Davide Monteleone

Davide Monteleone es un fotógrafo italiano (nacido en 1974 en Potenza, vive a caballo entre Roma y Moscú) cuyas Imágenes son excepcionalmente intensas y narrativas, con conciencia social.Sus proyectos son a largo plazo sobre Rusia, la Europa del Este y Medio Oriente.

 

Davide Monteleone

 

© Davide Monteleone

 

 

 

Mi primer objetivo en la fotografía no es informar (vengo de la tradición de la fotografía documental), sino que mi intención principal es crear imágenes en la interpretación de una idea. Mi objetivo no es cambiar la vida, sino conocerla. Me gusta la idea de que los que vean mi trabajo vayan a sentir curiosidad sobre el tema de mi investigación y que comenzarán a investigar ellos mismos.

 

 

 

Biografía

Davide Monteleone pasó sus primeros 18 años de vida en varias ciudades de Italia, ya que sus padres se mudaban frecuentemente por trabajo. Renunció a sus estudios de ingeniería para ir primero a los EE.UU. y luego al Reino Unido, donde descubrió su interés por la fotografía y el periodismo.

En 2001 Monteleone se trasladó a Moscú, donde vivió de forma permanente hasta 2003, trabajando como corresponsal de la agencia fotográfica Contrasto. Esta decisión determinó su carrera posterior y se convirtió en un colaborador habitual de revistas italianas e internacionales como Io Donna, L’espresso, New York Times, Time, Stern, New Yorker, Newsweek,

Desde 2003, Monteleone ha vivido entre Italia y Rusia, continuando con otros proyectos personales a largo plazo, con los que ha conseguido numerosos premios, incluyendo 3 World Press Photo (2007, 2009 y 2011) y varias becas como Aftermath o el European Publisher Award. Por citar los últimos, en 2013 ha conseguido el Fondation Carmignac Photojournalism Award por su libro Spasibo
y el 2º puesto en el POY 2013 Multimedia por Multimedia Nordic Odyssey.

En los últimos años, junto con su trabajo editorial para las principales revistas internacionales, fundaciones e instituciones culturales, ha comenzado a realizar exhibiciones, dar clases de fotografía y realizar cortos. En 2011 Davide se unió a VII Photo.

Referencias

 

 

 

Libros

David Levinthal

David Levinthal es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1949 en San Francisco, California, vive y trabaja en Nueva York) que realiza fotografías de juguetes y muñecas en situaciones imitando la vida real.

 

 

© David Levinthal

© David Levinthal

 

 

Desde que empecé a trabajar con los juguetes, he estado intrigado con la idea de que estos objetos aparentemente benignos puedan asumir tan increíble poder y personalidad, simplemente por la forma en que son fotografiados. Comencé a darme cuenta de que, seleccionando cuidadosamente la profundidad de campo y acortándola, podría crear una sensación de movimiento y una realidad realmente inexistente.

 

 

 

 

Biografía

David Levinthal obtuvo una licenciatura en el Studio Art de la Stanford University (1970), un máster en fotografía por la Universidad de Yale (1973) y un máster en Ciencias de la dirección en la MIT Sloan School of Management (1981),

Levinthal ha producido una obra diversa, utilizando principalmente película Polaroid de gran formato. Sus obras tocan muchos aspectos de la cultura americana, desde las muñecas Barbie al béisbol pasando por muñecas X. Levinthal utiliza pequeños juguetes, en escenarios en miniatura creados utilizando cajas de zapatos, cartón y espuma, con una iluminación espectacular para la construcción de mini-ambientes de temas que van desde escenas de guerra,  a la cultura pop estadounidense.

La mayor parte de las series de Levinthal derivan de sus experiencias como niño con la cultura popular y la.televisión en color. Los temas de su obra, los juguetes y los propios muñecos , se confunden a menudo con la gente de carne y hueso , causando a su audiencia para cuestionar la ambigüedad encontrada en esta dialéctica entre lo artificial y la realidad.

La obra de Levinthal forma parte de muchas colecciones públicas, como el Art Institute of Chicago, el Centre Pompidou en París, Corcoran Gallery of Art en Washington, D.C., Los Angeles County Museum of Art, Metropolitan Museum of Art, Museum of Modern Art y el Whitney Museum of American Art en Nueva York, entre muchos otros. Ha tenido recientemente exposiciones individuales en Nueva York, Los Ángeles, Barcelona, Tokio, Bolonia, Zúrich y Bremen, entre otros lugares.

