Juan Jesús Huelva Esteban

Juan Jesús Huelva Esteban es un fotógrafo andaluz (nacido en Algeciras en 1964) galardonado con el premio Mejor Fotógrafo Andaluz en 1995 y el Premio Nacional de Fotografía de la CEF en 2002.

 

© Juan Jesús Huelva Esteban

© Juan Jesús Huelva Esteban

 

 

 

Biografía

Juan Jesús Huelva inició sus estudios de fotografía en la Escuela de Artes y Oficios de Algeciras, a la vez que cursaba otra serie de materias complementarias en el Instituto de Formación Profesional Ventura Morón de esta ciudad. De temprana vocación, complementó su formación profesional con la asistencia a talleres dirigidos por fotógrafos de reconocido prestigio, y de manera muy significativa con el propio ejercicio de la actividad fotográfica, es decir, de forma autodidacta.

Contando apenas 30 años de edad, la Federación Andaluza de Fotografía le nombró, en 1995, Mejor Fotógrafo Andaluz.

La Junta de Andalucía y el Ministerio de Asuntos Sociales le han becado en varias ocasiones para realizar viajes, cursos e intercambios culturales por toda Europa, fruto de lo cual han sido algunas de sus exposiciones en el extranjero. Posee numerosos premios de carácter nacional e internacional. Entre sus exposiciones podríamos destacar, muy resumidamente, las celebradas a lo largo de estos últimos años en la Diputación de Granada, Palacio Villa Don Pardo en Jaén, Palacio de la Merced en Córdoba, Círculo de Las Artes en Lugo, Diputación Foral de Guipúzcoa, Palacio Fernán Núñez, Sala Amadís, Universidad Cardenal Cisneros y Museo Nacional de Antropología en Madrid, Centro Julio González-I.V.A.M. y Palau de la Música en Valencia, Galería Wien, Bilder, en Alemania, Diputación Provincial en Sevilla, Festival Internacional PhotoEspaña 98 en Madrid, y un largo etcétera.

Su obra esta recogida en museos y colecciones públicas y privadas de toda España. Juan Jesús Huelva ha sido directivo y comisario de exposiciones de la UFCA (Unión Fotográfica y Cinematográfica Algecireña) hasta 1996, y es Consejero de Número del Instituto de Estudios Campo gibraltareños, en su Sección de Artes Plásticas.

Posee numerosos premios de carácter nacional e internacional, y su nombre figura en los cuadros de honor de la mayor parte de concursos fotográficos de España. Su presencia en Internet se basa únicamente en los diversos premios obtenidos en los últimos años. En 2002 la Confederación Española de Fotografía (CEF) le otorgó el Premio Nacional de Fotografía.

 

 

 

Referencias

Jorge Ribalta

Jorge Ribalta es un comisario, crítico de arte y fotógrafo catalán (nacido en Barcelona en 1963). Considerado un fotógrafo promesa en su juventud, ganó premios y luego se dedicó durante una quincena de años principalmente al comisariado. Actualmente ha vuelto a la práctica fotográfica con series en la que realiza observaciones sobre el campo cultural, entendido y presentado como resultado de la intersección del arte, la política, la economía y la historia.

 

© Jorge Ribalta

© Jorge Ribalta

 

 

La fotografía es parte de las cosas, es un fósil; pero el montaje, que pone en relación las imágenes, les devuelve la vida. El montaje de imágenes remite a la ilusión de movimiento del cine. Poner imágenes juntas no es solamente relacionar los diversos procesos y trabajos que se muestran, y producir legibilidad, sino poner las propias imágenes en movimiento. Dar vida a las piedras es crear ilusión de movimiento.

 

 

 

Biografía

Jorge Ribalta tras estudiar en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona inició una fructífera carrera de formación en el extranjero. Primero en Niza, donde obtuvo el premio de la Jeune Création Européenne (Prix de la Villa Arson) Art Jonction 89. Al año siguiente se instaló en Nueva York gracias a una beca. En 1990 residió de nuevo en Niza, en la Villa Arson. En 1992 fue artista visitante de la Slade School of Art (University College) de Londres, y en 1996 de la School of the Art Institute de Chicago. Entre 1997 y 1998 participó en el International Studio Program de Nueva York.

Dirigió entre 1999 y 2009 el Departamento de Programas Públicos del MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona) y ha editado varios libros de referencia.

Ha comisariado, entre otras, las siguientes exposiciones:

  • Domini Públic (Centre d’Art Santa Mònica, Barcelona, 1994);
  • Procesos Documentales. Imagen testimonial, subalternidad y esfera pública (La Capella, Barcelona, 2001);
  • Joan Colom. Fotografías de Barcelona, 1958-1964 (Ministerio de Cultura-Fundación Telefónica, Madrid, 2004);
  • Jo Spence. Más allá de la imagen perfecta. Fotografía, subjetividad, antagonismo
    (MACBA, Barcelona, 2005);
  • Manolo Laguillo. Barcelona 1978-1997 (MACBA, Barcelona,
    2007);
  • Archivo Universal. La condición del documento y la utopía fotográfica moderna
    (MACBA, 2008);
  • Helen Levitt. Lírica urbana. Fotografías, 1936-1993 (MUICO Photoespaña,
    Madrid, 2010).

Su propia obra ha podido verse, desde su primera exposición en la galería Forum de Tarragona (1988), en individuales como las de la galería Zabriskie de Nueva York (1994, 2000, 2005) y París (1996), Estrany-De la Mota (1998), Universidad de Salamanca (2006) y Casa sin fin (Cáceres, 2010; Madrid, 2011), además de en numerosas exposiciones colectivas.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Philippe Brault

Philippe Brault es un cineasta y fotógrafo francés (nacido en Brest en 1965) que realiza fotografía documental.

 

 

Living in Urban Slums. Egypt © Philippe Brault

Living in Urban Slums. Egypt © Philippe Brault

 

 

 

Biografía

Philippe Brault se convirtió en fotógrafo en los años 80, cuando en el Líbano descubrió la guerra civil y decidió mostrar la violencia que afectaba a la población civil.

Muy a menudo, de forma restringida, fuera de cámara, la violencia se soporta con resentimiento. Y el fotógrafo trata de mostrar sus sujetos/víctimas mientras se someten, con una cierta fatalidad, a lo que se ha convertido en su condición diaria. Su enfoque y su estética son parte de una nueva forma de documentar, lo que da un mayor lugar a la poesía y la distancia.

En El Cairo, Philippe Brault trabajó sobre las condiciones de vida de la población olvidada de los barrios marginales de la ciudad. En la ciudad de Guatemala, dirigió un reportaje sobre la violencia cotidiana donde las ejecuciones sumarias y la pobreza son la norma. Trabajó como un investigador comprometido en las consecuencias del huracán Katrina, y en la esperanza que la campaña de Obama transmitió.

Philippe Brault y periodista David Dufresne co​​dirigieron en 2010 el documental Prison Valley, una evaluación implacable de la industria de las prisiones en los EEUU con la que han ganado muchos premios, entre ellos el World Press Photo Multimedia 2011.

Philippe Brault es miembro de la Agence VU.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Prison Valley 2010
  • Dignité 2010 (colectivo)
  • L’ŒIL PUBLIC 15 ans d’histoires 2010 (colectivo)
  • Cela commence par … 1997
  • Nom d’une France 1995 (colectivo).

Samad Ghorbanzadeh

Samad Ghorbanzadeh es un fotógrafo iraní (nacido en 1984 en Urmia, Irán, donde vive y trabaja) cuya obra está principalmente basada en escenas surrealistas en blanco y negro que parecen sueños o más bien pesadillas.

 

 

© Samad Ghorbanzadeh

© Samad Ghorbanzadeh

 

 

Las canciones más tristes de los seres humanos se producen cuando están colgados en la cuerda del tiempo, entre el suelo y el aire, entre el ayer y el hoy, con una fría sonrisa en la cara y con una mente angustiada por contemplar los hechos que sucedieron en el pasado y por el temor de esperarlos en los próximos eventos que sucederán en el futuro.

 

En mi vida he nacido dos veces: la primera vez en 1984 cuando mi madre me abrió los ojos al mundo y la segunda en  2004 cuando mi cámara me abrió los ojos también. Pero los dos nacimientos son diferentes entre sí, ya que el primero abrió mis ojos a un mundo lleno de colores, pero el segundo me abrió los ojos a un mundo lleno de oscuridad.

 

 

 

Biografía

Samad Ghorbanzadeh comenzó con la fotografía en 2006 y estudió Graphics en la Universidad Ferdowsi de Mashhad. Ejerce de profesor de fotografía en Urmia.

