografía entró en su vida, con veinticuatro años, con un juguete de 1936, una cámara Kodak Retina, que encontró en el ático de su casa 40 años después, en perfecto estado de funcionamiento. Su padre era fotógrafo profesional y Mike tenía un gran respeto por las enormes cajas de madera de su padre, pero esa pequeña cámara no le daba miedo en absoluto.

La fotografía no estaba en sus planes de futuro, pero su padre fue su gran maestro y le ayudó a empezar: a los pocos días ya estaba mezclando productos químicos y revelando películas obteniendo de forma mágica imágenes en papel.

Vivió una época de grandes cambios y grandes oportunidades en el convulso final de la Unión Soviética, con posibilidades de nuevas formas de negocios. Así, su imprenta, que comenzó en un sótano privado, llegó a ser uno de los negocios privados de impresión más prósperos  de Ucrania, con cientos de empleados, grandes clientes, equipos de alta gama y premios internacionales.

Al mimo tiempo creía en la joven democracia ucraniana y se convirtió en el apoyo principal de la edición de la campaña pre-electoral de uno de los candidatos a la presidencia de Ucrania. La realidad fue que la democracia estaba muy verde y en 2000 emigró con su familia a los EEUU, buscando cambios y comenzando una nueva vida.

En la actualidad, de nuevo inmerso en la fotografía, vende sus fotografías artísticas, trabaja en publicidad y realiza encargos. Sigue apasionado por la fotografía de naturaleza y paisaje y, también, realiza talleres de fotografía varias veces al año.

Sus fotografías han sido ampliamente utilizadas en todo el mundo en calendarios, libros, revistas y en publicidad. Ha escrito numerosos artículos sobre viajes y fotografía de paisaje y se ha dedicado a  la enseñanza de la fotografía desde hace muchos años.

Sus obras han expuestas en el Smithsonian National Museum of Natural History en Washington DC, en Moscú y en San Petersburgo, en los aeropuertos internacionales Sheremetyevo y Domodedovo, etc. Ha actuado como jurado en numerosos premios, como el WorldPhoto 2008 y el Global Arctic Awards 2012.

 

 

 

Referencias

David Galjaard

David Galjaard es un fotógrafo holandés (vive en La Haya) que trabaja como freelance para diversos periódicos y revistas y que, al mismo tiempo, realiza sus propios proyectos personales.

 

From the series "Concresco" © David Galjaard

From the series “Concresco” © David Galjaard

 

 

 

Biografía

David Galjaard se inició como fotógrafo a los 15 años. Su padre le dio una copia del libro Amsterdam de Ed van der Elsken, y tan pronto como vio ese libro supo que quería ser fotógrafo y eso ya nunca ha cambiado. Estudió en la Academia Real de Arte de La Haya, y mientras estaba allí trabajó principalmente de la forma que lo hizo van der Elsken: con película pequeña, en blanco y negro, muy cerca del asunto fotografiado, produciendo una especie de emocionales documentos sociales. Tan pronto como terminó la escuela se dio cuenta de que ese enfoque no funcionaba para él, que  quería hacer algo más. Finalmente dispararía con Hasselblad de gran formato, medio formato y en color.

Comenzó a trabajar realmente un fotógrafo en un diario de tirada nacional, llamado NRC Next, que acababa de empezar, como fotógrafo freelance, donde podía experimentar, lo que fue un gran lujo. Después de tres años en el periódico, sintió la necesidad de desarrollar un proyecto documental a largo plazo.

Por ese tiempo, se interesó en la representación del espacio físico en sus fotografías, explorando lo que los entornos sin gente puedan expresar. Hizo una pequeña serie, Cuando la sirena se va. Había explorado los bunkers de la Guerra Fría en Holanda, en los que siempre sentía una especie de siniestra y extraña sensación, y se preguntaba si era posible captar de alguna manera ese sentimiento en una fotografía … y trasladarlo a otras personas. Era sólo un pequeño experimento, muy distinto del documental social que estaba haciendo en la calle.

Uno de los periodistas del diario vio sus fotos de esta serie, y le preguntó si había oído hablar de los bunkers de Albania. Así empezó a leer sobre Albania y supo que en este desconocido país se habían construido casi un millón de bunkers. Así que viajó a Albania un mes e hizo una pequeña serie sobre el tema, con la idea de investigar cómo esos bunkers habían influido en el paisaje y ver cómo, a las personas que todavía vivían allí, los bunkers eran todavía un recuerdo de la dictadura comunista de Enver Hoxha que había durado muchos años (1945-1985).

David quería hacer algo más, pero no sabía exactamente qué. Siguió investigando y pensando en ello, y se dio cuenta de que no iba a saberlo sentado en su casa y en octubre de 2009 viajó de nuevo a Albania. Fue entonces cuando decidió que debía hacer un libro. En Albania leyó el ensayo The Pillbox Effect de Slavenka Drakulic y se encontró con un holandés que estaba haciendo un documental sobre el mismo tema en video. Compartieron información entre ambos y así finalmente Concresco (el libro) y Mushrooms of Concrete (el documental) se deben parte.

El libro Concresco finalmente se auto-publicó gracias a diversas financiaciones y es una mezcla de fotografías, textos, incluidos algunos de The Pillbox Effect, y otros de Jaap Scholten, entrevistas a albanos ancianos y jóvenes y con una inteligente maquetación. Ganó el premio Aperture Foundation Award  en la categoría First Photobook y ha sido seleccionado por Martin Parr como uno de los mejores libros del 2012, con lo que se ha vendido completamente y es hoy en día objeto de coleccionistas.

Actualmente está en Lagos, Nigeria, realizando un pequeño proyecto sobre reciclaje.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Cédric Gerbehaye

Cédric Gerbehaye es un fotoperiodista belga (nacido en 1977 en Schaerbeek) para el que el acto de la fotografía es una forma de buscar no sólo la complejidad de las diferentes realidades, que quede constancia de ellas y tratar de entenderlas, sino también de acercarse a los demás, mientras que se informa con una subjetividad asumida.

 

 

Rebel leader General Laurent Nkunda, DRC, 2007 © Cédric Gerbehaye / Agence VU

Rebel leader General Laurent Nkunda, DRC, 2007 © Cédric Gerbehaye / Agence VU

 

 

 

Biografía

Cédric Gerbehaye estudió periodismo, pero eligió la fotografía como su forma de narrar lo que sucede en el mundo durante unos viajes a Indonesia. Sin embargo, se considera antes periodista que fotógrafo.

En 2002, para su tesis de graduación, comenzó su interés en el conflicto palestino-israelí, mientras trataba de analizar la decepción y la revuelta provocada por el fracaso de los Acuerdos de Oslo. Luego, tras completar sus  estudios, pasó a hacer más trabajos en Hebrón y Gaza, y luego se centró en la crisis económica y social extendida en Israel, antes de documentar la cuestión kurda en Turquía e Irak.

En 2006 fue galardonado con dos distinciones en el premio Photographie ouverte del Museo de Fotografía de Charleroi. Un año más tarde, su obra Gaza: pluies d’été (Gaza: Las lluvias de verano) recibió el premio especial en el premio Bayeux-Calvados para corresponsales de guerra.

Es miembro de la Agence VU desde 2007. Ese mismo año fue seleccionado para participar en la World Press Photo Joop Swart Masterclass.

Su primer trabajo importante: Congo in limbo, es el resultado de varios viajes a la República Democrática del Congo, a donde ha viajado regularmente desde 2007 apoyando y apoyándose en Aviation Sans Frontières y a Médecins Sans Frontières. Este trabajo, que fue publicado en un libro en 2008, y mostrado en numerosas exposiciones, le ha ganado siete distinciones internacionales, entre ellos el premio World Press Photo, el premio de Amnistía Internacional de Medios de Comunicación y el premio Olivier Rebbot del Overseas Press Club de América.

Poco después, se decidió a trabajar en Sudán del Sur y su serie Land of Cush fue galardonada con el premio SCAM Roger Pic en 2012.

En este mismo año, Cedric mostró durante el Saint Brieuc Photoreporter Festival, la primera parte de su nueva serie sobre su tierra natal, Bélgica. Es también, como parte de la edición 2013 del festival de fotografía de Sète ImageSingulières, un artista en residencia en dicha ciudad de Sète.

Ha publicado en Newsweek, The Times, Le Monde 2, Liberation, Paris-Match, Internazionale, The Sunday Times, The British Journal of Photography, Le Vif/ L’Express, Le Soir, La Libre Belgique, De Morgen, De Volkskrant, Enjeux-Internationaux, Mo Mondiaal Magazine, Knack, Libertés !, Photo, Colors, Time.com

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Sète #13
  • Congo in limbo
  • Le Congo dans les Limbes.

Luigi Ghirri

Luigi Ghirri fue un fotógrafo,  italiano (nacido en Scandiano el 5 de enero de 1943 y fallecido en Reggio Emilia, el 14 de febrero de 1992) que revolucionó la fotografía italiana, ganando una reputación de gran alcance como pionero y maestro de la fotografía contemporánea. Sus composiciones y los matices de sus fotografías sugieren sutiles tonos emocionales y una  manera meticulosamente rica de ver el mundo, así como el papel de las imágenes que contiene.

 

 

© The Estate of Luigi Ghirri

© The Estate of Luigi Ghirri

 

 

El encuentro diario con la realidad, la ficción, los aspectos ambiguos, poéticos o alienantes, todo parece impedir cualquier forma de salir del laberinto, cuyas paredes son cada vez más ilusorias … hasta el punto en que podríamos fundirnos con ellas … El sentido de lo que yo estoy tratando de hacer a través de mi trabajo es la verificación de la forma en que aún es posible desear y trazar un camino de conocimiento, para poder por fin de distinguir con precisión la identidad del hombre, de las cosas, de la vida, de la imagen del hombre, de las cosas y de la vida.

¿Cómo pensar en imágenes? Esta frase contiene el significado de todo mi trabajo.

 

 

 

Biografía

Luigi Ghirri comenzó su carrera en la década de 1970, bajo la influencia de los artistas conceptuales. Ghirri presentó su tierra natal a través de una secuencia de fotografías poéticas y ambiguas. Sus imágenes de paisajes recortados se presentan con una inexpresiva e ingeniosa, y a menudo irónica, mirada y un compromiso antropológico continuo con su entorno.

Sus fotos suelen ser en color. El uso de colores delicados y no saturados es fundamental en su poesía y ha sido desarrollado en estrecha colaboración con su impresor Arrigo Ghi.  Utilizó negativos y diapositivas desde 35mm, hasta de 20×24″ e 8x10”, pasando por el medio formato. También empleó diversas cámaras Polaroid, incluidas alguna experimentales y de gran tamaño.

Su trabajo rápidamente atrajo la atención internacional. En 1975, Time-Life incluyó al artista en su lista de “descubrimientos” en su publicación anual Photography Year, y se mostró en la exposición Photography as Art, Art as Photography en Kassel. En 1982 fue invitado a la Photokina en Colonia, donde fue presentado como uno de los veinte fotógrafos más importantes del siglo 20.

Ghirri ha sido objeto de numerosos libros y sus obras están en manos de varios museos, incluyendo el Museo Stedelijk, Ámsterdam, Museo della Fotografia Contemporanea, Milán, Bibliothèque Nationale, París, Centro Canadiense de Arquitectura, Montreal, el Museo de Bellas Artes de Houston y el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Fue presentado en la Bienal de Venecia de 2011. MAXXI en Roma presentará una gran exposición de la obra del artista en 2013.

Expuso en toda Europa, con exposiciones individuales en Ginebra, Ámsterdam, Arlés y Colonia, así como en la Light Gallery, Nueva York.

Es autor de las portadas de numerosos discos de RCA y de música clásica de artistas italianos como Lucio Dalla, Gianni Morandi, Luca Carboni, CCCP Fedeli alla linea (Epica Etica Etnica Pathos), Stadio, Ciao Fellini, Robert & Cara y otros.

Elisabetta Sgarbi presentó en el Festival de Cine de Venecia en 2009 una película sobre Ghirri llamada Desert Rose.