Obtuvo becas John Simon Guggenheim Foundation en 1995, National Endowment for the Arts en 1990-1991 y los premios Polaroid Corporation Artist Support Grants 1987-89 y Prix du Livre de Photographie 1997, Le Prix du Livre-Images, les Rencontres, Arles, Francia.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Fazal Sheikh

Fazal Sheikh es un fotógrafo estadounidense (nacido en Nueva York en 1965, vive en Zúrich, Nueva York y Kenia) que busca reflejar la realidad que viven y sufren diferentes comunidades de desfavorecidos en el Tercer Mundo: África Oriental, Paquistán, Afganistán, Brasil, Cuba e India. En un principio centró su atención en refugiados de distintas partes del mundo, personas que se han visto obligados a abandonar sus tierras para huir de guerras y matanzas. Con los años abrió su campo de interés y empezó a retratar mujeres indias que por el mero hecho de serlo están desposeídas de todo derecho, autonomía, libertad para sobrellevar una vida sencilla y presentó la dura realidad en la que se encuentran las viudas en este país.

 

 

© Fazal Sheikh

© Fazal Sheikh

 

 

 

Biografía

Fazal Ilahi Sheikh, hijo de padre keniata (hijo de padre paquistaní) y madre americana, nació, creció y se educó en Estados Unidos, pero de niño y adolescente pasó muchos veranos en Nairobi con sus tíos y primos. Cuando empezó a estudiar fotografía en Princeton a mediados de los años ochenta, le interesaba principalmente el autorretrato pero, tras graduarse en 1987, viajó por toda África y pasó varios meses haciendo fotos en Kenia y en los territorios reservados a la población negra en Sudáfrica.  El hablar suajili le ayudó en el desarrollo de sus primeros proyectos en el continente africano y le facilitó el movimiento y la comunicación con las comunidades de refugiados que entonces documentaba.

Fazal personaliza los conflictos y los narra a través del rostro de sus protagonistas. Él busca representar a sus retratados con plena dignidad y serenidad, como personas y no como estigmas de aquello de que han sido víctimas. Para ello, se acerca a ellos y pide su colaboración, consigue que confíen en él para que posen tranquilamente ante la cámara. Él pasa tiempo con ellos, los escucha y en ese momento surgen sus retratos. Sus protagonistas posan relajadamente ante a la cámara, de manera frontal, sobre sencillos fondos que hacen que toda la atención de espectador se detenga en el retratado.

Sheikh cuida enormemente la composición, los contrastes de blancos y negros que resultan ser de extremada belleza. Con los años, su aproximación a estas realidades ha evolucionado. Sus retratos se vuelven primerísimos planos en los que el rostro ocupa prácticamente la totalidad de la superficie.

En el caso de Fazal Sheikh, los textos tienen una gran importancia. Él escribe personalmente el contexto que rodea a las fotografías, indica el lugar, el acontecimiento, los datos históricos, los datos de la persona que retrata. En 1998 empezó a recoger las historias que sus protagonistas le contaban, las escribe y posteriormente las asocia directamente a los retratos, al rostro del cual parte la narración. No obstante, es precisamente de esta asociación entre imagen y palabra de donde surge el mayor contraste, el espectador se siente agitado al encontrarse frente a bellísimas fotografías que transmiten serenidad y leer las violentas y trágicas historias que  éstas llevan asociadas.

Ha obtenido diversos premios, entre los que podemos citar Fulbright Fellowship (1992), National Endowment for the Arts Fellowship (1994), Infinity Award from the International Center of Photography, Nueva York (1995), Leica Medal of Excellence (1995), Le Prix Dialogue de l’Humanité, Rencontres d’Arles (2003), Henri Cartier-Bresson International Grand Prize (2005), MacArthur Fellowship (2005) y Lucie Humanitarian Award (2009).