A menudo representa paisajes interminables y abiertos que son, probablemente, los que rodean su hogar. Misteriosas y escalofriantes, sus fascinantes imágenes provocan pensamientos y auto-reflexión. Con series como Fictional Reality, Daily Dream and Gray Nightmares, el trabajo de Samad Ghorbanzadeh es muy introspectivo. A menudo, los rostros de sus sujetos están ocultos, lo que permite al observador superponer su propia cara en ellos.

Sus paisajes en blanco y negro parecen extrañamente tranquilos en el exterior, pero el espectador obtiene la clara sensación de que un problema está al acecho constantemente a la vuelta de la esquina, y que una pesadilla está a punto de comenzar. Hay un montón de imágenes siniestras en sus series, muñecas rotas inertes en el suelo, casas abandonadas,huevos rotos de gran tamaño, siluetas de mujeres y hombres como posibles autores de un crimen sin nombre, o como fantasmas.

Realiza exposiciones de fotografía en Irán y en los Estados unidos, donde es bastante conocido. Compite en salones de fotografía artística donde consigue premios, como los conseguidos este año 2013:

  • Mención honorífica en el  2º CHANG fineart international photo festival, Tailandia
  • Medalla de bronce en el 1 KULA International festival of photography, Serbia
  • Medalla de bronce en el 1 Khayyam International festival of photography, Irán.

 

 

 

Referencias

Pedro Javier Alcázar

Pedro Javier Alcázar (El niño de las luces) es un fotógrafo español (vive en Lorca, Murcia) cuya temática principal en la fotografía es la pintura con luz (light painting).

 

© El niño de las luces

© El niño de las luces

 

 

Lo que uno siente pintando con luces en la oscuridad es algo único, y por eso esta técnica merece un hueco en este mundo apasionante.

 

 

 

Biografía

Pedro Javier Alcázar lleva poco tiempo en la fotografía y con su poca experiencia puede decir que la fotografía es inigualable: puedes captar un instante, una historia, un momento crucial en tu vida que siempre tendrás expuesto en tu memoria.

Ha puesto en práctica diversas técnicas fotográficas, pero la que le hace soñar es la técnica Light Painting, que descubrió en agosto de 2009. Mucho se podría decir de esta técnica, pero es muchísimo más lo que se puede soñar con ella.

La fotografía nocturna es un mundo especial, diferente y el simple hecho de elaborar una fotografía se hace muy complicado. El Light Painting es otra vuelta de tuerca más en este mundo noctámbulo.

Su seudónimo El niño de las Luces es la prueba que explica cómo se siente cuando practica esta técnica: disfruta creando en la oscuridad, inventando formas y aprendiendo de las miles de fotos no validas.

Utiliza una sencilla Canon 40d y un sinnúmero de artilugios luminosos comprados o fabricados o montados por él. Además crea personajes que reutiliza en sus fotografías.

Imparte talleres (muy amenos y didácticos) de Light painting y tiene un curso online en su propia web.

 

 

Referencias

Wang Lin

Wang Lin es una fotógrafa china (nacida en 1973 en Tianjin, vive y trabaja en Beijing) que realiza su trabajo sobre el mundo de la aviación comercial, tanto de forma documental como conceptual.

 

 

© Wang Lin

© Wang Lin

 

 

 

Biografía

Wang Lin se diplomó en Fotografía en la Academia de Bellas Artes de Beijing en 2003 y en 2007 expuso por primera vez en el Museo Chino de las Artes de Xie Yi.

En 2012 recibió el Premio Shiseido a la mejor fotógrafa durante el Festival PhotoSpring de Caochangdi.

Durante varios años Wang Lin ha colaborado con numerosos periódicos como China Daily, Southern People’s Weekly, China Youth Daily, China Photo Press o Blog Weekly.

Está representada por Beaugeste Photo Gallery de Shanghai.

Su serie Stray Tulips es la historia de una joven china, azafata aérea, que ha perdido su empleo y sueña obsesivamente con recuperarlo. En consecuencia, tal como explica en las panorámicas que contienen sus visiones, espera un avión en vano. Aparece siempre en escena, generalmente acompañada por una pequeña maleta con ruedas, en unos fotomontajes digitales de colores dorados junto a los colores blanco y púrpura de los tulipanes.

Esta serie es autobiográfica de alguna manera, pues Wang Lin, de hecho, azafata y apasionada por la fotografía, había obtenido la autorización de sus compañeros y de la dirección de la línea aérea para documentar, en blanco y negro, la cotidianidad de las tripulaciones. Lo logró con talento y con humor, en la serie Diario de una azafata y fue recompensada con un prestigioso premio. Pero las imágenes que divulgó la prensa se encuentran en Internet manipuladas junto a comentarios obscenos o inoportunos, por lo que Wang Lin fue despedida. Desesperada, a través de las imágenes reitera que ella no tiene nada que ver con esta pesadilla, que le gusta su trabajo, los aviones, y que desea volver a empezar a trabajar.

 

 

 

Referencias

Clément Briend

Clément Briend es un artista y fotógrafo francés (vive y trabaja en París) que trabaja principalmente con imagen proyectada, creando espacios híbridos, que partiendo de la fotografía confunden la realidad y la proyección, el espacio y la superficie.

© Clément Briend

© Clément Briend

 

 

Siempre busqué tomarle fotos a todo el mundo sin tener un poco de fe en lo que hacía, siempre imaginé encontrar aparatos que pudieran transformar e intervenir los espacios a través de la luz y poder fusionar al final mis fotografías.

 

 

 

Biografía

Clément Briend terminó en 2008 sus estudios de Fotografía en la École Louis Lumière y actualmente es profesor en la Universidad de Valenciennes. Su trabajo se centra en la exploración de la oscuridad a partir de intervenciones con luz en los espacios que fotografía.

En 2011 creó el Collectif des Illuminations Politiques, grupo que utiliza las proyecciones como una forma de expresión libre que permite mostrar realidades invisibles de nuestro mundo.

Su trabajo ha sido expuesto en el Festival PhotoPhnomPenh de Camboya y la Maison Européenne de la Photographie de París, entre otros. Está representado por la galería parisina Wall30.

Es, desde siempre, un auténtico fanático de la proyección. Uno de aquellos que, con el pretexto de respetar la etimología de la palabra fotografía –escribir con la luz– suele afirmar que lo único aceptable para dicho medio es aquello que la luz le deja ver.

Astuto artesano, ha inventado proyectores ligeros, autónomos, que puede transportar a su conveniencia con el fin de que sus imágenes existan en los lugares más sorprendentes e inesperados, transformando por completo el espacio que reinventa.

Referencias

Jesús de Echebarría

Jesús de Echebarría fue un fotógrafo vasco (nacido en Bilbao en 1885 y fallecido en 1960) que documentó, con su mirada elegante y fresca, una Bizkaia en transición parece hablarnos más del futuro que del pasado, y al mismo tiempo consiguió contagiarnos la tristeza con la que observaba un mundo rural que empezaba a desaparecer.

© Jesús de Echebarría

© Jesús de Echebarría

(Se puede ver en 3D con las gafas adecuadas)

 

Biografía

Jesús de Echebarría nació en Bilbao en el seno de una familia de la burguesía media bilbaína. Realizó estudios mercantiles y en 1903 entró a trabajar en el Banco de Bilbao, puesto del que se vería privado durante diez años por motivos políticos.
Con una posición económica desahogada, comenzó a practicar la fotografía hacia 1910. Lo hizo con una cámara estereoscópica, un sistema sencillo en su manejo, fácil de transportar y de resultados espectaculares. Este era un instrumento muy en boga entre los aficionados de aquellos años, cuya peculiar forma de visionado permitía convertirlo en una agradable atracción en reuniones de amigos y familiares.
A partir de entonces, lo que inició como un pasatiempo le permitió obtener premios destacados en concursos de Bilbao, Santander, Tarragona y Soria. En 1916 sus resultados fueron reconocidos por la revista La Argentina en Europa que se editaba en Barcelona y que le dedicó toda una página
Su gran archivo de placas de cristal, tiene cinco grandes vertientes: el mundo baserritarra, las calles de Bilbao, los toros, los deportes y el desnudo femenino. A esto habría que añadir series realizadas con motivo de sus viajes a Francia o Alemania.

 

 

Referencias

José Verón Gormaz

José Verón Gormaz es un poeta, narrador, periodista y fotógrafo aragonés (nacido en 1946 en Calatayud).

 

© José Verón Gormaz

© José Verón Gormaz

 

 

Durante el último decenio, en parte por obligación y en parte por devoción, he recorrido los territorios aragoneses, desde los Pirineos a Gúdar y Javalambre. Pero no sólo las tierras de Aragón han constituido el motivo de mis viajes fotográficos: también lo han sido los territorios atravesados por el Ebro y sus afluentes. Lugares como las Bardenas Reales o las tierras mágicas del Delta han atraído mis pasos y mi cámara.

 

 

 

Biografía

José Verón Gormaz estudió Ingeniería Agrícola (1970) y Administración y Planificación de Empresas (1976) en la Universidad Politécnica de Madrid.

Cuando tenía 12 años, su padre, gran aficionado a la fotografía y al cine en super-8, le introdujo en la fotografía. Lo llevaba en muchos de sus viajes de trabajo por España y le daba sabios consejos. Con 15 o 16 años empezó a ganar certámenes de fotografía.

Después le llegó la pasión por la literatura, que a lo largo de su vida, estuvo a punto varias veces de apagar la que sentía por la fotografía.

A comienzos de los 70 adquirió varias cámaras y se especializó en macrofotografía con fantásticos resultados. También hacía retratos, reportajes, paisajes de Bílbilis, desnudos, … A finales de los 70 dejó el blanco y negro y casi la fotografía por la literatura, pero, afortunadamente, una exposición de fotografía en su Calatayud natal tuvo tal éxito que comprendió que en la expresión por medio de la fotografía se encontraba cómodo y podía crear libremente.

A partir de ahí, y durante más de 20 años, centró su trabajo en el paisaje, la abstracción en la naturaleza y la foto social urbana, trabajando con diapositivas cibachrome y complementando la poesía y la fotografía.

Ha sido Cronista Oficial de Calatayud, ciudad que lo nombró Hijo Predilecto en 2006, consejero del Centro de Estudios Bilbilitanos. Académico Correspondiente de la Real Academia de San Luis, y ha obtenido la Medalla Aragonesa de Merito en Arte (2002), el Premio Nacional de Fotografía de la CEF, 2000) y la Medalla de Oro de las Cortes de Aragón (2006).

En 2007 se creó la Asociación Fotográfica Bilbilitana José Verón, en enero de 2008 aparecieron las bases para el I premio internacional de poesía “José Verón Gormaz” (Ayuntamiento de Calatayud) del que en 2009 se hizo una II edición.

En el Pabellón de Aragón de la Expo-2008 de Zaragoza hubo 275 fotografías suyas expuestas, que han servido de base para el libro Aragón imágenes editado por el Gobierno de Aragón (2009). También le entregaron el Premio Honorífico de la Asociación Aragonesa de Escritores “I Premio Imán” concedido por votación entre los asociados.

Ha obtenido, como fotógrafo, más de 300 premios nacionales e internacionales y ha realizado más de 100 exposiciones individuales. Tiene obra en museos, fototecas y colecciones institucionales y privadas. En 1987 le concedieron el título EFIAP.

Ha sido colaborador durante muchos años de Heraldo de Aragón, SER Calatayud y otros medios de comunicación. Ha publicado 26 libros, y ha obtenido premios de poesía (Juan Alcaide 1989, Santa Isabel de Portugal 1988 y 1994, Hermanos Argensola 1999, Ciudad de Santo Domingo 1982…), de novela (San Jorge, Zaragoza 1981) y de periodismo (Husa, Barcelona 1984).

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Aragón Imágenes (2009)
  • Calatayud, Imágenes y sueños (2000 y 2002),
  • José Verón Gormaz (2001),
  • Calatayud, ciudad en el tiempo (2001 y2005)
  • Los dedos de la luz (2003). Con poemas de Mariano Castro.
  • y otros muchos libros de poesía y narrativa …

Eduard Ibáñez

Eduard Ibáñez es un pintor, grabador y fotógrafo valenciano (nacido en Tavernes de la Valldigna, Valencia, en 1954) que es conocido en el ámbito fotográfico español principalmente por su consolidada trayectoria en fotomontajes.

 

© Eduard Ibáñez

© Eduard Ibáñez

 

 

Biografía

Eduard Ibáñez es doctor en Bellas Artes y profesor de la Universidad Politécnica de Valencia. Pintor y grabador desde hace más de tres décadas centra su labor investigadora en el medio fotográfico.

Sus fotografías han sido expuestas en prestigiosas galerías (Visor, Valencia; Spectrum, Zaragoza; Vrais Raves, Lyon; Claude Samuel, París), así como en museos y espacios institucionales y su obra está representada en las más importantes ferias de arte.

Es un maestro en los fotomontajes, técnica en la que se inició a finales de los años 70 de la mano de su maestro y amigo Josep Renau.

Sus series más conocidas, que ha expuesto recientemente, son:

  • Espejismos de la memoria es una amplia serie de montajes fotográficos, de la que aquí se muestra tan solo una parte de ellos, a partir de material gráfico proveniente de colecciones de revistas ilustradas europeas y americanas, editadas entre 1954 y 1964.
  • Con la mirada perdida, es un trabajo fotográfico que reúne trece imágenes de gran formato en torno a la ciudad de Venecia, tomadas en las primeras luces del día, cuando la ciudad parece desperezarse y se prepara para una nueva escenificación de su belleza. Es una visión intimista pero poderosa de su arquitectura. Imágenes como guiños al recuerdo y la memoria.
  • Francesc de Borja, fites d’una vida, encargo del Ayuntamiento de Gandía con motivo de l’Any Borja. Ibáñez empezó a documentarse y estudió en profundidad la biografía de este personaje. A partir de ahí, escogió hechos puntuales y lugares referentes de su vida y los interpretó a través de su cámara fotográfica.

 

 

 

Referencias

JJ Levine

JJ Levine es una artista trans y fotógrafa canadiense (nacida en 1986, vive en Montreal) cuyo trabajo se centra en el retrato íntimo. Sus fotografías exploran el género, la sexualidad y lo queer.

© JJ Levine

© JJ Levine

 

 

Biografía

JJ Levine realizó en 2010 estudios de Fotografía y Estudios Interdisciplinarios en Sexualidad en la Universidad de Concordia y en 2013 fue becada por el Consejo de las Artes de Canadá.

Levine ha expuesto en galerías de Estados Unidos, Canadá y Europa. En septiembre lo hará en GetxoPhoto 2013.

Ha sido, además, conferenciante en diversas universidades y su trabajo ha sido publicado en revistas académicas y artísticas a nivel internacional.

La obra artística de Levine combina el enfoque político con un fuerte sentido estético. Además, ofrece cortes de pelo en una elegante peluquería en el barrio gay de Montreal y en todo el mundo.

En su serie Switch, Levine, artista militante, plantea las cuestiones de actualidad sobre identidad sexual con un humor devastador. Practica la puesta en escena con alegría y, mediante un simple juego de disfraces de cada uno de los dos miembros de una pareja, transforma a él en ella y viceversa. Juega con la fotografía como con las múltiples ilusiones de la imagen y proclama serenamente que nunca nos debemos fiar de las fotografías.

 

 

 

Referencias

Laurent Chéhère

Laurent Chéhère es un fotógrafo francés (nacido en Ménilmontant, un barrio de París, en 1972) al que le encanta explorar las ciudades, suburbios, los países,  explorando todos los campos de la imagen a través de reportajes de fotografía y la imagen conceptual.

 

 

© Laurent Chéhère

Cirque © Laurent Chéhère

 

 

He construido estas casas en función de mis deseos incorporándoles una dimensión a veces documental, personal o estética; un homenaje a un viejo París desaparecido, a la arquitectura, la fotografía y al cine.

 

 

 

Biografía

Chéhère Laurent trabajó en publicidad, pero abandonó ese mundo por sus dos pasiones: los viajes y la fotografía y comenzó a explorar barrios, ciudades y países de todo el mundo: de Shanghai a Valparaíso, de La Paz a Lhasa, de Bamako a Bogotá, de Srinagar a Ushuaia, …

Su trabajo personal va desde el reportaje hasta la fotografía conceptual. Ha sido seleccionado en festivales como el de Pingyao en China y en la ferias Fotofever Art de Bruselas y la Art Fair de París, entre otras. Ha expuesto, además, en Alemania, Guatemala, Bélgica y Brasil.

Laurent ha expuesto su serie Flying Houses en el Dock-en Seine, Cité de la Mode et du Design  en junio de 2012, donde ganó el Premio Especial. La serie también se ha presentado en China en el Festival Internacional de Fotografía 2012 Pingyao, Guatemala, París, Nueva York, Sao Paulo, Camboya y lo hará también en septiembre  2013 en GetxoPhoto (Bilbao).

Inspirado por una visión poética del viejo París, por el famoso cortometraje The Red Balloon de Albert Lamorisse y un montón de influencias como Wim Wenders, Federico Fellini, Marcel Carné, Laurent Chéhère recorrió los barrios de Belleville y Ménilmontant poniendo sus ojos en sus casas típicas y viejas.

Técnicamente estas fotografías son un fotomontaje. Hace un dibujo rápido de lo que quiere y seguidamente fotografía con buena luz todos los elementos que necesita: fachada, ventana, graffitis, tejados, gente, etc. El tiempo de elaboración depende del número de elementos asociados y de su complejidad: El Circo le llevó un mes de trabajo, frente a la semana de El globo rojo.

 

 

Referencias