K-Narf

K-Narf  es “un artista que pretende ser fotógrafo” franco-australiano (nacido en 1970, vive actualmente en Shinuya, Tokio) que practica un arte que el mismo llama “fotografía bricolaje”.

 

© K-Narf© K-Narf

 

 

Biografía

Frank Le Petit, alias K-Narf creció en Francia. Comenzó con la fotografía con un cuarto oscuro en el baño de sus padres cuando tenía 15 años. No le gustaba la escuela, pero le encantaba estudiar arquitectura. Trabajó durante 6 años en París antes de mudarse a Sídney hace 15 años. Desde entonces ha vivido en Japón, Isla Mauricio y Singapur, cambiando de lugar por lo general cada dos años. Tuvo su primera exposición fotográfica en Tokio en 2001, y desde entonces se ha dedicado al arte a tiempo completo. Hace poco se ha mudado a Tokio.

Para él la fotografía es una herramienta increíble para crear, inventar, explorar, jugar … K-Narf se considera a sí mismo como un artista que pretende ser fotógrafo, de la misma manera que los niños quieren ser un policía o un bombero. Desde principios del siglo XXI ha estado haciendo fotografía-bricolaje con una cámara digital básica, una impresora de chorro de tinta portátil y cinta adhesiva. Usa la cinta para procesar manualmente sus fotografías porque es un material muy crudo y básico: demuestra que la fotografía, como cualquier otra forma de arte, no trata sólo acerca de la tecnología o del equipo fotográfico más avanzado sino sobre las ideas y la creatividad.

Reinventa continuamente su fotografía creando y recreando su propio mundo fotográfico Photograffiti, Tape-O-Graph, Film.O.Tape, Slide-O-Rama, Tube-O-Scope, …La fotografía es para él  una herramienta fantástica para jugar con el tiempo, para llevar el presente atrás al pasado y rehabilitarlo para el futuro.

Usando cinta adhesiva para procesar manualmente sus fotografías, está abierto a las influencias del arte de la calle y del vídeo. Utiliza el medio de la fotografía no sólo limitándose a la búsqueda de la verdad, sino también como un juguete para crear y jugar. Su trabajo, tanto de una manera conceptual como experimental, pero definitivamente no convencional, documenta, recicla y colecciona los anacronismos visuales de un mundo en mutación perpetua.

Durante la última década K-narf ha vivido y expuesto por todo el mundo, incluyendo Japón, Australia, Francia, Singapur, EEUU e Italia. Sus exposiciones a menudo toman la forma de instalaciones efímeras, se muestran en sitios tan diversos como en un local industrial en funcionamiento, un viejo teatro, galerías de arte, bienales de arte o un garaje abandonado.

Su obra ha sido expuesta en el Museum of Contemporary Art de Scottsdale (Estados Unidos), el Museum of Sydney, la Japan Foundation for the Arts, The Yves Klein Archives, Issey Miyake en París, Clic gallery en Nueva York, así como una exposición individual durante el festival de fotografía de Arles.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Wonderland Trip

Linda McCartney

Linda McCartney fue una intérprete musical, compositora, activista en favor de los derechos de los animales y fotógrafa estadounidense (nacida en Nueva York un 24 de septiembre de 1941 y fallecida en Tucson, Arizona, el 17 de abril de 1998), cuya fresca fotografía cubrió la revolución musical de los 60.

 

© Linda McCartney© Linda McCartney

 

Me gusta conseguir un pequeño destello en la mirada, un pequeño toque de humor y surrealismo.

 

 

 

Biografía

Linda Louise Eastman fue la segunda de cuatro hijos. Su padre era hijo de inmigrantes rusos judíos. Creció en Scarsdale y se graduó en la Scarsdale High School en 1960, yendo posteriormente a la Universidad de Arizona a estudiar Historia del Arte. Allí se casó

Linda comenzó a trabajar como recepcionista para la revista Town & Country, y fue la única fotógrafa no oficial a bordo del yate SS Mar Panther, en el río Hudson, que fue autorizada a tomar fotografías de The Rolling Stones, durante su fiesta de promoción. Tras colarse, sacó varias fotos de Mick Jagger y de Brian Jones y después pudo venderlas a otros periodistas. Sus frescas fotografías espontáneas de la banda fueron muy superiores a las tomas formales realizadas por el fotógrafo oficial del grupo, lo que le abrió el camino al instante para hacerse un nombre propio como fotógrafa top del rock ’n’ roll. Luego fotografiaría a artistas como Aretha Franklin, Jimi Hendrix, Bob Dylan, Janis Joplin, Eric Clapton, Simon and Garfunkel, The Who, The Doors y Neil Young.

Linda conoció a Paul McCartney en un concierto de Georgie Fame en el club Bag O’Nails de Londres. Había ido al Reino Unido por un encargo para tomar fotografías de los músicos en Londres, especialmente a los integrantes de The Beatles. Se encontraron de nuevo en Nueva York y se casaron en 1969 en Londres.

Fotografió a Eric Clapton para la revista Rolling Stone, convirtiéndose en la primera mujer en fotografiar en la portada de esta revista (1968). Ella y Paul también aparecieron en la portada de Rolling Stone en 1974, siendo la única persona que ha figurado en la portada de esa revista como autora y como retratada.

Linda conoció a Paul McCartney en un concierto de Georgie Fame en el club Bag O’Nails de Londres. Había ido al Reino Unido por un encargo para tomar fotografías de los músicos en Londres, especialmente a los integrantes de The Beatles. Se encontraron de Nuevo en Nueva York y se casaron en 1969 en Londres.

Después de la ruptura de The Beatles en 1970, su marido le enseñó a tocar el teclado y el piano, y le insistió mucho que entrara a su nuevo proyecto Wings, a lo que finalmente accedió. El grupo obtuvo varios premios Grammy, e incluso un Óscar en 1974, por la canción Live And Let Die, convirtiéndose en una de las bandas de más éxito de los 70.

Sus fotografías han sido exhibidas en más de 50 galerías internacionales, así como en el Victoria and Albert Museum de Londres. Además de una colección de sus fotografías tomadas a artistas famosos, a su propia familia y a amigos durante esa década, se publicó en 1993 con el título Linda McCartney’s Sixties: Portrait of an Era.

Linda escribió libros de cocina vegetariana y fundó Linda McCartney’s Foods Company, una compañía de cocina vegetariana que tuvo mucho éxito en Estados Unidos y en Reino Unido.

En 1995 le detectaron un cáncer y murió en 1998, en su rancho de Tucson.

 

 

Referencias

 

 

Libros

José Cavana

José Cavana es un arquitecto y fotógrafo español (nacido en Madrid) que plantea en su obra una re-interpretación de la realidad existente y, a través de una relativización substancial de lo observado, propone otra realidad, más cercana a lo no-existente: La construcción de diferentes objetos y espacios que pertenecen a una Nueva Realidad.

 

© José Cavana© José Cavana

 

Ser fotógrafo, ser arquitecto. Construir La Realidad a partir de la mirada. Como en una especie de juego continuo, que no termina nunca. A veces, la mirada se cruza y es contestada. Y de pronto, la persona que mira es mirada y la imagen se construye a sí misma.

 

 

Biografía

José Cavana ha estado años fotografiando y colaborando con estudios de arquitectura y publicaciones especializadas. A partir de 2007 se volcó en el campo de la fotografía, desarrollando una intensa actividad artística que se ha materializado en diferentes exposiciones individuales y colectivas.

Un recorrido por sus series de fotografías nos permite ascender en niveles de abstracción a partir de la realidad. Desde el plano terrenal vacío de vida se da un salto hacia la artificialidad con un juego de imágenes construidas a partir de la simetría espejo, para dar un salto mortal hasta creación de imágenes de geometría cuadrática.

Sus series Main Street, con la Gran Vía de Madrid como modelo que posa ante el espejo, Extramuros, donde descubre los límites entre el cemento y la naturaleza, Industrial View, donde las piezas industriales muestran toda su coquetería, Patterns, Skycrapers y Juxtaposition donde los edificios se transforman en tejidos geométricos, son completadas con las recientes Laberintos y En trance.

De un diferente concepto es Fair Play, un conjunto de imágenes tomadas a lo largo de tres años acompañando el recorrido de una feria ambulante. En estas imágenes contrasta el colorido y la alegría que forman los diversos componentes del recinto ferial con el vacío gris donde se instalan.

Sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas, habiendo expuesto en espacios como la Biblioteca Nacional de Madrid, la Fundación Antonio Camuñas, la Sede de la Comisión Europea en Bruselas y en diversas galerías y ferias de arte.

 

 

Referencias

Rosita Delfino

Rosita Delfino es una fotógrafa italiana (nacida el 23 de junio de 1965 en Ugento) cuya fotografía realiza un diálogo interminable entre la realidad y lo imaginario, un maravilloso viaje en la dimensión femenina, donde el cuerpo no está ligado al espacio y al tiempo, sino que se abre a una atmósfera onírica.

 

© Rosita Delfino© Rosita Delfino

 

 

Biografía

Rosita Delfino empezó a interesarse por la fotografía en 2009 y desde entonces le ha llamado la atención el poder emocional de la imagen en la comunicación. Para ella la fotografía es una dimensión donde las imágenes mejoran las palabras y se convierten en medios de expresión de nuestro mundo interior, a través del filtro de nuestros ojos que tienen el poder de cambiar la realidad.

Hace suya la frase de Francesca Woodman, “te emocionas cuando miras una imagen, pero nunca sabrás lo que hay detrás”. Suele trabajar en proyectos (no en fotos sueltas) y utiliza la edición digital como si estuviera delante de un lienzo. Crea sus imágenes dependiendo de su estado de ánimo, empleando mucho tiempo en cada imagen.

En 2015 ha conseguido el premio IPA en la categoría Special. Ha realizado numerosas exposiciones en solitario y en grupo y su fotografía ha aparecido en numerosas revistas en papel y online.

 

 

Referencias

Brian Aris

Brian Aris es un fotógrafo británico mundialmente conocido por sus reportajes en los que podemos encontrar grandes momentos y pasajes relevantes de la historia contemporánea y por sus fotografías de estudio de celebridades de la música en los 80 y 90. Ha fotografiado también a la reina de Inglaterra y a la familia real inglesa.

Debbie Harry, New York Apartment with Warhol Portrait, 1988. © Brian Aris

Debbie Harry, New York Apartment with Warhol Portrait, 1988. © Brian Aris

 

 

 

Biografía

Brian Aris comenzó en el mundo del foto reportaje y sus fotografías de los disturbios en Irlanda del Norte fueron impresas por todo el mundo provocando una gran concienciación social.

Tiempo después, su trabajo se publicó en la portada de Vogue británico, con una fotografía de la princesa Ana tras visitar Sudán. Trabajó con Save the Children durante las guerras de Vietnam y Medio Oriente y fotografió el hambre en Etiopía, donde conoció Bob Geldof.

Después de 10 años de fotografía de reportaje, abrió su primer estudio en Londres. Así comenzó un período en el que cubrió ampliamente la explosión de la música británica de los 80 y 90. Fotografió a  David Bowie, The Police, Sting, The Rolling Stones, The Who, Duran Duran, Spandau Ballet, Blondie, Madonna, Van Morrison,… También hizo muchas portadas de discos, fotografía de bodas de numerosos iconos modernos como Bob Geldof y Paula Yates, Sting y Trudy Styler, David Bowie e Iman, David y Victoria Beckham. Joan Collins y Percy Gibson, Liza Minelli y David Guest y Peter Phillips y Autumn Kelly.  Ha retratado también a actores, escritores y políticos.

Fue el encargado de hacer las fotografías oficiales de la Reina de Inglaterra para conmemorar su 70º cumpleaños. Por petición de Bob Gedolf fue el fotógrafo oficial The Band Aid Trust: George Michael, Sting, Dire Straits, Michael McDonald, Human League, Boomtown Rats, Mike Oldfield, Pet Shop Boys, Cliff Richard, Tina Turner, Elton John, The Who Blondie… Colaboró con The National Portrait Gallery con una exposición que conmemoró la vida de la supermodelo Twiggy con la que tenía una gran relación. Expuso Being Blondie: Debbie Harry by Brian Aris en 2010 en Proud Camden.

Entre otras exposiciones, en 2014 expuso Brian Aris. The Exhibition en el Reial Cercle Artístic de Barcelona con 45 fotografías entre las que se pueden reconocer los músicos Van Morrison, David Bowie, Madonna, Mick Jagger, Sting y Debbie Harry, así como el cineasta John Huston, las bodas de oro de la reina de Inglaterra o la actriz Catherine Zeta Jones.

Poseo una de las bibliotecas fotográficas online más grandes y diversas de la historia de la música.

 

 

Referencias

Liu Zheng

Liu Zheng es un fotógrafo chino (nacido en Wuqiang Hsien, Provincia de Hebei, en 1969, vive en Pekín) que es uno de los más importantes fotógrafos contemporáneos de China. A través de sus fotografías realiza un acto de equilibrio complejo entre la cruda realidad y el romanticismo, entre el compromiso y el desapego, tratando de reconstruir la historia de China en el proceso.

 

Peking Opera Actress Holding Fan, Beijing, 1996 © Liu ZhengPeking Opera Actress Holding Fan, Beijing, 1996 © Liu Zheng

 

 

Biografía

Liu Zheng nació en el condado de Wuqiang, y creció en Datong, un pueblo minero en la provincia de Shanxi. Estudió en la Universidad Politécnica de Pekín. Trabajó de 1991 a 1997 como reportero gráfico para el diario Trabajadores, uno de los periódicos de mayor difusión de China, en una cultura donde la fotografía estaba históricamente vinculada con la propaganda política y la ideología comunista en lugar de una tradición documental que equipara la fotografía con la verdad. Desde 1997 trabaja como freelance.

En 1994 comenzó a fotografiar figuras chinas arquetípicas en encarnaciones contemporáneas y, a menudo, en situaciones extremas e inesperadas. La serie resultante, Los chinos (The Chinese), retrata una lucha de la sociedad con las contradicciones entre la cultura tradicional y la modernización. Esta serie es una amplia muestra representativa de la sociedad china incluyendo a ricos, pobres, transexuales, mineros del carbón, intérpretes de ópera, así como figuras de cera de los museos históricos.

Zheng utiliza la fotografía como herramienta para la construcción de una falsa realidad. Influenciado por tanto Diane Arbus y August Sander, Los chinos, presenta al espectador con un estudio personalizado de la cultura china, concentrándose en el lado oscuro de su psicología.

Su obra se ha expuesto individual y colectivamente tanto dentro de China como fuera. Podemos citar una exposición individual en la Academia Central de Bellas Artes de Pekín en 2001, First ICP Triennial of Photography and Video en 2003, The Chinese en el Kunstmuseum Wolfsburg en Alemania en 2004 y la 50ª Bienal de Venecia en 2003.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como las del Baltimore Museum of Art, International Center of Photography y Metropolitan Museum of Art en Nueva York, Museum of Contemporary Art de Los Angeles, Museum of Fine Arts en Houston, entre otras.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Dream Stock, 2009
  • Liu Zheng: The Chinese 2004
  • Human, Demonic and Divine in the Photographs of Liu Zheng, 2000.

Arthur Elgort

Arthur Elgort es un fotógrafo estadounidense (nacido el 8 de junio de 1940 en Brooklyn, Nueva York) reconocido por su fotografía de moda extensamente publicada en Vogue.

Linda Evangelista © Arthur Elgort

Linda Evangelista © Arthur Elgort

 

 

 

Biografía

Arthur Elgort nació en una familia de origen ruso-judío, dueños de un restaurante. Se crió en la ciudad de Nueva York, asistiendo a la Stuyvesant High School y al Hunter College donde estudió pintura, pero al final encontró que este medio era muy solitario y buscó suerte en la fotografía.

Elgort comenzó su carrera fotografiando a bailarines de ballet de Nueva York y trabajando como asistente de fotografía para Gus Peterson. Con fotografías que evitaban el posado, cuidadosamente descuidadas y desordenadas,  publicó su primera portada con McCalls‘s en el año 69.

Su debut en 1971 en la Vogue británica causó sensación en el mundo de la fotografía de moda. Con su personal estilo relajado y fácil, tipo “instantánea”, fue un soplo de aire fresco en un mundo donde se trabajaba en estudio con posados y donde la norma era que las modelos fueran como maniquíes. Arthur animaba a sus modelos a moverse libremente por la escena.

Así se convirtió rápidamente en uno de los fotógrafos más conocidos y más imitados. Durante más de 40 años sus ideas sobre la mujer moderna y su opinión sobre la moda han aparecido regularmente en las portadas y en el interior de las revistas internacional y americana de Vogue, así como muchas otras revistas de moda importantes, como Glamour, GQ, Rolling Stone y Teen Vogue, También ha realizado la fotografía de campañas de publicidad de marcas de moda como Chanel, Valentino e Yves Saint Laurent, y otras muchas campañas publicitarias importantes con muy codiciados casas de moda de gama alta y marcas de lujo. Sigue trabajando para publicaciones de moda, y en campañas de publicidad.

Su obra forma parte de las colecciones permanentes del International Center of Photography de Nueva York, del Victoria and Albert Museum de Londres y del Museum of Fine Arts de Houston, Texas. “Board of Directors´special Tribute”.

También ha hecho varias películas:

  • Texas Tenor: The Illinois Jacquet Story.
  • Colorado Cowboy: The Bruce Ford Story: ganador del premio a la mejor cinematografía en el Sundance Film Festival de 1994.

Vive en la ciudad de Nueva York con su esposa, Grethe Barrett Holby, que es productora, directora de escena, coreógrafa y dramaturga.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Jon Kolkin

Jon Kolkin es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1951 en Nueva York, vive en Raleigh, Carolina del Norte) que ha alcanzado un alto nivel de éxito como fotógrafo profesional artístico, médico, educador, cooperante humanitario y conferencista internacional.

 

Swirling Wave, 2008 (c) Jon Kolkin

Swirling Wave, 2008 © Jon Kolkin

 

 

Tengo la impresión de que muchas personas navegan por la vida a toda marcha. Están perpetuamente en modo “alerta”, perdiendo de vista sus valores y prioridades básicas con poco tiempo dedicado a la auto-reflexión.
Es mi esperanza que mi arte sirva como vehículo, que invite al espectador a dar un paso atrás, a respirar profundamente y volver a conectarse con él mismo. Cada serie tiene la intención de abrir un diálogo sobre cuestiones que creo que son parte integral del proceso de vivir la vida con los ojos abiertos. Es mi esperanza que la gente encuentre mi arte y sus mensajes subyacentes útiles, ya que buscan el bienestar y la satisfacción en sus vidas.

 

 

 

Biografía

Jon Kolkin nació en la ciudad de Nueva York y luego se crió en Maryland. Ha vivido en el sureste de los EEUU los últimos 38 años y en la actualidad reside en Carolina del Norte. Su mundo siempre ha estado dominado por el amor a las artes. Cuando era niño, escuchaba a su madre, una pianista, que tocaba música clásica. También se aventuraba  a bajar al cuarto oscuro donde su padre revelaba  fotografías.

En su vida ha seguido teniendo un pie en las artes y otro en las ciencias  Como clarinetista reconocido a nivel nacional recorrió Europa con la Sinfónica Nacional de la Juventud. Después estudió química en la Emory University. Más tarde estudió medicina y comenzó su práctica como médico. Mientras estaba de residente hizo cursos nocturnos de fotografía. Actualmente trabaja a tiempo completo como fotógrafo profesional, excepto cuando da clase de medicina por todo el mundo.

Sus proyectos fotográficos tienden a incorporar temas relacionados con el crecimiento personal subyacente y, a menudo sirven como entrada para conversaciones durante exposiciones y presentaciones. Su arte se describe con frecuencia como minimalista, de meditación o Zen, capturando emociones en lugar de ser simplemente una documentación literal de lo que podría ser observado por un observador casual.

Sus Imágenes cautivadoras han ganado numerosos premios, son ampliamente publicadas y han llamado la atención de los coleccionistas privados y corporativos en todo el mundo, formando parte de colecciones como las del Ritz Carlton, Carter Center for International Peace, Emory University, Maine Museum of Photographic Art y el Bank of America.

Su obra también ha sido presentado en numerosas exposiciones individuales y colectivas dentro de los EEUU y en el extranjero, además de en importantes revistas de fotografía como B&W, Color y Camera Arts. Es uno de los fundadores del Maine Museum of Photographic Arts.

Ha sido miembro de la facultad de los prestigiosos Maine Media Workshops y un profesor invitado frecuentemente en las principales universidades de todo el mundo. Sus conferencias y presentaciones se centran a menudo en temas como “Buscando el equilibrio dentro de nuestras vidas“, “El Proceso Creativo” y “Estrategias para la creación de un portafolio de éxito“.

Jon también es un entrenador de salud capacitado que es reconocida a nivel nacional como orador invitado y educador en temas relacionados con la búsqueda de la sabiduría y un sano equilibrio en nuestras vidas.

 

 

 

Referencias

Alison Wright

Alison Wright es una reportera estadounidense (nacida el 23 de diciembre de 1961 en Summit, Nueva Jersey, vive en Nueva York) que con sus escritos y fotografía trata de documentar las culturas y grupos humanos en peligro de extinción, recorriendo todos los rincones del mundo.

 

© Alison Wright© Alison Wright

 

 

Biografía

Alison Wright asistió a la Watchung Hills Regional High School de New Jersey y estudió fotoperiodismo en la Universidad de Siracusa.

Ha obtenido dos veces el premio Lowell Thomas Travel Journalism de la Sociedad de Escritores de Viajes de América y se obtuvo una beca Dorothea Lange en Fotografía Documental de la Universidad de California en Berkeley en 1993.

En enero de 2000 casi muere en un accidente en Laos, cuando el autobús en el que viajaba fue alcanzado por un camión maderero. Su inspiradora historia de supervivencia, años de rehabilitación, y su determinación para recuperarse y continuar viajando por el mundo como una intrépida reportera gráfica ha sido publicada en las revistas Outside, National Geographic Adventure y Yoga Journal, y en su libro Learning to Breathe: One Woman’s Journey of Spirit and Survival,

Es la fundadora de la fundación Faces of Hope, que proporciona atención médica y educación a comunidades de Asia. Ha viajado por el mundo como fotógrafo durante más de dos décadas, centrado sus esfuerzos en materias de derechos humanos y de documentación de las tradiciones de las cambiantes culturas de todo el mundo.

Su fotografía está representada por National Geographic y Corbis y ha aparecido en numerosas publicaciones, incluyendo la revista National Geographic, National Geographic Traveler, National Geographic Adventure, Islands, Smithsonian, American Photo, Natural History, Time, Forbes, O: The Oprah Magazine, The New York Times, Yoga Journal, Outside, y San Francisco Chronicle.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Wang Wusheng

Wang Wusheng es un fotógrafo chino (nacido en la ciudad de Wuhu, en la provincia china de Anhui en 1945, vive en Shangái y Tokio) que ha convertido las maravillas naturales de la montaña en espectáculos artísticos a través de su compromiso con la fotografía en blanco y negro a través de su búsqueda insistente del  dinamismo y de imágenes metamórficas.

 

Wang Wusheng

© Wang Wusheng

 

 

Biografía

Wang Wusheng se graduó de la Escuela de Física de la Universidad de Anhui. A partir de 1973, trabajó como fotógrafo para una revista de prensa en esta provincia. Estudió también en el Instituto de Arte de la Universidad de Nihon en Japón a partir de 1983 y durante tres años en la Universidad de Artes de Tokio.

Durante más de tres décadas, Wusheng ha estado cautivado por la belleza del Monte Huangshan, (Montaña Amarilla). Situado en la parte sur de la provincia de Anhui, en el norte de China, este monte a menudo ha sido descrito como la montaña más hermosa y encantadora del mundo. Durante muchos siglos, esta montaña, con sus setenta y dos picos, ha sido el tema principal de los paisajistas chinos, cuyas obras singulares son tan inquietantes que parece imposible que existan estas montañas en la naturaleza.

Inspirado en el legado de estas pinturas, Wusheng ha tratado de retratar el Monte Huangshan a su manera, expresando sus mundos internos a través de esta maravilla escénica, capturando picos de granito cubiertos de niebla que salen de un velo siempre cambiante de nubes, rocas escarpadas escultóricas en altos y degradados acantilados y pinos de forma extraña. Ha registrado la esta montaña en todas las estaciones y en distintos momentos del día.

Ha realizado numerosas exposiciones en solitario y en grupo y su obra forma parte de colecciones como las de Arthur M. Sackler Gallery en Washington D.C., Friedrich Christian Flick Collection en Berlín,  Kunsthistorisches Museum en Viena y China Art Museum en Pekín.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Youngho Kang

Youngho Kang, alias Dancing Photographer, es un fotógrafo coreano (nacido en 1970 en Seúl, donde vive y trabaja) muy conocido como fotógrafo comercial en Corea del Sur. Es también fotógrafo documental y sus series de autorretratos le han dado una gran notoriedad internacionalmente.

© Youngho Kang

© Youngho Kang

 

 

La cámara es utilizada como un endoscopio con el que puedo penetrar profundamente en mí mismo, pero la misma cámara también puede ser vista como un portal que conecta la audiencia y mi yo profundo.

 

 

Biografía

Youngho Kang se graduó de la Universidad Hongik, en literatura francesa, lo que significa que no tiene educación especial en la fotografía, pero se las arregló para, en poco tiempo y con mucha suerte, convertirse en un fotógrafo comercial muy reconocido.

Su apodo Dancing Photographer le viene por que mientras hace las fotografías se comunica con el modelo a través de la danza o como un director de orquesta, con la música siempre jugando de fondo.

A partir de 2009, extendió su camino hacia la fotografía artística. Este fue el comienzo de su serie 99 Variations, que consiste en autorretratos ante el espejo, bailando y disfrazándose de múltiples maneras. Esta serie está en curso todavía, y va por la cincuentena de autorretratos todavía. En 2012 produjo una obra documental titulada Miss President, con fotografías de la espalda de una candidata a presidente de Corea.

En 2014, realizó una obra de perfomance titulada 99th Variation donde él era fotógrafo, artista de de performance, artista de los medios de comunicación, todo tipo de artista, en el National Museum of Modern and Contemporary Art en Corea. Ahora está trabajando, al mismo tiempo que imparte  conferencias sobre Imaginación: el poder Oxymorónico en universidades.

Ha realizado numerosas exposiciones en grupo y en solitario, entre las que podemos citar las de 99 Variations en Central European House of Photography en Bratislava,  Eslovaquia, en 2015, en The Center for Fine Art Photography en Colorado en 2015, The VI International Festival of Photography (PHOTOVISA) en Krasnodar, Rusia, en 2014, Central Slovak Gallery en Banska Bystrica, Eslovaquia, en 2014 y en House of art en Bratislava en 2013.

Su obra ha aparecido publicada en revistas como Vogue, Bazaar, Elle,  W, Marie Claire, In Style, Esquier y otras. Ha trabajado comercialmente para, entre otros muchas marcas, Coca-Cola, Motorola, Sansung, LG, Dunkin’ Donuts, Fissler y Olympus.

 

 

Referencias

Joaquin Trujillo

Joaquin Trujillo es un artista, comisario, editor y fotógrafo mejicano (nacido en 1976 en Los Angeles, vive en Brooklyn) que, basándose en la dicotomía de su herencia mexicana y la educación estadounidense, entreteje una modalidad extraordinaria de la inocencia infantil a través de la cultura, el lugar y la hora, con un enfoque potente y sutil al color y las texturas.

Joaquin Trujillo

© Joaquin Trujillo

 

… creo que el retrato es una manera de mostrar de donde vienes. El retrato es muy importante para mi madre. Ella siempre dice: ‘Así es como la gente lo recuerda a uno’.

 

 

Biografía

Joaquin Trujillo, creció en Zacatecas, México, en una familia de agricultores de la que fue el menor de 11 hermanos. Su relación con el arte comenzó allí en el teatro donde actuaba y bailaba en un grupo de danza folklórica después de la escuela. Con doce años, sus padres lo enviaron de vuelta a Los Ángeles para vivir con sus hermanos en un apartamento de un dormitorio. Allí, sus intereses teatrales progresaron y se convirtió en el líder del grupo Raíces Latinas a Dance. Durante sus últimos tres años en la escuela secundaria se  involucró como uno de los directores que creaban escenografía, vestuario y coreografía para las representaciones teatrales del año.

No fue hasta que asistió a la Golden West que Joaquín descubrió su pasión por la fotografía, y fue premiado con una beca para asistir a una clase nocturna en el Art Center College of Design (ACCD). Estudió fotografía durante ocho semestres en ACCD bajo grandes instructores como James Fee, Paul Jasmine, Tony Zepeda, Bob Ingol y Fred Fellow, realizando Azúcar Amarga, una serie documental de retrato de bailarinas exóticas de Ensenada, México, que se expuso en la galería del ACCD con 18 retratos en color de  20×24 pulgadas.

Sus viajes de ida y vuelta entre Los Ángeles y México se convirtieron en una forma de vida y una gran influencia en su obra. Usa su cámara para reconstruir el pasado, llenando los huecos con una visión de un mundo colorido que emula, a través de la cultura, el lugar y el tiempo, el  desplazamiento entre culturas. Su carácter optimista y colorido infunde sus naturalezas muertas y retratos una gran calidez vital.

Su trabajo para su tesis de graduación llamado Los Niños comenzó como una colección de cinco retratos de sobrinas y sobrinos. En su graduación en abril de 2001, la serie era ya una colección de treinta retratos sobre el mismo tema personal de la familia.

Cuando Trujillo era un niño, creció en Hermita de Guadalupe, México, y recuerda a su madre preparando a la familia para los retratos familiares. Era un asunto elaborado, donde todo el mundo vestía sus mejores ropas y eran bien peinados. Con la inspiración de sus recuerdos de infancia, se dirigió a su ciudad natal para una reinterpretación de esta tradición consagrada por el tiempo en esta serie de fotografías, y ha seguido la serie en su hogar adoptivo, Los Ángeles, con sobrinas y sobrinos capturados contra fondos diseñados por el artista, actuando cada retrato como un testimonio visual de las intenciones potenciales y ambiciosos del joven.

En su serie Las flores muestra lo realmente importantes que son en el hogar de su madre, y en los de sus hermanas. No sólo en los cumpleaños y aniversarios, sino todos los días del año. Están por todos lados. En sus patios y en el resto de los espacios de sus casas. Cada una de ellas, tiene su flor favorita, su color, su aroma, su forma y su nombre. “Un clavel o una rosa para la mujer hermosa“. Las flores son la representación del amor y del apoyo que le han dado las mujeres de su linaje. Sus arreglos florales, representan el consciente y el inconscientemente de todo lo obtenido de ellas, es decir, todo lo que le ha hecho el hombre que es ahora.

En 2001, unió sus fuerzas con el californiano Brian Paumier creando Trujillo-Paumier, un equipo que, desde entonces, ha producido seis años de impresionante trabajo comercial que se ha exhibido en exposiciones de arte, ferias de arte y revistas. Trujillo-Paumier ha trabajado para publicaciones como NY Times Magazine, LA Times Magazine, Travel and Leisure, Los Angeles magazine, News Week, Big Magazine, Food & Wine, GQ, Elle y Dwell. Sus trabajos han sido presentados en equipo en la De Soto Gallery en sus show HOT cakes de 2000 y Familia y Amigos de 2006, y en ferias de arte como ARTE LA en 2005 y 2006, Art Santa Fe en 2005, Photo NY en 2005 y Scope NY en 2006.  En los últimos ocho años han estado viajando extensamente para su trabajo personal y comercial.

Joaquín también ha tenido un papel fundamental en ayudar a crear la estética fotográfica de las revistas Fugue y Good Magazine Magazine, donde continúa como editor de fotografía.

Su trabajo ha sido exhibido en galerías e instituciones, como Rose Gallery en Los Angeles, Steven Kasher Gallery de Nueva York y New Art Projects en Londres. Su obra se encuentra en las colecciones permanentes del SF MoMA, el Museo Getty y el Museo Amon Carter.

 

 

 

Referencias