Los herederos de Luigi Ghirri están representados por la Matthew Marks Gallery de Nueva York.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Fotografie 1970-1971, 1972;
  • Kodachrome, 1978;
  • Kodachrome, 1978;
  • Luigi Ghirri, 1979;
  • Notte e dì, 1984;
  • Viaggio in Italia, 1984;
  • Emilia-Romagna, 1985;
  • La ragione della natura, 1986;
  • Esplorazioni sulla via Emilia 1986
  • Jacques-Henry Lartigue. Catalogo della mostra 1986;
  • Il museo diffuso. Beni culturali e didattica a Cesena. 1987;
  • Giardini in Europa, 1988;
  • Paesaggio italiano, 1989;
  • Il profilo delle nuvole, 1989;
  • Capri, 1991;
  • I luoghi della musica, 1994;
  • Il profilo delle nuvole, 1996;
  • Niente di antico sotto il sole, 1997;
  • Spaesamenti 1970-2000. Ediz. italiana e inglese, 2000;
  • Luigi Ghirri. Atlante. Catalogo della mostra, 2000;
  • Il profilo delle nuvole, 2001;
  • Un piede nell’Eden, 2001;
  • Luigi Ghirri, 2001;
  • Infinito, 2001;
  • Atelier Morandi,  2002;
  • Bello qui, non è vero?, 2008;
  • Lezioni di fotografia, 2010.

Herman Schwarz Ocampo

Herman Schwarz es un fotógrafo peruano (nacido en 1954 en Lima) que acompaña a su obra (principalmente retratos de artistas y de intelectuales) con la investigación de la historia de la fotografía en el Perú.

 

 

Pintores Víctor Humareda y Carlos Polanco, 1984 © Herman Schwarz

Pintores Víctor Humareda y Carlos Polanco, 1984 © Herman Schwarz

 

 

No dejen de sentir, creo que  es importante que lo que hacen pase por el corazón.

 

 

 

Biografía

Herman Schwarz Ocampo estudió pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Perú y en el Forest Park College de Saint Louis en Missouri. Posteriormente realizó varios cursos de fotografía y dibujo.

Inició su carrera profesional dentro del fotoperiodismo, trabajando como reportero gráfico en varios suplementos dominicales y semanarios. Fue jefe de fotografía y editor gráfico de diversos diarios y revistas como Jaque, El Comercio, La República, El Búho, Caballo Rojo, El Mundo, Sí, La Primera, etc.

Su primera exposición como fotógrafo fue en 1985 en el marco del Tercer Coloquio de Fotografía Latinoamericana, en La Habana.

Además de registrar los cambios sociopolíticos de Perú, sus retratos de artistas y de intelectuales han recibido especial reconocimiento por parte de la critica, destacando los retratos de los miembros de la llamada generación del 50.

Ha participado en diversas exposiciones tanto colectivas como individuales en Perú, Cuba, Ecuador, Uruguay, España, etc. También ha colaborado como consultor en la Biblioteca Nacional de Perú.

Ha desarrollado también trabajos de investigación y audiovisuales que han sido presentados en publicaciones y en distintos congresos. Schwarz es un conocedor de la obra del importante fotógrafo peruano Martín Chambi a quien ha estudiado en su faceta de reportero gráfico.

Además ha sido comisario de varias exposiciones, entre las que destaca La destrucción del olvido, Estudio Hermanos Courret, 1863 -1935, organizada en el ICPNA de Miraflores en el año 2010.

En 2012 se ha expuesto su antología Al ras del suelo. La imagen documental. Antológica de Herman Schwarz (1975-2011) en el ICPNA de Miraflores.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Víctor Humareda, 1989
  • Martín Chambi: corresponsal gráfico, 2001.

Ha ilustrado con sus trabajos los libros:

  • Falsos rituales y otras patrañas de Emilio Adolfo Westphalen, 1999.
  • La poesía en custodia, acercamiento a Emilio Adolfo Westphalen  de Edgar O’Hara, 2005.
  • La soñada coherencia,  de Luis Hernández, 2007.
  • Estación reunida, de Javier Heraud, 2008.
  • Viajes imaginarios de Javier Heraud, 2008.

Pere Formiguera

Pere Formiguera ha sido un fotógrafo, comisario y escritor catalán (nacido en Barcelona en 1952 y fallecido el 9 de mayo de 2013, también en Barcelona) considerado una de las figuras claves para entender la producción fotográfica realizada en España en las últimas décadas. Realizó retrato, color, blanco y negro, Polaroid, mezcló fotografía y pintura y formó parte de una generación de fotógrafos que su interés por la fotografía sobrepasó el ámbito de la creación y se adentró también en aspectos como la recuperación histórica, la promoción o la teorización.

