Jim Dow

Jim Dow es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1942 en Boston, Massachusetts) especializado en fotografiar lugares urbanos o rurales, sin la presencia de personas. Además de un notable fotógrafo es respetado como educador y mentor.

 

© Jim Dow

© Jim Dow

 

 

Mi interés por la fotografía se centra en su capacidad para la descripción exacta. Uso la fotografía para tratar de registrar las manifestaciones del ingenio humano y el espíritu que aún permanecen en el paisaje cotidiano de nuestro país.

 

 

 

Biografía

Jim Dow obtuvo una licenciatura en diseño gráfico y un master de fotografía de la Escuela de Diseño de Rhode Island. Una de sus primeras influencias fue el libro American Photographs de Walker Evans, con quien tendría la oportunidad de trabajar más tarde, al ser contratado para imprimir las fotografías de su retrospectiva en el Museum of Modern Art en 1972.

Dow examina, en la tradición de Walker Evans, aquellos lugares urbanos y rurales donde la gente realiza sus rituales cotidianos, tratando de capturar el “ingenio humano y su espíritu” en las tradiciones regionales en peligro de extinción: una barbería donde una fuerte pátina de la vida de la ciudad cubre sus paredes, la cápsula opulenta de un viejo club privado de Nueva York, la vitrina densamente poblada de pipas de fumar en un estanco Inglés, … todos los artefactos de una era en desaparición.

Dow se dio a conocer por sus trípticos de panorámicas de estadios de béisbol, un proyecto que se inició con una imagen que hizo de Estadio de los Veteranos en Filadelfia en 1980. Con su  cámara 8×10″ documentado más de doscientos campos de las ligas en Estados Unidos y Canadá.

Dow fotografía lugares arquitectónicos urbanos y rurales, desde los mercados ambulantes de frutas  a catedrales góticas. Sus negativos de 8×10″ proporcionan una extraordinaria nitidez y precisión en sus copias, ya sean por contacto o de 20×24″. Su serie más reciente se llama American Studies. Otras series son Corner Shops of Britain (1995), con fachadas de pequeños negocios familiares, con escaparates y vitrinas como desde jarrones de caramelos a anguilas en gelatina,  Time Passing (1984-2004), donde capta el arte popular de Dakota del Norte con señales de caminos rurales, carteles pintados a mano y lápidas adornadas.

Jim Dow está representado por la galería Janet Borden Inc. de Nueva York. Ha enseñado fotografía en la Universidad de Harvard, la Universidad de Tufts y la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston, teniendo como alumnos a Nan Goldin, Philip-Lorca diCorcia, Kathy Kissik, David Hockbaum y Doug y Mike Starn, entre otros, y su obra ha sido ampliamente exhibida.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Anouk Kruithof

Anouk Kruithof es una artista holandesa (nacida en 1981 en Dordrecht, reside actualmente en Nueva York) cuyas exposiciones y libros fusionan lo social y lo conceptual, con fotografía, performance y vídeo. Es mayormente conocida por su libro de artista Happy Birthday to You.

 

© Anouk Kruithof

© Anouk Kruithof

 

 

 

 

Biografía

Anouk Kruithof estudió fotografía en la Academia de Arte y Diseño St. Joost, en Breda. Completó su residencia de artista en el Künstlerhaus Bethanien de Berlín en 2008 y 2009. En 2011 se mudó a Nueva York para vivir y trabajar en sus proyectos.

Kruithof aborda la fotografía desde un enfoque multidisciplinar que comprende principalmente la instalación y la performance. Suele utilizar interacciones sociales con desconocidos como punto de partida para sus retratos conceptuales. En su práctica abundan las estructuras precarias y graba el colapso de un muro de miles de libros de colores, cuelga fotografías del techo delicadamente y las amontona, como ejemplos de su trabajo.

Su libro Happy Birthday to You fue elogiado por Martin Parr y su libro A Head with Wings por Jörg Colberg. En 2014 ha realizado la exposición Within interpretations of a wall junto con Paulien Oltheten en el Het Stedelijk Museum de Ámsterdam.

Su obra ha sido expuesta en instituciones internacionales como el He Xiangning Art Museum en Shenzhen, The Center for Photography en Woodstock, Multimedia Art Museum de Moscú, Erarta Museum de San Petersburgo, Culture and Arts Center en Daegu, Corea, Capitain-Petzel en Berlín, KIT (Kunst Im Tunnel) en Düsseldorf, Temporare Kunsthalle de Berlín, Autocenter Berlin, ICP en Nueva York, Capricious de Nueva York, Higher Pictures de Nueva York, Museum het Domein Sittard en Holanda, FOAM de Ámsterdam, Het Nederlands Fotomuseum en Rotterdam, MARCA en Catanzaro, MAMAC (museum for modern and contemporary art) en Lieja, gallery of the city en Pecs, Hungría, Kunstraum Niederösterreich de Viena, Gallery 1m3 de Lausana, Australian Center for Photography (ACP) en Sídney y Dutch Culture Center en Shanghái

Ha publicado, o auto-publicado varios libros de su trabajo. Su obra ha sido expuesta y consiguió en 2012 un ICP Infinity Award del Centro Internacional de Fotografía de Nueva York, el Photography Jury Grand Prize y  la beca Photo Global de Hyères International Fashion y el Photography Festival y el premio Charlotte Köhler de Prins Bernhard Cultuurfonds.

Sus obras forman parte de las colecciones del FOAM de Ámsterdam, Het Museo Stedelijk, Fotomuseum de Winterthur  y museo Het Domein Sittard.

Referencias

 

 

 

Libros de artista

Monica Denevan

Monica Denevan es una fotógrafa estadounidense (nacida en 1964 en San Francico, California, donde vive y trabaja ) que en sus viajes por China y principalmente Birmania, se familiariza con la gente y su entorno hasta lograr una comunión que le permite captar la belleza de paisajes y atmósferas y la cotidianeidad de las gentes con la naturalidad de quien comparte con ellos algo más que un fugaz contacto visual en un viaje.

 

© Monica Denevan

© Monica Denevan

 

La primera vez que viajé a Birmania, conocía muy poco del país y sus políticas. Recuerdo sentirme impactada por la belleza meditativa del paisaje, la sensación de caos en las ciudades, y la tranquila elegancia de la gente. Cuando leí y aprendí más sobre la historia y situación política, me pareció como si las únicas noticias e imágenes que llegaban del país fueran excesivamente feas y negativas. La mayoría de los turistas se mantienen a distancia debido a esta realidad, yo incluida. Quería fotografiar a la gente con la que pasaba mi tiempo: los hombres y muchachos que bromeaban por ahí conmigo y entre ellos, las chicas cuya sonrisa era tan dulce, los amigos con los que tomaba el té, los rostros familiares que conocía en el camino, y pronto mis días estuvieron dedicados por completo a la fotografía.

 

 

 

Biografía

Monica Denevan estudió fotografía en la San Francisco State University, pero no fue hasta que comenzó a viajar extensamente cuando comenzó a ver la fotografía de otra manera. Ha visitado  lugares de Birmania y China durante muchos años, viajando ligera, con un equipo mínimo.

Ha estado fotografiando a muchas de las mismas personas durante más de una década. Cree que es importante hacer fotografías y utilizar cualquier proceso que funcione. En su caso, está contenta fotografiando e imprimiendo utilizando métodos tradicionales. La paciencia es un factor clave cuando usas película. A menudo lleva 100 rollos de película en sus viajes. Cada rollo tiene doce exposiciones, así que tiene que parar y cambiar de película cuando las cosas están yendo bien, y después tiene que esperar hasta llegar a casa y procesar la película para ver en realidad cómo han quedado las imágenes.

También lleva una cámara digital de apuntar y disparar para hacer fotos divertidas y para tener una idea de cómo se verán las fotos, pero sólo como una aproximación, y no la usa cuando está fotografiando con su Bronica. de formato medio y una lente. Sus fotos las hace en su tradicional cuarto oscuro con virado al selenio, en ediciones de 25 copias, en el papel de 20x16″.

Sus fotografías han sido exhibidas internacionalmente incluyendo muestras en solitario en Scott Nichols Gallery (San Francisco) y Tao Gallery (Hong Kong). Recientemente, su trabajo ha sido incluido en el evento Annenberg Space for Photography’s “No Strangers”  en Los Ángeles y en la Photolucida Critical Mass Top 50 de 2012.

Su trabajo se ha publicado en LensWork, ZYZZYVA, Communication Arts Photo Annual, SHOTS, Black and White Magazine, The Photo Review y Artvas-The Photo (Corea), entre otros. Sus fotografías han estado en la portada de Black+White Photography (Reino Unido), The Sun magazine (EEUU) y Les iles by Philippe Lancon (Paris: J’ai Lu) y en línea en LENSCRATCH, F-Stop magazine, Le Journal de la Photographie y Photo Index (photo-eye).

Está representada por Scott Nichols Gallery (San Francisco), Duncan Miller Gallery (Santa Mónica), Capital Culture Gallery (Londres) y Reaves Gallery (Nueva York). Sus fotografías están en la colección permanente del UCSF Medical Center.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Francesco Viscuso

Francesco Viscuso es un artista y fotógrafo italiano (nacido en Catania, Sicilia, en noviembre de 1980, vive y trabaja en Roma) cuya obra artística va desde el campo de la pintura a la instalación y el video pero, sin embargo, la fotografía es su medio principal. Los principales temas de su obra son el tiempo, la memoria y el trauma.

 

© Francesco Viscuso

© Francesco Viscuso

 

 

 

Biografía

Francesco Viscuso se graduó en Diseño Arquitectónico en el Instituto de Arte de Catania y se tituló en Crítica de Arte en la Universidad de Roma “La Sapienza”.

Drama y crítica social se profundizaron en su trabajo en la cuestión de su relación con el ser en el mundo. Combinando ideas y fuentes de inspiración cruzadas, que abarcan la historia de artes como la poesía, literatura, filosofía y el cine, transporta al público a una atmósfera onírica envolvente, que cuenta los aspectos ocultos y desconocidos de su trayectoria creativa.

La fotografía,  y más en general, la propia imagen, no es para él la posibilidad de un contacto con una realidad externa supuesta, sino más bien “la Luz de la Mente, terriblemente trastornada”.

En Carnival Motel, relata diversas  historias a través de fotografías impresas en papel y a mano, lijadas, pintadas, desgarradas, encoladas. Las imágenes, de un sabor onírico y surrealista, exponen en última instancia una crítica violenta de la sociedad contemporánea que produce todo tipo de aberraciones y locuras pequeñas o grandes en todos nosotros: el abismo de la soledad humana en la era del capitalismo.

 

 

Referencias

Ayumi Tanaka

Ayumi Tanaka es una fotógrafa japonesa (nacida en Japón, vive y trabaja en Nueva York City) que trabaja el collage utilizando imágenes encontradas de instantáneas privadas y de Internet para explorar el tema de los recuerdos.

© Ayumi Tanaka

© Ayumi Tanaka

 

 

Biografía

Ayumi Tanaka estudió en la Universidad de las Artes de Osaka en 2002, y en el  International Center of Photography en 2010.

Desde hace unos años ha estado sintetizando paisajes en obras plásticas en 3D con técnicas mixtas, dioramas fotográficos que tratan de contar sus fábulas personales con el realismo mágico de un sueño de vigilia.

En su reciente serie Hide and Seek, sus historias son collages de fotos personales, fotos tomadas de álbumes familiares o de internet, o de recortes de revistas, en la que Ayumi trabaja a mano, las dibujando sombras y añadiendo profundidad.

Su lienzo es la película transparente en la que impresiona capas de diferentes elementos, hasta componer un territorio emocional suspendido, poblado de personajes reales e imaginarios en diferentes planos de conocimiento, experiencia y emoción.

Su obra ha sido expuesta internacionalmente en exposiciones incluyendo United Photo Industries Gallery de Nueva York, Tokyo Institute of Photography en Tokio, 25 CPW Gallery en Nueva York, Pictura Gallery en Bloomington, Dumbo Arts Festival 2011 en Nueva York, y LOOK3 festival of the Photographs 2012 en Charlottesville.

Su trabajo ha sido publicado en PHat Photo (Tokio), Lettre International (Berlín), LensCulture, GUP Magazine y Feature Shoot.

Tanaka fue galardonada con el International Center of Photography Director Fellowship en 2010 (Nueva York), Grand prix at Tokyo International Photography Competition 2013 (Tokio y Nueva York), Photolucida Critical Mass Top 50 y Feature Shoot Emerging Photography Award 2014 (Nueva York).

 

 

 

Referencias

K.K. DePaul

K.K. DePaul es una artista, educadora, directora de galería y fotógrafa estadounidense (vive en Lancaster, Pensilvania) que explora secretos, combinando y recombinando fragmentos de memoria para dar sentido a sus historias familiares, confrontando demonios y reconstruyendo identidades rotas.

© K.K. DePaul

© K.K. DePaul

 

 

 

Biografía

K.K. DePaul siempre ha estado involucrada con el arte, y su obra como artista textil y posteriormente como fotógrafa ha recibido la atención nacional e internacional, y se ha incluido en colecciones como Smith-Kline, The Mayo Clinic y Capital Blue Cross. Sus trabajos han sido publicados en Black&White Magazine, Philadelphia Magazine y en el New York Times.

Cuando cumplió 50 años, todo su pelo se cayó, su sentido de identidad se hizo añicos, y su respuesta fue que ocultarlo. Un día, un amigo (que ahora es su marido) sugirió que se fotografiara a mí misma en el espejo. Se quedó horrorizada ante la idea, pero un día se fue al baño con su cámara y un rollo de película de diapositivas Scala B+W. Se disparó el rollo entero, pero no lo reveló. Al año su cabello comenzó a crecer de nuevo, sólo que en lugar de negro, ahora era de color blanco. Envió las diapositivas a revelar y cuando sostuvo la primera diapositiva se sorprendió por la emoción que sentía. Era como si se estuviera viendo por primera vez, y empezó a entender el poder de la imagen fotográfica. Su curación siguió gradualmente a medida que comenzó a trabajar con estas imágenes y contar su historia.

Su familia tenía un tema tabú del que no se hablaba: en 1929, su abuelo fue ahorcado por un asesinato que presuntamente no cometió. Después de la muerte de su abuela, DePaul heredó una caja con los efectos personales de su abuelo durante su año en el corredor de la muerte: periódicos, artículos de revistas sobre el tema, cartas de abogados, familiares y amigos, que demostraban su culpabilidad y que su abuela lo sabía. El trabajo que desarrolló sobre este tema no es un estudio sobre la culpabilidad o la inocencia, ni un documento de la trágica historia de su familia, es sobre la mujer y el fingir.

K.K. DePaul siempre ha estado fascinada por múltiples interpretaciones, exposiciones dobles, y las ambigüedades que surgen dependiendo de qué personaje cuenta la historia.

Su proceso comienza con una colección de elementos, imágenes, escritos, …. Conforme mueve los elementos alrededor unos de otros, una determinada narrativa visual comienza a tomar forma, señalando un nuevo entendimiento de historias paralelas. Su uso del collage indica una historia contada a dos voces, representando identidades que han sido desgarradas, despojadas, reflexionando sobre ellas, y en última instancia reconstruyéndolas.

Su doble papel como artista y galerista le ha dado la oportunidad de ampliar su participación en las artes, y el uso de sus variadas experiencias a comisariar exposiciones en su Gallery DePaul. A través de su papel como directora de la galería de arte, ha desarrollado y llevado a cabo una serie de talleres de fotografía en París, Toscana y Venecia, así como talleres de enseñanza de la fotografía en la galería.

No tiene interés en hacer copias de sus obras, y prefiere crear con sus propias manos libros con sus proyectos.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Robby Cavanaugh

Robby Cavanaugh es un fotógrafo estadounidense (nacido el 26 de abril de 1988 en Rancho Cucamonga, California) cuyo trabajo consiste en crear obras que trascienden de la realidad que todos vemos a una realidad que todos podemos sentir. Su visión se encuentra en la frontera de los sueños, donde lo surrealista se encuentra con lo material.

 

© Robby Cavanaugh

© Robby Cavanaugh

 

 

 

Empecé mi viaje con la fotografía cuando me di cuenta de que podía hacer una fotografía que pareciera real, pero que nadie hubiera visto antes. Estoy obsesionado con la idea de capturar la emoción y hacer que la gente la sienta.

 

 

 

Biografía

Robby Cavanaugh siempre estuvo interesado en las artes. Recientemente se graduó en Diseño Gráfico en Cal Poly Pomona y quiere continuar su viaje inmerso en el arte y el diseño. A la fotografía llegó más tarde a su vida, y no ha tomado ninguna clase de fotografía formal. Autodidacta, descubrió su propio estilo, y ya ha sido reconocido internacionalmente, siendo publicado en numerosos medios de comunicación de todo el mundo. consiguiendo con su trabajo emergente numerosos premios y publicaciones internacionales.

Aunque su obra muestra claramente su destreza técnica como artista digital, su energía creativa le lleva a transportar una puerta gigante a la playa o para poner fuego en un paraguas, como ejemplo. Así, está claro que usa la post-producción para mejorar su fotografía, pero su principal objetivo es capturar todo en una sola imagen. Así sus asistentes arrojan al aire peces y relojes, y puede colocar una mesa bajo el agua para que la modelo parezca que anda sobre las aguas.

 

 

Referencias

Laurent Dequick

Laurent Dequick es un arquitecto y fotógrafo francés que realiza una reflexión sobre la ciudad contemporánea y más concretamente sobre la proliferación del espacio urbano moderno.

 

© Laurent Dequick

© Laurent Dequick

 

 

En las calles, las luces, el ruido, el tráfico de automóviles, el enjambre de peatones, la mezcla de olores, son tan adictivas que un único disparo no puede capturar su totalidad. ¿Deberíamos, por tanto, que tomar decisiones? Yo no lo creo, no quiero …

 

 

 

Biografía

Laurent Dequick se formó como arquitecto y, por lo tanto, su trabajo fotográfico está marcado por ello, realizando una reflexión sobre la ciudad contemporánea y más concretamente sobre la proliferación del espacio urbano moderno.

Con su serie Vibrations, su propósito es transmitir con precisión la impresión de frenesí que resulta de la densidad de población y la actividad urbana:

Para traducir la imagen congestionada de la vida urbana, yuxtapone, superpone o incrusta diversos fotogramas. Este método le sirve con la misma intensidad con fotografías de los complejos arquitectónicos, vías de circulación y personas.

Condensa las imágenes como en la ciudad se condensa la suma de la vida de todos sus habitantes. Su discurso se inspira directamente en el cubismo, o más precisamente en el dadaísmo, más próximo a la abstracción, en la representación estática de este movimiento constante …

 

 

 

Referencias

Tadao Cern

Tadao Cern es un fotógrafo lituano que realiza una fotografía creativa y divertida.

 

© Tadao Cern

© Tadao Cern

 

 

En la primavera de 2010 que quería probar algo nuevo y dejé de ser un arquitecto. Ese “algo nuevo” resultó ser la fotografía. Hoy viajo por el mundo con mis proyectos personales y encargos, sabiendo que siempre hay cosas más emocionantes para probar. No tengas miedo de cambiar el rumbo de tu vida, en mi caso cambiar el rumbo fue la mejor decisión de mi vida. Arriesgarse vale la pena.

 

 

Biografía

Tadas Cerniauskas se dio cuenta de que quería probar algo nuevo en 2010 y dejó de trabajar como arquitecto. El “algo nuevo” resultó ser el arte, y, más concretamente, la fotografía.

Sus proyectos son frescos, creativos y divertidos: Blow Job, Revealing The Truth y Comfort Zone han conseguido atención de los medios y se han publicado en muchos periódicos, revistas, televisiones y sitios web, incluyendo International Herald Tribune, The Huffington Post, Daily Mail, Guardian Weekend , ZDF TV, ABC News, CBS News, Photos, The Telegraph, The Sun, BILD, La Repubblica, Ver, Quo, Zeit, The Atlantic … y otros muchos. Ha realizados exposiciones en Europa desde 2010.

También ha trabajado con empresas como Chupa Chups, Mentos, Samsung, BMW, New Yorker, Claro, …

Hoy viaja por el mundo con sus proyectos personales y encargos, sabiendo que hay muchas más cosas excitantes esperando a ser probadas.

 

 

Referencias

Jane Bown

Jane Bown fue una fotógrafa inglesa (nacida en Eastnor, Herefordshire, el 13 de marzo de 1925 y fallecida el 21 de diciembre de 2014) que trabajó para el periódico The Observer desde 1949. Sus retratos, realizados sobre todo en blanco y negro y con luz natural fueron elogiados por la crítica y por su trabajo fue descrita como “una especie de Cartier-Bresson inglés”.

 

Samuel Beckett © Jane Bown

Samuel Beckett © Jane Bown

 

Las mejores fotos son sin invitación, están de repente delante de uno … fáciles de ver pero difíciles de atrapar.

 

 

Biografía

Jane Hope Bown vivió una infancia feliz, criada en Dorset por 2 mujeres a quien ella creía sus tías. Con doce años, supo que uno de ellas era su madre y su nacimiento había sido ilegítimo, y este descubrimiento le llevó a una conducta delictiva en su adolescencia, actuando con frialdad hacia su madre.

Trabajó primero como correctora gráfica con la WRNS, con un papel en el trazado de la invasión del Día D, y con este empleo logró un subsidio para educación, estudiando fotografía en Guildford College con Ifor Thomas.

Bown comenzó su carrera como fotógrafa de bodas hasta 1951, cuando a través de Mechthild Nawiasky, un editor de imágenes del The Observer, mostró su portafolio al editor David Astor, que quedó impresionado e inmediatamente le encargó fotografiar al filósofo Bertrand Russell.

Bown trabajó principalmente en blanco y negro y prefería utilizar luz natural. Hasta principios de la década de los 60, trabajó principalmente con una cámara Rolleiflex y posteriormente una Pentax SLR de 35mm, antes de decidirse por la Olympus OM-1, con un 85 mm.

Fotografió a Orson Welles, Samuel Beckett, Sir John Betjeman, Woody Allen, Cilla Negro, Quentin Crisp, PJ Harvey, John Lennon, Truman Capote, John Lenon, John Peel, el gángster Charlie Richardson, el Mariscal de Campo Sir Gerald Templer, Jarvis Cocker, Björk, Jayne Mansfield, Diana Dors, Henri Cartier-Bresson, Eve Arnold, Evelyn Waugh, Brassai y Margaret Thatcher, además de la reina Isabel II en su 80 aniversario.

Realizó también una extensa producción fotoperiodística, pero fue mayormente invisible antes del lanzamiento de su libro Unknown Bown 1947-1967 en 2007. En ese mismo año, su trabajo de Greenham Common fue seleccionado como parte de How We Are: Photographing Britain, la primera gran muestra de fotografía que se celebraba en Tate Britain. En 2011 expuso en la National Portrait Gallery.

En 2014, los directores Lucas Dodd y Michael Whyte realizaron el documental Looking For Light sobre ella, con conversaciones con Bown sobre su vida y entrevistas con los personajes con los que trabajó y/o fotografió.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Tamás Dezső

Tamás Dezső es un fotógrafo húngaro (nacido en 1978 en Budapest, donde vive) que fotografía escenas de un mundo en decadencia irreversible, la transformación de Rumanía que sobrevivió la dictadura más dura de la región, examinando y mostrando de forma paralela una tendencia general e historias personales, consiguiendo una atmósfera inigualable.

 

© Tamás Dezső

© Tamás Dezső

 

 

 

Biografía

Tamás Dezső estudió para ser ingeniero, siguiendo la tradición familiar, pero la libertad que le daba la fotografía era demasiado atractiva por lo que comenzó a tomar fotos, comenzando su carrera en un diario político y luego se pasó a las revistas. Hace unos 10 años recibió encargos de revistas estadounidenses y alemanas, para documentar la transición de Rumanía, pero hacia 2008 comenzó a realizar trabajos de forma freelance para poder expresar mejor ideas más complejas.

Para estos proyectos, en los últimos cuatro años, ha utilizado cámaras Phase One y lentes Schneider Kreuznach.

En Rumania, fue cautivado rápidamente por su tierra virgen, la sinceridad de su gente y la relación natural existente entre ambos. Después de comenzar Here, Anywhere en 2009 sobre los cambios de Hungría durante su transición, decidió volver a Rumania para la serie Epilogue. The goal donde muestra el impacto del cambio del comunismo a un gobierno central que ahora forma parte de la Unión Europea.

Dezso ha elaborado un censo de paisajes y personas donde manda la sensibilidad. Junto con fotos de los grandes bastiones de la industrialización forzada de la era comunista, abandonados a su suerte como absurdos esqueletos de dinosaurios de un tiempo muy lejano, ha retratado a los rumanos que viven según los cánones de una humildad heredada de generación en generación y que a veces, como termitas desvencijan de metales las factorías o pasan a su lado como si no las viesen o no deseasen verlas.

Su trabajo ha sido mostrado por todo el mundo y ha sido publicado en TIME, The New York Times, National Geographic, GEO, Le Monde Magazine, The Sunday Times, PDN, Ojo de Pez, HotShoe Magazine, The British Journal of Photography y otras revistas.

Ha sido galardonado con 2 Fotógrafo del Año de la Prensa Húngara (2005 y 2006), World Press Photo, Pictures of the Year International, NPPA’s Best of Photojournalism y PDN. Y ha sido nominado para el Prix Pictet de 2012 y el de 2013.

 

 

Referencias

Wilfredo Ayling

Wilfredo Ayling fue un profesor normalista chileno (vivía en la comuna de Macul y falleció el 14 de julio de 2014) que tras jubilarse y quedarse viudo, a los 70 años decidió partir, como en un acto romántico genuino, a la montaña a fotografiar detalles de la naturaleza, captando una belleza solo revelada por el alma sensible de su lente. Su increíble talento para la observación de la naturaleza y su compromiso con el oficio de fotógrafo ha pasado bastante desconocido y nunca ha editado un libro de fotografía ni ha expuesto en grandes salones.

 

© Wilfredo Ayling

© Wilfredo Ayling

 

 

 

Biografía

Wilfredo Ayling se jubiló como profesor normalista en 1974, tras llevar una vida sencilla. Con 70 años, tras la muerte de su esposa y recibir de regalo una cámara de su hijo Dariel, comenzó a dedicarse a la fotografía.

Ha miembro del Foto Cine Club de Chile que le entregó el galardón de Honorable Excelencia y vivía en la comuna de Macul. Fue también un destacado montañista, una afición que se refleja fuertemente en su obra.

Desde los 70 años, y hasta casi los 90, Wilfredo se dedicó a registrar con su máquina lo que otros no veían. Se hizo experto en flores silvestres y capturó escenas casi microscópicas de diminutas florecillas que bajo su lente presentaba como bailarinas y furiosas tormentas de colores.

Con 95 años gozaba de plena lucidez. Ha sido jurado de innumerables concursos de fotografía. Y recibió numerosos premios, entre otros del Foto Arte Club de Viña del Mar (2003).

Su hijo Dariel, también jubilado actualmente, se ha dedicado durante los últimos años a digitalizar su obra, de más de tres mil imágenes y a sacar fotos de su padre como homenaje a su obra.

 

 

 

 

Referencias