Keiichi Tahara

Keiichi Tahara es un fotógrafo japonés (nacido el 20 de agosto de 1951 en Tokio) muy reconocido por su fotografía de arquitectura y por sus esculturas de luz.

 

Keiichi Tahara

 

© Keiichi Tahara

 

 

 

Biografía

Keiichi Tahara aprendió la técnica fotografía desde pequeño al lado de su abuelo, que era fotógrafo profesional.

En 1972, mientras viajaba por Europa con el Red Buddha Theater, donde era técnico de iluminación y visual, se encontró en Francia con una luz fuerte, dura y penetrante que nunca había experimentado en Japón y se quedó en París 30 años, comenzando su carrera como fotógrafo.

En su primera serie de trabajo Ville (1973-1976) capturó la luz única en París en fotografía en blanco y negro. Su siguiente serie Fenetre (1973-1980) le consiguió el premio al mejor nuevo fotógrafo en el Festival Internacional de Fotografía de Arles en 1977. Después siguieron Portrait (1978), Eclat (1979-1983) y Polaroid (1984) consiguiendo diversos premios incluido el Ihei Kimura en 1985. En Homo Loquence (1983) hizo retratos y entrevistas a artistas como Joseph Beuys y Pierre Klossowski. En 1988 obtuvo el Prix Nicéphore Niépce y en 1993 fue nombrado Chevalier des Arts et des Lettres en Francia.

Su enfoque morfológico a la luz se extendió a la escultura, las instalaciones, … En 1993, en el foso del Castillo de Angers, instaló la primera escultura de luz en Francia, Fighting the Dragon. Su obra más representativa es Jardín de Luz (Eniwa, Hokkaido, 1989), donde esculturas de luz están instaladas en un espacio público que está cubierto por un metro de nieve seis meses al año. La luz cambias en respuesta a la música y presenta un espacio de dimensiones poéticas.

Basado en el mismo concepto, en el año 2000, Echos du Lumières se instaló en el canal Saint-Martin, en París. Espectaculares colores emergentes de prismas iluminan la pared de piedra sincronizados con el sonidos.

Otras instalaciones permanentes al aire libre son Niwa (Jardín) en la Maison Européenne de la Photographie en París en 2001, la instalación Portrail de Lumiere como parte de la Capital Europea de la Cultura Lille 2004, y Escultura de luz en el Museo de Arte Metropolitano Teien de Tokio en 2004.

Tahara sigue produciendo proyectos de instalaciones de luz en espacios urbanos.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

George de Vincent

George de Vincent fue un fotógrafo estadounidense (nacido en Detroit el 07 de julio 1919, fallecido en Washington el 13 de marzo 2014) que fue, al mismo tiempo, retratista de los ricos y cronista de los pobres, y documentalista principal de las producciones teatrales de la zona de Washington.

 

George de Vincent

© George de Vincent
Fui primero un pintor, pero las cosas no iban muy bien. Pero hice un retrato al pastel para una mujer y su hijo. Lo hice y lo cambié por una cámara.

 

 

Biografía

Henry George Vincent fue criado por su tío y fue delincuente, boxeador y aspirante a pintor antes de comenzar su carrera en la fotografía. Llevó inicialmente una vida inquieta y aventurera. Se crió en Detroit y viajó varias veces en autostop por todo el país, trabajó como conductor de una feria ambulante, fue un boxeador de peso pluma y fue a la cárcel por robo a un banco.
Con inclinaciones artísticas (añadió el de a su apellido en honor a Leonardo da Vinci), también trabajó como ilustrador médico. A comienzos de los 50, se dirigía a Florida en busca de trabajo como pintor para un circo cuando se le acabó el dinero en Washington y topó con la fotografía.
Montó un estudio que tuvo gran éxito haciendo reportajes de bodas y retratando a la gente importante de la ciudad. En la década de los 60, comenzó una asociación de décadas con Arena Stage y tomó fotos de promoción de muchas de las producciones de la compañía. Esas imágenes de teatro fueron objeto de una retrospectiva de 1991 en la Corcoran Gallery.
Un punto de inflexión fue ver la mítica exposición The Family of Man de Edward Steichen que le inspiró para producir su trabajo más reconocido The Shame of a Nation (La vergüenza de una nación)
Estremecido al ver a familias luchando por unos pocos centavos al día, ignorantes del sistema de servicios sociales y con niños malnutridos, en este trabajo realizado con el escritor y filántropo Philip M Stern en 1965, mostraba la situación de los habitantes de los barrios metropolitanos y de los que viven en la pobreza en los Apalaches. Este libro sirvió de respuesta a los críticos al programa del presidente Johnson de “guerra a la pobreza” e incluye un prólogo del vicepresidente Hubert Humphrey.
Su trabajo también apareció en Poverty Amid Plenty: The American Paradox, un estudio de lucha contra la pobreza de 1969 encargado por el Presidente, y en O Say Can You See By Dawn’s Urban Blight, un libro de 1965 con imágenes de Washington de ricos y pobres.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Peter Bialobrzeski

Peter Bialobrzeski es un fotógrafo alemán (nacido en 1961 en Wolfsburg) conocido principalmente por sus fotos de las grandes metrópolis de Asia.

 

Peter Bialobrzeski

 

© Peter Bialobrzeski

 

 

 

Biografía

Peter Bialobrzeski estudió Ciencias Políticas y Sociología antes de trabajar como fotógrafo de un periódico local en su natal Wolfsburg.

Viajó por Asia antes de volver a estudiar fotografía en el Folkwangschule de Essen y en el London College of Printing de Londres.

Después de haber trabajado como fotógrafo durante casi 15 años, para clientes corporativos como Daimler-Chrysler, Philip Morris, Siemens y Volkswagen, y de haber publicado en todo el mundo, Peter comenzó a centrarse más en proyectos personales. Su obra se ha expuesto en Europa, EEUU, Asia, África y Australia.

Ha ganado varios premios importantes, incluyendo el prestigioso premio World Press Photo en 2002 y 2009 (también ha sido jurado en este concurso). En 2012 fue honrado con el Premio Erich Salomon por la Sociedad Alemana de Fotógrafos (DGPh).

Desde 2002 Peter es profesor de fotografía en la Universidad de las Artes de Bremen. Realiza talleres de fotografía por todo el mundo.

Está representado por Laurence Miller Gallery de Nueva York, LA Galerie en Frankfurt y también expone en la Robert Morat Gallery en Hamburgo y en la m97 Gallery en Shanghái.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Fritz Kempe

Fritz Kempe fue un publicista y fotógrafo alemán (nacido el 22 de octubre de 1909 en Greifswald y fallecido el 27 de diciembre de 1988 en Hamburgo) cuya obra más reconocida fue la de retratar a las personalidades del Hamburgo de la postguerra.

 

Fritz Kempe

 

Max Ernst, 1964 © Fritz Kempe

 

 

 

Biografía

Fritz Kempe, después de completar su formación como fotógrafo con su padre, Max Kempe, abrió su propio taller de publicidad y fotografía industrial en Berlín en 1938.

En 1939 fue reclutado por el ejército como un fotógrafo. Tras la derrota alemana en la Segunda Guerra Mundial, estuvo preso hasta su liberación en 1945 en que se trasladó a Hamburgo y trabajó como oficial de prensa para una obra de caridad, así como editor de la Allgemeine Zeitung de Hamburgo.

De 1949 a 1974 dirigió la Staatliche Landesbildstelle Hamburg, dedicado al cine, televisión y sobre todo a la fotografía.

En 1952, fundó la Landesbildstelle (colección de historia de la fotografía) de Hamburgo. Por lo tanto, él fue el responsable de que una de las primeras colecciones de fotografías entrara en un museo.

Aunque el retrato tuvo un lugar destacado en su obra (realizó unos 1.300 retratos de personalidades de la vida cultural, política e intelectual de Hamburgo), Fritz Kempe nunca se olvidó de su actividad de publicista y de organizador. Sus conferencias y más de 450 libros y otras publicaciones han contribuido a hacer conocer y reconocer la fotografía como medio artístico.

Obtuvo los siguientes premios:

  • 1964: Premio de Cultura de la Sociedad Alemana de Fotografía
  • 1969: GDL-ring
  • 1974: Medalla David Octavius Hill
  • 1979 DGPH – Premio de Investigación historia fotográfica de la Sociedad Alemana de Fotografía
  • 1981: Medalla de Senador Biermann Ratjen por servicios artísticos a la ciudad de Hamburgo.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Hamburger, 1963
  • Fetisch des Jahrhunderts. 1964
  • Das Bild und die Wirklichkeit, 1974
  • Vor der Camera. Zur Geschichte der Photographie in Hamburg,  1976
  • Photographie. Zwischen Daguerreotypie und Kunstphotographie, 1977
  • Daguerreotypie in Deutschland, 1979.

Miriam Bäckström

Miriam Bäckström es una fotógrafa sueca (nacida en 1967 en Estocolmo, donde vive y trabaja) cuya obra está impulsada por una relación simbiótica y oscilante entre la imagen y la realidad en la psique humana.

 

Rebecka Backstrom

 

© Miriam Bäckström

 

 

No veo un límite claro entre mi realidad y la de la imagen.

 

 

 

Biografía

Miriam Bäckström estudió Historia del Arte en la Universidad de Estocolmo y posteriormente en la Academy of Photography, Konstfack y en la University College of Arts, Crafts and Design de Estocolmo.

Bäckström trabaja en varios medios (fotografía, teatro, instalación, performance, cine y texto escrito). Su obra inicial como fotógrafa conceptual implicaba unas descripciones técnicamente precisas de espacios interiores, como apartamentos, galerías de museos y escaparates de grandes almacenes, en los que la figura humana estaba misteriosamente ausente y aun así la presencia humana era inquietantemente palpable, como si fueran escenarios teatrales en busca de sus personajes.

Su obra más reciente, aunque conserva una ejecución técnicamente meticulosa, se ha inclinado más hacia el teatro y lo teatral (como piezas dramáticas, películas, vídeo y performances colaborativas) en las que a menudo difumina la línea entre las construcciones narrativas documentales y las no documentales. Varios de sus trabajos se han centrado en colaboraciones con actores en la forma de retratos del actor tanto como profesional como persona.

Ha trabajado recientemente en un proyecto de un año de duración con uno de sus estudiantes que asumió el papel del personaje Miriam Bäckström. Este personaje llevó a cabo funciones públicas en nombre de la artista, y esta la obra está seleccionada para una retrospectiva de la obra de Miriam, siendo todo el tiempo el tema de un documental realizado por ella. En 2005 representó a Suecia en la Bienal de Venecia colaborando ​​con el artista Carsten Höller.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Miriam Bäckström, 1999.

Valérie Belin

Valérie Belin es una fotógrafa francesa (nacida el 3 de febrero de 1964 en Boulogne-Billancourt, vive y trabaja en Paris) que crea imágenes que juegan con los sentidos del espectador, a través de los recortes, el aislamiento, la ilusión y las representaciones escultóricas del cuerpo humano.

 

Valerie Belin

 

© Valérie Belin

 

 

Las herramientas modernas me han llevado a ver la fotografía más allá de lo analógico, como un medio para crear una imagen pura capturada por mí en el corazón de mis modelos. Mucho más que un medio figurativo, la fotografía me ofrece la posibilidad de sondear las fronteras evanescentes entre la realidad y la ilusión, para revelar el profundo supernaturalismo de mi trabajo.

 

 

 

Biografía

Aunque varía en cada una de sus series, las fotografías de Belin tienen un estilo que evoca dibujos a pluma y tinta con afilada precisión y ambigüedad contextual a través de diversos medios, a menudo mediante la adición de un fondo completamente negro o capas de múltiples negativos. Desde las impresiones en gelatina de plata de su trabajo inicial a las composiciones de colores (como las mujeres enmascaradas con flores), sus fotografías enlazan su formación artística en pintura con su amplio conocimiento técnico del medio fotográfico.

Belín envuelve su obra en el plano poético, en un salto permanente entre minimalismo y barroco. Así, los vestidos de novia vacíos, depositados en cajas de madera (1966) son ecos de un cuerpo ausente y evocación del terrible juego amor-muerte, y tienen su contrario en la serie de novias marroquíes (2000) vestidas con sus trajes tradicionales, en los que juega gran importancia el ornamento, pero no como realce del cuerpo, sino como fin en sí mismo.

Pero donde el discurso de Belin encuentra su plenitud es en sus fotos de espejos venecianos (1997) y las de la única serie a la que ha dado título, Bodybuilders, de 1999. En ellas el exceso formal del cuerpo de los culturistas, acentuado por el aceite de tonos metalizados, se remeda en el barroquismo de los espejos venecianos.

Ha realizado numerosas exposiciones individuales en Europa, los EE.UU. y Japón. Durante la feria Paris Photo de 2007, se presentó su colección de viejos retratos de africanos impasibles, en el metro y en la calle y que se convirtieron también en estatuas

Ha obtenido los premios Prix HSBC pour la photographie 2000, Prix Altadis 2000/2001 y el L’Automobile et l’Art del Automobile Club de France 2011.

Su obra se exhibe en diversas colecciones de museos como el  Centre Georges Pompidou, Musee d’art Moderne, The Museum of Modern Art, The San Francisco Museum of Modern Art y The Los Angeles County.

 

 

 

Referencias

Roman Jehanno

Roman Jehanno es un joven fotógrafo francés (vive en París) especializado en fotografía digital, que edita con gran calidad y detalle.

 

Roman jehanno

 

© Roman Jehanno

 

 

 

Biografía

Roman Jehanno estudió en la escuela de imagen de Les Gobelins.

Ha trabajado para BETC, Coeurs&Arts, Rita Films, New BBDO, La Chose, Soixante Seize, Alerte Orange, Big Youth, Mon Amour, Change, … y recientemente con Kookaï, Victime&Citoyens, Ikea, CFCV (Collectif Feministe Contre le Viol), 13e Rue, Numero 23, La Tribune, Solaris, Science et Vie Junior, Bald Empathy Movement, Carolinedaily.com, Bacchus, …

Es uno de los Hasselblad Master 2014.

 

 

 

Referencias

Dani Yako

Dani Yako es un fotógrafo argentino (nacido en Buenos Aires en 1955) que ha utilizado la fotografía, de manera casi obsesiva, para dar cuenta de cómo ve lo que sucede a su alrededor.

 

Dani Yako

 

© Dani Yako

 

 

 

Biografía

Dani Yako en 1974 comenzó sus estudios de Arquitectura en la Universidad de Buenos Aires pero ya en 1975 comenzó su carrera de reportero gráfico en el diario La Calle.

En 1976, tras ser secuestrado por el ejército, se exilió en Madrid donde residió hasta 1983 trabajando para medios europeos y americanos como Associated Press, New York Times, Time (Estados Unidos), Interviú, El Periódico de Cataluña, Dinero (España), Siete Días, La Semana, El Gráfico (Argentina).

Con el retorno de la democracia en su país, tras la debacle de las Malvinas, regresó a la Argentina y se incorporó a la recién creada agencia DyN, espacio fundamental de la fotografía documental de los 80. Allí trabajó como editor jefe, siendo responsable de la formación de muchos de los mejores fotógrafos jóvenes en la Argentina.

Al mismo tiempo, sus trabajos también fueron publicados por Der Spiegel, Geo (Alemania), Veja, Isto É (Brasil), las agencias Reuters y France Presse, entre otros.

Durante toda la década de los 90 realizó un proyecto sobre la crisis laboral en su país. Fruto de este trabajo es su libro Extinción, últimas imágenes del trabajo en la Argentina. En 2007 publicó Presagio, en la nueva Colección de Fotógrafos Argentinos, y en 2008 1983 en el que abarca con su mirada a diferentes personajes públicos como Alfonsín, Borges, Bioy Casares, Cortázar o las Madres de Plaza de Mayo entrelazados con escenas de la vida en la ciudad, las inundaciones, parejas en una plaza, los gritos de una manifestación, el sepelio de Illia, peregrinos en San Cayetano, gente pobre viviendo en la calle, las siluetas dibujadas en la ciudad recordando a los desaparecidos. El mundo que se encontró a la vuelta del exilio.

Ha recibido el premio Konex a su trayectoria. Actualmente, es editor jefe de fotografía de Clarín, donde trabaja desde 1996.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

 

 

Video

 

Nicholas Garlab

Nicholas Garlab es un fotógrafo asturiano (nacido en Avilés, en 1964, vive en Gijón) cuyas fotografías reflejan una búsqueda constante del  alma de los objetos y las personas que retrata, de una humanidad que se dispersa en sensaciones inconexas y que atrapa con su mirada interior y libera con cada imagen.

 

Boy with bamboo hat

 

Boy with bamboo hat © Nicholas Garlab

 

 

 

Suelo hacer retratos con el estilo de las pinturas de los grandes clásicos de la tradición española. influenciado por el Museo del Prado … la capacidad de representar de forma cada vez más singular y el deseo de evocar una emoción genuina, son esenciales para la creación de mis fotografías.

Mis ojos son mi cámara de fotos. No hace falta que esté todo el día cargando con el equipo fotográfico. Mientras miro encuadro y cuando veo disparo mentalmente. Esta foto “mental” descansa en mi cabeza y me golpea el cerebro hasta que consigue trasladarse a la cámara. Siempre en digital, mi obra es digital puro y duro. La cámara de fotos solo la empleo como una manera de recoger la materia prima, la esencia con la cual trabajo y moldeo mediante una larga y cuidada postproducción. En la postproducción, la materia prima y yo entramos en comunión. Es ella quien me va guiando, me va diciendo lo que necesita y cuando he de parar…

 

 

 

Biografía

Nicholas Garlab comenzó a fotografiar en 2010, cuando la urgencia de crear se hizo más fuerte en su vida y los métodos digitales hacían la fotografía más accesible. Nunca ha estudiado fotografía, y ha ido aprendiendo poco a poco, investigando y experimentando.

Garlab es un fotógrafo que procura eludir el trabajo en estudio. Para él lo interesante es la luz natural, espacios abiertos e incluso retratar a las personas mientras comparten un café distendidamente. Sin embargo la simplicidad y pureza de esta filosofía se transforma tras su trabajo de post producción, mientras ahonda en esa búsqueda de la esencia misma alma de sus retratos, transportándonos a un mundo más oscuro, pero más profundo, donde la esencia de la propia fotografía se hace más palpable. En ese viaje de luces y sombras es donde Nicholas se desnuda artísticamente para expresar sus sentimientos y compartir toda una gama de sensaciones que nos invitan a reflexionar.

Actualmente está trabajando principalmente en los géneros de retrato, naturaleza muerta, moda y desnudo artístico. Su trabajo es llevar a cabo una relación entre el artista y sus objetos representados, para crear una representación visual de un tema, para capturar su esencia y alma.

 

 

 

Referencias

Tom Drahos

Tom Drahos es un artista visual: cineasta y fotógrafo, checo (nacido en 1947, vive y trabaja en París desde 1968) que, fascinado por la imagen fotográfica “en todas sus formas”, implementa una creación en constante evolución que se basa en las múltiples oportunidades del medio fotográfico.

 

Tom Drahos

 

© Tom Drahos

 

 

Habiendo comenzado con la fotografía y el cine, siempre he tenido la impresión de tener la necesidad de explorar todos los medios posibles. Por ejemplo, si quiero expresar el movimiento. el cine o la danza son perfectos, si quiero expresar ideas la literatura es mejor, si quiero expresar el espacio la escultura es mucho más adecuada que la literatura, pero el arte contemporáneo no produce esto hoy en día, más bien trabaja sobre conceptos que siguen siendo muy simples la mayor parte de las veces. Desde este punto de vista, siento una gran frustración en las artes plásticas. Por ello, con el multimedia, por fin tengo la oportunidad de trabajar en obras que realmente me encajan y en las que puedo hacer de todo.

 

 

 

 

Biografía

 

Tom Drahos se diplomó en La Escuela de Artes Gráficas y luego en la Academia Nacional de Cine de Prague (FAMU). En 1968 decidió instalarse en Paris, donde siguió sus estudios en el IDHEC hasta 1972. Es uno de los fotógrafos más innovadores actuales.  Con más de veinte años en la fotografía de una manera que puede parecer iconoclasta para algunos, es sin duda su trabajo una de las maneras más interesantes de cuestionar la fotografía y la imagen fotográfica. Desde su primera serie de reportaje de los Campos Elíseos (1966-1972) a las del Louvre (2003) el artista se pregunta que es la fotografía, no tanto como imagen sino como objeto y viceversa.

 

Ha realizado numerosas series fotográficas, abordando temas sociales contemporáneos, como el aislamiento terapéutico del final de su vida útil (Exit, 2003), el start-system de la política (Jacky, Vladimir et Pop, 2004) o la guerra (Les conquérants, 2004).

Desde sus primeros reportajes (París, Praga), pero más específicamente de su serie Métamorphoses (1980), hace violencia a la imagen fotográfica para introducir en ella el tiempo que  expulsa cada instantánea. Así fabrica puestas en escena con papel kraft y figuras modeladas en barro rápidamente para hacer una fotografía que proyectará y volverá a fotografiar. Lo que veremos al final no es lo que ha sido fotografiado, sino sólo una imagen. Así puede jugar con la escala para atacar el sentido de que una fotografía sea verídica y recordar su vanidad.

El fotógrafo continuó esta reflexión crítica sobre la duplicidad de la imagen fotográfica y su capacidad de recuerdo en su exposición Substance (1988), donde expuso fotografías trituradas, filtradas, quemadas … en tubos de ensayo que encerraban el vector visible de lo imaginario o en frascos parecidos a los que guardan en formol elementos orgánicos. La fotografía toma entonces otra forma, ya no hay imagen sino sales de plata expuestas, teñidas, … .

Drahos encuentra en la  civilización materialista de los jainitas su filosofía, la energía almacenada en lo que occidente privilegia: la forma y su estabilidad, la forma y su nombre, la forma para el saber.

Artista múltiple, Drahos también ha desarrollado un trabajo multimedia importante y publicado numerosos CD-ROM. Sus cédéroms son distribuidos en París en el Centre Georges Pompidou, Jeu de Paume, el Louvre, y en la Réunion des Musées Nationaux. Sus obras se exhiben en todo el mundo y han sido objeto de varios premios, como el Prix Arcimboldo 2003, por su libro Exit.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros

De artista:

 

Portafolios:

Libros:

  • La chair de l’Etoile
  • Fragments
  • Jaina
  • Substance
  • reims
  • Praga
  • TomDrahos
  • Solitudes
  • Drahos
  • Singenieus Mystere
  • Apparences
  • Prophetes
  • Fleus du mal
  • Opium
  • L’année de la Peste
  • S.O.S.

Thomas Roma

Thomas Roma es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1950 en Brooklyn, Nueva York, donde vive) que ha trabajado casi exclusivamente a partir de 1974 en la exploración de los barrios y las instituciones de su Brooklyn natal, fotografiando escenas de iglesias, metro y vida cotidiana, utilizando una cámara creada por él.

 

Thomas Roma

 

© Thomas Roma

 

 

 

Biografía

Thomas Roma (cuyo nombre original era Thomas Germano) es profesor titular de la Columbia University’s School for the Arts, y director de su Departamento de Fotografía del que fue fundador. También ha sido profesor de fotografía en la Universidad de Yale, la Universidad de Fordham, The Cooper Union y la Escuela de Artes Visuales.

Ha sido galardonado con dos becas Guggenheim (1982 y 1991) y una New York State Council for the Arts Fellowship (1973) y su trabajo ha aparecido en exposiciones en solitario y colectivas, incluyendo su exposición en el Museum of Modern Art y el International Center of Photography de Nueva York.

Su obra forma parte de numerosas colecciones, como las del The Museum of Modern Art, San Francisco Museum of Modern Art, The Art Institute of Chicago, Los Angeles County Museum of Art y el Canadian Centre for Architecture de Montreal.

En la década de 1970, Roma inició la fabricación y venta de cámaras con el nombre de Siciliano Camera Works, con modelos como la Siciliano de formato medio, la Pannaroma panorámica de 35mm, una manivela de rebobinado para las Leica M2 y M3. Roma utiliza en sus fotografías una cámara de formato medio que él mismo construyó.

Para una de sus colecciones de fotografías, titulada Come Sunday (que fue su primer libro), Roma asistió a más de 150 servicios religiosos en las 52 iglesias en Brooklyn durante un período de tres años. Su libro más reciente, The Waters of Our Time, es una réplica exacta en todos los aspectos  (tamaño, número de páginas y número de fotografías, incluso en el papel de la portada) salvo el contenido del libro The Sweet Flypaper of Life (1955), de Langston Hughes y Roy DeCarava.

Referencias

 

 

 

Libros

Bara Prasilova

Bara Prasilova es una fotógrafa checa (vive y trabaja en Praga) que realiza moda, retrato y fotografía artística.

 

Bara Prasilova

 

© Bara Prasilova

 

 

 

Biografía

Bara Prásilová estudió en el Instituto de Fotografía Creativa de la Universidad de Silesia.

Una característica principal de su trabajo juega con la memoria, mezclando la realidad y la ficción con un tinte de absurdidad. Su mundo visual consiste de recuerdos imaginarios que nunca sucedieron y exploraciones que pudieran haber sucedido si saltáramos nuestros propios límites.

Su fotografía es un poco sombría, con una atmósfera mágica y con humor, que resulta más o menos evidente dependiendo de los proyectos. Le gusta complicar su trabajo incluyendo objetos reales, algunos realizados por ella misma, que podrían fácilmente haber sido realizados en Photoshop. También distorsiona las figuras de sus modelos, principalmente los pies, consecuencia de haber hecho ballet en su infancia. Tiene un estilo muy definido y característico, tanto en la fotografía de moda como en retrato.

En 2009 fue Embajadora de Quiksilver. Ha obtenido diversos premios, como 2 Fotógrafo del Año de la Academia de Diseño de la República Checa y ha sido elegida Hasselblad Master 2014 en la categoría de moda. Actualmente trabaja en su proyecto para el libro del Hasselblad Masters y sigue compaginando la fotografía comercial con la artística.

Entre sus clientes podemos citar a  Mondelez/Figaro, Czech Savings Bank y CineStar, así como a numerosas revistas de moda y estilo.

 

 

 

Referencias