Su obra se ha expuesto en galerías y museos de todo el mundo, incluyendo la Tate Modern, Londres, Metropolitan Museum of Art, Nueva York, Henri Cartier-Bresson Foundation, París y el Museum of Contemporary Art, Moscú, y forma parte de colecciones como la Corcoran Gallery of Art, Washington D.C., International Center of Photography y Metropolitan Museum of Art, Nueva York City, Fotomuseum Winterthur, Suiza, y San Francisco Museum of Art, California. Está representado por Pace/MacGill Gallery, Nueva York City.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Pablo Ortiz Monasterio

Pablo Ortiz Monasterio es un fotógrafo mejicano (nacido en 1952 en Ciudad de México) que se ha destacado como uno de los artistas contemporáneos mejicanos más importantes a nivel internacional.  En sus imágenes es testigo de la cruda realidad de su ciudad natal, en la que testifica la miseria y pobreza urbana del país.

 

Volando bajo © Pablo Ortiz Monasterio

Volando bajo © Pablo Ortiz Monasterio

 

 

Soy un fotógrafo amateur en el sentido literal de la traducción del francés: amador. La fotografía me interesa, me apasiona, me gusta y tengo esperanza de que algún día pueda hacer un modus vivendi de ella.

 

Cuando comencé a hacer foto, intuía que era un lenguaje, una manera de comunicarte, que podías articular ideas en imágenes, inclusive ideas complejas y elaboradas. En aquel momento lo intuía. Hoy sé que es cierto.

 

 

 

Biografía

Pablo Ortiz Monasterio estudió economía en la Universidad Nacional Autónoma de México. En 1972 trabajó para la compañía de audiovisuales Rhigetti; dos años más tarde viajó a Londres donde trabajó como asistente para fotógrafos de modas; estudió fotografía en el Ealing Technical College en Londres, y tuvo su primera exposición individual en la Creative Camera Gallery en 1976.

Al año siguiente volvió a México y comenzó a dar clases de fotografía en la Universidad Autónoma Metropolitana. Editor jefe del Archivo Etnográfico Audiovisual en Ciudad de México en 1979, Ortiz Monasterio destacó por su promoción vigorosa de la fotografía y cultura mexicanas. Ha dirigido tres proyectos editoriales: la revista Luna Córnea, Río de Luz y México Indígena, fundó también el Centro de Imagen.

Ha sido seguidor de Josef Koudelka, en su modo particular de construir un discurso fotográfico a partir de un tema específico; en caso del mexicano, el tema se ha centrado en las expresiones cotidianas de las culturas indígenas.

En los años ochenta editó numerosos libros, principalmente monografías sobre fotógrafos mexicanos. Fue miembro fundador del Consejo Mexicano de Fotografía; en 1989 fue coordinador del proyecto 150 años de la Fotografía en México.

Su trabajo ha sido premiado en la Bienal de Fotografía en México,  y en el Ojo de Oro en Francia y el Premio al Mejor Libro Fotográfico de 1996-1997, que otorga el Festival La Primavera Fotográfica de Barcelona, por su libro La última ciudad.

Ha realizado exposiciones individuales en el Museo de Arte Moderno, en el Centro de la Imagen y en el Palacio de Bellas Artes de México, y en museos y galerías de Estados Unidos, Brasil, Argentina, Venezuela, Ecuador, Cuba, España, Inglaterra, Francia, Holanda, Portugal e Italia. En 2001 fue invitado como comisario al festival PhotoEspaña de Madrid. Ha impartido talleres sobre fotografía y edición en Estados Unidos, Cuba, España, Argentina, Ecuador, Brasil y México.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • El Mundo Interior, 1979
  • Los Pueblos del Viento, 1981
  • Testigos y Cómplices, 1982
  • Tierra de Bosques y Árboles, 1988
  • Tiempo Acumulado, 1991
  • Corazón de Venado, 1992
  • La última ciudad 1996
  • Idolatrías
  • Sexo y Progreso
  • Dolor y Belleza 2000
  • Montaña blanca 2010

Además de la edición de numerosos libros, principalmente monografías sobre fotógrafos mexicanos.

Bartolomé Ros

Bartolomé Ros fue un fotógrafo español (nacido en Cartagena en 1906 y fallecido en Madrid en 1974) que documentó el día a día del protectorado español en Marruecos en la década de los años veinte, plasmando la crónica de la vida civil y militar de Ceuta y el Norte de África durante esa época.

 

 

Franco y Millán Astray © Bartolomé Ros

Franco y Millán Astray © Bartolomé Ros

 

 

 

Biografía

Bartolomé Ros nació en el barrio de Los Dolores (Cartagena) en 1906 en el seno de una familia humilde. Con diez años comenzó a trabajar como contable. Llegó a Ceuta en 1918 donde adquirió los primeros conocimientos de la técnica fotográfica y comenzó a ejercer la fotografía a la edad de quince años.

Su trabajo estuvo centrado en Ceuta y la zona norte de Marruecos y sus fotos fueron publicadas en las revistas y periódicos más importantes de la época como ABC, Informaciones, Blanco y Negro, Mundo Gráfico, La Unión Ilustrada. Publicaba instantáneas que recogían el día a día del protectorado español en Marruecos en la década de los años veinte, plasmando la crónica de la vida civil y militar de Ceuta y el Norte de África durante los años de 1918 a 1931.

De esos años son las fotografías que publicó en África. revista de Tropas Coloniales entre 1926 y 1930. Dirigida entonces por Francisco Franco y Gonzalo Queipo de Llano, en esta publicación propagandística de la llamada Acción de España en Marruecos rara vez aparecían referencias al conflicto armado. Por ello, la luz y los encuadres de Ros muestran autoridades, desfiles, maniobras, formaciones, imágenes de ciudades, de nuevas instalaciones militares o de paisajes, de gentes…

Una de sus instantáneas más famosas es la que retrataba abrazados a los generales Franco y Millán Astray durante la entrega del mando de la Legión en 1926.

Fue también fotógrafo colaborador de la National Geographic Society de Washington. Antes de cumplir la mayoría de edad, entabló relaciones comerciales con la firma alemana AGFA, desarrollando desde entonces una actividad comercial. Su trabajo fotográfico fue desarrollado en su totalidad antes de cumplir los treinta años, cuando abandonó la fotografía para desarrollar una gran carrera empresarial, y se centró en la documentación de la vida cotidiana, los retratos de sociedad, los paisajes o escenas de estilo orientalista del Marruecos de la época.

En las ciudades marroquíes donde se estableció, su nombre comercial fue Casa Ros. En 1963, tras una dilatada experiencia profesional en Ceuta, Marruecos y Canarias, fundó Ros Fotocolor en Madrid.

Sin embargo, su legado permaneció casi en el anonimato hasta el descubrimiento de sus negativos, medio siglo después. Las fotos de Bartolomé Ros han sido exhibidas desde 1993 en Ceuta, Madrid y Barcelona. Después de recorrer las ciudades marroquíes de Tetuán, Tánger, Rabat, Fez y Casablanca, se expusieron en Madrid y posteriormente en el Reino Unido de Gran Bretaña (1997). En 2009 se expusieron en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid.

Desde 1999, el Premio Bartolomé Ros, se otorga en memoria del fotógrafo y en el marco de PHotoEspaña, a personalidades españolas en reconocimiento a sus aportaciones al desarrollo de la fotografía.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Lourdes Segade

Lourdes Segade es una fotógrafa española (nacida en 1977, vive en Barcelona) y que desarrolla su trabajo de fotoperiodismo con gran pasión.

 

© Lourdes Segade

© Lourdes Segade

 

 

 

 

Biografía

Lourdes Segade se graduó en Publicidad y Relaciones públicas, empezó a trabajar en un pequeño magazine universitario, donde se dio cuenta que quería ser fotoperiodista.

Asentada en Barcelona, sus trabajos se han visto en los semanales de La Vanguardia o El Semanal y revistas como Yo Dona o CNR. Ha colaborado en publicaciones como Io Donna y GIOIA (Italia), Viva, Le Figaro Quotidien y Nouvel Observateur (Francia), DAMn (Bélgica), The Sunday Times Magazine, The New York Times, Herald Tribune y Newsweek, entre otros.

Ha mostrado su trabajo en encuentros como Ojo de Pez Photo Meeting 2012, Getxophoto, VISA pour l’image, Kiev Biennial, Lianzhou Festival, Albarracín o Gijón.

Desde 2005 es miembro del colectivo francés Picture Tank y es fundadora de EVE Photographers.

 

 

 

Referencias

Alexander D. Grinberg

Alexander D. Grinberg fue un cineasta y fotógrafo ruso (nacido en 1885 en Moscú y fallecido en 1979, también en Moscú) que dedicó toda su vida a la mayor de sus pasiones: la fotografía, que nunca abandonó ni en la más difícil de las circunstancias (experimentó la revolución rusa, la guerra civil, dos guerras mundiales, la represión estalinista, y numerosas fluctuaciones en la historia política y cultural soviética), siendo uno de los fotógrafos rusos más respetados del siglo XX.

 

 

Sitting girl, 1928 © Alexander D. Grinberg

Sitting girl, 1928 © Alexander D. Grinberg

 

 

 

Biografía

Alexander D. Grinberg demostró muy pronto una fuerte atracción hacia la fotografía, haciendo su primera foto con tan solo diez años. Recibió clases de dibujo en el Instituto Straganoff y luego física y matemáticas en la Universidad de Moscú. Con 22 años era ya un miembro activo de la Russian Photography Society, llegando a ser su fuerza creativa principal.

En 1908 fue galardonado con la medalla de plata en la exposición de fotografías de toda Rusia en Moscú y la medalla de oro en la Exposición internacional de Fotografía de Dresde que marcó el reconocimiento de su talento a nivel internacional.

En 1914 Grinberg fue invitado a trabajar en el estudio de cine Khanzhankov en Moscú. Se convirtió en el jefe de las secciones de cine publicitario, y rápidamente estableció el proceso para la distribución masiva. Trabajó detrás de la cámara para numerosos estudios. En los años 20, por  su experiencia cinematográfica, trabajó como instructor en el Instituto Técnico de Cine Estatal, donde comenzó su asociación con Sergey Eisenstein.

Su prestigio siguió en aumento ahasta 1929 cuando, bajo la tormenta de la revolución cultural, como integrante de la “vieja escuela” de la fotografía soviética fue criticado como depravado por el erotismo de muchas de sus fotografías, y cayó en desgracia, fue detenido y condenado a un campo de trabajo por distribución de pornografía.

En 1939 fue puesto en libertad condicional anticipada, por buena conducta y laboriosidad. Volvió a trabajar como fotógrafo para una variedad de instituciones como museos y fue, también, profesor de fotografía.

Sus primeros trabajos no fueron destruidos porque su hermano mayor logró esconder los negativos durante muchos años. Durante la Segunda Guerra Mundial trabajó para preservar y restaurar archivos fotográficos raros. Después de la guerra hizo fotografía de moda.

 

 

 

 

Referencias

Quinn Jacobson

Quinn Jacobson es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1964 en EEUU) que, desde 2000, su área de especialización ha sido la de los procesos fotográficos históricos (daguerrotipos, calotipo y el proceso de colodión húmedo), jugando un papel central en la reintroducción el proceso de placa húmeda en Europa.

 

 

© Quinn Jacobson

© Quinn Jacobson

 

 

El colodión húmedo es la sintaxis perfecta para mi trabajo. Lo uso como una metáfora que se refiere al abandono. El proceso fue abandonado y olvidado, al igual que las personas más marginadas lo son por la corriente principal. También asumo sus imperfecciones, haciéndose eco de nuestras imperfecciones humanas.

 

 

 

Biografía

Quinn Jacobson creció en una familia donde sus padres eran muy aficionados a la fotografía, rodeado de películas de 35mm, Polaroids y películas de cine de 8 mm.

Comenzó su carrera como fotógrafo en el ejército de los Estados Unidos en 1982, donde estuvo 3 años como soldado de infantería y otros tres como fotógrafo de combate. Más tarde, en 1993 se licenció en Fotografía, Artes Visuales y Comunicación por la Universidad Estatal de Weber, Ogden, Utah. En 2007 consiguió un master en Bellas Artes: Fotografía por el Goddard College de Plainfield, Vermont.

Buscando varios años su propio espacio en el mundo de la fotografía, hojeando un día un libro de John Szarkowski llamado Looking at Photographs: 100 Pictures from the Collection of The Museum of Modern Art, se fijó en un pequeño y anónimo Ambrotypo e inmediatamente supo que había encontrado lo que estaba buscando: la estética de colodión húmedo era perfecta para su trabajo.

Durante su investigación sobre este tema, descubrió otra fotografía que le cautivó, Woman With Dead Bird del Dr. Hugh Welch Diamond, un protegido del mismísimo Frederick Scott Archer, inventor de este proceso fotográfico, que sería la base de su posterior trabajo. Como en sus estudios de fotografía no había tocado el colodión, se apuntó a un curso privado en la George Eastman House en Rochester, Nueva York. Aprender este proceso cambió la forma en que Quinn pensaba en la fotografía y en el arte.

Su primer cuerpo de trabajo con el colodión húmedo fue Portraits From Madison Avenue, en el que trabajó desde 2003 hasta 2006, en que se mostró en una exposición individual en la Art Access Gallery en Salt Lake City, Utah. Varias piezas de esta serie fueron exhibidas en diversas exposiciones colectivas por toda América.

En 2006, Quinn se trasladó a Viernheim, Alemania y comenzó a trabajar en un nuevo proyecto. En un principio se tituló Kristallnacht: The Night of Broken Glass y más tarde lo cambió a  Vergangenheitsbewältigung (luchando por llegar a un acuerdo con el pasado). Es una investigación personal de los acontecimientos que rodearon el holocausto judío en Alemania e incluye retratos de alemanes, extranjeros y paisajes.

Ambos proyectos fueron mostrados en una gran exposición, Glass Memories, en el Centre Iris Gallery for Photography en París en 2010 y Quinn hizo 200 retratos, dio conferencias y 4 talleres de colodión húmedo.

Durante los últimos 10 años ha ejercido como artista plástico y profesor de fotografía y artes visuales en la educación superior en los Estados Unidos así como en escuelas y centros de arte de Europa.

Quinn Jacobson ha enseñado la técnica del colodión húmedo a cientos de personas en toda Europa. Con su intensa labor divulgativa ha contribuido enormemente a la difusión del interés por la técnica del colodión húmedo en todo el continente.

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros

  • The Contemporary Wet Plate Collodion Photography Experience 2006 (agotado).
  • Conferring Importance: Thoughts and Images About Identity, Difference and Memory 2007 (agotado).
  • Chemical Pictures: The Wet Plate Collodion Photography Book & DVD 2009 (agotado).
  • Chemical Pictures The Wet Plate Collodion Book (2ª Edition) 2010.

Guy Tillim

Guy Tillim es un fotógrafo sudafricano (nacido en Johannesburgo en 1962, vive en Ciudad del Cabo) que ve en la fotografía una herramienta para luchar, en su momento, contra las políticas segregacionistas de África y, actualmente, contra las injusticias sociales y la inequidad económica que se vive en dicho continente. Es una gran figura de la escena fotográfica sudafricana contemporánea.

 

© Guy Tillim

© Guy Tillim

 

 

 

… la cámara es la herramienta ideal para trascender esas fronteras, para ver lo que pasó en mi propio país

 

 

 

Biografía

Guy Tillim comenzó a tomar fotos al incorporarse al colectivo conocido como Afropix, a mediados de los ochenta. Durante mucho tiempo fue fotorreportero freelance en Sudáfrica para medios locales y extranjeros, como Reuters entre 1986 y 1988 y France Presse en 1993 y 1994. Su principal interés era registrar los cambios sociales que se estaban generando en el continente africano en los últimos días del apartheid.

Entre su trabajo se encuentran fotografías de niños soldados en Congo, refugiados en Angola, las familias burguesas de Johannesburgo, hasta las ruinas de la arquitectura poscolonial erigida en África. Su trabajo es reconocido por su valor testimonial así como por su valor estético ya que muchas de sus imágenes rebasan los conceptos del fotoperiodismo.

Tillim ha recibido numerosos premios por su trabajo, incluyendo el Premio de la SCAM (Société Civile des Auteurs Multimedia) Roger Pic en 2002, el Higashikawa Overseas Photographer Award (Japón) en 2003, el 2004 DaimlerChrysler Award para la fotografía sudafricana, el Leica Oskar Barnack Award en 2005 y la primera beca Robert Gardner en fotografía del Museo Peabody de la Universidad de Harvard en 2006 .

Su serie Avenue Patrice Lumumba ha mostrado en la Fondation Henri Cartier-Bresson en París, Museu Serralves de Oporto, el Museo Peabody de la Universidad de Harvard, Cambridge, EE.UU.; Foam Fotografiemuseum en Amsterdam, y Extracity en Amberes, en 2009, en el Kunsthalle Oldenburg, Alemania, en 2010, y en el Museo de Fotografía Contemporánea de Chicago en 2011, entre otros lugares.

Su trabajo ha sido publicado ampliamente en la prensa y en numerosos libros, y expuesto en prestigiosos festivales y exposiciones colectivas en Europa, por ejemplo, Africa Remix en 2004, PHotoEspaña en 2005, la Bienal de São Paulo en 2006 y Dokumenta XII en 2007.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Max Yavno

Max Yavno fue un fotógrafo estadounidense (nacido en Nueva York el 26 de abril de 1911 y fallecido en 1985) especializado en fotografía de la calle, sobre todo en Los Ángeles y San Francisco, California.

 

 

© Max Yavno

© Max Yavno

 

 

 

Biografía

Max Yavno era hijo de inmigrantes rusos. Se casó a los 19 años y se divorció tres años después. Trabajaba como mensajero en Wall Street mientras asistía al City College de Nueva York por la noche. Asistió a la escuela de posgrado de economía política en la Universidad de Columbia y trabajó en la Bolsa de Valores antes de convertirse en un trabajador social en el año 1935.

De 1936 a 1942 hizo fotografías para la Works Progress Administration. Fue presidente de la Photo League en 1938 y 1939. Estuvo en el Cuerpo Aéreo del Ejército de los EE.UU. desde 1942 hasta 1945, tras lo cual se trasladó a San Francisco y comenzó a especializarse en fotografía de zonas urbanas y fotografía de paisaje

Por razones puramente monetarias trabajó como fotógrafo de publicidad comercial de 1954 a 1975, creando bodegones finamente elaborados que aparecieron en la revista Vogue y Harpers Bazaar. Volvió a la fotografía de paisaje artístico en la década de 1970, cuando su enfoque introspectivo encontró una audiencia más agradecida. Una beca National Endowment for the Arts le permitió viajar a Egipto e Israel en 1979. También visitó Méjico y Marruecos En esa época también volvió a positivar fotografías antiguas..

Edward Steichen seleccionó veinte de los grabados de Yavno para la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1950, y al año siguiente consiguió una beca Guggenheim.

Sus fotografías en blanco y negro son algunos de los mejores registros visuales del paisaje urbano posterior a la Segunda Guerra Mundial de Los Ángeles. Como documentalista que era, Yavno llevó su cámara a una variedad de lugares de Los Ángeles, fotografiando escenas callejeras complejas (como una de sus imágenes más conocidas, Muscle Beach, 1949), arquitectura vernácula (Hot Dog, 1949 y La Pierna, 1949), la vida callejera en las comunidades de inmigrantes, y escaparates de diseño. Pasaba horas en el cuarto oscuro perfeccionamiento una copia. Su obra es representativa del enfoque artesano de la antigua escuela fotográfica, que propugnaba Edward Weston.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Julián Ochoa

Julián Ochoa es un fotógrafo andaluz (nacido en San Fernando, Cádiz, en 1961) que, fiel al blanco y negro y a la técnica analógica, gusta de la composición cuadrada (aunque ocasionalmente panorámica) y simétrica, del enfoque frontal y los espacios limpios con pocos elementos.

 

 

© Julián Ochoa

© Julián Ochoa

 

 

 

Biografía

José Julián Ochoa Martínez reúne en su trabajo muchas de las particularidades que caracterizan el movimiento de la fotografía humanística. Especializado en el subcontinente asiático cultiva diferentes géneros, principalmente el retrato, para crear composiciones que presentan a personajes anónimos en escenarios muy concretos.

En relación al retrato, mantiene una posición constante con respecto a los personajes. Éstos suelen ocupar la parte central de la imagen, son conscientes de que están siendo retratados, y es por ello que se muestran con una actitud estática y la mirada directa al fotógrafo.

Su lenguaje fotográfico contiene muchos de los valores expresivos de los clásicos, además de un exquisito blanco y negro fruto de un oficio artesanal de excelente acabado.

Es Maestro FIAP (Federación Internacional del Arte Fotografico). QEP en paisaje y retrato (Federación Europea de fotógrafos profesionales, FEP) y ha obtenido más de 100 premios nacionales e internacionales, entre los que podemos destacar:  Abeja de Oro (Guadalajara),
The Golden (Dinamarca), Auteurop, París (Francia), Bolbec (Bélgica), The Dromsgrove Photographic Society (Inglaterra), …

Ha expuesto en numerosas ocasiones en grupo y en solitario podemos seleccionar las que ha realizado en la Sala Gil Marraco, Zaragoza; Colegio de Arquitectos, Cádiz; en La Posada del Potro, Córdoba; en la  Asociación fotográfica, Chipre; Fotograiía Academica, Praga; galería Foto Huset, Goteborg; Embajada Española en Atenas, …

Ha publicado sus fotografías en revistas, catálogos, prensa y libros, como La Cortinilla, Arte fotográfico, Foto Profesional, Hasselblad Forum, Camera, New Look, Objetif, Hiposulfito, …

También ha participado como jurado en certámenes nacionales e internacionales, como ponente en congresos fotográficos, y sus fotografías forman parte de colecciones, museos y fundaciones.

El pasado 13 de diciembre de 2013 inauguró en Apertura (Málaga) una exposición con una selección de imágenes de su porfolio El sueño.

 

 

 

Referencias

Aitor Ortiz

Aitor Ortiz es un fotógrafo vasco (nacido el 3 de noviembre de 1971 en Bilbao) que siempre se ha relacionado con el mundo de la arquitectura, no como una representación real sino como ámbito de trabajo para la reflexión sobre el espacio y el proyecto constructivo.

 

© Aitor Ortiz

© Aitor Ortiz

 

 

Yo no intento documentar la arquitectura sino sugerir otras experiencias desde ella. Lo que me interesa precisamente son esos espacios entre la representación y lo representado. Lo que, si no miramos con intención, no se ve a simple vista

 

 

 

Biografía

Aitor Ortiz trabaja profesionalmente en la fotografía de arquitectura, pero para sus obras más personales fotografía sobretodo grandes estructuras monumentales (como el Museo Guggenheim de Bilbao diseñado por Frank O. Gehry, las terrazas pétreas de la cantera de mármol negro de Markina o el viaducto de Millau en el sur de Francia de Norman Foster)  y presenta parte de su trabajo en soportes tridimensionales, de tal manera que sus fotografías acaban convertidas en una especie de foto-esculturas. Trabaja en blanco y negro y una parte de su obra son panorámicas verticales que, además de su fuerza, le permiten muy bien montarlas en los soportes tridimensionales.

Aitor Ortiz ha realizado numerosas exposiciones fotográficas individuales y colectivas en importantes museos de Europa, América y Asia. Su reconocimiento quedó validado en 2011 a nivel internacional con la edición de una gran monografía del artista (Editorial Hatje Cantz).

Entre sus últimas muestras individuales destacan las realizadas por el Museo Guggenheim de Bilbao (2011); Fotografiska (Swedish Museum of Photography, Estocolmo, 2012) y la Comunidad de Madrid en la Sala Canal de Isabel II, Madrid (2012).

Su trabajo le ha valido, entre otros, el Premio Ciudad de Palma, el Premio ABC de fotografía, Gran Premio de Honor de la Bienal de arte de Alejandría (Egipto), Primer Premio Villa de Madrid de fotografía. Sus obras forman parte de colecciones como MNCARS, Fundación La Caixa, ARTIUM, CAB, IVAM, AXXA, Museo Guggenheim Bilbao, MACUF, Foto Colectania, Fundación Telefónica, ...

En su serie Noúmenos, que expone actualmente en la galería Max Estrella, nos presenta una serie  de incógnitas visuales y cognitivas, un cambio de experiencia entre lo bidimensional y lo tridimensional, provocando una variación de la percepción sensorial y un cuestionamiento sobre las limitaciones de la fotografía. Los Noúmenos son objetos no fenoménicos y “en estado puro” que surgen de la intimidad más profunda. Si la fenomenología parte de las evidencias hasta generar intuiciones, la introspección capta intuiciones que se convertirán, o no, en evidencias.

 

 

Referencias

 

 

Libros