Ron Van Dongen

Ron Van Dongen es un fotógrafo holandés (nacido en Judibana, Venezuela, en 1961, se crió en Warmond, Holanda, vive en Portland, Oregón) que realiza fotografía de flores. Aunque este tipo de fotografías ha dominado el mundo de las galerías de arte desde la invención de la cámara, la mayoría de los artistas se sienten atraídos por las escenas botánicas por la belleza inherente de las flores, pero el enfoque de Ron Van Dongen es de dedicación pura al mundo de las plantas.

 

Ron Van Dongen

 

Anemone Coronaria, 2005 © Ron Van Dongen

 

Biografía

Ron Van Dongen estudió Ciencias de la salud y Biología en la Nederlandse Leraren Opleiding en Delft. De 1989 a 1992 estudió fotografía en la Academia de Arte de la Universidad de San Francisco. Poco después, Van Dongen comenzó a mezclar su amor por la ciencia y el arte. El resultado es un jardín cambiante en su patio trasero, que consta de flores exóticas que cultiva desde que son semillas, específicamente para fotografiarlas con una cámara de gran formato Sinar F1.

A diferencia de sus contemporáneos, Van Dongen planta, abona, riega y cultiva sus flores, finalizando esta dedicación con sus fotografías. Sus imágenes resultan de una intimidad que solo se consigue a través de una gran familiaridad.

Sus seductoras flores en blanco y negro desentierran secretos y símbolos florales de nuestra relación nutriente y peligrosa con la naturaleza. Con sus composiciones sencillas y una técnica de impresión magistral, Van Dongen evoca sensaciones visuales que pueden reflejar las luchas y confusiones de la vida cotidiana a través de la hermosura, la sencillez, la flor.

Su obra se encuentra en distinguidas colecciones públicas y privadas como las de Microsoft,  Portland Art Museum, Elton John Photography Collection y la del Ritz Carlton en Sante Fe.

Es posiblemente el fotógrafo que trabaja con plantas más reconocido y su obra es ampliamente exhibida en los Estados Unidos, Europa y Asia.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Alejandro Castellote

Alejandro Castellote es un profesor de fotografía, crítico, ensayista, comisario freelance y fotógrafo español (nacido en Madrid en 1959) que es, posiblemente, una de las figuras más destacadas del panorama fotográfico español actual, tras haber impulsado programas y festivales que aún perviven,  cuando la fotografía y su difusión eran apenas existentes a nivel institucional. Su figura ha servido de nexo entre generaciones de fotógrafos de diferentes contextos y nacionalidades (está muy ligado a la fotografía latinoamericana) y para situar la fotografía en un lugar digno y visible en España.

 

 

 

La fotografía es un medio muy efectivo de representación visual pero al mismo tiempo limita mucho la fantasía.

No pretendo con mi fotografía mostrar imágenes realistas e informativas, ni conseguir una percepción directa y concreta. Encuentro mas interesante deconstruir o reconstruir una situación visual.

Son los ingleses y los franceses quienes en el siglo XIX generan el lenguaje fotográfico. Se aprovecharon de su hegemonía económica y vieron a los demás países como periferias. Despreciaron lo que teníamos que ofrecer. Y lo peor: nos acostumbramos a fotografiar en inglés. Nos obligaron a adaptar nuestra visión de mundo a parámetros que no siempre nos resultan los más idóneos para explicarla. Utilizamos una gramática ajena, procedente de una contexto histórico y una cultura que no es necesariamente nuestra.

 

 

Biografía

Alejandro Castellote comenzó en 1982 a trabajar como comisario de fotografía. Desde 1985 hasta 1996 fue director del Área de Fotografía del Círculo de Bellas Artes de Madrid, donde organizó el Festival FOCO (Fotografía Contemporánea en Madrid) en sus 5 ediciones, y ha sido responsable de la programación de exposiciones, talleres, seminarios y otras actividades durante 12 años.

En 1987 crea la Sala Minerva de Fotografía para jóvenes autores en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

Ha sido director artístico del Festival internacional de fotografía PHotoEspaña (Madrid) en sus tres primeras ediciones (1998, 99 y 2000). Desde 2001 a 2004 fue responsable de la sección de fotografía contemporánea en la Editorial Lunwerg, donde publicó entre otros MAPAS ABIERTOS. Fotografía Latinoamericana 1991-2002, Perú, Viaje al Sol de Juan Manuel Castro Prieto, Silencios Latentes de Manel Esclusa o Plaza de la Soledad de Maya Goded.

Fue comisario de las tres primeras ediciones del festival GETXOPHOTO en Getxo, Bilbao. Es académico correspondiente de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Participó como profesor en la Joop Swart Masterclass 2010 de la Fundación World Press Photo en Ámsterdam,

Escribe habitualmente sobre fotografía, participa en jurados, imparte talleres teóricos y colabora como crítico en diversos medios nacionales y extranjeros. Ha sido asesor de contenidos para la revista C Photo Magazine de Ivory Press, Londres, y ha comisariado la muestra C on Cities para la X Bienal de Arquitectura de Venecia en 2006.

En la actualidad trabaja como freelance, es comisario invitado para Latinoamérica de la Bienal Photoquai que organiza el Musée du Quai Branly de París, comisario invitado para el Festival de Artes Visuales de Lubumbashi, República Democrática del Congo, comisario de la representación española en Swoul Photo Fair en Corea del Sur, comisario invitado en la Bienal Internacional de Fotografía de Singapur (SIPF)  y profesor en el Master de Fotografía de las escuelas EFTI, BlankPaper y el Istituto Europeo di Design de Madrid.

En 2006 le fue concedido el Premio Bartolomé Ros a la mejor trayectoria profesional en fotografía española y en 2011 el premio Entrefotos.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Óscar Monzón

Óscar Monzón es un fotógrafo andaluz (nacido en 1981 en Málaga, vive en Madrid) que ha obtenido un inusitado éxito y reconocimiento internacional con su libro Karma.

 

 

 

Oscar Monzón

 

A través de un lenguaje que elimina la ilusión de profundidad y potencia la abstracción, Karma nos acerca a la paradójica intimidad del coche en el espacio publico, reflejando las actitudes de sus ocupantes. La secuencia de imágenes combina la piel humana con carrocerías de diseño agresivo, los faros en la noche recuerdan a animales salvajes, el flash a corta distancia provoca el enfrentamiento con las personas retratadas.

 

 

 

Biografía

Óscar Monzón estudió fotografía en la escuela Arte 10 de Madrid, y completó su formación asistiendo a talleres con Stephen Shore, Martin Parr y Joan Fontcuberta, entre otros. Es miembro del colectivo Blank Paper desde su formación en 2003 y a partir de dicho año desarrolla diferentes proyectos.

Ha recibido una beca de Artes Plásticas y Fotografía del Ministerio de Cultura para el Colegio de España en París, una beca de la Fundación Temas de Arte, fue seleccionado en Descubrimientos de PhotoEspaña 2011 y ha ganado el premio First Book Award 2013 en Paris Photo con su libro Karma.

Ha expuesto sus trabajos en las salas Carmen de la Guerra, El escaparate de San Pedro, Conde Duque y Antigua Tabacalera en Madrid y dentro de las exposiciones itinerantes por Iberoamérica E-CO y Laberinto de Miradas. También en las salas LE-BAL y RVB Gallery en París.

En 2013 ha publicado su primer libro, KARMA que ha ganado el premio First Book Award 2013 en Paris Photo cuyas imágenes, realizadas entre 2009 y 2013, componen un proyecto a gran escala en el ámbito de los coches, y más precisamente en la relación de los conductores con su automóvil. La mayoría de las imágenes tomadas para este duro y arriesgado trabajo de larga duración fueron robadas de noche, con potentes flash cuando el interior del coche detenido en un semáforo parece un espacio seguro y privado.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Karma. Ver Karma en Have a Nice Book

Barbara Bordnick

Barbara Bordnick es una fotógrafa estadounidense (vive en Nueva York), internacionalmente reconocida por sus retratos, por su fotografía de moda y por sus naturalezas muertas de flores.

 

Barbara Bordnick

 

© Barbara Bordnick

 

 

La fotografía de moda es la creación de un misterio y un drama. Es un salto de la realidad que te puede llevar a cualquier lugar que quieras ir y juega con la seducción. Fotografiar personas, como en el retrato, es una búsqueda de lo que está por debajo de la superficie. Es allí donde la verdad se encuentra. Al fotografiar desnudos, miro como desearía que me acariciaran. Trato de hacer que la luz sea la caricia sensual de una mano. Después de haber pasado la mayor parte de mi carrera fotografiando moda, retratos y desnudos, era natural que la belleza sensual y el misterio de las flores me fueran a cautivar. Me pierdo en sus matices infinitos y sus sorpresas. El movimiento sensual de sus formas y colores son casi como una danza. Y el lugar tranquilo a donde me llevan es hipnótico.

 

Moda, flores, desnudos y retratos, todos son lo mismo: luz, forma, color. Y el misterio. Y el misterio es muy importante. Cuando empecé a fotografiar flores, pensé, “Dios mío, ¿dónde he estado hasta ahora?”. Soy  totalmente adicta a este proyecto. Nunca antes había visto los misterios de una flor. Caminamos al lado de milagros todos los días y no los vemos. Sólo nos detenemos en lo que grita más fuerte.

 

 

 

Biografía

Barbara Bordnick estudió diseño de moda en Pratt en Brooklyn, pero no le gustaba mucho y sentía que no llegaría a trabajar en ello. Se dio cuenta que en las revistas de moda que leían (Harpers Bazaar) se fijaba más en las fotografías de Richard Avedon que en la moda misma. Pero el aprendizaje de la fotografía era largo y duro, así que tuvo que posponerlo hasta el último año de sus estudios.

Comenzó su carrera fotográfica en Copenhague y París antes de volver en 1968 a Estados Unidos y abrir su estudio en Nueva York, y publicar en Harper’s Bazaar donde rápidamente consiguió el éxito.

Su trabajo en 40 años ha obtenido numerosos premios y reconocimientos entre los que podemos citar:

  • Clios for film & print
  • The International Film Festival Gold Medal
  • Nikon Award
  • Art Directors’ Club Awards
  • Missouri School of Journalism Award

También recibió en 1978 el encargo de The Polaroid Corporation de hacer el calendario A song I can see con las mejores jazzistas de Estados Unidos, como ejemplo de su nuevo producto 8X10 Polacolor.

Un día que le falló una modelo, aprovechó el tiempo realizando fotografía de los motivos florales del atrezo, encontrando un nuevo elemento para su trabajo: la fotografía de flores cortadas bajo una nueva experiencia visual, acercándose a cada flor y llevándonos de viaje al descubrimiento erótico en este nuevo paisaje sensual que nos aportan las flores a una distancia corta, como lo hacen los cuerpos desnudos. Este trabajo ha tomado gran importancia en su época más reciente, habiendo publicado varios libros y realizado talleres sobre este tema. Este trabajo también ha marcado su paso entusiasta a la fotografía digital.

Sus obras forman parte de las colecciones permanentes del International Center of PhotographyGilman Paper Collection en Nueva York, Polaroid Collection en Massachusetts, George Eastman House en Rochester, Nueva York, Portland Museum of Art en Maine y el Hallmark Museum for Contemporary Photography en Massachusetts.

Además de su fotografía, Bordnick es una conferenciante muy solicitada, y aparece regularmente en los medios por sus exposiciones y publica regularmente en The New York Times Magazine, Harper’s Bazaar, Lears, Life, The New York Times Fashions Of The Times, Geo, Time, Newsweek, Forbes, Fortune, Vogue Francais, Vanity Fair, The Washington Times Magazine, Communication Arts, Graphis, View Camera, …

Barbara Bordnick ha realizado trabajos para diversas compañías de la lista Fortune 500 como IBM, Merrill Lynch, American Express, Chase Manhattan Bank, Avon, Johnson & Johnson, Procter & Gamble, Revlon, Bristol Myers, DuPont, Kodak, Polaroid, Armstrong y The Limited.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Huynh Cong Út

Huynh Cong Út, conocido profesionalmente como Nick Ut, es un fotógrafo vietnamita nacionalizado estadounidense (nacido el 29 de marzo de 1951 en Long An, Vietnam, vive en Monterey Park, California) que ha trabajado más de 35 años para la agencia Associated Press (AP) y cuyo trabajo más icónico fue la foto de la niña Phan Thị Kim Phúc, de 9 años, cuando corría desnuda hacia la cámara, mientras escapaba de un ataque cercano de napalm en Trang Bang, durante la guerra del Vietnam.

 Nick Ut

 

© Nick Ut / AP

En la guerra de Vietnam nadie chequeaba tus fotos (…) hoy te dicen que no estás autorizado a tomar fotos de restos de soldados.

Quiero que cuando la gente vea esa foto entienda que no quiero más guerras en el mundo. Hay que acabar con las guerras. No debe haber más fotos de quemaduras de napalm. No sólo hablo de la guerra de Vietnam. No debe haber ninguna guerra. En Irak muere gente cada día.

Biografía

Huynh Cong Út es hijo de un granjero vietnamita, y su contacto con la fotografía fue en la agencia de noticias Associated Press cuando sólo contaba 16 años, poco después de que su hermano mayor, Huynh Thanh My, otro fotógrafo de AP, fuese muerto en Vietnam. El propio Ut fue herido tres veces en la guerra. Desde entonces, ha trabajado para AP en Tokio, Corea de Sur, Hanói y posteriormente en EEUU.

Cuando consiguió trabajo en AP, trabajó y aprendió el laboratorio fotográfico y poco a poco fue haciendo sus pinitos en la fotografía. Vietnam brindaba muchas oportunidades y pronto le pidieron que fotografiara a unos monjes quemados a lo bonzo, luego el ataque a la embajada estadounidense en Saigón y finalmente ya pudo trabajar como corresponsal de guerra en el frente.

Tenía la manía de llevar 4 cámaras colgando y eso le permitió realizar la foto de la niña del napalm. Un numeroso grupo de periodistas y fotógrafos se congregaron cerca de la aldea de Trang Bang, donde las fuerzas del Norte y Vietcong luchaban contra las del Sur y EEUU. Un ataque aéreo a la aldea con bombas y luego napalm, causaron unas espectaculares tomas, Pero enseguida un grupo de aldeanos y niños salieron corriendo. Una anciana (la abuela de la niña) llevaba en brazos un niño malherido de un año, que moriría en esos momentos y que fue objeto de los disparos de los fotógrafos, hasta acabar sus carretes. Ut se dio cuenta que un nuevo grupo de niños llegaba corriendo, incluida la niña desnuda, y gracias a su cuarta cámara pudo conseguir esta instantánea mientras sus compañeros recargaban sus máquinas.

Út cogió la niña y la llevó en su coche a un hospital donde finalmente lograron salvar su vida. En esta foto no se aprecian sus graves quemaduras. La niña Phan Thị Kim Phúc vive actualmente en Canadá y mantiene con Út una relación casi familiar.

Y luego envió a la AP la foto, donde tuvo bastantes problemas por el desnudo de la niña, aunque finalmente gracias a Horst Faas pudo publicarse, y luego ganaría numerosos premios, como el Pulitzer Prize, World Press Photo, Sigma Delta Chi, Overseas Press Club, National Press Club y el George Polk Memorial Award. En 2012 Út ha recibido el Salón de la Fama de Leica por sus contribuciones al fotoperiodismo.

Tras el fin de la guerra, llegó a Los Ángeles en 1977 como refugiado vietnamita. Continuó trabajando para AP en Tokio, Corea de Sur, Hanói y posteriormente en el mismo EEUU.

Famoso mundialmente por esta icónica foto con menos de 20 años, Út ha seguido trabajando realizando potentes imágenes e historias fotográficas. Como ejemplo, las fotos de Paris Hilton llorando en el asiento trasero del coche del Sheriff del Condado de Los Ángeles en 2007, mientras la llevaban a un juicio. También volvió a Vietnam con el proyecto de liberar a los últimos prisioneros norteamericanos y ha documentado los efectos del agente naranja.

 

 

 

Referencias

Pierre Dubreuil

Pierre Dubreuil fue un fotógrafo francés (nacido en Lille el 5 de marzo de 1872 y fallecido en Grenoble, el 9 de enero de 1944) pictorialista, miembro del Linked Ring, usó la técnica del bromóleo y aportó nuevos enfoques y encuadres a la fotografía, influenciado por el cubismo, el futurismo y el surrealismo belga.

 

Pierre Dubreuil

 

Pierre Dubreuil

 

 

 

Biografía

Pierre Dubreuil nació en una familia rica, dedicada al comercio del papel tapiz. En 1888 ingresó en el Colegio de los Jesuitas de San José de Lille y empezó a hacer fotos con una cámara de medio formato con 16 años. Después de tres años en los Dragones de Saint-Homer comenzó a trabajar con el fotógrafo Louis-Jean Delton, que estaba especializada en temas de caballos.

En 1891 Dubreuil se convirtió en miembro de la Sociedad Fotográfica de Lille. Allí conoció a Robert Pauli quien le inició en la técnicas de impresión de carbono y platino. De 1896 a 1903 consiguió el reconocimiento en el círculo de los fotógrafos pictóricos. El parisino Photo-club aceptó cinco de sus impresiones en 1896. En 1900 fue admitido como miembro de la Linked Ring en Londres, y se quedó en Londres en 1901 para estudiar su paisaje. Salió de esta hermandad en 1908.

En 1902 pasó dos años en París fotografiando la ciudad y sus monumentos. Desde 1904 utilizó el proceso de impresión Rawlins con tintas grasas (también llamado Bromóleo) que se convirtió en su proceso de impresión favorito y que utilizó hasta 1930. En 1910 envió a Alfred Stieglitz 12 fotografías, pero ninguna fue publicada en Camera Work, aunque seis de esos grabados fueron exhibidos en la Exposición Internacional en la Albright Art Gallery en Búfalo, comisariados por Stieglitz.

Durante la Primera Guerra Mundial se enroló como técnico de emergencias médicas, y su casa fue saqueada y una buena parte del material fotográfico se perdió. Dubreuil no volvió a trabajar como fotógrafo hasta 1923 y en Bélgica, donde se convirtió en miembro de la Agrupación Fotográfica de Bélgica.

Mientras que muchos de sus compañeros pictorialistas se dedicaban a temas pastorales o alegóricos, Dubreuil abrazó la era de la maquinaria, y se le considera uno de los primeros fotógrafos modernos, fotografiando el paisaje urbano desde perspectivas inesperadas (a vista de  pájaro), así como haciendo primeros planos de máquinas como un emblema de la era moderna. Una figura influyente en el desarrollo de la “Nueva fotografía“, enfatizó constantemente el diseño y la idea más que el propio contenido. Experimentó con una variedad de técnicas de impresión, como el platino, la goma bicromatada y el proceso del carbón, pero a partir de 1904 se especializó en el bromóleo. Su trabajo a menudo utiliza recursos compositivos no tradicionales, dando mayor importancia a lo que podríamos considerar los elementos más mundanos de la imagen. Su trabajo se considera influenciado por el cubismo, el futurismo y el surrealismo.

Publicó varios escritos sobre técnica fotográfica y estética y participó en numerosas exposiciones. En 1935 la Royal Photographic Society de Londres le dedicó una exposición retrospectiva de su obra, con unas 150 obras.

La enfermedad y la pobreza lo llevaron a vender sus archivos a Gevaert en 1943, pero se perdieron en su mayoría cuando fue bombardeada su fábrica durante la guerra.

Después de su muerte en 1944 su trabajo fue olvidado en gran parte hasta 1988, cuando, gracias a  Tom Jacobson, un fotógrafo de San Diego, coleccionista y comerciante, se redescubrieron sus imágenes y se realizó una exposición de su obra en el Centro Georges Pompidou en París.

 

 

 

Referencia

 

 

 

 

Libros

  • Pierre Dubreuil, photographs 1896-1935,  Tom Jacobson.

Nicholas Eppel

Nicholas Eppel es un joven antropólogo y fotógrafo sudafricano (vive actualmente en Sevilla, España) que realiza un trabajo documental en proyectos a largo plazo tratando de profundizar en los mecanismos internos y, a menudo ocultos, de la sociedad.

 

Nicholas Eppel

 

© Nicholas Eppel

 

 

 

 

Biografía

Nicholas Eppel estudió antropología e historia y tras una formación en fotografía de moda y publicidad, realiza proyectos fotográficos de larga duración:

  • a time for legends, sobre Sudáfrica
  • harrington street, la historia de la casa de Elizabeth Barret y sus habitantes
  • between shadows, sobre la migración y la memoria en la Península Ibérica
  • leo, un niño español
  • key of exile (en desarrollo), sobre el largo camino de los judíos y musulmanes expulsados de la Península Ibérica en 1492 y 1609.
  • 1000 days (en desarrollo), imágenes térmicas de los primeros 1000 días de vida.

Su proyecto key of exile tiene como objetivo examinar la historia y la herencia (cultural) ibérica desde el año 1492 hasta la actualidad. La historia española en los últimos 500 años en muchos aspectos ha contribuido a dar forma a nuestro mundo moderno y Nicholas ha optado por centrar su trabajo en una serie de “temas” dentro de este período histórico para mostrar como se relaciona la sociedad moderna con su historia y patrimonio común.

 

 

 

Referencias

Robert Adamson

Robert Adamson fue un químico escocés y un fotógrafo pionero (nacido el 26 de abril de 1821 en Burnside, Fife, cerca de St. Andrews y fallecido el 14 de enero de 1848 en St Andrews) conocido por su trabajo fotográfico con David Octavio Hill con quien produjo más de 2500 calotipos, en su mayoría retratos, en los 5 años que trabajaron juntos.

 

Robert Adamson

 

Reverend Thomas Scott of Peel. c. 1846. David Octavius Hill and Robert Adamson

 

 

 

Biografía

Robert Adamson fue uno de los 10 hijos de un agricultor.  Recibió una educación básica en la Madras School de St Andrews, donde mostró un talento excepcional para las matemáticas y la mecánica, ganando dos premios en matemáticas. Se convirtió en empleado en una tienda de ingeniería desde una edad muy temprana y fue aprendiz de constructor de molinos durante varios meses.

Adamson quería ser ingeniero, pero su mala salud le llevó al encuentro con la fotografía. Su hermano John, que hizo el primer calotipo en Escocia en 1841 y el físico David Brewster de la Universidad de St Andrews le enseñaron la técnica del calotipo y ya en 1839 su talento era reconocido y el propio Fox Talbot llamaba a sus obras Rembrandtish. En Escocia no tenía efecto la patente del calotipo y el empleo de esta técnica era un buen negocio.

Adamson, estableció su estudio fotográfico en Edimburgo en 1843. Ese mismo año, Brewster lo recomendó a David Octavio Hill, un pintor de paisajes escoceses románticos, para que lo contratara para el encargo del retrato de los 470 clérigos que fundaron la Iglesia Libre de Escocia. Hill quería hacer los retratos fotográficos simplemente como material de referencia para poder hacer la pintura sin necesidad de tener juntos a todo el grupo, pero los retratos superaron claramente lo que sería la pintura, que se terminaría en 1866, mucho después de la muerte de Adamson.

Las fotografías realizadas en conjunto por Adamson y Hill eran de color marrón rojizo suave o sepia e incluían paisajes locales y escenas urbanas, como las imágenes del Scott Monument, en construcción entonces en Edimburgo. También produjeron varias fotografías de acción con soldados y su más famosa fotografía:  dos sacerdotes que caminan uno al lado del otro. Sus representaciones de los grupos y los niños no tenían rival y fotografiaban a gente elegante y a gente ordinaria, en particular a los pescadores de Newhaven y a sus esposas, lo que fue su trabajo conjunto más notable. Ambos fueron los primeros en realizar retratos en exteriores.

 

 

 

 

Referencias

Wolf Ademeit

Wolf Ademeit es un fotógrafo alemán (nacido en 1954, vive en Moers) que realiza fotografía de animales en cautividad como una forma de retrato artístico.

 

Wolf Ademeit

 

© Wolf Ademeit

Mis imágenes no tratan de tener en cuenta las circunstancias reales. Son mi elegía a un mundo animal que desaparece de forma trágica día a día.

 

Sólo unos pocos fotógrafos utilizan la fotografía de los animales en los zoológicos como una forma de arte y creo que ésta es una oportunidad perdida … Con mis fotografías me gustaría llevar la fotografía de animales al mundo de la fotografía artística y mostrar fotos que no sólo son puramente documentales.

 

 

 

Biografía

Wolf Ademeit prefiere denominarse a sí mismo como fotógrafo aficionado, aunque su vida profesional haya estado siempre estrechamente relacionada con el campo de la fotografía: es dueño de una agencia de publicidad y del estudio fotográfico Studio41. Se interesó en la fotografía al estudiar el oficio de litógrafo y ha sido su pasión desde hace más de 30 años.

Ademeit no se centra en la vida salvaje en sus hermosos hábitats naturales, sino que se recrea solamente en el encanto y la personalidad de las expresiones faciales de sus modelos, realizando lo que podríamos llamar retrato de animales.

En contraste con la fotografía de la vida salvaje, los animales en el zoológico se realizan en un entorno que es normalmente artificial, que distrae altamente del motivo principal y que permite con dificultad realizar un diseño artístico. Esto implica necesariamente una tecnología fotográfica que oscurezca todas las partes de la imagen que no sean necesarias. Al igual que en la fotografía de retrato, hay que buscar y esperar la posición en la que los animales presenten su mejor pose.

Ademeit ha utilizado el color y sobre todo el blanco y negro en su trabajo en el que ha empleado más de 5 años.

 

 

 

Referencias

Lu Nan

Lu Nan es un fotógrafo chino documental (nacido en Pekín en 1962) que está interesado en las personas, y que ha documentado a enfermos mentales, devotos católicos, tibetanos, drogadictos  y cautivos; todos ellos fuera de las élites materialistas. Está considerado como uno de los más legendarios fotógrafos chinos.

 

Lu Nan

 

© Lu Nan

 

 

Es suficiente disfrutar de la obra de arte. La publicidad es un sin sentido para un artista. Si la imagen es buena, no importa quién la hizo, y si no es buena, tampoco importa.

Las vidas humanas no deben ser etiquetadas. Las etiquetas tapan los ojos y hacen que muchas cosas permanezcan invisibles para nosotros.

 

 

 

Biografía

Lu Nan ha sido el único miembro chino (es corresponsal, no asociado) de la prestigiosa agencia Magnum Photos, Es un fotógrafo legendario que, sin embargo, rara vez asiste a actos públicos y se niega a ser fotografiado.

También tiene la costumbre de firmar sus obras con nombres diferentes. Por ejemplo, firmó como Ma Xiaohu y Li Xiaomin en su famosa trilogía de las fotografías, y solicitó la adhesión a Magnum Photos con el nombre de Mao Xiaohu. Incluso se ha negado a firmar con su nombre una reconocida foto tomada a principios de su carrera llamada Incremento de la altura de una colina desconocida en un metro y renunció a su derecho de autor sobre la misma.

Lu se tomó 15 años para completar su trilogía de fotografías, tres series de un total de 225 imágenes, que se exhibieron por primera vez en el Festival Internacional de Fotografía de Pingyao 2006 . Aunque las exposiciones lo colocaron en el centro de atención internacional, el artista no hizo acto de presencia en el evento. Esta trilogía trata de pacientes en los hospitales psiquiátricos (The Forgotten People, the state of Chinese psychiatric wards), de las peregrinaciones de los devotos católicos chinos (On the road, the catholic church in China) y de la vida de los campesinos tibetanos (The Four Seasons, everyday life of Tibet peasants).

Estas imágenes fueron posteriormente exhibidas en Guanzhou y Pekín y Lu dijo que sería suficiente para él si sus imágenes fueran apreciadas por cinco personas más en los próximos 25 años.

En 2009, Lu completó la toma de fotografías de presos en una cárcel de Myanmar. El proyecto (Prison Camps in Northern Myanmar) duró tres meses y provocó discusiones generalizadas, con algunos críticos alegando que había sido ayudado por las autoridades chinas a tomar fotos de estos internos, aunque él ha negado recibir ninguna ayuda de las autoridades.

A Lu le gusta elegir temas que no hayan sido tratados por otros artistas, para no repetir el trabajo ya realizado por otros, ni caminar por senderos que ya hayan sido recorridos.

 

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • The Four Seasons, everyday life of Tibet peasants.
  • On the road, the catholic church in China.
  • The Forgotten People, the state of Chinese psychiatric wards.
  • Prison Camps in Northern Myanmar.

Donna DeCesare

Donna DeCesare es una escritora, fotógrafa documental y educadora estadounidense conocida por su cobertura innovadora de la propagación de las pandillas de Estados Unidos a América Central.

 

Donna DeCesare

 

© Donna DeCesare

 

 

Yo quería estar en el mundo haciendo cosas con gente real, gente que no fuera de la clase alta.

Ella me miró fijamente a los ojos y dijo: “Donna, por favor, no te olvides de mi pueblo”. Y eso se clavó en mi corazón.

 

 

 

 

Biografía

Donna DeCesare estudió Literatura en la State University College en Buffalo y Comparative Studies en la Essex University en Colchester, Inglaterra. Comenzó su carrera fotográfica cubriendo conflictos en Irlanda del Norte y en América Central. Con sede en El Salvador durante los últimos años de la guerra civil de ese país, informó y  fotografió desde la región para los principales periódicos de EEUU y Europa.

Sus fotografías y testimonios de los niños en Guatemala y Colombia que son ex niños soldados, víctimas de abuso o el estigma del VIH han ayudado a UNICEF en la elaboración de protocolos para fotografiar a los niños en situación de riesgo. De Cesare es una consultora del Centro Dart para el Periodismo y Trauma.

Desde 1995 también ha trabajado como reportera gráfico y productora de numerosos documentales para The Learning Channel. Killer Virus, su primera colaboración con el TLC ganó un premio Emmy en 1996.

Donna DeCesare se unió como profesora asociada a la facultad en la Universidad de Texas en Austin en 2002 después de una carrera profesional de 20 años como reportera visual independiente que cubría historias en EEUU, Asia, Oriente Medio y América Latina.

Entre las muchas revistas de noticias y arte que han publicado sus fotografías se pueden citar: The New York Times Magazine, Life, Newsweek, The Atlantic, Mother Jones, DoubleTake y Aperture.

Ha obtenido numerosos premios, como el National Press Photographers Association, Dorothea Lange Prize del Center for Documentary Studies en la Duke University, el Mother Jones Award por Social Documentary Photography, varios premios Open Society Foundations y becas como la  Fulbright Fellowship.  El más reciente ha sido el Maria Moors Cabot Prize en 2013.

Su fotografía ha sido exhibida internacionalmente en Visa pour l’Image en Perpiñán, Francia; Centro de la Imagen en Ciudad de México; Guangdong Museum of Art en Guangzhou, China; el Museo Tecleño en El Salvador; el Reiss-Engelhorn-Museen en Mannheim, Alemania; y el Museum of Fine Arts, en Houston.

Más recientemente, la fotografía de De Cesare se ha incluido en la exposición retrospectiva War / Photography que ha itinerado del Annenberg Space for Photography de Los Ángeles a la Corcoran Gallery of Art y al Brooklyn Museum.

Su libro recientemente publicado Unsettled / Desasociego: Children in a World of Gangs es a la vez un libro de memorias y una historia visual de sus experiencias en América Central y Los Ángeles.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Ha realizado contribuciones en numerosos libros y catálogos, de los que podemos citar:

  • War Photography: Photographs of Armed Conflict and its Aftermath
  • A History of Women Photographers   
  • Child Soldiers (2008)

Henry Peach Robinson

Henry Peach Robinson fue un fotógrafo pictorialista inglés (nacido en Ludlow, Shropshire, el 9 de julio de 1830 y fallecido en Royal Tunbridge Wells, Kent, el 21 de febrero de 1901) conocido principalmente por la utilización de múltiples negativos o impresiones para formar una sola imagen. Fue uno de los fotógrafos artísticos y comerciales de mayor éxito en el siglo XIX en Gran Bretaña.

Henry Peach Robinson

 

Fading Away, Henry Peach Robinson

 

Unos ojos humanos sanos nunca han visto ninguna parte de una escena fuera de foco.

Así como la ciencia de la fotografía tiene sus fórmulas, también el arte de crear imágenes tiene, en lo material, sus propias reglas.

 

 

 

Biografía

Henry Peach Robinson recibió clases de dibujo durante un año con Richard Penwarne antes de ser aprendiz del librero e impresor Richard Jones. Sin dejar de estudiar arte, su carrera inicial fue la venta de libros. Comenzó su carrera artística como pintor de la escuela prerrafealista. En 1852 expuso una pintura al óleo en la Royal Academy y ese mismo año se inició en la fotografía, y cinco años más tarde, tras una reunión con el fotógrafo Hugh Welch Diamond, decidió dedicarse a este medio, abriendo un estudio fotográfico en 1857. Inicialmente aplicó a sus imágenes las ideas de la fotografía academicista aportando un poco más de lirismo (influencia del prerrafaelismo).

Su obra más célebre, Los Últimos Instantes (Fade Away), de 1858, nos muestra a una joven moribunda en representación teatral, donde nada queda de los aspectos documentales o testimoniales propios de la fotografía. Al igual que Oscar Gustav Rejlander recurre al fotomontaje con el empleo de varios negativos (en esta obra un mínimo de 4), pero sin embargo su obra tiene más que ver con el romanticismo.

En 1864 Robinson se vio obligado a renunciar a su estudio debido a su mala salud por la exposición a productos químicos fotográficos tóxicos. A partir de entonces prefirió el uso de tijeras y pegamento para combinar sus imágenes en lugar del exigente método del cuarto oscuro empleado por Rejlander.

Hacia 1868 su salud había mejorado lo suficiente como para abrir un nuevo estudio junto con Nelson Rey Cherrill, y en 1870 se convertirá en vicepresidente de la Royal Photographic Society defendiendo firmemente a la fotografía como una forma de arte.

La asociación con Cherrill se disolvió en 1875 y Robinson continuó con el negocio hasta su jubilación en 1888. A raíz de las disputas internas dentro de la Royal Photographic Society, renunció a ella en 1891 para convertirse en uno de los primeros miembros de la sociedad rival Linked Ring, en la que estuvo activo hasta 1897, cuando también fue elegido miembro honorario de la Royal Photographic Society.

Las ideas que habrían de provocar el nacimiento del Linked Ring se encontraban en su obra teórica Efecto Pictorial en Fotografía de 1869, que supone un referente básico del pictorialismo fotográfico.  Participó con energía en los debates de aquellos tiempos en la prensa y en asociaciones fotográfica acerca de la legitimidad de la fotografía artística y, en particular, de la combinación de imágenes distintas en una sola.

Robinson fue uno de los primeros miembros de la Photographic Convention of the United Kingdom (PCUK) del que llegaría a ser presidente en 1896.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Pictorial Effect In Photography: Being Hints On Composition And Chiaroscuro For Photographers. (1869).
  • The Art And Practice Of Silver Printing. (1881).
  • Picture-Making By Photography. (1889).
  • Art photography in short chapters (1890)
  • Photography as a business. (1890)
  • The Studio And What To Do In It. (1891).
  • The elements of a pictorial photograph. (1896).
  • Catalogue of pictorial photographs. (1901).

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