Hans Finsler

Hans Finsler fue un fotógrafo suizo (nacido el 7 de diciembre de 1891 en Heilbronn, fallecido el 3 de abril de 1972 en Zúrich)  y profesor de la Escuela de Artes Aplicadas de Zúrich, considerado uno de los representantes más importantes de la nueva fotografía y de la corriente fotográfica de la Nueva Objetividad.

 

Hans Finsler

Hans Finsler

 

 

Biografía

Hans Finsler era suizo, pero nació y se crió en Alemania. Estudió arquitectura e historia del arte antes de volver su atención hacia la fotografía en la década de los años 20. Después de terminar sus estudios, trabajó como bibliotecario y profesor de arte y diseño de la escuela Burg Giebichenstein en Alemania, donde creó la primera clase de fotografía de la universidad en 1927.

En 1932, aceptó un puesto de profesor como primer jefe del departamento de fotografía de la Kunstgewerbeschule en Zúrich, donde estableció un estudio de fotografía comercial. Una vez allí, instruyó y fue mentor de varios fotógrafos suizos famosos, entre ellos Werner Bischof y René Burri.

Además de en la enseñanza, Finsler trabajó como fotógrafo publicitario para la mayoría de los fabricantes de vanguardia de Suiza de muebles y otros productos, elevando la fotografía comercial a nuevas alturas artísticas.

Con sus facetas de historiador de arte, educador y fotógrafo, Hans Finsler fue uno de los artistas visuales más influyentes de Suiza, una fuerza impulsora de la Neue Sehen (Nueva Visión), el movimiento de fotografía modernista de la década de los años 20.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Pablo Bartholomew

Pablo Bartholomew es un fotógrafo indio (nacido en Nueva Delhi el 18 de diciembre de 1955, donde vive y trabaja) que ha logrado importantes premios y es reconocido por su fotografía, como educador realizando talleres de fotografía, y como gerente de una empresa de software especializada en soluciones de bases de datos de fotos y sistemas de archivo digital.

 

 

© Pablo Bartholomew

© Pablo Bartholomew

 

 

Biografía

Pablo Bartholomew es hijo de Richard Bartholomew (1926-1985), crítico de arte y fotógrafo de origen birmano, del que recibió sus primeras lecciones de fotografía en casa. En su adolescencia fotografió en la tradición documental, produciendo imágenes de la familia, amigos y ciudades.

Representado por Gamma Liaison durante más de 20 años, trabajó como reportero gráfico documentando sociedades en conflicto y en transición. Sus trabajos se han publicado en el New York Times, Newsweek, Time, Business Week, National Geographic, GEO y en otras revistas y diarios.

Ha recibido diversas becas, entre ellas una del Asian Cultural Council de Nueva York (1987), para fotografiar a los inmigrantes indios en los EE.UU., y uno del Instituto de Estudios Comparados de Cultura Humana en Noruega (1995), para fotografiar la tribus Naga de la India.

Entre 2001 y 2003 dirigió un taller de fotografía para fotógrafos emergentes en India con el apoyo de la World Press Photo Foundation. Entre sus ensayos fotográficos podemos citar The Chinese in Calcutta, The Indians in America y The Naga Tribes of Northeast India.

En 1975 Bartholomew ganó un World Press Photo con su serie sobre los adictos a la morfina en India y en 1984 la World Press Photo of the Year por una sobre la tragedia del escape de gas letal en Bhopal. Ha sido galardonado con el premio Padma Shri por el Gobierno de la India en 2013.

Su  obra ha sido ampliamente expuesta en galerías de la India y museos a nivel internacional. Sus exposiciones individuales más tempranas fueron en Nueva Delhi en 1980 y en Bombay en 1981,  ocupandose de los mundos marginales que existían en aquella época. En 2005 expuso en el Mes de la Fotografía en Tokio. En 2007 en el festival de fotografía Rencontres d’Arles en Francia y en el Newark Museum’s Indian Photography and Video Festival.

Su reciente exposición Outside In! A Tale of Three Cities: 70s and 80s es un diario visual de su obra de adolescente. Se estrenó en el Rencontres d’Arles de 2007, antes de viajar en 2008 al National Museum de Nueva Delhi en 2008, a la Mumbai National Gallery of Modern Art y al Bodhi Art de Nueva York.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Outside In!
  • The Calcutta Diaries
  • Father and Son, 2011.

Mark Citret

Mark Citret es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1949 en Búfalo, Nueva York, vive en Daly City, California) que trabaja con una amplia gama de temas, desde paisajes a objetos comunes. Su visión es bastante singular como lo son sus impresiones, con un tono inusual y una sensación de suavidad, en un raro papel Kodak ya no comercializado.

 

© Mark Citret

© Mark Citret

 

 

En esencia, me considero un fotógrafo de paisajes, y todas las fotografías de esta exposición son fotografías de paisajes. Uno podría preguntarse cómo un tenedor, un cuchillo o una cuchara sobre una servilleta de papel en una mesa de café pueden ser un paisaje en el mismo sentido que un lago de montaña o incluso una obra de construcción. Pero para mí son todos parte del fascinante telón de fondo visual de nuestras vidas. Independientemente de su escala física o de sus orígenes, me parece que todos son igual de exigentes de atención, y todos igualmente capaces de impartir significado.

 

 

 

Biografía

Mark Citret nació en Búfalo, Nueva York, y creció en San Francisco. Comenzó a fotografiar en serio en 1968, y recibió su licenciatura y master en Arte en la Universidad Estatal de San Francisco. Durante 3 años en los 70, Mark estuvo de asistente en los cursos Zone System Master de Ansel Adams en sus famosos Yosemite Workshops, trabajando con Adams en el campo y en el laboratorio.

La mayor parte de su obra no es específico de un tema determinado. Aún así, ha trabajado en muchos proyectos fotográficos en el transcurso de su carrera, y lo sigue haciendo. De 1973 a 1975 vivió en y fotografió Halcott Center, un valle agrícola en las montañas Catskill de Nueva York. De  mediados a finales de los 80 produjo un gran cuerpo de trabajo con el título provisional de Unnatural Wonders, que es su investigación personal de la arquitectura en parques nacionales. Pasó cuatro años, de 1990 a 1993, fotografiando Coastside Plant, un lugar de construcción masiva en la parte suroeste de San Francisco.

Desde que se trasladó a su actual hogar en 1986, ha estado fotografiando el siempre cambiante juego de océano y el cielo desde el acantilado detrás de su casa. Actualmente se encuentra en medio de una encargo de varios años con la Universidad de California en San Francisco, fotografiando la construcción de su campus Mission Bay.

Ha sido profesor de fotografía en la University of California Berkeley Extension desde 1982 y en la University of California Santa Cruz Extension desde 1988, y en organizaciones como el Center for Photography en Woodstock, la Ansel Adams Gallery y Santa Fe Workshops.

Su obra está representada en prominentes galerías de fotografía en los Estados Unidos, y se encuentra en muchos museos y colecciones privadas, como el San Francisco Museum of Modern Art, Los Angeles County Museum of Art, New Orleans Museum of Art, Santa Barbara Museum of Art, University of Arizona’s Center for Creative Photography y Monterey Museum of Art.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Giacomo Brunelli

Giacomo Brunelli es un fotógrafo italiano (nacido en Perugia en 1977, vive en Londres) que realiza largos paseos para poder captar unas imágenes plenas de poesía, vida, muerte, tristeza, …

 

© Giacomo Brunelli

© Giacomo Brunelli

 

 

Aunque creo que en la fotografía suelta, creo que la narrativa que se construye alrededor de una serie de imágenes es esencial para que la gente comprenda tu punto de vista. Y me gusta la atmósfera del cine negro.

 

 

 

Biografía

Giacomo Brunelli realizó una licenciatura en Comunicación Internacional en 2002. Con 20 años había descubierto la cámara japonesa Miranda Sensomat (35mm) de su padre, más como un bello y pesado objeto que como algo con que podría hacer fotos, pero que finalmente hizo un curso de 6 meses de fotoperiodismo en Roma, fascinado por la idea de que podría realizar fotoperiodismo en las calles, disparando en blanco y negro, con una violenta aproximación al sujeto. Utiliza película fotográfica con su cámara MIranda y hace las copias en el baño de su casa.

Sus series se han expuesto en Photographers’ Gallery de Londres, Galerie Camera Obscura de París, Delhi PhotoFestival (India), Format Festival de Derby, Robert Morat Galerie en Hamburgo , Noorderlicht Photofestival (Holanda), Athens Photo Festival (Grecia), Daegu PhotoBiennal (Corea del Sur), Angkor PhotoFestival (Camboya), BlueSky Gallery de Portland (EEUU), The New Art Gallery Walsall (Reino Unido), Griffin Museum de Boston, StreetLevel Glasgow (Reino Unido), Photofusion en Londres, Arden & Anstruther Petworth (Reino Unido), Galleria Belvedere de Milán, Fotofestiwal Lodz (Polonia) y Boutographies en Montepellier.

El trabajo ha ganado el premio Sony World Photography, el Gran Premio de Lodz, Polonia y el Flash Forward 2009 de Fundación Magenta. También ha aparecido ampliamente en el publicaciones de arte y de fotografía The Guardian (Reino Unido), Harper’s Magazine (EEUU), Eyemazing (Holanda), European Photography (Alemania), B&W Magazine (Usa), Creative Review (UReino Unidok), Foto & Video (Rusia), Images Magazine (Francia), Photographie (Alemania), Katalog (Dinamarca), AdBusters (Canadá), Foto (Suecia) y FOTOGRAFI (Noruega).

Su obra se encuentra en colecciones como las del Museo de Bellas Artes de Houston, The New Art Gallery Walsall, Reino Unido, Kiyosato Museum of Photographic Arts y Museo de Arte de Portland, Estados Unidos.

En su reciente serie, Eternal London, expuesta en 2014 en The Photographers’ Gallery, Brunelli utiliza un estilo de cine negro para crear una visión única y altamente evocadora de la ciudad. Las imágenes muestran de una manera sorprendente y muy particular siluetas de personas y animales con monumentos de Londres, como el Tower Bridge, Trafalgar Square, la catedral de San Pablo, la estatua de Winston Churchill, el  Big Ben, …

Para crear este trabajo fotográfico, Brunelli daba durante todos los días paseos por la mañana, eligiendo al azar una persona a la que seguir, trabajando con discreción, y a menudo utilizando un visor desmontable, para poder fotografiar a sus modelos desde la cintura y con ángulos inusuales, a veces con un primerísimo plano. Los sujetos se convierten en anónimos, al ocultar sus rostros,  utilizando para ello la luz, la sombra y el contraste y dando a sus imágenes un ambiente espectacular y un profundo sentido del misterio.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Jonathan Chritchley

Jonathan Chritchley es un fotógrafo inglés (nacido en Wimbledon, Londres, vive cerca de Biarritz, Francia) que, apasionado por los veleros y el mar, intenta perpetuar a través de su obra la belleza y la pureza de nuestro frágil  entorno. Es uno de los fotógrafos oceanográficos más considerado actualmente.

 

Three © Jonathan Chritchley

Three © Jonathan Chritchley

 

 

 

Biografía

Jonathan Chritchley se encaprichó con el mar tras mudarse con su familia a la famosa ciudad marinera de Lymington en la costa sur del país con 14 años. Después de haber estudiado fotografía en la Escuela de Arte del Reino Unido y haber sido asistente de varios fotógrafos marinos y de viaje, se trasladó a la costa sudoccidental de Francia en 1998, y ahora vive cerca de la ciudad de Biarritz, en el formidable Golfo de Vizcaya, donde los Pirineos y el poderoso Atlántico le proporcionan un dramático telón de fondo para sus fotografías.

También pasa mucho de su tiempo viajando a algunos de los mejores lugares marinos del mundo para crear sus dramática y etéreas imágenes. Su historia de amor con los hermosos caballos blancos de la Camargue, un animal que vive en y alrededor del mar Mediterráneo en el sur de Francia, se inició en 2007 y, posteriormente, Jonathan ha viajado allí desde su casa en Biarritz dos o tres veces al año para fotografiarlos.

Sus imágenes se ven por todo el mundo en exposiciones, galerías, tiendas de decoración para el hogar, revistas y libros, y forma parte de muchas colecciones de arte internacional. También escribe para diferentes revistas y realiza charlas fotografía y presenta su trabajo en eventos relacionados con la vela  y la fotografía por todo el mundo, siendo en 2012 el fotógrafo más publicitado nunca en revistas de fotografía del Reino Unido, con 11 entrevistas importantes, así como artículos y noticias.. A través de su empresa Ocean Capture, imparte talleres de fotografía por todo el mundo.

Buceador entusiasta, marinero y nadador, Jonathan vive en casa de pescadores reformada cerca de las playas y lagos del sur oeste de Francia con su esposa y sus dos hijos, y disfruta del agua en la mayoría de los días.

Fue incluido en la lista Top 100 Best Photographers of All Time del  Sunday Times y en la Top 100 Photography Heroes del Professional Photography Magazine.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

Juan Antonio Palacios

Juan Antonio Palacios es un fotógrafo vasco, al que le gusta investigar y realizar fotografía de viajes, deporte, arquitectura, bodegones, composiciones y un largo etc., pero que se encuentra más cómodo y realizado en la fotografía de paisajes de naturaleza.

 

© Juan Antonio Palacios

© Juan Antonio Palacios

 

 

 

Biografía

Juan Antonio Palacios García ha tenido una larga experiencia como aficionado en la fotografía, pero ha sido la fotografía digital la que le ha permitido retomar esta afición con más fuerza. Autodidacta, los encuentros personales con otras gentes que comparten esta afición le han sido muy enriquecedores a nivel personal y formativo y, la participación activa en webs de fotografía y el intercambio de ideas con los socios de Club Deportivo Eibar, al que pertenece, le han supuesto una ayuda inestimable para ir puliendo técnica y adquiriendo conocimientos.

En su página web tiene un curso de fotografía digital y varios libros didácticos y portafolios.

La materia prima de la que se suministra principalmente para sus fotos de paisajes naturales son los bosques, el mar, los ríos, etc. de su tierra, una fuente inagotable de recursos para este tipo de fotografías. Visita a menudo lugares cercanos para observarlos en diferentes momentos del día y estaciones del año tratando de encontrar las mejores luces para sus proyectos.

Ha obtenido diversos reconocimientos y premios, desde concursos locales y certámenes de fotografía de montaña, a salones internacionales de fotografía artística, entre los que podemos citar  2 accésit al trofeo Argizaiola (2010 y 2012), 1 Marqués Rocaverde en el Trofeo Gipuzkoa Internacional en 2011 y el más reciente: Mejor Portafolio en el 11º Adana Rotary Club de Turquía.

También ha realizado diversas exposiciones en el País Vasco y Cataluña, principalmente, realizando en 2012 una antológica en Portalea, Eibar.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Venancio Gombáu

Venancio Gombáu fue  un fotógrafo español (nacido en Cabanillas de la Sierra, Madrid, el 1 de abril de 1861 y fallecido en Salamanca en 1929) que dejó un amplio testimonio documental de la ciudad de Salamanca, de los pueblos y de las gentes de la provincia. Reportero y retratista, alcanzó un sólido prestigio a finales del siglo XIX, llegando a ser el fotógrafo más popular de la provincia de Salamanca.

 

Unamuno sentado junto a Alfonso Revuelta, Benito M. Valencia, Luis Rodríguez Miguel y Felipe Anciones, 1907. Fotografía de Venancio Gombáu

Unamuno sentado junto a Alfonso Revuelta, Benito M. Valencia, Luis Rodríguez Miguel y Felipe Anciones, 1907. Fotografía de Venancio Gombáu.

Licencia Creative Commons, con derechos reservados

 

 

 

Biografía

Venancio Gombáu Santos nació en el seno de una prestigiosa familia de fotógrafos, y se inició en 1880 como aprendiz en el estudio madrileño de su tío Venancio Gombáu y un año más tarde se instaló como auxiliar en el establecimiento de José Oliván, su cuñado, en Salamanca, donde, tras la muerte de ésteñ trabajó con su hermana en Viuda de Oliván y hermano hasta que en 1904 abrió su propio estudio. Llegó a mantener simultáneamente sucursales en Peñaranda de Bracamonte y Ciudad Rodrigo, y cultivó el retrato, la fotografía documental, el reportaje y el formato postal.

En sus miles de fotografías ha dejado memoria viva de la ciudad y de los pueblos y las gentes de la provincia. El más fiel seguidor de su estilo fue Miguel de Unamuno, al que el fotógrafo dedicó varios centenares de imágenes entre 1903 y 1913, relacionadas con casi todos los aspectos de su vida. Entre ellas figura el retrato del que ilustró la cubierta de su libro Paisajes, de 1901.

Durante los primeros años del siglo XX fue corresponsal gráfico de diversas publicaciones ilustradas de Madrid, entre ellas Nuevo Mundo, donde también publicaban fotógrafos como José Campúa o Alejandro Merletti. Como documentalista, destacan sus fotografías realizadas en 1908 en Mogarraz (Salamanca), que sirvieron para ilustrar el libro Por la España desconocida, publicado en 1911 como suplemento de La Ilustración Española y Americana. Publicó además en las revistas El Teatro, La Esfera, Mundo Gráfico y Blanco y Negro.

A su muerte, su estudio pasó a manos de sus hijos Amalio y Guzmán, también fotógrafos. Una parte representativa del Archivo Gombáu se encuentra en la Filmoteca de Castilla y León (Salamanca), y otra parte importante pertenece a la colección del también fotógrafo José Luis de la Parra. Las fotografías relativas al archivo visual de Unamuno se conservan en su Casa Museo de Salamanca. También hay obra del fotógrafo en el Arxiu Joan Maragall de la Biblioteca de Catalunya (Barcelona).

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Salamanca en las fotografías de Venacio Gombáu de Enrique de Sena y Jaime Peña, 1989
  • Las Fuentes de la Memoria II. Fotografía y Sociedad en España, 1900- 1939 de Publio López Mondéjar, 1992
  • La Salamanca de los Gombáu de Maite Conesa, 1996.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

Brigitte Carnochan

Brigitte Carnochan es una fotógrafa estadounidense (nacida en Alemania, vive en Portola Valley, California) cuya obra  oscila entre los motivos florales y cuerpos desnudos, aplicando técnicas como el platino-paladio y la pintura a mano para construir su obra con una gran delicadeza y belleza plástica.

 

© Brigitte Carnochan

© Brigitte Carnochan

 

 

A pesar de que la mayoría de la gente ve el mundo en color, no lo ven en los mismos colores exactos. Desde un punto de vista óptico, los colores que vemos dependen de dónde estamos en relación con el objeto, donde está el sol en el horizonte, de qué color son las paredes, o las gafas (o los lentes de contacto). Desde un punto de vista psicológico, también depende de si estamos preocupados, eufóricos, ansiosos, enamorados, solos, distraídos o en alerta. Por esta razón, a menudo, doy a mano el color a mi trabajo, ya que el proceso me permite interpretar la esencia de mi tema de acuerdo a mi propia imaginación.

 

 

 

Biografía

Brigitte Carnochan, nacida en Alemania en plena II Guerra Mundial, llegó a Estados Unidos con su madre cuando era una niña. Se enamoró del ballet y de la idea de ser una bailarina, pero, en lugar de hacer una carrera de la danza, se convirtió en una profesora de inglés en la escuela secundaria y luego en la universidad, con un gran amor por la jardinería. Cuando su temprano interés por la fotografía le llevó finalmente a la decisión de hacer de la fotografía de su carrera, su interés por la danza y los jardines influenciaron sus temas principales: la belleza formal de los órganos, flores y frutas. Y todavía practica la danza, que le proporciona modelos y terapia.

Una parte importante de su trabajo son las fotografías en blanco y negro en gelatina de plata pintadas a mano, lo que le permite interpretar la esencia de su tema de acuerdo a su propia imaginación. No me siente obligada a imitar la realidad al colorear. También realiza impresiones al platino-paladio.

Su trabajo ha recibido numerosos premios, como el 2003 Hasselblad Master Photographer, y ha sido mostrado en exposiciones en todo el país, así como en diversas publicaciones como Lenswork, Silvershotz, Frankfurter Allgemeine Zeitung, Color, AfterCapture, Black & White UK Camera Arts, Hasselblad, Fotoritim y Zoom. Actualmente imparte talleres de fotografía en la Universidad de Stanford y es un miembro del Consejo del Santa Fe Center for Photography en Nuevo México.

Su trabajo se ha exhibido en más de dos docenas de particulares y colectivas en todo el país. Enseñar a los talleres y dando conferencias en la universidad ha sido una parte regular de su vida durante la última década. Ha recibido numerosos premios y actualmente es miembro del consejo del Centro de Santa Fe para la fotografía.

Su reciente serie, Floating World, comenzó en una visita a una tienda de libros usados en Princeton, Nueva Jersey, donde descubrió un volumen de haiku y tanka traducidos por Kenneth Rexroth e Ikuko Atsumi en 1977. Los poemas eran de mujeres japonesas de los siglos VII a XX y representaban a todos los estilos principales durante este período, desde el periodo clásico a las escuelas contemporáneas. Inspirada por estos poemas quiso hacer sus equivalentes fotográficos, creando un mundo evanescente, impermanente, de fugaz belleza y divorciados de las responsabilidades del mundo mundano. También quiso crear sus propias versiones de los poemas que podrían acompañar las imágenes. Con la ayuda como traductores de Hitomi Nakamura y Frederick Kotas, que encontraron los originales e hicieron traducciones literales, Brigitte compuso sus propias versiones en inglés de los poemas.

Referencias

 

 

 

Libros

  • Love-Making, 2015
  • Floating World
  • Bella Figura: Painted Photographs by Brigitte Carnochan
  • Imagining Then
  • The Shining Path.

Gianni Berengo Gardin

Gianni Berengo Gardin es un fotógrafo italiano (nacido en Santa Margherita Ligure, el 10 de octubre de 1930) dedicado al reportaje, a la investigación social, a la documentación de la arquitectura y a la descripción del medio ambiente.

 

Venecia en vaporetto, 1960 © Gianni Berengo Gardin

Venecia en vaporetto, 1960 © Gianni Berengo Gardin

 

Tengo mi propia religión: ser útil a los otros, ayudarles con mis fotografías.

 

 

 

Biografía

Gianni Berengo Gardin comenzó a tomar fotografías en 1954, después de vivir en Roma, Venecia, Lugano y París. Su primera foto fue publicada en 1954 en el Mondo, con el trabajó hasta 1965, cuando se trasladó a Milán. Trabajó con los principales títulos de la prensa italiana y extranjera (Domus, Epoca, l’Expresso, Time, Stern, Harper’s Bazaar, Vogue, Du, Le Figaro, etc.) y con el Touring Club Italiano y con el Istituto Geografico De Agostini, pero se dedicó principalmente a la creación de fotolibros, creando más de 200.

En 1963 fue honrado por el World Press Photo. En 1990 fue invitado de honor en el Mes de la Foto en París, donde ganó el Premio Brassai. En 1995 ganó el Leica Oskard Barnack Award en los Rencontres d’Arles con su libro Desperata Allegria. En 1998 ganó el Premio Oscar Goldoni para el mejor libro de fotografía del año con Zingari a Palermo. En 2006, con motivo de su exposición, dio un discurso en la sede del Parlamento Europeo en Bruselas. En 2008 fue galardonado en Estados Unidos con el prestigioso Lucie Award por su trayectoria y en 2009 fue galardonado por la Universidad de Milán con un Honoris Causa in Storia e Critica dell’Arte..

Ha realizado más de 200 exposiciones individuales en Italia y en el extranjero, y sus imágenes forman parte de las colecciones de varios museos y fundaciones culturales, incluyendo la Calcografia Nazionale de Roma, el Museum of Modern Art de Nueva York, la Bibliotheque Nationale, la Maison Européenne de la Photographie y Collection photo FNAC en París y el Musée de l’Elysée de Lausana.

En 1972 la revista Modern Photography le  incluyó entre los 32 Mejores Fotógrafos del mundo. En 1975 Cecil Beaton le citó en el libro The magic Image: the genius of photography from 1839 to the present day. Fue incluido por Bill Brandt en 1975 en la exposición Twentieth Century Landscape Photographs. H. Gombrich lo citó como fotógrafo único en el libro The Image and the Eye ( 1982). Italo Zannier en la Storia della Fotografia Italiana (1987) lo describió como “el fotógrafo más notable de la posguerra“, y está presente entre los 80 fotógrafos elegidos por Henri Cartier-Bresson en 2003 para la exposición Les choix d ‘ Henri Cartier-Bresson.

Es miembro de la agencia Contrasto desde 1990.

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros

Philippe Chancel

Philippe Chancel es un fotógrafo francés (nacido en 1959 en  Issy les Moulineaux, vive en París) con una larga experiencia en temas artísticos, documental y de periodismo.

© Philippe Chancel

© Philippe Chancel

 

 

Biografía

Philippe Chancel se inició en la fotografía muy joven, cursó estudios de economía en la Universidad de Nanterre y de periodismo en el CFPJ de París.

Sucesivos trabajos en los antiguos países del Este marcó su debut en el fotoperiodismo. Su obra ha sido ampliamente mostrada y publicada en Francia y en importantes revistas de todo el mundo.

RPDC, su visión de Corea del Norte, se mostró por primera vez los Rencontres d’Arles de 2006, seguido de otras exposiciones en la C/O Berlín, en la Photographer’s Gallery en Londres o en el Deutsche Börse Photography Prize, donde consiguió el premio del público en 2007.  También ha expuesto en Nueva York en la Open Eye Society Foundation.

Emirates project se presentó por primera vez en la 53ª Bienal de Venecia (Pabellón de Abu Dhabi) y después en la exposición Dreamlands en el Centro Pompidou en 201, a las que siguieron otras exposiciones por  todo el mundo.

Chancel está actualmente trabajando en un documental titulado Datazone, que busca mostrar en sus múltiples facetas y de una manera distintiva diversos territorios ya sean sobreexpuestos o  desconocidos por los radares mediáticos. Este proyecto le ha llevado a Puerto Príncipe, Kabul, Fukushima, Barnaul, Astana, Sudáfrica, el delta del Níger y a Corea del Norte.

Ha sido uno de los finalistas del Prix Pictet 2012 por su trabajo Fukushima: The Irresistible Power of Nature. Expuso en los Rencontres d’Arles 2013 sus trabajos sobre las minas de platino de Sudáfrica. En 2014, fue nominado para el primer premio Elysée  y premiado en el festival de foto reportaje en St Brieuc.

Sus obras están presentes en numerosas colecciones públicas y privadas, y realiza encargos para las principales instituciones culturales de Francia y del extranjero.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

Dave Bowman

Dave Bowman es un fotógrafo galés (trabaja y vive en Aberdeen, Escocia). Técnico magistral y artista de la composición, lleva 30 años de experiencia en el mundo de la fotografía.

 

© Dave Bowman

© Dave Bowman

 

 

Creo que los artistas continuamente deben desafiarse a sí mismos y experimentar con el fin de progresar de manera creativa y mantener las ideas frescas y vitales.

 

 

 

Biografía

Dave Bowman ha sido fotógrafo durante más de 30 años. Parte de ese tiempo como profesional, parte como artista independiente, pero siempre y en todo, un apasionado.que ha tocado todos los temas: fotografía de calle, arquitectónica, macro, retratos y paisajes.

Le gusta estar en movimiento, física y técnicamente, probar nuevos enfoques y descubrir nuevos caminos. Su principal objetivo es captar la cualidad esencial de la experiencia que tiene delante delante en el momento en que el obturador se cierra y luego se permite dictar los niveles precisos de tono o color requeridos para la imagen final. Estas decisiones son fundamentales en su proceso creativo y algo que le resulta continuamente desafiante y estimulante.

Además de realizar  exposiciones, presenta su obra a concursos y ha obtenido diversos premios:

  • LPA – Medalla de bronce en Paisaje urbano en los Black & White Spider Awards
  • Medallas de oro, plata y bronce en International Aperture Awards
  • Medalla de oro a la excelencia en el Trierenberg Super Circuit
  • Medalla de oro en los Black & White Magazine International Portfolio Contest Awards
  • Premio en el B&W Silvershotz International Journal of Fine Art Photography
  • Ganador en el 2009 Folio Special Edition de International Aperture Awards
  • Finalista en el Travel Photographer of the Year
  • Finalista en el Digital Camera Photographer of the Year.

 

 

 

Referencias

Christian Chaize

Christian Chaize es un artista francés (vive y trabaja en Lyon) que a su larga carrera profesional une un trabajo artístico centrado principalmente en la parte sur de la costa portuguesa.

 

© Christian Chaize

© Christian Chaize

 

 

Biografía

Christian Chaize es un artista autodidacta. En 1992, fue galardonado con el Prix European Panorama de Kodak para fotógrafos jóvenes europeos en Arlés, Francia. Además de sus logros artísticos, disfruta de una exitosa carrera como fotógrafo comercial de más de 20 años.

Recientemente, en 2004, mientras realizaba una estancia en Portugal, Chaize fue seducido por el encanto de una parte de la costa sur de este país. Desde entonces, su trabajo personal ha registrado un gran auge que ha tomado el relevo de sus ambiciones profesionales. Ha trabajado en esta serie Praia Piquinia con cámaras de medio y gran formato, y ha realizado exposiciones en Lyón en Nueva York y en museos de Portugal (Sines y Lisboa).

Paradis, imágenes hechas en las Seychelles a las que, de pequeño, identificó con el paraíso, y To Praia Grande, una serie de imágenes múltiples de un mismo lugar, el que lleva hacia la playa grande, también se han expuesto en Nueva York y Berlín, respectivamente.

Entre otros proyectos, Christian Chaize, sigue realizando fotografías de Portugal, para entender (o quizás no) la atracción indecible que ejerce sobre él este paisaje acogedor y misterioso.

 

 

Referencias

 

 

Libros