 

© Pere Formiguera

© Pere Formiguera

 

 

 

Biografía

Estudió Historia del Arte en la Universidad Autónoma de Barcelona aunque centrado en la fotografía. Comenzó a hacer fotografías en 1969 y ya en 1973 realizó su primera exposición.

Fue miembro fundador del desaparecido Grup Alabern, con Manuel Esclusa, Joan Fontcuberta y Rafael Navarro, que reivindicaba la fotografía de autor como expresión artística.

Ha estado ligado a la Fundación Joan Miró y al consejo asesor del Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC).

En sus comienzos realizó diversos trabajos con Joan Fontcuberta, entre los que se encuentran diversas exposiciones y posteriormente en 1987 el libro Fauna secreta. que cuenta como Fontcuberta y Formiguera hicieron, en un viaje a Escocia, el sorprendente  descubrimiento del archivo del Dr. Ameisenhaufen, un científico alemán muerto en 1955, que documentaba fehacientemente una serie de animales desconocidos y muy especiales. Pero nada de eso es cierto, como no todo el mundo sabe.

En 1975 se encontraba entre los autores que colaboraban de un modo habitual en la revista Nueva Lente durante su segundo periodo. En aquella época ya se oponía a la clasificación de su obra en límites fotográficos estrictos, reivindicando su función artística y experimental, así como el carácter creador del fotógrafo.

Ha comisariado numerosas exposiciones, entre las que podemos comentar: Agustí Centelles, fotorepòrter (1988), Porta d’Aigua (1989), Josep Esquirol. La memòria de paper. (1990), Tiempo de Silencio. Panorama de la fotografía española de los años 50 y 60. (1992), Josep Masana 1894-1979 (1994), Ricard Terré (1995), Joaquim Pla Janini (1995), Joan Vilatobà (1996) e Introdución a la Fotografía en Catalunya (2000).  También realizó numerosas exposiciones propias en solitario, desde la primera en la Galería Maeght (Barcelona, 1986) hasta la última en el Real Jardín Botánico. Photoespaña, Madrid (2011).

Su obra fotográfica se puede encontrar en las colecciones de diversos museos como el MOMA neoyorquino, el MNCARS madrileño o los barceloneses MNAC, MACBA y CCCB.

En su obra destacan trabajos de larga duración como la serie Cronos, en los que retrató a un grupo de 32 personas cada mes durante 10 años. También realizó series combinando pintura y fotografía, como Porta d’aigua, paisatges del port de Barcelona, Portrait de famille y Diàlegs amb la pintura.

También ha escrito numerosos textos sobre fotografía en diversos libros, catálogos y revistas especializadas. En 1994 ilustró el libro infantil El petit polzet (Pulgarcito ) que obtuvo el premio al mejor libro infantil del año, otorgado por el Ministerio de Cultura. En 1997 obtuvo el premio Innovation en la Feria Internacional de Bolonia por su libro de fotografías Es diu Cos (Se llama cuerpo). En el año 2010 se le otorgó el Premi Sant Cugat, a la trayectoria artística.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

De fotografía:

Novelas:

Joseph Rossbach

Joseph Rossbach es un fotógrafo estadounidense (vive en Annapolis, Maryland) que realiza, desde hace más de 15 años, fotografía de naturaleza, principalmente paisaje.

 

 

© Joseph Rossbach

© Joseph Rossbach

 

 

Biografía

Joseph Rossbach ha publicado sus fotografías y artículos en diversos libros, calendarios y revistas como Outdoor Photographer, The Nature Conservancy, Digital Photo, Photo Techniques, Popular Photography, Blue Ridge Country, Mountain Connections y otros muchos.

Joe también es un instructor de cursos del Outdoor Photographer Magazine, y escribe una columna regular para el blog de la edición en línea del Outdoor Photographer.

Joe continúa viajando para producir nuevas y emocionantes imágenes del mundo natural, y también realiza varios talleres de fotografía y recorridos fotográficos cada año, que se pueden consultar en su página web.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

Es coautor de los libros:

  • The Ultimate Guide to Digital Nature Photography
  • 50 Amazing Things You Must See and Do in the Greater D.C. Area, The Ultimate Adventure Guide.

y autor de los eBooks:

  • Amazing Autumn Images
  • 5 Landscape Challenges 2.

Kathryn Cook

Kathryn Cook es una fotógrafa estadounidense (nacida en 1979) que documenta principalmente historias de genocidio.

 

© Kathryn Cook

© Kathryn Cook

 

 

 

Biografía

Kathryn Cook creció en Nuevo México y se graduó con una licenciatura en Periodismo por la Universidad de Colorado en Boulder, en 2001.

Su carrera profesional se inició en la Associated Press en Panamá en junio de 2003. Salió en 2005 para dedicarse a proyectos personales en América Latina, donde documentó la campaña electoral y la base política de Evo Morales, el primer presidente indígena de Bolivia.

En septiembre de 2006 se trasladó a Estambul para perseguir historias regionales, iniciando un proyecto a largo plazo sobre la memoria del genocidio armenio por los turcos a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, culminados tras la I Guerra Mundial. Con este trabajo ha obtenido el premio Aftermath Project de 2008, el premio Inge Morath 2008 y el Enzo Baldoni.

También ha documentado Ruanda y la República Democrática del Congo en 2008.

Su trabajo ha aparecido en publicaciones como The New Yorker, The New York Times Magazine, TIME, Newsweek, U.S. News & World Report, Stern y “D” La Repubblica (Italia).

En 2009 participó en la World Press Joop Swart Masterclass.

Kathryn vive actualmente en Roma con su marido, el también fotógrafo Paolo Pellegrin y su hija Luna, y está representada por Agence VU y PROSPEKT Fotografi.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • War Is Only Half the Story, con Natela Grigalashvili, Tinka Dietz, Pep Bonet y Christine Fenzl.

Narciso Contreras

Narciso Contreras es un fotógrafo mexicano (nacido en Ciudad de México en 1975) cuyo trabajo se centra en las comunidades religiosas, la naturaleza humana y los conflictos, siendo este último su principal objetivo durante los últimos tres años.

 

© Narciso Contreras / AP

© Narciso Contreras / AP

 

 

 

Biografía

Narciso Contreras estudió filosofía y fotografía en Ciudad de México. Comenzó su carrera trabajando como freelance para periódicos como El Centro y Excelsior.

Viajó a la India, documentando las principales comunidades religiosas del norte del país y la influencia del maoísmo en la sociedad religiosa de Nepal. Contreras vivió un tiempo en un monasterio de Vrindavan, en el norte de la India, mientras trabajaba en el campo.

Contreras considera el arte de la fotografía como un “encuentro espiritual” con el mundo, y ha visto cada momento de su carrera, como “un nuevo paso para educarse a mí mismo“.

Trabajó en Birmania dos años, documentando la guerra civil en las áreas tribales del país de Karen y los estados de Kachin. También cubrió las luchas en la región de Cachemira controlada por India.

Tras las masacres de Homs y Houla, Contreras se desplazó a Turquía para documentar la guerra civil en Siria, especialmente la cruenta batalla por Aleppo, la importante ciudad fronteriza,

Su trabajo ha sido publicado en periódicos y revistas de todo el mundo: TIME, the Guardian, the Times, the New York Times, der Spiegel, National Geographic, the Telegraph, the Washington Post, Newsweek, Wall Street Journal y L’ Espresso entre otros. Está representado actualmente por Associated Press (AP) y Polaris Images.

Junto con Rodrigo Abd, Manu Bravo, Khalil Hamra y Muhammed Muheisen ha ganado para AP el premio Pulitzer en 2013, por sus fotografías sobre la guerra civil en Siria.

 

 

 

Referencias

Keizo Kitajima

Keizo Kitajima es un fotógrafo japonés (nacido en Nagano en 1954) en cuya larga trayectoria ha tocado magistralmente temas tan dispares como la fotografía de calle, el retrato y el paisaje desde ópticas tan distintas como el blanco y negro contrastado y con mucho grano, hasta el Kodakrome pasando por el color sobresaturado.

 

© Keizo Kitajima

© Keizo Kitajima

 

Para mí, la fotografía es un método de meditación sobre la sociedad y la historia. No de una manera convencional o abstracta, sino de una manera muy visceral. Lo siento en mi corazón, en las fluctuaciones de mi mente, y en todo mi cuerpo. Me conecta con el mundo.

 

 

 

Biografía

Keizo Kitajima quedo prendado por la fotografía con 15 años. Estudió fotografía en la escuela Tokyo’s Workshop recibiendo clases de Moriyama en 1975. Allí no aprendió nada de técnica pero sí las cosas importantes que hacen a uno un fotógrafo. Al año siguiente, fue uno del grupo, incluyendo a  Moriyama y Seiji Kurata, que formó CAMP, una galería de fotografía independiente en el distrito de Shinjuku de Tokio.

En sus fotografías de 1979, Kitajima aplica una actitud punk a la realización o difusión de su obra. En aquel entonces, creaba una nueva exposición de sus fotografías cada mes, cubriendo cada centímetro de las paredes de la galería con imágenes de su trabajo de las semanas anteriores. Fotografiaba durante la noche, paseando por Tokio, en calles, bares y clubes, capturando la bulliciosa energía de la ciudad fuera de horas.

Sus imágenes eran oscuras y contrastadas y con mucho grano a la manera de Moriyama o Anders Petersen, pero aún más extremas en el uso de contraste y saturación, con súper-granulosos primeros planos de rostros y figuras.

En 1980 empezó a fotografiar (en color) en Koza, el distrito rojo cercano a la base militar de los EEUU de Kadena, Okinawa, a los diferentes tipos y gentes que convivían allí y que representaban la atracción (y posteriormente influencia) occidental. Y en 1981 produjo una serie de imágenes de Nueva York tras permanecer allí 6 meses.

Tras pasar varios años en Berlín Oeste, y viajar a todos los países del telón de acero, a finales de 1990, Kitajima recibió un encargo del diario japonés Asahi Shimbun para  pasar un año documentando las personas y lugares de la Unión Soviética que entonces era todavía una entidad monolítica. 15 repúblicas, 11 husos de tiempo y miles de kilómetros, permitieron a Kitajima capturar un momento en el tiempo en que los vientos de cambio se llevaron a un sistema político y administrativo completo y que plasmó en Kodacrome en el libro Keizo Kitajima Ussr 1991.

Tras este viaje, aburrido de la fotografía de calle, se ha dedicado a realizar retratos y paisajes, sobre todo paisajes después del desastre de Fukushima.

En 2001, Kitajima fundó la Photographer´s Gallery en Tokio, que es un lugar para exposiciones, para la investigación de los fotógrafos antiguos, para tener conversaciones, escuchar conferencias de otros fotógrafos e imprimir revistas.

La nueva edición de Photo Express: Tokyo es un facsímil de la serie de 12 folletos que publicó tras un año de exposición de su obra en CAMP en 1979.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Luis Baylón

Luis Baylón es un fotógrafo español (nacido en abril de 1958 en Madrid) que realiza fotografía de calle, principalmente de Madrid. También tiene series sobre Benarés, Pekín y Valencia.

 

 

© Luis Baylón

© Luis Baylón

 

 

No he querido saber mucho de los demás.

Tú no puedes imitar a otro, sino que es mejor que tú andes tu camino.

El que no sale a la calle no se entera de nada.

La calle es la vida.

 

 

Biografía

Luis Baylón compró su primera cámara de 35 mm con 18 años en un mercadillo. Pronto se hizo con una ampliadora y empezó a realizar todo el proceso de revelado.

En el 80 consiguió su primer trabajo profesional como retratista en colegios que compaginó más tarde con su faceta de freelance. En 1984 su padre le regaló una Rolleiflex 2,8F de doble objetivo que será su cámara preferida. y desde ese momento todo viene rodado: Ajoblanco, El País Semanal, El Europeo, El Mundo Magazine, Tentaciones y la legendaria El Canto de la Tripulación.

A finales de los 80 montó un estudio con Quico Rivas y García-Alix en Vallecas y en el 94 se produce su encuentro decisivo con Bernard Plossu, Cualladó y Javier Campano. En el 98 lanzó Entrefotos con Caprile y en el 2001 recibió el Premio de La Comunidad de Madrid.

Su trabajo es principalmente con película y en blanco y negro, aunque también dispara en color, en especial cuando trabaja para marcas como Swatch o discográficas como Polygram: ha hecho carátulas a Los Enemigos, a Estrella Morente, a Tomasito, …

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas y ha realizado numerosas exposiciones individuales y en grupo.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros