Anusorn Charoensuk

Anusorn Charoensuk es un fotógrafo tailandés (nacido en 1985) que realiza fotografía para intentar convertir en realidad sueños imposibles, como, por ejemplo, el viajar a otras partes del mundo para las personas humildes.

 

 

© Anusorn Charoensuk

© Anusorn Charoensuk

 

 

Biografía

Anusorn Charoensuk comenzó su carrera como fotógrafo en 2001 y desde entonces su trabajo ha sido expuesto en varias ciudades de Asia como Bangkok o Singapur. En 2010 fue seleccionado en el Month of Photography de Tokio y en 2006 fue premiado con el Young Thai Artist Award, por fotografías de familias del mundo pintadas por él mismo en paredes.

Su serie World Tour está formada por fotografías tomadas durante un período de cinco años en el contexto de pinturas, realizadas sobre un muro de su garaje, de los destinos turísticos más populares, delante de la cual posa él y su familia, con la misma alegría que si estuvieran en los lugares reales que se representan. Durante esos viajes virtuales, el padre de familia falleció. A partir de ese momento, aparece en las imágenes bajo la forma de un pequeño ángel, a veces perdido en un ángulo del cuadro, que acompaña a sus allegados en la eternidad fotográfica.

Charoensuk puede tener una instalación interactiva en sus exposiciones, donde invita a los visitantes a fotografiarse delante de un lugar típico también pintado.

Su trabajo parte del deseo común de realizar lo que no puede ser posible en la realidad. En este fondo pintado de nuevas realidades, el propio artista, los miembros de su familia y a veces, los visitantes a sus exposiciones, participan en el proceso de hacer creer, de buscar una manera de acceder a lo inaccesible. Pero para que el sueño se cumpla debe ser inmortalizado por la fotografía.

 

 

Referencias

Edouard Fraipont

Edouard Fraipont es un fotógrafo brasileño (nacido en 1972 en Sao Paulo, donde vive y trabaja) que desarrolla trabajos de expresión personal en la fotografía, explorando los movimientos de su propio cuerpo. Su investigación más reciente explora evocaciones de lo sobrenatural en el paisaje y transfigura su cuerpo para crear testimonios fotográficos distorsionados.

 

 

© Edouard Fraipont

© Edouard Fraipont

 

 

 

Biografía

Edouard Fraipont se graduó en cine en la Fundação Armando Alvares Penteado (FAAP) en 1997, y y en filosofía en la Universidad de Sao Paulo. Su formación inicial en la fotografía fue en fotografía documental, en la Escola Focus (1991-1992) y asistió a cursos de arte contemporáneo y de fotografía artística en la Oficina de Arte (1996-1999). Trabaja como fotógrafo freelance desde 1992 y fue director de cortometrajes de 16 y 35 mm en la Universidad.

Edouard pasó un año estudiando el mundo de los aymaras, etnia nativa de los Andes, seguido de 4 años de estudios libres y capacitación extracurricular en artes visuales bajo la tutela de Eduardo Brandão.

Desde 1996, ha desarrollado un estilo artístico personal que combina la experimentación en el lenguaje fotográfico con la producción de películas y perfomances. Ha realizado exposiciones individuales en la Galeria Triángulo (Sao Paulo), FotoArte (Brasilia), Centro Cultural Banco do Brasil (Sao Paulo) y Joaquim Nabuco, Fundación Recife, entre otras. Su obra forma parte de colecciones como la de la Coleção Pirelli del Museo de Arte de Sao Paulo / MASP de Fotografia, Museo de Arte Moderno de Sao Paulo, y en el Museo del Estado de Sao Paulo. En 2007 fue galardonado con una residencia por el programa British Council’s Artist Links, durante la cual realizó la serie A Period in Britain.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Figuras Autônomas, 2010
  • Um indeterminado, 2006.

Ferit Kuyas

Ferit Kuyas es un fotógrafo turco (nacido en Estambul, vive y trabaja en Wädenswil, cerca de Zúrich, Suiza) que trabaja principalmente en proyectos personales, varios de ellos centrados en China.

 

 

© Ferit Kuyas

© Ferit Kuyas

 

 

Biografía

Ferit Kuyas estudió arquitectura y leyes en Zúrich, donde se graduó en jurisprudencia en la Universidad de Zúrich. En 1986 comenzó su carrera en la fotografía. Sus temas principales son las bellas artes, arquitectura, interiores, publicidad y editorial.

Después de visitar Shanghai por un encargo, ha viajado a menudo a China. Publicó en 2009 Chongqing: City of Ambition con grandes paisajes urbanos de la megalópolis de 32M de habitantes de Chongqing, China, creada en 1997, con fotografías que muestran su rápido crecimiento y la omnipresente niebla (y algo de polución) de la zona. Fue su primer trabajo en color.

Ha trabajado con máquinas de gran formato, en los años 90 principalmente en 8x10”, pero empezó a sentir que su fotografía era demasiado estática y se pasó al medio formato y al 4x5”. Ahora puede hacer un 8x10” más dinámico, pero se siente más cómodo con el 4x5”. City of Ambition está hecha con 4x5” y parte en digital con Alpa xy y no hay diferencias entre unas fotos y otras.

En 2011 comenzó a trabajar en Aurora, un proyecto con paisajes urbanos y retratos en la Ciudad de Guatemala, que ya ha visto la luz en el libro Aurora – Guatemala City Habitat.

Sus fotografías también se han mostrado en museos, galerías y festivales en Europa, América y Asia. Su obra está representada en colecciones privadas, corporativas y públicas en los Estados Unidos, Inglaterra, Bélgica, Suiza, Alemania y Turquía. Ha recibido varios premios, entre ellos el Kodak Photobook-Award, GuatePhoto y el Masters Hasselblad en 2002.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Vassi Koutsaftis

Vassi Koutsaftis es un fotógrafo griego (nacido en 1952 en Atenas) que ha explorado el mundo durante más de 30 años, especializándose en fotografía de viajes de tipo extremo, especialmente a las regiones montañosas del Himalaya, Karakorum, Hindu Kush y otras zonas remotas de Asia.

 

 

© Vassi Koutsaftis

© Vassi Koutsaftis

 

 

Biografía

Vassi Koutsaftis nació en Atenas, Grecia, y cruzó los océanos del mundo trabajando en cruceros y cargueros. Siguió viajando a zonas remotas de nuestro planeta por su cuenta, y luego desde el aire, estudiando aeronáutica y convirtiéndose en piloto en los EEUU.

Lidera trekings y recorridos exploratorios en Afganistán, Mongolia, Tíbet, Nepal, Pakistán, Irán, Bután, Birmania, Turquía y la India, y contribuye a la investigación esencial de itinerarios insólitos y remotos para Geographic Expeditions, una de las mejores y más respetadas compañías de expedición en los EEUU.

Sus fotografías han sido publicadas en revistas como Geo (edición europea), Photografos, USA Today, Asia Week, National Geographic Traveler y Marin Magazine. Trabaja como experto en el Tíbet de Conde Nast y es bien conocido por sus imágenes del Dalai Lama.

Su experiencia fotográfica y viajera ha sido fundamental en la exploración para películas como las producciones de la cadena CBS, PDI y Dreamworks y para una serie de cineastas independientes. Su obra forma parte de las colecciones de la U.C. Berkeley’s Blum Center, Steve Wynn Casinos, Stanford University’s Center for Buddhist Studies.

Koutsaftis ha expuesto su obra ampliamente en galerías en los Estados Unidos y del extranjero incluyendo The Hellenic American Union en Atenas, y disfruta haciendo presentaciones de sus fotografías y compartiendo sus historias de largos viajes por el mundo.

 

 

Referencias

William Gaye

William Gaye es un fotógrafo francés (nacido en 1982 en París, donde vive y trabaja) cuyos proyectos documentales toman principalmente a Camerún y a sus habitantes como referente visual.

 

 

© William Gaye

© William Gaye

 

 

Biografía

William Gaye realizó estudios en la Escuela Nacional Superior de Física y Química de Burdeos, y posteriormente ingresó en l´École Nationale Supérieure Louis-Lumière, donde se diplomó en 2008.

Su trabajo se articula en torno a una reflexión sobre la naturaleza del medio fotográfico, tanto desde el punto de vista de las experiencias que surgen en la toma como desde el sentido de la imagen capturada o la relación que se establece con el público.

La inspiración que encuentra en Camerún le permite hacer sus fotografías como una imagen distante de la sociedad occidental donde vive. Organiza sus imágenes en diversas formas (collage urbano, trabajo en grupo, exposiciones participativas y viajes, …) con el deseo del eco constante del público.

 

 

Referencias

Ananké Asseff

Ananké Asseff es una artista visual argentina (nacida el 30 de julio de 1971 en Buenos Aires, donde vive y trabaja) cuya obra diversa incluye fotografía, instalación, video, interactividad, escultura, objeto e instalación en espacio específico, creando escenarios cargados que evocan miedo y amenaza, imaginada y/o promovida, en la construcción social y personal.

 

 

 

El secreto tenía que desvelarse © Ananké Asseff

El secreto tenía que desvelarse © Ananké Asseff

 

 

 

Biografía

Ananké Asseff  inició su carrera como fotógrafa en 2001 con una serie en la que inmortalizó una de las peores crisis económicas y sociales de la Argentina, a la que irónicamente tituló Mi presente perfecto y se hizo conocida en todo el mundo cuando retrató a personas de clase media cargando armas, en un trabajo dedicado a la inseguridad y a la violencia.

Su obra forma parte de las colecciones de la Tate Modern de Londres, el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, el Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam de La Habana y el ARTER de Estambul, además de en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, el Fondo Nacional de las Artes, el Museo Castagnino + MACRO de Rosario, el Palais de Glace, el Museo E. Caraffa de Córdoba y el Museo Nacional de Bellas  Artes, todos éstos en Argentina.

Ha recibido distinciones como la beca en la Academy of Media Arts KHM de Alemania y la residencia en el Banff Centre for the Arts en Canadá (2004 – 2005), otorgadas ambas junto con la Fundación Antorchas, el Premio Leonardo a la Fotografía 2002 (otorgado por la Asociación Argentina de Críticos de Arte) y la Beca de Perfeccionamiento en Medios Audiovisuales del Fondo Nacional de las Artes (2001). También obtuvo el primer premio en el Premio Rioplatense de Artes Visuales 2004 de la Fundación OSDE, el segundo premio del Salón Banco Ciudad en 2002,  el segundo  premio del Premio Federico J. Klemm a las Artes  Visuales  en 2009, y el segundo premio del Premio Mamba -Fundación Telefónica, Arte y Nuevas Tecnologías en 2011, entre otros.

En 2007 recibió el subsidio del Fondo Metropolitano de las Artes de Buenos Aires y la Beca Nacional para Proyectos Grupales del Fondo Nacional de las Artes, en 2012, el premio Konex a la Fotografía, otorgado por la Fundación Konex y en 2014 la Beca para Proyecto (Fotografía) del FNA.

Ha participado en numerosas exposiciones  individuales y colectivas en Argentina, Uruguay, Brasil, Chile, Bolivia, Perú, México, Colombia, Cuba, Alemania, Holanda, México, España, Estados  Unidos, Francia, Suiza y China. Sus trabajos han sido presentado en diversas publicaciones especializadas como TIME Magazine, Photoworld Magazine China, Auto Focus, THAMES & HUDSON, Fotografía en la Argentina 1840-2010, Fondo Nacional de las Artes, IMAGE Francia, VISURA MAGAZINE y EXIT en España, entre otras.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libro

Naia del Castillo

Naia del Castillo es una escultora y fotógrafa vasca (nacida en 1975 en Bilbao) cuya obra trata principalmente del mundo de la mujer desde la metáfora, sin usar elementos combativos propios de otras épocas, resaltando en sus manifestaciones la ambivalencia entre la superioridad de la mujer como seductora y su posición de inferioridad en lo cotidiano.

 

 

© Naia del Castillo

Cortejo © Naia del Castillo

 

… la imagen de la mujer en el arte tiene mucha carga cultural. Me interesa también como autorreferencia, mis obras son casi replanteamientos de mis relaciones con el mundo. La mujer aparece en mi obra porque soy mujer y me siento reflejada

 

 

 

Biografía

Naia del Castillo es licenciada en Bellas Artes en la especialidad de Escultura por la Universidad del País Vasco, realizó un master por el Chelsea College of Art & Design de Londres. Ha obtenido numerosas becas y residencias, como Beca Caja Madrid en 1999, BBK en 2000, Injuve en 2004, Fine Arts Grant del Gobierno Vasco en 2013 y 14. Ha sido premiada en el Festival Off de PHE05, en Generación 2006 de Caja Madrid, y seleccionada para representar a España en ParisPhoto en 2005.

Ha realizado múltiples exposiciones entre las que destacan las llevadas a cabo en el Museo Pablo Serrano de Zaragoza (2003), ARTIUM (Vitoria, 2004), PHotoEspaña y varias itinerantes en Alemania, Estados Unidos y Austria con la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior dentro del ciclo Pasión: Diseño Español (2002).

Su obra forma parte de colecciones de museos y otras instituciones, como ARTIUM en Vitoria, CAC en Málaga, Comunidad de Madrid, Fundación Bancaixa en Valencia, Fundación Caja Madrid, Fundació “la Caixa” en Barcelona, Fundación Ordoñez-Falcón, Fundación Würth en La Rioja, Maison Européene de la Photographie en París, Museo de Bellas Artes de Santander y Museum of Fine Arts en Houston, entre otros.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Trampas y, 2004
  • Naia del Castillo (Catálogo Artium) 2004.

Tomy Ceballos

Tomy Ceballos es un fotógrafo español (nacido en Caravaca de la Cruz, Murcia, en 1959) que mantiene un lenguaje propio mediante el  desarrollo de series fotográficas realizadas mayoritariamente con la técnica del fotograma.

 

 

© Tomy Ceballos

© Tomy Ceballos

 

 

 

Biografía

Tomy Ceballos descubre a través de su obra una mirada profunda, hacia el interior de los objetos más comunes y desconocidos. Propone una visión inteligente de la realidad, más allá de la simple apariencia, cuyo estimulo llegue al cerebro por la vía directa de las pupilas. De formación autodidacta, profundizó en sus conocimientos estudiando fotografía y diseño grafico, cine y video, electrónica digital, tratamiento de la imagen por ordenador, y ha asistido a diversos talleres de pintura, escultura, fotografía y artes plásticas.

Tomy ha obtenido diversos premios y becas como diferentes premios y becas, entre los que destacan

  • 1987.- Premio Nacional “Jovenes Fotógrafos”. Ministerio de Cultura. Madrid.
  • 1988.- Beca de investigación “Ámbitos de la fotografía“. Ministerio de Cultura. Madrid.
  • 1992.- “Synchronia“. Simposio Internacional. Creta. Artista invitado.
  • 1995.- Museo Internacional de Electrografía Digital. Cuenca.
  • 1997.- Premio Adquisición. Bienal Internacional de Cádiz. Premio ADUANA.

Su obra forma parte de las siguientes colecciones: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia (MNCARS), Circulo de Bellas Artes, Fundación Arte y Tecnología, todos ellos en Madrid, Universidad Politécnica de Valencia, Museo Internacional de Electrografía en Cuenca, Incontros da Imagem en Braga, …

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Maggie Cardelús

Maggie Cardelús es una artista y fotógrafa española y estadounidense (nacida en Alexandria, Virginia, en 1962, vive en Milán) que ha recurrido a la fotografía, el vídeo, el dibujo, la pintura y las manualidades, entre otros itinerarios estéticos, para reflexionar sobre la que ha sido una de sus grandes preocupaciones: la potencialidad de la vida familiar y doméstica como vía de arte.

 

 

© Maggie Cardelús

© Maggie Cardelús

 

 

Biografía

Maggie Cardelús nació en Estados, tiene también la nacionalidad española y vive en Italia desde 1993. Estudió Bellas Artes en Wellesley College, especializándose en las disciplinas de Historia del Arte y Dibujo e Impresión, y obteniendo la Medalla de Plata de la London Royal Academy of Arts.

En 1988 finalizó un máster en Arquitectura en la Universidad de Columbia, en Nueva York, recibiendo el Premio de Arquitectura Lucille Smyser Lowenfish, y en 1990, la Beca Harriet Shaw. En 1992, se licenció en Bellas Artes por el Hunter College de Nueva York, siéndole concedidas las becas Mobilier Nationale et Manufactures des Gobelins, en París, en 1994, y Via Farini en Milán en 1997.

La mayor parte de su obra actual se centra en la instalación de fotografías recortadas, aunque también trabaja la escultura con diversos materiales y el vídeo.

Ha realizado varias exposiciones individuales entre las que podemos citar: Maggie Cardelus en Galeria F2 en Madrid, y Total Environment en Museo Patio Herreriano de Valladolid (2014), This Was Meant To Be en Milán (2012), Brigth Flasehs and Unreachble Things en la Galería Fúcares de Madrid (2011), Looking for Time en la Galería Francesca Kaufmann de Milán (2007), etc. También ha participado en diversas exposiciones colectivas nacionales e internacionales.

Ha sido profesora en la Academia de Bellas Artes de Bérgamo y en la Academia de Bellas Artes de Santa Giulia, Brescia.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Irina Werning

Irina Werning es una fotógrafa argentina (nacida en Buenos Aires, donde reside) reconocida principalmente por sus series de fotografía Back to the Future, donde reproduce fotografías antiguas en la actualidad y las muestra como dípticos.

 

 

© Irina Werning

© Irina Werning

 

 

Me encantan las fotos antiguas. Admito que soy una cotilla. En cuanto llego a casa de alguien, empiezo a husmear en sus cosas y fotografías antiguas. A la mayoría de nosotros, nos fascina su aire retro, pero para mí, es más imaginar cómo se sentiría la gente y cómo serían si se les fotografiara ahora… Hace unos meses, me decidí a hacerlo. Así que fui invitando a la gente con mi cámara a volver a su futuro.

 

 

Biografía

Irina Werning estudió Economía en la Universidad de San Andrés en Buenos Aires. Dos años después terminó un posgrado en historia en la Universidad Di Tella de la misma ciudad. Se trasladó a Londres, en 2006 hizo un master en Photographic Journalism en la Westminster University, y ese mismo año obtuvo las becas Ian Parry y Gordon Foundation.

Un año después fue elegida para la Joop Swart Masterclass organizada por la organización del World Press Photo. Posteriormente ha obtenido los premios Flash Forward de The Magenta Foundation en Canadá en 2011, Winner BURN 2011 Emerging Photographer Grant de la Magnum Foundation y Winner Fine Art Portraits en los SONY World Photography Awards de 2012.

Su trabajo más conocido, son una serie de retratos titulado Regreso al futuro y que consiste, en gran medida,  en dípticos compuestos por una fotografía antigua del sujeto y otra moderna, trascurridos 10 o más años, del mismo sujeto imitando la anterior en estilo, vestido y postura. Es una reformulación de una fotografía de la infancia o juventud.

Este proyecto ha resultado en más de 200 imágenes tomadas en países como Argentina, Israel, la India, Uruguay, Estados Unidos, Gran Bretaña, Francia, Alemania, Dinamarca, Islandia, Eslovaquia, Austria, República Checa, España, Italia, Holanda, Suiza y Grecia. Irina contactaba vía mail con las personas a quien iba a retratar, los convocaba a regresar a un pasado que también era futuro. Muchas veces dormía en sus casas y los acompañaba en ese emotivo viaje en el tiempo.

En esta aventura también participan varios famosos, como la duquesa de Alba, Rafa Nadal, Mazarine Mitterrand, Mike Conley (NBA), el modelo Brad Kroenig o el torero Cayetano Rivera. A todos invitó a buscar en viejos álbumes, encontrar el instante justo, aceptar el reencuentro con objetos, espacios, poses, actitudes, climas y percepciones.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

Robb Johnson

Robb Johnson es un fotógrafo estadounidense (vive entre Carmel, California, y Santa Fe, Nuevo Méjico) que crea inquietantes y misteriosas fotografías en blanco y negro que recuerdan el estilo claroscuro de los viejos maestros italianos. Las condiciones atmosféricas inusuales que encuentra fotografiando en la oscuridad de la noche imbuyen sus fotografías de misterio.

