Alexey Titarenko

Alexey Titarenko es un fotógrafo ruso (nacido en Leningrado, actual San Petersburgo, el 25 de noviembre de 1962, vive y trabaja en Nueva York) cuya obra más representativa se caracteriza por estar realizada en blanco y negro con exposiciones muy lentas, creando una mancha en la fotografía por el continuo ajetreo de gente en las ciudades.

 

 

 

© Alexey Titarenko

© Alexey Titarenko

 

 

Un artista, un fotógrafo por ejemplo, tiene consigo ideas pero no sabe cómo son.
El acto de creación consiste en hacer esas ideas visibles a otros

 

 

 

Biografía

Alexey Titarenko se inició en la fotografía siendo niño, con unos 8 años. Con 15 años, se convirtió en miembro del conocido club Zerkalo (Espejo) de Leningrado, donde tuvo su primera exposición individual en 1978.

Realizó un master en Bellas Artes en el Departamento de Arte Cinematográfico y Fotográfico del Instituto de Cultura de Leningrado en 1983. Como su fotografía no tenía ninguna relación con la propaganda oficial soviética, la oportunidad de declararse públicamente como artista se produjo sólo en el fragor de la Perestroika en 1989, con su exposición Nomenclatura de Signos (una serie de collages, fotomontajes y superposiciones de varios negativos visualizando la idea de que el régimen comunista era un sistema opresivo que convertía a los ciudadanos en meros signos) dentro de la exposición Photostroyka de la nueva fotografía rusa en los EEUU.

Sus series principales son Nomenklatura of Signs (1986-1991), City of Shadows (1992-1994), Black and White Magic of St. Petersburg (1995-1997) y Time Standing Still (1998 -1999). En esas series pinta una imagen amarga de una Rusia (vista a través del lente de San Petersburgo), donde la gente vive en un mundo de esperanzas no realizadas y donde el tiempo parece haberse detenido. Estas series le han valido el reconocimiento en todo el mundo. En 2002, el Festival Internacional de Fotografía de Arles, Francia, presentó tres series de Titarenko en el Museo de Bellas Artes Reattu. Ha realizado también series sobre la Habana, Venecia y Nueva York.

Titarenko trabaja en analógico, con una cámara Hasselblad de formato medio y película Ilford de grano fino, que captura los detalles y gradaciones sutiles de luz que son importantes en sus impresiones terminadas, con velocidades de obturación muy lentas y largas exposiciones que afectan la rendición tonal y hacen que los objetos presentes, incluyendo personas, queden borrosos. Da la forma final a sus fotos en el cuarto oscuro, exponiendo el papel a un destello de luz antes de encender la ampliadora para iniciar el proceso de impresión. Utiliza un cóctel de sustancias químicas de su propia invención. Y trabaja a mano y localmente el papel, con virados selectivos en sepia y con lejía para crear un resultado final único.

Titarenko ha recibido numerosos premios por parte de instituciones como el Musée de l’Elysée de Lausana, Suiza, el Centro de Soros de Arte Contemporáneo de San Petersburgo, y el programa Mosaique del Centro Audiovisual Nacional de Luxemburgo. Ha participado en numerosos festivales internacionales, bienales y proyectos y ha tenido más de 30 exposiciones individuales, tanto en Europa como en los Estados Unidos.

Sus obras se encuentran en las colecciones de los principales museos europeos y americanos, entre ellos el Museo Estatal Ruso (San Petersburgo), el Philadelphia Museum of Fine Art, George Eastman House (Rochester, Nueva York), el Museum of Fine Arts (Boston), el Museum of Fine Arts (Columbus, Ohio), el Museum of Fine Arts (Houston), el Museum of Photographic Arts (San Diego), el Davis Museum and Cultural Center at Wellesley College (Massachusetts), la Casa Europea de la Fotografía (París), la Southeast Museum of Photography (Daytona Beach), el Santa Barbara Museum of Fine Arts (California), el Jane Voorhees Zimmerli Art Museum en la Universidad de Rutgers (Nueva Jersey), el Museo de Bellas Artes Reattu (Arles) y el Musee de l’Elysee  (Lausana).

En 2005, la televisión franco-alemana Arte produjo un documental de 30 minutos sobre Titarenko titulado Alexey Titarenko: Art et la Maniere.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros

Jöel Tettamanti

Joël Tettamanti es un fotógrafo suizo (nacido en 1977 en Efok, Camerún, vive en Lausana) cuya fotografía es un vasto archivo de las estructuras, pueblos y ciudades que las personas crean y habitan, y las formas de relieve y climas que dan forma a su cultura.

 

 

© Joël Tettamanti

© Joël Tettamanti

 

 

 

Yo nunca he dicho que odiara ningún lugar, incluso cuando fui a fotografiar en Luxemburgo una central nuclear. Siempre descubro un motivo interesante, aunque puede que sea irreal.

 

 

 

 

Biografía

Joël Tettamanti nació en 1977 en Efok, Camerún, y creció en Lesotho y Suiza. Estudió fotografía en la Ecole Cantonale d’Art Lausanne (ECAL), en Lausana, donde sus profesores fueron Pierre Fantys y Nicolas Faure. Tras sus estudios, trabajó como asistente del fotógrafo Guido Mocafico en París.

Luego Tettamanti se estableció como fotógrafo comercial y ha trabajado desde Asia hasta el Círculo Polar Ártico, pasando por Togo, Kuwait, Japón, Azerbaiyán, India y Groenlandia (y otros muchos países) en encargos de revistas (Salins, Stadte Bauen, Stadland Schweiz, …) y clientes como Wallpaper, Victorinox, Clariant y Gigon Guyer. Su obra ha sido objeto de numerosas exposiciones en Europa, también en China y actualmente tiene su primera gran exposición individual en los Estados Unidos: la exposición en la Galería de Kurtz en el Museo MIT cuenta con más de 70 obras desde el 15 de febrero al 2 de septiembre de 2013.

A pesar de en sus fotografías no aparece gente, el foco de su trabajo es la presencia humana en el paisaje y la gente que lucha y, a veces, es derrotada por la tierra que habita. Esta contradicción de la fragilidad humana y la capacidad de recuperación y la continuidad que las personas forman con la tierra, es la visión fotográfica de Tettamanti.

En el plano técnico, Tettamanti fotografía lentamente y con meticulosa precisión, con una cámara de gran formato con trípode y con tiempos de exposición muy largos y negativos en color de 4x5”, que digitaliza con un escaneo a alta resolución.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Local Studies (2007)
  • Davos (2009).

Francisco Ontañón

Francisco Ontañón fue un fotógrafo español (nacido en Barcelona el 28 de mayo de 1930 y fallecido en Madrid el 6 de agosto de 2008) que desde sus inicios apostó por una corriente neorrealista, mostrando una España de posguerra que tras su aparente sordidez esconde interesantes imágenes. Durante su carrera realizó reportajes de sociedad, especiales sobre animales e incluso libros sobre rutas turísticas y en todos esos trabajos demostró un marcado interés por lo humano, evidenciando su personalidad, curiosa y observadora.

 

© Francisco Ontañón

© Francisco Ontañón

 

 

Siempre he pensado que tenía que dedicarme a alguna actividad útil, nada inútil. La utilidad es comparable a la belleza.

La foto es mi vida y si sé algo de ella no se lo debo a los estudios sino a las gentes que he conocido y tratado en mi trabajo.

Mis principios morales como profesional, si es que los tengo, han sido no ridiculizar a la gente y no abusar de la miseria.

La emoción de ver cómo la imagen va apareciendo en la cubeta de revelado es algo que no he
logrado superar con el paso del tiempo. No creo que lo digital vaya a tener esa emoción.

 

 

 

Biografía

Francisco Ontañón Núñez nació en el barrio de Gracia de Barcelona en el seno de una familia obrera, quedando huérfano durante la guerra civil española. Se crió con su tía, siendo muy díscolo. Desde niño tuvo que trabajar para subsistir realizando diferentes trabajos. Autodidacta y aficionado al dibujo, descubrió casualmente la fotografía cuando fue a un estudio de publicidad a entregar unos albaranes.

Su curiosidad por la fotografía le llevó a hacerse socio de la Agrupación Fotográfica de Cataluña en 1956, donde contactó enseguida con los más inquietos, miembros del Grupo fotográfico AFAL, del que formó parte desde 1959, publicando en la revista y dándose a conocer en el mundo de la fotografía.

Ramón Masats, ya instalado en Madrid, le habló de Europa Press, una nueva agencia de noticias que necesitaba fotógrafos. Dejó entonces su trabajo de auxiliar de banca en Barcelona y se trasladó a Madrid para dedicarse profesionalmente al reportaje.En Madrid creó el grupo La Palangana junto con los fotógrafos Gabriel Cualladó, Leonardo Cantero, Joaquín Rubio Camín, Francisco Gómez y Ramón Masats y aunque siempre mantuvo sus vínculos con la Agrupación Fotográfica de Cataluña, se le considera integrado en la llamada Escuela de Madrid, movimiento que supuso un cambio de rumbo en la fotografía madrileña que estaba muy dominada por el pictorialismo y la fotografía de salón.

En 1961 entró a trabajar como reportero gráfico en Actualidad española, donde realizó reportajes en colaboración con profesionales como Félix Rodríguez de la Fuente, y en 1985 se integró en la plantilla de El País.

Recibió diversos premios entre los que se hayan el Premio Nacional Meliá de Periodismo Gráfico (1972), Premio de Arte y Tradiciones Populares del Ministerio de Cultura (1982) y el Premio Internacional Ortiz Echagüe (1985).

También realizó diversas exposiciones entre las que cabe destacar las realizadas en la Biblioteca Nacional francesa, el Instituto francés de Turismo, el Museo Municipal de Arte Contemporáneo de Madrid, en 2006.

Sus fotos han sido utilizadas como carátulas en numerosos discos de flamenco. En los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992 hizo las fotos del libro oficial, y también ha aportando imágenes a numerosos libros.

Sus colaboraciones con profesionales de las letras de la talla de Rosa Montero, Miguel Delibes o Fernando Fernán Gómez han marcado a uno de los artistas más representativos del realismo fotográfico español. Su obra se define por un marcado interés por lo cotidiano; Ontañón sintetiza en sus fotografías humor, ternura y realismo, viajando siempre más allá de la belleza.

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros

Sus fotografías han aparecido de forma destacada en los libros:

  • 1996. Las Fuentes de la memoria III : Fotografía y Sociedad en la España de Franco. De Muñoz Molina y López Modéjar
  • 1985. Seis fotógrafos de la Escuela de Madrid, de A.Pujol
  • Afal, 1956-1963 : historia del grupo fotográfico, de Laura Terré Alonso
  • 2006. Francisco Ontañón . La Fábrica.
  • 1988. Fotógrafos de la escuela de Madrid, de Gerardo Vielba.

Maíra Soares

Maíra Soares es una cantante y fotógrafa brasileña (nacida en São Paulo en 1980, vive en Madrid) que realiza una fotografía que tiene principalmente referencias a la identidad.

 

© Maíra Soares

© Maíra Soares

 

 

Biografía

Maíra Soares se formó en fotoperiodismo y trabajó como fotoperiodista y profesora de fotografía en proyectos sociales en Sao Paulo. Vive y trabaja en Madrid desde 2011. Ha realizado el máster de Concepto y Creación en Fotografía de la EFTI en 2011.

El libro Este Seu Olhar (Esta Mirada Tuya) fue autopublicado por la propia autora en 2012 y es un ensayo realizado a partir de fotografías que su padre hizo de la madre de Maíra el primer año que estuvieron casados. Encontró estas imágenes después de la muerte de su madre, 35 años más tarde, y fue como si ella estuviera contemplando a otra persona.

El propósito de este ensayo es ir al encuentro de su madre en una visita a su pasado a través de la mirada de su padre. La intención de Maíra es descubrir su mundo y sus sentimientos en ese período de su vida, mientras se desplaza por la memoria de su padre.

En 2012, Este Seu Olhar fue expuesta en el Museo de la Universidad de Alicante, MadridPhoto y PhotoEspaña. Fue seleccionado para el festival Paraty em Foco (Brasil) y Scan Tarragona (España). La primera versión del libro ganó el concurso de maquetas celebrado en BlankPaper.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Este Seu Olhar

Tamamura Kozaburo

Tamamura Kozaburo fue un fotógrafo japonés (nacido en 1856 y fallecido posiblemente en 1923) que fue uno de los creadores del “Yokohama Shashin” (fotografías turísticas).

 

Tamamura Kozaburo

Tamamura Kozaburo

 

 

 

Biografía

Kozaburo Tamamura se inició en el negocio de la fotografía con una tienda en Asakusa, Tokio, en 1874, tras ser aprendiz de Kanemaru Genzo en Edo. En 1883 se trasladó a Yokohama y abrió un estudio en el que conoció un gran éxito. Sus clientes fueron principalmente extranjeros y se especializaba en “fotografía del recuerdo” e industrial. En 1890, empleó a más de un centenar de coloristas en su taller. Su actividad se detuvo en 1923, fecha probable de su muerte durante el terremoto del mismo año.

Además de sus álbumes, que se exportaban, también dirigió la fotografía de retrato en su estudio. Es considerado como uno de los creadores de “Yokohama Shashin” (fotografías turísticas). Al parecer, el cenit de su producción fue en la década de 1890. Hizo fotografías en albúmina, así como collotypes. Éstos a menudo eran coloreados a mano y fueron en general de pequeño formato.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Karen Glaser

Karen Glaser es una fotógrafa estadounidense (nacida en Pittsburgh, vive en Florida) experta y famosa por su práctica constante de la fotografía submarina durante muchos años, abarcando muchos y diversos temas acuáticos: manatíes, tiburones, rayas, pantanos, marismas … en color o en blanco y negro.

 

Eagle Ray © Karen Glaser

Eagle Ray © Karen Glaser

 

 

 

Biografía

Karen Glaser nació y creció en Pittsburgh. Obtuvo un BFA en el Kansas City Art Institute y un master en la Universidad de Indiana, Bloomington, en 1980. Karen fue profesora adjunta de fotografía en la Universidad de Columbia, Chicago, durante varios años.

Su relación con la fotografía comenzó en 1983 con un regalo, una cámara Minolta Weathermatic instantánea por su cumpleaños, poco después  después de haber recibido su máster cuando se ganaba la vida personalizado fotografías en negro y blanco.

Jugando con su nuevo equipo, comenzó a tomar fotografías bajo el agua de personas en las piscinas del área de Chicago. Pronto, se hizo amiga de uno de los gerentes de las piscinas, quien la invitó a tomar clases de buceo.

Una vez certificada como buzo, Glaser estaba buscando nuevos desafíos y lugares baratos para practicar sus habilidades. Alguien le sugirió que visitan Crystal River en Florida para bucear con los manatíes. Entusiasmada por la experiencia comenzó a fotografiar a los manatíes, fascinada por sus torpes formas. A lo largo de la década de los 90, Glaser tomó imágenes en negro y blanco de estos animales.

Su trabajo durante más de 2 décadas ha sido largamente apreciado, obteniendo numerosos reconocimientos, becas y subvenciones. Usa siempre luz natural y seguirá trabajando con película hasta que ésta se acabe (sus trabajos son luego escaneados e impresos digitalmente, tratando de conseguir los mismos colores que daría el tratamiento completo químico).

Sus imágenes se han publicado en las revistas Harper’s, Orion Magazine, Photo District News, Lens Culture, Origo (Hungría), Popular Photography, Swimmers: Seventy International Photographers (Aperture), New Chicago Photographers y Alternative Photographic Processes.

Las fotografías de Glaser forman parte de muchas colecciones como el Art Institute of Chicago; Museum of Fine Arts en Houston; Nelson-Atkins Museum of Art en Kansas City; Ransom Center, University of Texas en Austin; Portland Art Museum en Oregon; National Park Service; Museum of Contemporary Photography en Chicago; Museum of Photographic Arts en San Diego; Parque de los Deseos en Medellín, Colombia; colecciones LaSalle Bank y Chase Bank en Chicago; la New York Public Library; University of Louisville; Museum of Science en Miami; Illinois Collection, State of Illinois Center; Port of Miami; …

Vivió en Chicago durante muchos años, y luego en Fort White, Florida. Está trasladándose a una pequeña ciudad de Florida,  cerca de ríos de agua dulce y manantiales únicos y en peligro donde le encanta nadar y fotografiar.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Siqui Sánchez

Siqui Sánchez es un fotógrafo catalán (vive en Barcelona) ​​especializado en trabajos editoriales y corporativos y que compagina con trabajos personales, en algunos de los cuales destila ironía.

 

 

© Siqui Sánchez

© Siqui Sánchez

 

 

 

Biografía

Siqui Sánchez es un fotógrafo ​​especializado en trabajos editoriales y corporativos desde 1986. Normalmente trabaja en encargos de revistas de Europa y los Estados Unidos: The New York Times, Angeles Times, The Guardian, … y regularmente para Getty Images y Delta Airlines. También trabaja en publicidad y tiene como clientes a distintas empresas, especialmente astilleros náuticos.

Su trabajo ha sido reconocido en varias ocasiones con premios LAUS y LUX.

He publicado el libro El Viaje Imposible. En México con Roberto Bolaño cuya exposición está viajando por Europa patrocinada por el Instituto Cervantes. Su último proyecto es un libro sobre los distintos aseos del mundo. Ha viajado por todo el mundo en busca de aseos para completar el proyecto, que todavía no está listo y espera que pueda ser publicada en breve.

En más de veinte años de profesión ha realizado encargos en sitios rarísimos, desde una sala de autopsias a un submarino atómico, pero dice que aún sigue esperando el catálogo de lencería en el Caribe.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

César Lucadamo

César Lucadamo es un fotógrafo argentino (nacido en Buenos Aires, vive en Barcelona, España) que comparte su trabajo de publicidad, moda, belleza y editorial, con sus trabajos personales de retrato y de fotografía de calle, donde fue un referente en los años 90 y un experto siempre.

  © Cesar Lucadamo

© Cesar Lucadamo

 

Biografía

César Lucadamo fue futbolista en Argentina. Es pionero del retrato urbano improvisado en España. Desde sus tiempos de ayudante de fotógrafo (finales de los 80) César callejeaba observando la gente pasar e invitándoles a posar para su cámara. El resultado es una colección de retratos donde el ser humano se muestra sin velos ni tapujos. Su colección de imágenes le valió la credibilidad entre las agencias más prestigiosas de publicidad de Madrid y Barcelona, así como en las revistas de tirada nacional. Se convirtió en fotógrafo profesional en 1991.

Además de trabajar como fotógrafo, le gusta la fotografía como medio para expresarse y comunicarse con los demás. Se siente fotógrafo de la vida, donde todo lo que vive lo puede expresar a través de la fotografía. Le encanta retratar a las personas, vengan de donde vengan, de todas las edades, como una forma de entregar, aprendiendo en cada momento nuevo a dar y recibir.

Cree en el espíritu vivo de las personas y de la naturaleza, que está en constante transformación, y a partir de ahí iniciar la creación. En el creer está el crear, y en el crear está el arte, y ser artista para él es estar vivo y unido a la creación.

Vive en las afueras de Barcelona, en pleno Parque de Collserola.

Afincado en Barcelona, actualmente es el fotógrafo imprescindible para todo aquel que goce de fama o renombre en Cataluña. Además es requerido para talleres y conferencias en escuelas de fotografía en diversas partes del país. Entre otros, tiene previsto para finales de 2013 el taller de fotografía de calle Tras las huellas de Maradona en Nápoles.

 

Referencias

José María Ribas i Prous

José María Ribas i Prous es un fotógrafo catalán (nacido en Barcelona en 1940) maestro indiscutible, conservador meticuloso, técnicamente perfecto y educador de varias generaciones de jóvenes fotógrafos, ha influido como nadie en la reciente historia de la fotografía española. Su estilo inconfundible ha hecho de él un mito viviente de la fotografía del estado, por sus imágenes con grano, virajes al selenio y oro, la serie azul de desnudos de mediados de los 80, el hiperrealismo de sus bodegones y paisajes, el gestualismo de su obra más reciente y la ambientación de sus retratos de interiores, dominando luz, texturas y volúmenes.

 

 

© José María Ribas i Prous

© José María Ribas i Prous

 

 

En un tiempo que muchos jóvenes artistas creativos, ya rechazan la máquina y vuelven a utilizar pinceles, una corriente de inquietas nuevas generaciones de fotógrafos optan por el compromiso en el camino de la fotografía primigenia, química y artesana, favoreciendo un plantel de excelentes colectivos, en contraposición a las fáciles modas del momento.

 

 

 

Biografía

José María Ribas i Prous cursó estudios de formación artística en la Escuela de Trabajo y los amplió en la Escuela de Arte del Centre de Lectura, de Reus. Sus inicios fotográficos, de la mano de su padre, fueron esencialmente de montañismo divulgativo.

En 1958 dio comienzo su iniciativa de impartir cursos de fotografía. Cuando se constituyó la Agrupació Fotográfica de Reus se integró en el grupo. Hasta el día de hoy ha realizado más de 1.500 intervenciones en coloquios, talleres, etc. En la AFR y en escuelas y universidades.

En 1979 creó los Archivos Históricos de la AFR sobre ermitas, arquitectura, etnografía, etc., para el que se han realizado 20 proyectos que han dado paso a la constitución de la Fototeca de Reus en colaboración con el Ayuntamiento de Reus, el IMAC, el Museo Comarcal Salvador Vilaseca y Caixa Tarragona, donde, entre 1990 y 1995, los depositarios del legado de los pioneros de la fotografía reusense han abierto sus fondos para mostrar mas de un centenar de exposiciones de recuperación. Realización que lleva personalmente Joseph María en su laboratorio procesando mas de 500.000 negativos y editando, en alta calidad mas de 28.000 copias.

En sus más de 40 años de intensa actividad artística, es posiblemente el autor español más laureado y el segundo en el mundo tras el argentino Pedro Luis Raota. Ha obtenido más de 1.000 premios de primera importancia, más de 100 medallas de oro en salones internacionales, nombrado miembro de Honor de entidades y salones de prestigio del mundo entero, especialmente en los países de la antigua URSS, obteniendo todas las titulaciones de la Federación Internacional de Arte Fotográfico: Artista AFIAP (1976), Excelencia EFIAP (1981), Maestro MFIAP (1985) y ESFIAP (1991).

En 1992 obtuvo el Premio Nacional de Fotografía de la Confederación Española de Fotografía (CEF).

Han publicado portafolios suyos todas las revistas de fotografía en España, Reino Unido, Bélgica, Checoslovaquia, Finlandia, Portugal, URSS, etc. Ha sido fundador y comentarista de la revista La Fotografía. Posee una extensa bibliografía en libros, catálogos y publicaciones especializadas. En 1983 con ocasión de su exposición en el Centre de Lectura de Reus se editó un gran catálogo con gran parte de su obra antológica.

Todos los temas han causado interés en su búsqueda creativa. A los primeros pasos, puramente testimoniales de excursionismo, han seguido las obras de investigación técnica, el reportaje humano, el paisaje, el desnudo, el conceptualismo, el pictorialismo y los procedimientos primitivos llamados nobles (bromóleo, platinotipia, calotipo), la trasferencia Polaroid, la fotografía alternativa y un largo etcétera que no delimita su imaginación desbordante, su pasión por el trabajo y su amor a la fotografía.

 

 

 

Referencias

Wolfgang Bellwinkel

Wolfgang Bellwinkel es un fotógrafo alemán (nacido en Bocum, vive en Berlín y Bangkok), que investiga algo que podría ser descrito como un estado de la mente: el anhelo de la alteridad, de lo extraño y la inquietud de alguien que busca una experiencia excepcional, y tal vez el conocimiento, en climas más lejanos.

 

© Wolfgang Bellwinkel

© Wolfgang Bellwinkel

 

 

 

Biografía

Después de completar sus estudios en la Escuela Folkwang de Arte a mediados de los 90 comenzó a trabajar como fotógrafo para revistas y empresas.

Junto a su labor comercial ha estado profundamente involucrado en diferentes proyectos en Alemania y en la antigua Yugoslavia. Wolfgang Bellwinkel había fotografiado la guerra en Bosnia-Herzegovina. Tras los acuerdos de Dayton de diciembre de 1995 regresó a Bosnia, no como reportero sino como observador para documentar el “proceso de paz”. Su obra ofrece, al tiempo, una visión retrospectiva sobre la guerra que ha arruinado el país y una mirada al futuro, hacia una paz forzada que va tomando forma con la excavación de fosas comunes, el duelo y la aceptación de cuánto se ha perdido para siempre.

Tras estancias en América Central, Asia y Australia, trabajar como fotógrafo freelance en proyectos a largo plazo como La caída del Muro, La guerra civil en Sri Lanka, Kurdistán, las antedichas estancias en la antigua Yugoslavia, trabajos para revistas alemanas e internacionales como SZ-Magazin, Stern, Telegraph Magazine, Zeit-Magazin, Allegra, Details,Spiegel Special, Der Spiegel, Manager Magazin … y para las empresas German Stock-Exchange, Veba, Goethe Institut… , desde hace más de una década, su enfoque principal es Asia.

En 1995 terminó su primera película documental weg, que tuvo su premier en el Festival de Cine de Bangkok.

Como profesor ha trabajado en universidades de Alemania, Singapur y Tailandia, y con el Goethe Institut imparte talleres por toda Asia.

En 2011 la exposición Foreign Familiar comisariada por Wolfgang Bellwinkel se mostró en el Bangkok Art and Cultural Center y actualmente viaja a diferentes destinos por el sudeste asiático.

El trabajo de Bellwinkel se ha mostrado en muchas exposiciones individuales y colectivas, entre otros en la Pinakothek der Moderne en Múnich, Berlinische Galerie en Berlin, Museum voor Fotografie en Antwerpen, Daelim Art Museum en Seoul, Bangkok Art and Cultural Center en Bangkok, …

Su libro No Land Called Home, Bellwinkel construye un collage que combina fotografías de los últimos 18 años con sus propios relatos, que funcionan como compañeros autónomos del material fotográfico. Fotografías tomadas en Asia se reúnen con imágenes de guerra y escenas post-guerra en Afganistán, el Medio Oriente y los Balcanes para formar alguna manera un todo coherente. Fotos privadas se entrelazan con imágenes documentales, eventos mundiales con interludios biográficos.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Beaumont Newhall

Beaumont Newhall fue un historiador de arte, escritor, comisario de exposiciones y fotógrafo estadounidense (nacido en Lynn, Massachusetts, el 22 de Junio de 1908 y fallecido el 26 de Febrero de 1993).

 

 

Christmas Card, 1939 © Beaumont Newhall

Christmas Card, 1939 © Beaumont Newhall

 

 

Hoy, cuando decimos que un hombre es escritor, estamos hablando de una persona especial, de un artista. La lista de la compra de mi ama de llaves no puede ser comparada con un poema de Dylan Thomas. En fotografía no hemos aprendido a separar. Cualquiera puede tener una cámara, cualquiera puede hacer una foto. A la gente se le dice que la fotografía es simple, pero lo cierto es que la fotografía, por ese mismo motivo, es tremendamente difícil. Y es ahí donde tenemos que luchar.

Con los años, la fotografía ha sido para mí lo que un diario es para un escritor: un registro de las cosas vistas y experimentadas, momentos en el flujo del tiempo, documentos importantes para mí, experimentos en forma de ver. Ha sido importante para mí, como historiador de la fotografía, el entender la fotografía fotografiando.

 

 

 

Biografía

Beaumont Newhall se interesó por la fotografía de joven ya que su madre era fotógrafa. Uno de sus primeros recuerdos era el de meter sus manos en las bandejas del cuarto oscuro de su madre para ver cómo este producto químico que huele raro hacía su trabajo sobre el papel fotográfico.

Estudió Historia del Arte en la Universidad de Harvard graduándose en 1930 y tras licenciarse un año después comenzó un trabajo de restaurador investigando la arquitectura de Cataluña y en 1932 obtuvo una beca para estudiar en París.

A partir de 1935 trabajó como bibliotecario para el Museo de Arte Moderno de Nueva York donde en 1937, y para celebrar el 100 aniversario de la invención de la fotografía, Newhall organizó una retrospectiva, a petición de Alfred Barr, que tituló Photography (1839-1937). Para acompañarla escribió un catálogo de 100 hojas que más tarde se convertiría en su libro The History of Photography. Tras el nombramiento de Edward Steichen como presidente del departamento de fotografía del museo presentó su dimisión aunque años después mantuvo diversas colaboraciones.

En 1946, empezó a enseñar en la Escuela de Bellas Artes de California, donde conoció a Alfred Stieglitz, Minor White y Edward Weston.

Entre 1948 y 1958 trabajó como comisario del International Museum of Photography de la George Eastman House, con la colaboración de su esposa Nancy Newhall, y fue nombrado director de ésta entre 1958 y 1971. Fue gracias a su trabajo que la George Eastman House pudo reunir una de las mayores colecciones fotográficas del mundo. Según Newhall la mayor exposición durante su etapa en la Eastman House fue Photo-Eye of the Twenties que organizó de modo conjunto con el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

A partir de 1971 estuvo colaborando con la Universidad de Arte y Diseño de Santa Fe que dispone de su colección privada.

Su trabajo fotográfico personal, se dio a conocer después de su retirada del mundo de los museos, con fotografías y escritos de la crónica de su vida y su obra a lo largo de su extensa carrera como historiador de la fotografía.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

 

 

 

Video

Colores. The history of Photography: Beaumont Newhall

Emmet Gowin

Emmet Gowin es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1941 en Danville, al sur de Virginia, vive y trabaja en Newtown, Pennsylvania) considerado uno de los fotógrafos más originales de los últimos cuarenta años y que ocupa un lugar prominente dentro de la historia de la fotografía de la segunda mitad del siglo XX.

 

Edith, Chincoteague Island (Virginia), 1967 - Gelatina de plata - © Emmet Gowin

Edith, Chincoteague Island (Virginia), 1967 – Gelatina de plata – © Emmet Gowin

 

 

 

Para mí, las fotos son una forma de retener, intensamente, un instante de comunicación entre un ser humano y otro.

Hay cosas en vuestra vida que solo vosotros veréis, historias que solo vosotros oiréis. Si no las contáis o las escribís, si no hacéis la foto, esas cosas no serán vistas ni oídas.

Un paisaje mantiene su alma a pesar de las cicatrices y el castigo que le inflige el hombre. Es eso lo que quiero mostrar.

 

 

 

Biografía

Emmet Gowin obtuvo su BFA en diseño gráfico en el Richmond Professional Institute en 1965 y un master en fotografía en la Rhode Island School of Design (RISD) en 1967, donde estudió con Harry Callahan, quien se convirtió en su mentor y en una gran influencia en su obra. Gowin fue amigo de Frederic Sommer, cuyas ideas y trabajo también lo afectaron profundamente.

Durante su primera década como fotógrafo trabajó con una Leica de 35 mm y con una cámara de fuelle de 4×5 pulgadas. En 1966 montó su propia cámara con piezas de antiguas cámaras Eastman 2D de 8x10”. A comienzos de los 70, la equipó con un objetivo gran angular Angulon y la convirtió en su cámara preferida durante casi diez años, consiguiendo imágenes circulares que sugieren una nueva mirada, secreta y misteriosa.

Después de su matrimonio con Edith Morris en 1964, Gowin comenzó a hacer fotografías de Edith, y de sus hijos Elijah e Isaac, y de la extensa familia de Edith en Danville, en representaciones íntimas de los pequeños rituales de la vida cotidiana.

Durante la década de 1970, comenzó a hacer fotografías de paisajes y en 1980, en que tuvo lugar la erupción del Monte Saint Helen´s, una de las más catastróficas del siglo XX y la mayor ocurrida en los Estados Unidos,  con el fin de documentar esta devastación volcánica, Gowin decidió iniciarse en la fotografía aérea y descubrió su fascinación por un punto de vista que no había explorado hasta el momento. A partir de entonces llevó a cabo importantes trabajos de fotografía aérea en diversos países a lo largo de más de veinte años, explorando el uso de la fotografía aérea para documentar el impacto de la intervención humana en el medio ambiente, como el riego con pivote central utilizado en la agricultura a escala industrial de las Grandes Llanuras, el efecto de las pruebas de armas sobre el medio ambiente, cerca de las pruebas nucleares de Yucca Flats, y el impacto de la ocupación militar en Kuwait después de la Primera Guerra del Golfo.

A Gowin siempre le han fascinado los insectos y la biología tropical. En pleno trabajo, fotografiando y catalogando mariposas, en Panamá, sin la compañía de su mujer, que normalmente le ha acompañado en sus viajes, se encontró en la cartera una imagen recortada de Edith, un papel con su silueta, que incorporó en sus fotografías dando lugar a una serie de creaciones originales.

A lo largo de su carrera, Emmet Gowin ha recibido numerosos premios y becas, incluyendo una Guggenheim Fellowship (1974), dos del National Endowment for the Arts Fellowships (1977 y 1979), el Governor’s Award for Excellence in the Arts from the State of Pennsylvania (1983), Friends of Photography Peer Award (1992), y una Pew Fellowship in the Arts (1993). En 1997, Gowin fue honrado con el President’s Award for Distinguished Teaching en la Princeton University, donde enseñó desde 1973 hasta su jubilación en 2010.

El trabajo de Emmet Gowin ha sido ampliamente expuesto en los EE.UU. y en el extranjero y ha sido objeto de una retrospectiva de la mitad de su carrera organizada por el Museo de Arte de Filadelfia (1990-1993) y una amplia exposición organizada por la Galería de Arte de la Universidad de Yale (2002-2004).

Su obra ha sido adquirida por instituciones de todo el mundo, incluyendo el Art Institute de Chicago, Cleveland Museum of Art, J. Paul Getty Museum, Maison Européenne de la Photographie, Metropolitan Museum of Art, The Museum of Modern Art, Philadelphia Museum of Art, the Tokyo Museum of Art y la Art Gallery de la Yale University.

Hasta el 1 de septiembre de 2013 en la Sala Azca de la Fundación Mapfre en Madrid, se realiza la más amplia retrospectiva de Gowin realizada hasta la fecha, que permite un acercamiento a las diferentes etapas de su trabajo, a través de las cuales el espectador podrá contemplar la visión del fotógrafo sobre la realidad, desde lo más íntimo hasta lo más universal. Esta muestra también incluye una nueva serie de fotografías aéreas de la provincia de Granada, realizadas por el fotógrafo por encargo de esta fundación.

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros