Lorenzo Almarza

Lorenzo Almarza fue un militar, ingeniero y fotógrafo español (nacido en Ezcaray, La Rioja, en 1887 y fallecido en Zaragoza en 1972) muy vinculado a la provincia de Huesca gracias a su labor profesional que comenzó con su ingreso como voluntario en el Regimiento Gravelinas de Sabiñánigo.

 

Lorenzo Almarza

 

© Lorenzo Almarza

 

 

 

Biografía

Lorenzo Almarza se inició en la fotografía en torno a 1910, época en la que coincidió con el fotógrafo José Ortiz Echagüe en la Academia de Ingenieros Militares de Guadalajara.

Posteriormente, entre 1915 y 1927, estuvo destinado en el protectorado español del norte de África, y ya en 1928 regresó al Alto Aragón, en concreto a Jaca, donde participó en la construcción de un importante número de obras públicas y fortificaciones. De sus múltiples viajes por Europa y el Norte de África trajo fotografías estereoscópicas que difundió desde el Sindicato de Iniciativas y Propaganda de Aragón, el periódico Heraldo de Aragón, la revista Aragón, y la Real Sociedad Fotográfica de Zaragoza, de la que fue miembro fundador y presidente. También fue miembro del Club de Montañeros de Aragón.

Su formación como ingeniero imprimió a sus fotografías una temprana preocupación formal y estética. Con la descontextualización y los encuadres geométricos de algunas de sus imágenes se anticipó a la corriente de la Nueva Visión, alejándose del pictorialismo imperante en la época. También experimentó con el color (autocromo) y realizó fotorreportajes, fotografía urbana, retratos de familia y fotografías de los viajes que realizó tanto por motivos profesionales como personales.

En este ámbito, destacan sus imágenes de Francia, Italia, Suiza o España, pero también la extensa obra que llevó a cabo en los Alpes y los Pirineos, dado a su interés por la naturaleza. También documentó su vida doméstica y mostró gran interés por las formas de vida, las fiestas, procesiones u oficios, entre otros aspectos, de los pueblos del Pirineo y de su estancia en Marruecos.

Su jubilación la pasó entre Zaragoza y Benasque.

Entre las exposiciones que se le han dedicado destaca la muestra Lorenzo Almarza: el valle de Benasque en los años 20, organizada por la Diputación de Huesca en colaboración con la Fundación Hospital de Benasque en 2006 y que recorría el paisaje del Pirineo altoaragonés desde 1915 hasta los años 30. Más recientemente, en 2011, se celebró en la Sala de Exposiciones de la Diputación de Huesca la antología Lorenzo Almarza: la mirada moderna, que presentó una selección de 150 fotografías del autor de gran valor documental.

Su legado supera las 3.000 imágenes, la mayor parte de ellas positivas en formato estereoscópico, y se encuentra en la Fototeca de la Diputación de Huesca, donado por las nietas del propio fotógrafo.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Bill Eppridge

Bill Eppridge fue un fotógrafo estadounidense (nacido en Buenos Aires, Argentina, en 1938, y fallecido en 2013 en Danbury, Connecticut) que tuvo una carrera realmente notable trabajando principalmente para Life y la revista Sports Illustrated, cubriendo guerras, campañas políticas, la adicción a la heroína, la llegada de los Beatles a los Estados Unidos, los Juegos Olímpicos de verano e invierno, y tal vez el momento más dramático de su carrera, el asesinato del senador Robert Kennedy en Los Ángeles.

 

Bill Eppridge

 

© Bill Eppridge

 

 

 

Con los años, me pareció que había un poder en este medio (la fotografía). Si se pueden hacer un par de cosas buenas para la gente en la vida, entonces uno ha vivido una buena vida.

 

Creo que lo que hace una buena imagen es un momento que es completamente natural y espontáneo y que no está afectado por el fotógrafo.

 

 

 

Biografía

Bill Eppridge pasó su primera infancia en Virginia y Tennessee. Cuando su familia vivía en Richmond, Virginia, al final de la Segunda Guerra Mundial, un hombre con un poni fue a su casa un día y ofreció sus servicios de fotografía. Bill Eppridge, que tenía 10 años en aquel momento, sacó su cámara Brownie 620 Starflash y posó con ella. Comenzó a pensar que ser fotógrafo no era mal trabajo: podría viajar, juntarse con gente interesante e, incluso, tener un poni. Su familia se trasladó a Delaware cuando tenía 14 años.

Cuando era niño, esperaba al cartero para recibir la revista Life todas las semanas, y siempre disfrutaron en su casa con las fotografías de David Douglas Duncan, Robert Capa y Henri Cartier-Bresson. Fotógrafo autodidacta, comenzó a fotografiar para su periódico escolar y el anuario y, a continuación, deportes para el periódico Wilmington Star. Eppridge sólo tenía quince años, pero esta exposición temprana a una sala real de redacción le aficionó al periodismo.

Después de graduarse de la escuela secundaria, Eppridge decidió que quería ser arqueólogo y fue a la Universidad de Toronto. También hizo fotos para el equipo universitario, el periódico del campus y, al final de su segundo año allí, ya era el director de fotografía. Sus calificaciones en la escuela comenzaron a bajar, y se dio cuenta de que la fotografía era realmente donde quería estar. Le aconsejaron ir a la Universidad de Missouri, que era la mejor escuela para el periodismo.

En dos ocasiones ganó el National College Picture Competition patrocinado por la Asociación Nacional de Fotógrafos de Prensa (PNAA) y la Universidad de Missouri. En ambos casos el primer premio fue una Enciclopedia Británica y prácticas de una semana en la revista Life, donde conoció a algunas de las personas cuyas fotos que había visto de niño. Tras terminar de estudiar su primer trabajo en National Geographic fue un viaje de 9 meses por el mundo con la International School of America. Pero finalmente orientó su profesión más al fotoperiodismo pasando a trabajar en Life.

Eppridge estuvo allí cuando en el primer viaje de los Beatles a los Estados Unidos, fotografió a una joven Barbra Streisand en sus inicios al estrellato, a Pete Seeger y Bob Dylan que iban a cantar en su primer Festival de Folk de Newport, los cuerpos de los asesinados por los derechos civiles Chaney, Goodman y Schwerner, el solemne funeral de James Chaney. Pronto se ganó un lugar en las portadas de Life, que mantuvo hasta el cierre de la revista en  1972, trabajando junto a muchas de las leyendas que había admirado durante su juventud: Alfred Eisenstadt, Gordon Parks, Carl Mydans, Ralph Morse y Larry Burrows.

Su estilo único de fotoperiodismo le permitieron encargos que hicieron historia: revoluciones latinoamericanas, la guerra de Vietnam y Woodstock. Fue el único fotógrafo admitido en la casa de Marilyn Lovell cuando su marido Jim orbitaba la Luna en la nave espacial Apolo 13. Su ensayo fotográfico histórico sobre el uso de drogas, Needle Park- Heroin Addiction, ganó el premio del National Headliner. Consiguió un acceso sin precedentes en la celebración de los 50 años de la revolución rusa en Leningrado, fotografiando toda la flota del Báltico en el río Neva, algo que ningún occidental había visto jamás.

Tras Life trabajó para la revista Sports Illustrated, cubriendo los Juegos Olímpicos de verano e invierno, la America Cup, los desastres medioambientales de la erupción del Monte Santa Elena y del Exxon Valdez. Sus ensayos de deporte y de vida salvaje le han llevado al Ártico, África, Asia y a los Alpes.

Su fotografía ha ganado numerosos premios y ha aparecido en exposiciones itinerantes por todo el mundo. Ha sido profesor de fotoperiodismo en la Universidad de Yale, en el Missouri Photojournalism Workshop, Barnstorm: The Eddie Adams Workshop, Rich Clarkson’s Photography en el Summit, y en el Sportsshooter Workshop.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Brian Smith

Brian Smith es un fotoperiodista y retratista estadounidense (nacido el 16 de julio 1959 en Ames, Iowa, vive en Miami Beach, Florida) conocido mayoritariamente por sus retratos, a la vez elegantes y descriptivos, de actores, líderes empresariales, políticos y deportistas.

 

Brian Smith

 

 

William H. Macy for Be A Star © Brian Smith

 

Una de las mejores cosas de ser un fotógrafo es la oportunidad de presenciar el mundo a través de su lente

Me encanta fotografiar a gente guapa y no son necesariamente celebridades. Puedo fotografiar a bailarines de burlesque, jugadores de golf nudistas o a cualquier persona que esté cómoda en su propia piel

Hay veces que tienes suerte y tienes delante de la cámara a alguien que se mueve como un bailarín  y lo único que tienes que hacer es ser lo suficientemente inteligente como para no tropezar con él.

 

 

 

Biografía

Brian Smith comenzó su carrera en fotografía en la escuela secundaria como corresponsal para el Ames Tribune. Obtuvo su licenciatura en periodismo de la Universidad de Missouri. Siendo todavía un estudiante, con 20 años de edad, publicó su primera fotografía en la revista LIFE.

Sus retratos de celebridades, atletas y grandes ejecutivos han aparecido en las portadas de revistas como Sports Illustrated, ESPN the Magazine, Time, Forbes, New York Times Magazine, Elle and British GQ.  Como ejemplo, su fotografía del Papa Juan Pablo II, apareció en la portada de la edición conmemorativa de la revista Newsweek.

Su libro The Art & Soul incluye retratos de celebridades como Anne Hathaway, Kerry Washington, Patricia Arquette, Adrien Brody, Alyssa Milano, Adrian Grenier, Taraji P. Henson, Tony Bennett, Kelsey Grammer, Paula Abdul, Tim Daly, Taye Diggs y Samuel L . Jackson, acompañados de testimonios personales de cada artista que expresan su apoyo a la importancia del arte en sus vidas.

Smith es presidente de Editorial Photographers (EP), una organización de fotógrafos y reporteros gráficos de revistas de todo el mundo.  Es también un Artesano Sony, Fotógrafo Destacado Lowepro y un X-Rite Coloratti. Ha dado conferencias y clases de fotografía en festivales como PhotoPlus Expo, WPPI y Imaging USA y en lugares como el Brooks Institute of Photography de la Universidad de Ohio, Hallmark Institute, ...

Smith era miembro del equipo del The Orange County Register que ganó el Premio Pulitzer 1985 en Spot News Photography por su cobertura de los Juegos Olímpicos de Los Ángeles en 1984. En 1988, él y Carol Guzy fueron finalistas para sus fotografías en el caos de Haití, publicadas en The Miami Herald.

Su fotografía de Greg Louganis golpeándose la cabeza con el trampolín en los Juegos Olímpicos de Seúl 1988 ganó el primer premio en la categoría de Deportes del World Press Photo 1988. Ha ganado también el Pictures of the Year varias veces.

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros

Antoni Arissa

Antoni Arissa fue un fotógrafo catalán (nacido en 1900 en Sant Andreu, Barcelona, y fallecido en 1980, también en Barcelona) cuya obra se caracteriza por haber combinado dos vertientes fotográficas en principio irreconciliables, la pictorialista (aplicada a sus retratos y fotografías de temática rural) y otra más vanguardista, propia de la Nueva Visión (bodegones y fotografías urbanas).

 

Antoni Arissa

 

El perseguit © Antoni Arissa

 

 

 

Biografía

Antoni Arissa Asmarats  nació en el distrito de Sant Andreu de Barcelona y se inició en la fotografía como aficionado mientras trabajaba en la imprenta de su padre.

Con 22 años obtuvo su primer premio en la revista Criterium, lo que le permitió exponer en las Galerías Layetanas de su ciudad natal al año siguiente (Antoni Arissa, un camino hacia la modernidad). En 1924 obtuvo premio en el Ateneo Obrero de Gijón y al año siguiente obtuvo segundo premio en el Ateneo Obrero del Distrito Segundo; premio de honor Amen de Figueres (1925), entre otros.  También obtuvo galardones internacionales y realizó exposiciones en salones como la Royal Photographic Society. En contraste con esa actividad internacional fundó la Agrupació Fotogràfica Saint Víctor en su barrio de Sant Andreu, de la que sería su presidente.

En los años 30 abandona el pictorialismo, que era el estilo fotográfico valorado en los salones fotográficos,  y adoptó una postura más moderna (nueva objetividad y constructivismo), que se plasmó en fotografías como Preludi d´un gratacels, El perseguit, Tubs d´asaig o Cocktail. Trabajó también en fotografía publicitaria.

Participó en la revista Art de la Llum que se autotitulaba “Revista fotográfica de Cataluña“; esta revista se editó en 1933 en mitad del debate sobre el Estatuto de Cataluña y se editaba íntegramente en catalán con un enfoque catalanista y pictorialista; en ella Antoni Arissa dispuso de un número monográfico en 1935. Publicó con asiduidad en la revista El progreso fotográfico, donde apareció su célebre artículo Los niños y la fotografía.

Su producción fotográfica se redujo significativamente durante la Guerra Civil, y a pesar de que continuó activo hasta los 70 años, nunca volvió a retomar la fotografía con la misma intensidad.

Tras su desaparición, sus fotografías han podido verse de nuevo en las muestras colectivas Les avantguardes fotogràfiques a Espanya, 1925-1945 (Centro Cultural Genaro Poza, Huesca, 1996) y La fotografía pictorialista en España, 1900-1936 (Fundación “la Caixa”, Barcelona, 1997). Parte de su obra se encuentra en el Museo Nacional de Arte de Cataluña. El Instituto de Estudios Fotográficos de Cataluña dispone, además, de un fondo con más de dos mil imágenes, que abarcan el periodo entre la primera década del siglo XX y la guerra civil.

 

Referencias

 

 

Libros

Anna Turbau

Anna Turbau es una reportera gráfica catalana que, comprometida con las causas sociales, logró capturar imágenes que se convirtieron en auténticos iconos de los orígenes del fotoperiodismo en Galicia en la segunda mitad de los años 70.

 

Anna Turbau

 

© Anna Turbau

 

 

Me encontré con la realidad gallega casi por casualidad, eran los principios de los setenta. Los movimientos populares surgían con una fuerza que coincidía con la mía. Su objetivo era el mío, tanto vital como político. Y allí me quedé. Los tópicos sobre Galicia se derrumbaron después de una historia repleta de silencio y sufrimiento. Mi trabajo era muy claro, saltar las barreras del caciquismo, la censura y la represión policial. Trabajé con grandes periodistas que respetaron mi trabajo y nunca jamás mi condición de mujer fue un impedimento para un trabajo por difícil y arriesgado que fuera. Me ayudaron, me protegieron, me alimentaron. Tengo en el recuerdo anécdotas muy emocionantes, pero a la vez situaciones muy duras que se entrelazaban con mis sentimientos y mi rabia de lo que había vivido nuestro país con el franquismo.

 

 

 

 

Biografía

Anna Turbau se trasladó en 1976 de Cataluña a Galicia como colaboradora de las revistas Interviú y Primera plana en unos años difíciles para cualquier mujer que quisiera iniciarse en una profesión, hasta ese momento, cerrada al género masculino. Y tuvo que convertir las limitaciones en la clave de su trabajo, consiguiendo con su fuerza expresiva y visión personal que sus imágenes llegaran a la rotativa.

Frente a la foto oficialista de las inauguraciones y las visitas políticas para las que no estaba acreditada, Anna se escondía entre la gente, ciudadanos anónimos que la protegían de la censura. Sólo así congelaba la cara más reivindicativa de un pueblo, el gallego, con el que nadie contaba a la hora de tomar decisiones: hacer autopistas cancelando los históricos caminos rurales, cerrar los astilleros, quitar el mar a las mariscadoras, sumergirse en las manifestaciones nacionalistas … Estaba siempre en primera línea, con la cámara directamente sobre los protagonistas; sobre las personas anónimas a las que dio voz. También realizó reportajes de temática social y gran valor documental como Los Ancares (1976) y Manicomio de Conxo (Santiago de Compostela,1977).

Demasiada presión policial en Galicia le hizo volver a Cataluña, donde se encontró una situación demoledora, donde sus objetivos personales y profesionales no coincidían para nada con el mundo profesional que estaba en pleno auge. Los compañeros que tenían cierto poder dentro de las redacciones de los periódicos marcaban pautas de control difíciles de asumir. Los castigos por no ceder a situaciones humillantes para la mujer, tan de moda en aquella época, hicieron que Anna se apartara del mundo periodístico durante unos años.

Pudo ilusionarse de nuevo trabajando en la revista Actual, pero ésta se trasladaría a Madrid más tarde, así que Anna tuvo que buscar terrenos más favorables para su supervivencia como persona, mujer y fotógrafa, siempre ligados al fotoperiodismo. Un ejemplo es su proyecto Mujer y silencio – Calatañazor, Soria (2009), tras el cual una desafortunada caída le ha complicado un poco la movilidad pero sigue activa.

En 2009 el documental La mirada de Anna podemos ver, a través de 400 de sus fotos, y de los recuerdos y testimonios de los verdaderos protagonistas, la historia menos oficial de los años de la transición a la democracia en Galicia.

Fotógrafa reconocida, ha sido incluida en Historia de la Fotografía Española, de Publio López Mondéjar y en el reciente Diccionario de la Fotografía Española. El centro cívico Golferichs de Barcelona acogió en 2012 su exposición antológica Galicia, la Transición, años 70.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

 

 

 

Video

Frieda Riess

Frieda Riess fue una fotógrafa alemana (nacida en 1890 en Czarnikau, Posen, Prusia Occidental, y fallecida en 1955 en París) que tuvo un gran éxito como retratista en los años 20 en Berlín.

 

Frieda Riess

 

The Painter Xenia Boguslawskaja, 1922 © Frieda Riess

 

 

 

Biografía

Frieda Gertrud Riess  nació en Czarnikau (actualmente Carnkov en Polonia), donde sus padres judíos eran comerciantes. A finales de la década de los 90 su familia se trasladó a Berlín, donde Frieda estudió primero escultura con Hugo Lederer y fotografía más tarde en el Photographischen Lehranstalt de Berlín, obteniendo su diploma en 1915.

En 1918, abrió un estudio fotográfico en la prestigiosa avenida Kurfürstendamm, que se convirtió en uno de los estudios más populares de la ciudad. En parte como consecuencia de su matrimonio con el periodista y poeta Rudolf Leonhard a principios de los años 20, extendió su clientela a celebridades como el dramaturgo Walter Hasenclever, el novelista Gerhart Hauptmann y actores y actrices como Tilla Durieux, Asta Nielsen y Emil Jannings y también bailarines, estrellas del music-hall y artistas plásticos: Anna Pavlova, Mistinguett, Lil Dagover, Renée Sintenis, Max Liebermann y Xenia Boguslawskaja. Boxeadores (desnudos) y, sobre todo, representantes de la antigua aristocracia, diplomáticos, políticos y banqueros se unieron a este círculo.

Su exposición individual con 177 retratos en la galería de Alfred Flechtheim en 1925 jugó un papel decisivo en su apreciación y fama como fotógrafo.

Riess viajó a París, Londres y Roma, donde se movía en los círculos literarios y aristocráticos similares. En un viaje a Italia en 1929, fue invitada a fotografiar a Benito Mussolini.

Además, publicó en diarios y revistas de la época, como Die Dame, Berliner Illustrierte Zeitung, Der Weltspiegel, Querschnit y Koralle.

Su éxito en Berlín fue sin embargo de corta duración. En 1932, después de enamorarse del anciano embajador francés en Berlín, Pierre de Margerie, se trasladó a París con él, desapareciendo de vida pública. La fecha de su muerte no puede establecerse con claridad y su lugar de sepultura se desconoce.

En 2008 se realizó una retrospectiva de su trabajo en la Berlinische Galerie.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Claude Dityvon

Claude Dityvon fue un fotógrafo francés (nacido el 12 de marzo de 1937 en La Rochelle y fallecido en París el 3 de junio de 2008) cuyas imágenes en blanco y negro sutilmente compuestas aportaron una nueva mirada al foto reportaje en los años 70. Dityvon desarrolló rápidamente un rigor y un dominio absoluto en la creación de sus imágenes en las que la anécdota y el efecto fácil no  encuentran lugar.

Claude Dityvon

 

Boulevard Saint Michel. Mayo 1968 © Claude Dityvon

 

 

Biografía

Las primeras fotografías de Claude Raymond-Dityvon fueron de los barrios de chabolas de La Courneuve a partir de 1967. En 1968, fotografió los acontecimientos de Mayo de 1968. Este trabajo se vio recompensado por el Premio Niépce en 1970.
En 1972  cofundó  con otros siete fotógrafos (Alain Dabgert, Martine Franck, Gloaguen Hervé François Hers, Richard Kalvar, Jean Lattes y Guy Le Querrec) la efímera e inquieta Agence Viva, que realizó informes en profundidad sobre la vida cotidiana. Su curiosidad acerca de la sociedad en los difíciles años posteriores al mayo de 1968 y una visión diferente de otras agencias (Gamma, Magnum, Rapho, Sygma y Sipa) contribuyó a la renovación del arte fotográfico en el fotorreportaje. Víctima de su diferencia como enfoque y de diferencias internas, la agencia cesó su actividad en 1982.
Dityvon fue ante todo un fotógrafo que quiso dejar un testimonio social de la sociedad en la que vivía. Sus fuentes de inspiración fueron, entre otras, el cine (mudo y en blanco y negro de los 50), la poesía, el jazz y la literatura. Más cerca de la escuela americana (Walker Evans, Eugene Smith, Robert Frank,  … ) que del “instante decisivo” de Cartier-Bresson, las fotografías de Dityvon se leen como un acto permanente de recrear la realidad, un instante suspendido en el que el autor proyecta su propia subjetividad e invita al espectador a hacer lo mismo.
Participó en fotografía fija en la película Les roseaux sauvages de André Téchiné en 1994.
Conocido del gran público por sus imágenes del Mayo del 68 colgadas en 1998 en el Museo Guggenheim de Nueva York y publicadas el mismo año todos los días durante un mes en el diario  Le Monde, Claude Dityvon también es reconocida por sus pares como uno de los grandes fotógrafos franceses del siglo XX por la calidad y la riqueza de un importante trabajo mostrado en más de 200 exposiciones individuales.
Claude Dityvon ha cubierto una gran variedad de temáticas como los barrios pobres, los menores, la ciudad, el mundo campesino, el mundo del trabajo, la noche, la ciudad, los deportes, los canales del Norte, el cine, los cómics, pero siempre … con la Humanidad como tema central.
Desde 2010, la Biblioteca de la Universidad Campus San Serge de Angers alberga la fototeca de Claude Dityvon. Una parte del fondo ha sido digitalizada y está online. También alberga desde 2012 la Galería Dityvon, en la que, cada año, una de las tres exposiciones programadas permiten descubrir una nueva faceta de la obra del artista.

 

 

Referencias

 

Libros

Miyako Ishiuchi

Miyako Ishiuchi es una fotógrafa japonesa (nacida el 27 de marzo de 1947 en la prefectura de Gunma) cuyas imágenes nos presentan el residuo agridulce del cambio inevitable. Su fuerza de carácter y una mirada sin concesiones ha dado lugar a algunos de los más poderosos trabajos del Japón de la posguerra. Su trabajo es extremadamente coherente y desarrollado de una manera determinada y distintiva; utilizando la cámara y todo su potencial estético para investigar la intersección de la política y los aspectos personales de la memoria, sin cesar de innovar, explorar y agitar durante toda su carrera, tanto en términos de ideas y de estilo.

 

Miyako Ishiuchi

 

© Miyako Ishiuchi

 

 

No lo puedo dejar (hacer fotografías de cicatrices) porque son muy parecidas a una fotografía … Son acontecimientos visibles, registrados en el pasado. Tanto las cicatrices como las fotografías son la manifestación de dolor por las muchas cosas que no se pueden recuperar y del amor a la vida como un recordado presente.

Hago fotografías para poder estar en el cuarto oscuro.

Estoy interesada en la manera en que el tiempo se graba él mismo en las cosas y en la gente.

Esta ciudad (Yokosuka) no era real, sino que fue creada por mi fotografía.

 

 

 

 

Biografía

Miyako Ishiuchi estudió textiles en la universidad y empezó a hacer fotografía en 1975. Su primer libro fue un estudio de Yokosuka, Kanagawa, donde creció. En Yokosuka Story comenzó su exploración a largo plazo de las huellas del tiempo. En 1979 fue galardonada con el premio más alto de Japón para la fotografía, el Kimura Ihei.

En su temprana trilogía Yokosuka Story, Apartment y Endless Night, trata de explorar la ciudad a través de los signos y la memoria. En una serie posterior titulada 1.9.4.7, con 40 años, fotografió las manos y los pies de mujeres de su misma edad. Después de terminar la serie, continuó fotografiando cicatrices y primeros planos de cuerpos de mujeres.

Su trabajo con impresiones de gran tamaño y mucho grano,  era característico de las fotografías de muchos fotógrafos de finales de los años 60 y 70 que escogieron el estilo are-bure o grano-desenfoque.

En la Bienal de Venecia de 2005, Ishiuchi llenó el pabellón de Japón con la muestra Mother’s – traces of the future, con instalaciones fotográficas y de video de su madre, una mujer de carácter fuerte que vivió en tiempos tumultuosos (época colonial en Manchuria, guerra en Japón, donde conducía un camión, …). El homenaje comienza con una fotografía de su madre, pero principalmente se compone de “retratos” de la ropa y pertenencias de su madre.

Entre las más de veinte exposiciones individuales que ha tenido desde el año 1977, el Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio presentó una gran retrospectiva de su obra titulada Time Textured in Monochrome. En 2012 realizó la exposición en solitario Silken Dreams en el  Marugame Genichiro-Inokuma Museum of Contemporary Art.

Sus fotografías se encuentran en las colecciones del The Museum of Modern Art, Nueva York; The Metropolitan Museum of Art, Nueva York; The Tokyo Metropolitan Museum of Photography, Tokio; The San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco; y The National Museum of Modern Art, Tokio.

En marzo de 2014, recibió el Premio Internacional de fotografía de la Fundación Hasselblad.

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros

Más de 20 monografías, entre ellas:

Bill Owens

Bill Owens es un reportero gráfico, cervecero, editor y fotógrafo estadounidense (nacido el 25 de septiembre de 1938 en San José,  vive en Hayward, California) conocido mayormente por sus fotografías de escenas domésticas suburbanas tomadas en la ciudad de Livermore, donde vivía en ese momento, publicadas en el libro Suburbia en 1973.

 Bill Owens

 

© Bill Owens

.. trabajar cuarenta horas a la semana para un periódico grande te deja con poco tiempo para desarrollar ideas propias o historias con imágenes. Un fotógrafo de prensa puede llegar a estar tan ocupado que no tenga tiempo para hacer fotografía.

 

Cuando alguien me ve con una cámara que pesa casi 5 kilos, asume de inmediato que soy un fotógrafo serio.

Quería que la gente fuera consciente del consumismo excesivo de la cultura americana, pero a los jóvenes no se les enseña a tener preocupaciones sociales. El énfasis está en tener éxito financiero. Además, habría mucho que hacer, y la gente no puede solucionar el problema. Busqué en el periódico del domingo, y hay un millón de cosas para ir a hacer. ¿Por qué estar socialmente preocupados cuando uno puede salir y divertirse?

 

En las décadas de los años 30 y 40 los fotógrafos comerciales eran considerados los artistas de su tiempo. La escena cambió en la década de los 50 y 60, siendo los reporteros gráficos que trabajaban para las revistas Life y Look los artistas más célebres. Los fotoperiodistas hoy ya no están solicitados para contarnos cosas sobre el mundo, porque la televisión lo hace con el telediario de la noche. Las revistas más importantes ahora usan a los fotógrafos para ilustrar historias sobre estrellas de cine, deportes y celebridades y ya no son galerías creativas para la fotografía comercial y editorial.

 

 

 

Biografía

Bill Owens se Introdujo en la fotografía, mientras que trabajaba como voluntario del Peace Corps en Jamaica (de 1964 a 1966) como maestro de escuela en un pueblo rural. Se compró una Leica en mal estado por 10$ y con la gente del pueblo descubrió su verdadera pasión y vocación como fotógrafo documental social.

Estudió en el San Francisco State College hasta que fue contratado como fotógrafo para el periódico local de Livermore, un suburbio del este de la bahía de San Francisco. Su fascinación con la gente y estilos de vida le llegó mientras trabajaba para The Independent los fines de semana.

Owens obtuvo una beca Guggenheim en 1976 y dos becas de NEA, y es conocido por sus fotografías de escenas domésticas suburbanas tomadas en el Este de la Bahía y publicados en el libro Suburbia en 1973, considerado por Andrew Roth como uno de los 101 libros de fotografía más influyentes del siglo XX. La influencia de Owens fue inmensa durante la década de los 70, especialmente en lo que respecta al tipo de retrato que muestra a la clase media

Bill Owens es uno de los pocos fotógrafos que han fotografiado a las personas en los suburbios de forma importante. Otros lo han hecho puntualmente, pero Owens se asocia únicamente con los habitantes de los suburbios que viven en urbanizaciones que absorbieron 60 millones de estadounidenses en las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial.

Ha publicado otros libros fotográficos, aparte de Suburbia. También ha publicado en Rolling Stone, Bomb, Esquire y Newsweeky sus fotografías se han expuesto a nivel internacional y se encuentran en muchas colecciones, como las del Museo de Arte Moderno, Museo de Arte de Berkeley, Los Angeles County Museum of Art, San Francisco Museum of Modern Art, Los Ángeles Museo de Arte Contemporáneo, Museo José San de Arte y el Museo Getty de Los Ángeles.

Owens fundó la cervecería de Buffalo Bill en Hayward en 1983, una de las primeras cervecerías para abrir en California desde la prohibición. Ha escrito libros sobre cómo construir una pequeña cervecería. Su cerveza más conocida es la Pumpkin Ale. Publicó la revista American Brewer Magazine durante 17 años. Colecciona carretillas, coches por radio, antiguos rociadores de césped. También tiene una bala de cañón de 12 libras de la Guerra Civil Americana. Colecciona arte popular, animales de madera tallados principalmente. Su favorito es un búho de Felipe Archaleta. Está en el proceso consciente de volver a su infancia.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Lorenzo Vitturi

Lorenzo Vitturi es un fotógrafo italiano (nacido en Venecia en 1970, vive en Londres y Milán) que  combina la fotografía con la manipulación y diseño de espacios, centrándose en el lenguaje abstracto, pero universal de formas, colores y composición, con el objetivo de comunicar principalmente con el lado emocional del espectador y no con el racional.

 

Lorenzo Vitturi

 

© Lorenzo Vitturi

 

 

 

Biografía

Lorenzo Vitturi después de graduarse en la IED en fotografía y diseño en Roma (2004) pasó dos años (2005-2007) en Fabrica, el centro de investigación en comunicación de Benetton.

Anteriormente un pintor de plató cinematográfico, Vitturi ha llevado esta experiencia a su fotografía práctica, que gira en torno a intervenciones específicas del sitio en lugares investigados con precisión. Utiliza la fotografía para ajustar las escenas de pensamientos e ideas a través de la manipulación del espacio, siguiendo sus proyectos desde la concepción creativa a la propia realización.

En estos tiempos en los que muchos detalles se añaden en la post-producción, Lorenzo Vitturi es de los que creen que en la fotografía realizada in situ. Para ello elige muy bien las localizaciones y realiza un trabajo previo de una forma minuciosa.

Ha realizado campañas publicitarias para clientes como Mini, Police, Royal Opera House, Tate, Benetton, Replay, Philips, BMW, Diesel,Sergio Tacchini,

Su obra ha sido expuesta en numerosas galerías y museos tanto en exposiciones colectivas como individuales. Podemos citar: Atlante Italiano 007 (MAXXI, Roma, 2007); Le Yeoux Ouverts (Centre Georges Pompidou, París, 2006; La Triennale di Milano, Milán, 2007; Shanghai Art Museum, Shanghai, 2007); On the Border, (individual – Festival Internazionale di Fotografia, Roma, 2006); Interfacce (Galleria Nazionale d’ Arte Moderna, Roma, 2006); Pasolini e Roma (individual, Museo di Roma In Trastevere, Roma, 2005); The Feticism of Vision, (individual, Sala S. Rita, Roma, 2004).

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Manolo Espaliú

Manolo Espaliú es un fotógrafo andaluz (nacido en Sevilla en 1970) que prefiere investigar que documentar.

 

Manolo Espaliu

 

© Manolo Espaliú

 

 

 

Me parece pretencioso querer documentar algo mediante unas fotografías, prefiero pensar que aprendo sin animo de documentar nada. El mundo tiene tantas caras y la realidad tantas capas que necesito preguntarme más que responderme.

 

 

 

Biografía

Descubre las posibilidades de la fotografía a través de su formación alrededor de la arquitectura. Aunque siempre ha sentido afición por la creación artística y ha tocado diferentes disciplinas, finalmente se decanta por la magia de la cámara.

En el año 2012 fue elegido Nuevo Talento Fnac de Fotografía por su trabajo 42º y en el 2103 su proyecto de recuperación de la memoria fotográfica de un pequeño pueblo del Rif, obtuvo una beca Fotopres de La Caixa, que desarrolla con el colectivo El Cíclope Mecánico del que forma parte. También es parte activa en el blog “El Patio del Diablo“.

Su obra se ha publicado en Feature Shoot, Flak Photo, Conscientious, M&C SAATCHI Galerie, Le Journal de la photographie, Oitzarisme y Zunder Magazine entre otros.

 

 

 

Referencias

Kimbei Kusakabe

Kusakabe Kimbei fue un fotógrafo japonés (nacido en 1841 en Kofu, prefectura de Yamanashi, y fallecido en 1934) considerado uno de los fotógrafos japoneses más destacados de su época. La intensidad y belleza de sus retratos, los deliciosos cuadros de costumbres puestos en escena delicadamente y la amplitud y serenidad que trasmiten sus paisajes perpetúan la imagen de un Japón antiguo y refinado, detenido en el tiempo.

 

Kimbei

 

Kusakabe Kimbei

 

 

 

Biografía

Kusakabe Kimbei nació en el seno de una familia de mercaderes textiles. Aunque las noticias sobre sus comienzos como fotógrafo son muy vagas, se sabe que comenzó a trabajar como pintor de fotografías en el estudio de Felice Beato y como asistente del Barón Raimund von Stillfried, antes de abrir su propio taller en Yokohama en 1881. También abrió una sucursal en el barrio de Ginza de Tokio.

Usaba normalmente su nombre Kimbei, que era más fácil de recordar y pronunciar que su apellido Kusakabe. Fue uno de los fotógrafos japoneses de finales del siglo XIX y principios del XX más conocido por los viajeros y turistas europeos y americanos. El coloreado manual de las fotografías se realizaba en serie, con fórmulas preestablecidas, para aplicar siempre los mismos matices de color en las diferentes áreas de la imagen.

Como protegido de von Stillfried, Kimbei continuó la tradición del retrato de estudio psicológico y realizó también vistas panorámicas del país, desarrollando su propio sentido japonés de la fotografía. Al igual que las postales de hoy, su trabajo fue recogido por los turistas y se exportó para su venta para aquellos que no podían visitar Japón.

Alrededor de 1885, consiguió antiguos negativos de Felice Beato y de Stillfried, así como de Uchida Kuichi. También obtuvo algunos negativos de Nagasaki de Ueno Hikoma. Por eso hay que tener en cuenta que parte de las fotografías comercializadas por Kimbei fueron tomadas originalmente por otros autores.

Algunos de sus álbumes eran de diseño en forma de acordeón, con fotografías montadas por las dos caras. Otros álbumes eran de encuadernación tradicional, con tapas lacadas, como uno conservado en la Fototeca del Instituto del Patrimonio de España (IPCE), titulado: Fujiyama. Temblor de tierra. Año 1892. Japón.

Dejó de trabajar como fotógrafo entre 1912 y 1913.

 

 

 

Referencias