 

© Robb Johnson

© Robb Johnson

 

 

Biografía

Robb Johnson fue estudiante becado en el Art Center College of Design en Pasadena, California, y obtuvo un BFA en Fotografía. Allí fue asistente de John Zimmerman, Co Rentmeester y Dan Wolfe. Asistió a talleres de Ansel Adams, Oliver Gagliani, Keith Carter, Joyce Tenneson y Lucien Clergue.

Trabajó en fotografía publicitaria durante 30 años, especializándose en la creación de entornos visuales de hoteles nacionales con su esposa Dale.

Decidió dirigir su foco visual hacia el interior y dedicarse a su obra personal y artística. Evoca en sus fotografías un mundo donde el espectador es libre para explorar con sus propias emociones y conciencia, un drama que no conocen, pero que es suyo.

Su trabajo ha sido premiado varias veces y ha sido publicado en revistas como B&W Magazine Spotlight, B&W Single Image, Silvershotz Folio, LensWork Magazine y Exel Magazine.

Ha expuesto en solitario en la Joseph Bellows Gallery y en la Weston Gallery. Su trabajo también ha sido mostrado en exposiciones en grupo de EEUU, Argentina y Europa. Está representado por la Weston Galley en Carmel.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Robb Johnson Photographs, 2008.

Javier Esteban

Javier Esteban es un fotógrafo levantino (nacido en 1963 en Alcora, Castellón, vive en Madrid) que utiliza un lenguaje visual propio, equidistante del collage y del poema objeto, que transforma cada negativo fotográfico en una pieza única, en un ejercicio de investigación personal.

 

 

© Javier Esteban

© Javier Esteban

 

Siempre me gustó jugar con la arena y con los caballitos de mar. Sólo cuando me fui a vivir lejos de las costa entendí lo que significaba aquella pasión.

 

 

 

Biografía

Javier Esteban se licenció en Ciencias de la Imagen por la Universidad Complutense de Madrid, inició su carrera fotografiando sombras en las playas que luego positivaba sobre la misma arena. Obtuvo el Premio Jóvenes Fotógrafos del Injuve en 1988. En ocasiones combina la fotografía con el trabajo en vídeo y la instalación. Trabajó como asistente de Alberto García-Alix, época en la que desarrolló sus sándwiches de «Madonnas» y su «cámara cutre», poniendo de manifiesto una voluntad de ruptura con el hecho fotográfico tradicional.

Es conocido por su impresiones fotográficas sobre arena emulsionada. Cuando la arena queda limpia de sales y productos orgánicos, se fija al lienzo, que es sometido a un proceso químico para que sea sensible a la luz. A lo largo de su trayectoria ha ido añadiendo elementos a sus creaciones, como anzuelos, sardinas o estrellas de mar. Así, se sirve del collage para crear nuevas realidades que luego fotografía y de las que solo realiza una única  copia. En este sentido se inscriben sus series Naturalezas muertas, Tempus fugit y Bodyscapes.

Ha colaborado con las revistas Diorama, Visual, La Fotografía, Matador, Aquí Imagen y El Canto de la Tripulación, de la cual es miembro fundador. En 1996 expuso Bestiario en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, y Naturalezas muertas se mostró en la Galería Moriarty de Madrid durante PHotoEspaña 1998 y en 1999 en Toulouse (Francia), en la Galerie du Forum. Su instalación Bodyscapes ha podido verse en las galerías H2O y Spectrum (Barcelona y Zaragoza) y más recientemente en Claustro y Pictograma (Segovia y Castellón, 2007).

Contemplaciones, en Pictograma de Castellón (2015) está formada por 18 obras compuestas de una doble imagen que, a través de dos espejos, confluyen de modo que el cerebro las integra como una sola imagen en tres dimensiones.

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros