Ciuco Gutiérrez

Ciuco Gutiérrez es un fotógrafo español (nacido en Torrelavega, Cantabria, en 1956, vive en Madrid) cuyo trabajo ha girado en torno al paisaje escenificado y el bodegón, con una gran carga onírica que forma parte de un imaginario emocional e íntimo con el que ha ido estructurando un lenguaje expresivo propio. Sus obras tienen un gran componente narrativo basado en un juego semántico  alrededor de la paradoja y la metáfora.

 

© Ciuco Gutiérrez

© Ciuco Gutiérrez

 

 

Biografía

Ciuco Gutiérrez hizo sus primeras imágenes con 13 años y desde entonces siempre tuvo claro que quería hacer fotos el resto de su vida. En 1983 tenían ya un marcado acento personal, irrumpiendo en el ámbito fotográfico de Madrid con unas imágenes atípicas para el momento, que tenían un lenguaje sintético y muy visual basado el color agresivo y la ironía . Entonces sus composiciones no dejaron indiferente a nadie: o eran despreciadas o levantaban pasiones.

Tres años después hizo su primera exposición individual en la Galería Moriarty de Madrid y desde entonces no ha parado de exponer tanto en España como el extranjero. Ha sido uno de los primeros fotógrafos, junto a Ouka Leele, Alberto García Alix, Javier Vallhonrat y Joan Fontcuberta que abrió las galerías de arte generalistas a la fotografía y expuso su obra en ARCO.

Desde entonces ha realizado cerca de un centenar de exposiciones individuales, tanto en España como en el extranjero. Su obra está representada en importantes colecciones, tanto privadas como públicas, destacando el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Fundación La Caixa de Barcelona, la Fundación Banesto de Madrid y la Colección Norte de Arte Contemporáneo del Gobierno de Cantabria entre otras.

Ciuco Gutiérrez es el fotógrafo español que mejor representa el movimiento kitsch. Desde su mítica fotografía de la Cibeles entrando en Nueva York, Ciuco ha desplegado un amplio abanico, pasando  del pop al surrealismo. Constructor de realidades paralelas a partir de objetos cotidianos, su obra es una parodia de los géneros pictóricos a través de una imaginería muy cercana a la del cómic. El trabajo de estudio y los pequeños muñecos de plástico son fundamentales en una obra que con su visión irónica desmitifica muchos de los cánones de la cultura occidental

 

 

Referencias

 

 

Libros

 

 

 

Video

Luís Izquierdo-Mosso

Luís Izquierdo-Mosso es un artista multimedia y fotógrafo vasco (nacido en Sestao en 1954) en cuya obra fotográfica existe la constante de la secuencia de imágenes en las que aparentemente no sucede nada.

 

© Luís Izquierdo-Mosso

© Luís Izquierdo-Mosso

 

 

 

Biografía

Luís Izquierdo-Mosso se licenció en Filosofía por la Universidad de Deusto, comenzando con exposiciones de pintura y obra sobre papel en 1977, pasando después a usar la fotografía y todo tipo de técnicas graficas de producción de imágenes. Su profesión, sin embargo, es la enseñanza y sigue impartiendo clases en un instituto de Girona.

Ha realizado exposiciones individuales en Bilbao, Madrid, Valencia, Gerona, Figueres, y numerosas colectivas.

Publica textos en revistas dedicadas al arte como Lápiz, Papers d’art, Transversal, Zehar. Colabora con la radio pública vasca como comentarista de arte. En 2001 dirige el cursillo El agujero digital (sobre estética fotográfica) en el centro de arte Bilbaoarte (Bilbao). En 2004 comisaría la exposición Dalimitar para el Museu de l’Empordà de Figueres y el Museu Jaume Morera de Lleida.

Su obra forma parte de colecciones públicas como Artium (Vitoria), Círculo de Bellas Artes (Madrid) Museu de l’Empordà (Figueres) y Museo de Bellas Artes (Bilbao).

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Cristina Martín Lara

Cristina Martín Lara es una fotógrafa española (nacida en 1972 en Málaga, vive en Berlín) cuyas fotografías tratan de provocar respuestas emocionales ante el medio en el que vivimos.

 

 

© Cristina Martín Lara

© Cristina Martín Lara

Hablo de soledades, de pérdidas, de desorientación, de lo que podría ser y no es.

 

 

Biografía

Cristina Martín Lara estudió medicina en la Universidad de Málaga, y luego Bellas Artes en la Universidad Alonso Cano de Granada, graduándose en 1992. Utiliza, además de la fotografía, el video y la instalación.

Es una artista reconocida en Andalucía, después de haber participado en numerosas exposiciones en solitario y en grupo. Su reciente serie Landpartie pone a prueba nuestras respuestas emocionales al medio en el que vivimos.

En su anterior serie Si yo supiera a qué se debe… nos presenta un conjunto de fotografías que funcionan individualmente o en grupo y que ofrecen la inquietante visión de unos personajes de espaldas, envueltos en impermeables y que avanzan hacia el horizonte indefinido de un lago. El aislamiento de la humanidad, la soledad, el vacío, la inconsciencia de la incertidumbre, la desesperanza o la incomunicación son algunos de los conceptos que subyacen en las imágenes de esta artista que siempre deja abierta una puerta para que el propio espectador escoja su realidad de las infinitas lecturas posibles.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • 2010. Soy sombra de cosa soñada.
  • 2000. Onirogramas: relatos de sueños.

Katia Chausheva

Katia Chausheva es una fotógrafa búlgara (nacida en Plovdiv en 1957, donde vive y trabaja) cuyos retratos (el tema principal de su obra) se caracterizan por los tonos oscuros, opacos, de ensueño, como si hubiera una especie de filtro entre nosotros y la materia retratada.

 

© Katia Chausheva

© Katia Chausheva

 

 

Biografía

Katia Chausheva es una fotógrafa amateur que ha expuesto en Plovdiv, Sofía y Woodstock y sus fotografías se han publicado en distintas e importantes revistas especializadas en fotografía.

En 2006 fue obtuvo el Gran Premio Lumix en Sofía.

Su obra Impresiona sobre todo por la profundidad, la a veces inquietante oscuridad y la delicadeza de sus escenas. Su temática fundamental es la figura humana, sobre todo la femenina, en la que es casi una constante el sentimiento de soledad. En su técnica, sobresale el dominio de la luz, el color y el procesado de sus imágenes.

Sus fotos son originales también por su encuadre, perspectiva y composición, en los espacios oscuros y negativos.

 

 

 

Referencias

Philong Sovan

Philong Sovan es un fotógrafo camboyano (nacido en 1986, vive y trabaja en Phnom Penh) que compagina sus trabajos para la prensa, con proyectos más personales, en los cuales utiliza la luz de fuentes extrañas, como pantallas de portátiles o faros de motos, para revelar aspectos inusuales de personas, lugares o situaciones.

 

© Philong Sovan

© Philong Sovan

 

Me gusta fotografiar a la gente con un estrecho haz de luz.

 

 

Biografía

Philong Sovan estudió fotografía con Mak Remisa, comenzó en 2009 como fotógrafo de prensa y pronto se unió al personal de The Phnom Penh Post y luego trabajó durante algunos meses para la Xinua News Agency en 2011-2012. Fue becado en 2012 para realizar estudios de Fotografía en la École Nationale Supérieure Louis-Lumière de París, donde descubrió la fotografía analógica y trabajó en diferentes técnicas de impresión.

Además de cubrir noticias, ha desarrollado varios proyectos personales, especialmente aquellos que desarrolló con Studio Images del Centro Cultural Francés y que fueron exhibidos durante el festival Photo Phnom Penh.

Su trabajo ha sido proyectado en Les Rencontres d’Arles y expuesto en festivales como Photoquai de París o el Photo Phnom Penh de Camboya, y en centros como el Institute of Contemporary Arts de Singapur.

Ha publicado en medios como The Guardian, Le Monde Magazine, L’EXPRESS style, Internazionale Italy Magazine, Globe Magazine, L’OEIL Portfolio, De L’air, IMAGES, Missions Étrangères, Punctum Magazine y The Phnom Penh Post. Es miembro de Asia Motion, la principal agencia  de fotógrafos de Camboya, desde 2011.

Ha sido galardonado con el Grand Prize Ma Samaritaine en 2013, los premios asiáticos SOPA 2012, y en el Angkor Photo Festival de Camboya en 2010. En la actualidad da clases, trabaja en encargos y desarrolla nuevos proyectos fotográficos.

 

 

Referencias

Guillermo De Angelis

Guillermo De Angelis es un fotógrafo argentino (nacido en 1974 en Rosario, Argentina, vive a caballo de Madrid y Rosario) que prefiere el gesto en lugar de la señal, susurrar en lugar de gritar, algo templado en lugar de caliente, que prefiere, pues, la insinuación.

 

 

© Guillermo De Angelis

© Guillermo De Angelis

 

 

Biografía

Guillermo De Angelis ha practicado los campos de la arquitectura, el diseño y la filosofía. Con estilo de vida bohemio, ha viajado y vivido en muchos países: Italia, España (casi 10 años en Madrid  donde se entregó a la fotografía casi exclusivamente) y Argentina. Describe su encuentro con la fotografía como “entrega”, lo que le llevó a una nueva forma de expresión, a una conexión personal con la esencia del mundo.

Elije tomar imágenes no preparadas, intentando  llegar  a  la   expresión mediante la economía de recursos. Se detiene en los detalles que siente esenciales, insinuando nítidamente, presentando sin describir.

Desde que una imagen suya fuera seleccionada como mejor imagen publicada por el periódico español El País ha realizado diversas exposiciones en Argentina, Londres, México y Estado Unidos. Actualmente expone en Gallery Ind. en Nara, Japón.

 

 

Referencias

Matt Black

Matt Black es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1970 en Santa Maria, California, vive en Exeter, en el Central Calley de California)  cuyo trabajo se ha centrado en la vida rural contemporánea en California y México, narrando la decadencia de la vida agrícola tradicional y el aumento de su reemplazo moderno en California rural y el sur de México, y explorando los cambios de lugar, tierra, alimentos, agricultura y de relaciones comunitarias.

 

 

© Matt Black

© Matt Black

 

 

Biografía

Matt Black creció en la ciudad de Visalia, en el agricultor Central Valley de California. Mientras asistía a la escuela secundaria, trabajó como fotógrafo en el Tulare Advance-Register y más tarde en el Visalia Times-Delta, donde aprendió el estilo fotoperiodismo en blanco y negro que ha utilizado a lo largo de su carrera. Estudió Historia de América Latina en la San Francisco State University.

A principios de los 90, hizo varios viajes a América Latina, y en 1993 ganó el primer premio en la categoría Vida Diaria del World Press Photo Award. Su artículo Homage to an Outlaw de 1996, publicado por West Magazine, marcó el inicio de su fotoperiodismo centrado en la vida rural en el Central Valley.

Otros proyectos importantes sobre esta zona incluyen The Black Okies, por el que fue nominado finalista para el Premio Pulitzer en 2003 y de From Dust to Dust, sobre los migrantes mexicanos indígenas en California, por la que recibió el premio Robert F. Kennedy a la Excelencia en el Periodismo, en la categoría Fotografía doméstica, en 2007.

En 1999, mientras trabajaba en una historia sobre el desempleo generalizado en Central Valley como consecuencia de la congelación de los cítricos,  conoció a una familia de Oaxaca, México, que le introdujo en la historia de los migrantes mixtecos indígenas. Al año siguiente, viajó a la región Mixteca del sur de México, para su proyecto The People of Clouds. Otras historias sobre este tema son The Face of the Mountain y After the Fall. Además de fotografía, también ha realizado varios documentales cortos, como After the Fall y Harvest of Shadows.

Además de los premios ya citados, Black fue nombrado por la revista Time Fotógrafo del Año 2014 en Instagram y el premio Alexia Foundation for World Peace.  En junio 2015 se convirtió en miembro nominado de Magnum Photos.

Ensayos recientes con sus fotos se han publicado en las revistas The New Yorker, Mother Jones y Vice. También por National Geographic, The New York Times, la radio pública estadounidense, Time and Slate, etc. Ha enseñado fotografía en los Foundry Photojournalism Workshops y en el Los Angeles Center of Photography. Está representado por la galería Anastasia Photo en Nueva York.

 

 

Referencias

Jason Larkin

Jason Larkin es un fotógrafo inglés (nacido en 1979) reconocido internacionalmente por sus proyectos de documental social a largo plazo, el retrato del medio ambiente y el reportaje de paisaje. Su proceso de inmersión y un enfoque lento al periodismo le permiten afrontar proyectos completos de trabajo que revelan cuestiones sociales, económicas y políticas. Su trabajo es sutil y en capas y, a menudo preocupado por contextualizar la realidad actual a través de legados históricos.

 

 

© Jason Larkin

© Jason Larkin

 

 

Biografía

Jason Larkin se trasladó a Egipto después de terminar su master en 2007. Su primer cuerpo de trabajo, Past Perfect, una meditación sobre la forma en que los museos nos presentan la historia, fue ampliamente reconocido con diversos premios como el PDN New Portraiture Award en 2011. Cairo Divided, un único periódico bilingüe de libre distribución que exploraba la rápida mutación del paisaje urbano de la capital egipcia fue nominado para los premios de fotografía Deutsche Börse y Prix Pictet

En 2010, se trasladó a Johannesburgo durante más de dos años para centrarse en el legado de los vertederos de minas, un aspecto largamente ignorado de Johannesburgo. Jason utilizó una variedad de formatos, como periódicos, libros y medios de comunicación para asegurar que su trabajo llegase a múltiples y diversas audiencias. El correspondiente libro Tales From The City Of Gold fue impreso en Sudáfrica y en Europa.

Ha publicado regularmente en las principales revistas internacionales, incluyendo Monocle, Colors, FT Weekend, Guardian Weekend y National Geographic. Ha expuesto en la Brighton Photo Biennial en 2012, Hereford Photography Festival Commission, Flowers Gallery en Londres y en solitario en el  Farnsworth Art Museum de EEUU. Su obra forma parte de colecciones como las del Haggerty Museum y del Museum of Fine Arts de Houston.

Ha obtenido numerosos premios, entre los que podemos citar por más recientes:

  • Arts Council England,  (2015) por Untitled.
  • SA-UK Season, (2015) por Waiting.
  • RLS Foundation, (2015) por Platinum.
  • FotoDocument, (2014) por Targeting The Unseen.
  • Pulitzer Centre for Crisis Reporting, (2014) por Tremors Below.

Es actualmente profesor asociado en la University of Arts de Londres y desarrolla un innovador programa de conferencias, charlas y talleres en universidades y centros culturales.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Carmela García

Carmela García es una artista, escultora y fotógrafa canaria (nacida en Arrecife, Lanzarote, en 1964, vive y trabaja en Madrid) cuyas fotografías se centran en el mundo femenino. Representan escenas en las que la perspectiva masculina está ausente, siendo las mujeres las únicas protagonistas de los mundos idealizados que narra en su obra.

 

© Carmela García© Carmela García

 

 

Biografía

Carmela García estudió fotografía en Madrid y Barcelona, y comenzó a mostrar sus obras al público en 1998. Decidió abandonar la fotografía profesional para dedicarse a la artística. Junto a sus creaciones en vídeo y fotografía destacan sus propuestas escultóricas. También utiliza otros medios de expresión como la instalación, el collage, las colecciones de imágenes, …

En el año 2000, con el proyecto Planeta Ella, una instalación escultórico-fotográfica en el Museo Reina Sofía, definió un espacio propio de trabajo basado en la utilización de la figura de la mujer como referente permanente. Entre sus exposiciones caben destacar las del Espacio Uno en el MNCARS, en el Institute of Civil Desobedience de Oslo, en La Maison Europeene de la Photographie de París, en el Museo de Sofía Imberg de Caracas, en el Granieri de la Giudecca de Venecia 2001, en el PS1 del MOMA en Nueva York, en The Real Royal Tryp y en el Patio Herreriano de Valladolid.

Desde el principio, ha creado obras fotografía que plantean interrogantes acerca de las imágenes comunes de la mujer en la sociedad. Posteriormente produjo Chicas, deseos y ficción, una serie que representa el mundo de la mujer, donde se mezclan la ficción y la realidad, y Constelación, sobre mujeres artistas activas en la década de los 20.

Su obra se puede contemplar en el Banco Sabadell, así como la Universidad de Salamanca, el Centro de Arte Reina Sofía, el Centro de Fotografía de Coimbra y en el MUSAC. Ha expuesto en las galerías Juana de Aizpuru de Sevilla y Madrid, y en 2003 en la Galería Altamira, de Gijón.

Sus proyectos fotográficos e interdisciplinares más destacados son: Chicas,deseos y ficción, Try to be a boy. Try to be a girl, Mentiras, Planeta Ella, Paraísos, I want to be, Ofelias, Escenarios, La Conspiración de las Pintoras Portuguesas, No pisar el césped y Au bord de mer.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Germán Gómez

Germán Gómez es un fotógrafo español (nacido en Gijón, Asturias, en 1972, vive y trabaja en Madrid), cuyo interés por el ser humano queda reflejado en su obra fotográfica, compuesta casi en su totalidad por retratos a través de los cuales explora diferentes cuestiones sobre la identidad. A medida que su discurso se ha vuelto más complejo, también lo ha hecho su técnica, que ha derivado hacia la superposición de fotografías mezclada con el dibujo.

 

 

© Germán Gómez

© Germán Gómez

 

 

 

Biografía

Germán Gómez posee una diplomatura en Magisterio y el Diploma de Estudios Avanzados en Bellas Artes, ambos en la Universidad Complutense de Madrid.

Sus proyectos más relevantes son:

  • Yo, tú, él, ella, nosotros, nosotras, vosotros, vosotras, ellos y ellas (1998-2001), serie de retratos de niños y adolescentes con necesidades especiales
  • Igualito que su madre (2003), sobre las relaciones familiares
  • Compuestos (2004-09), donde introduce por primera vez la técnica del collage como instrumento para, una vez más, poner en cuestión la identidad del individuo.
  • Del susurro al grito (2004-2011),
  • Dibujados (2006),
  • Condenados (2008),
  • En éxtasis (2009),
  • De padres y de hijos (2010)
  • Años 30 (2012), instalación de carácter autobiográfico.
  • Deconstruyendo Ciudades (2013-2015), donde el collage tiene forma rectangular y no polimorfa como en los proyectos anteriores y el objeto son las ciudades y no los cuerpos o rostros humanos.

Durante su trayectoria, ha sido reconocido con el Premio injuve 2001, la Beca de la Real Academia de España en Roma en 2007 y el Premio al Fotógrafo Revelación de PhotoEspaña 2008. Recientemente ha conseguido residencias de un año en Philadelphia en el Bridgette Mayer Gallery Residency Program en 2012 y en Monte Azul en Costa Rica en 2013.

Representado por la Galería Fernando Pradilla de Madrid desde el año 2006, ha realizado numerosas exposiciones individuales en los últimos años en ciudades como Madrid, Londres, Philadelphia, Milán, Miami, Alejandría, Bogotá, Barranquilla, Guatemala, Zagreb, Sevilla, Palma de Mallorca, Valencia, y Basilea.

Asimismo, ha formado parte de diversas exposiciones colectivas en museos y galerías nacionales e internacionales, entre los que destacan el 21c Museum de Kentucky, Kulturhuset de Estocolmo, National Museum of Photography de Copenhague, Kuntsi Museum Of Modern Art en Vaasa, Stenersen Museum de Oslo, Instituto Cervantes de Nueva York y de Moscú, la Real Academia de España en Roma, el Museo de Arte Moderno de Sao Paulo y de Bogotá, el Centro Cultural de España en México, Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana, de Córdoba en Argentina, Museo de Arte Contemporáneo de Panamá y otras instituciones madrileñas como el Real Jardín Botánico, La Casa Encendida, la Sala Alcalá 31 y el Canal de Isabel II. Sus obras se han presentado en la I, II y III Bienal de Arte Contemporáneo de la Fundación Once de Madrid en sus ediciones de 2006, 2008 y 2010.

Posee obra en las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), el Museum de Kentucky (EEUU) y los ministerios de Asuntos Exteriores y de Trabajo y Asuntos Sociales, entre otros.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Corinne Vionnet

Corinne Vionnet es una fotógrafa suiza (nacida en Valais en 1969, vive en la ciudad vecina de Vevey) pionera en la exploración y reutilización de imágenes obtenidas a través de internet.

 

© Corinne Vionnet

Roma, 2007, série Photo Opportunities, © Corinne Vionnet

 

Biografía

Corinne Vionnet comenzó a trabajar con la fotografía con 35 años de forma bastante espontánea. Sin embargo, la fotografía siempre había estado presente en su familia y ella misma tuvo su primera cámara con solo 8 años. Su padre dibujaba y pintaba regularmente  mientras ella creció. Era un arquitecto con una gran pasión por la geografía, y compartió gran parte de ese conocimiento con su familia. Seguramente por ello Corinne, alimentada por un mundo de imágenes de todo tipo de libros:  de pintura, arquitectura, botánica e ilustraciones científicas, llegó al mundo de la fotografía.

Cada una de las fotografías de la serie Photo Opportunities está compuesta por un centenar de típicas imágenes turísticas del mismo lugar, recopiladas de internet por la artista, con un resultado visual tan sensible como pictórico. Tejiendo estas numerosas perspectivas y experiencias fotográficas, Vionnet ha construido sus propias interpretaciones impresionistas: ligeras estructuras que flotan dulcemente en la bruma imaginaria de un cielo azul. Plantea así una serie de cuestiones sobre el viaje, la representación, los clichés. Esta serie tiene su origen en un viaje en 2006 a Pisa, donde había muchos turistas, la mayoría de ellos haciendo fotografías. Eso le hizo preguntarse si los resultados de todas esas fotos tendrían un aspecto similar.

Esta serie trata de hablar de nuestra memoria colectiva y la influencia de la imagen a través de películas, anuncios, postales, Internet, etc. Intenta plantear preguntas sobre nuestras motivaciones para hacer una fotografía y nuestra experiencia turística. Se trata de hablar acerca de nuestro consumo exagerado de imágenes y cuán omnipresentes son en realidad.

Su trabajo ha sido publicado en revistas como The Telegraph, The Wall Street Journal o The British Journal of Photography y ha sido expuesto en Les Rencontres d’Arles, la Maison Européene de la Photographie de París o en el Museum of Contemporary Art de Denver, entre otros. Sus obras forman parte de instituciones como el Museée d’Art du Valais, el Musée Français de la Photographie o el Centro de Fotografía de Tenerife.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Zhang Kechun

Zhang Kechun es un fotógrafo chino (nacido en 1980 en Sichuan, China, vive y trabaja en Chengdu) que documenta las grandes transformaciones que se producen en China referenciadas al agua y las montañas.

 

 

© Zhang Kechun

© Zhang Kechun

 

El río que una vez estaba lleno de leyendas se estaba diluyendo en aras del progreso.

 

 

 

Biografía

Zhang Kechun desarrolló su pasión por la fotografía en sus primeros años en la escuela secundaria, y después de una temporada como diseñador se embarcó en su nueva vocación. Ha participado en bienales y festivales de todo el mundo como en la Beijing Photo Biennial, Photoquai de París o el Delhi International Photography Festival. Su trabajo ha sido expuesto en diferentes ciudades de Europa, Asia y Estados Unidos y ha sido premiado en los National Geographic Picks Global en 2008 y ha sido finalista en los Sony World Photography Awards en 2012 y 2013, nominado en el Prix HSBC Pour la Photographie 2014, año en el que consiguió el premio Descubrimientos en el festival de Arles.

Su serie más reconocida es The Yellow River, donde fotografió durante 2 años con una cámara de gran formato, el rio Yang-Tse, una de las vías de agua mas importantes del mundo, el cauce mas voluminoso de China.  como consecuencia de la construcción de la presa de las Tres Gargantas.  Una intervención que debido a sus características ha supuesto un impacto ecológico sobre la zona que se actuado, viéndose afectadas millones de hectáreas de territorio, que cuando estén totalmente inundadas, habrá provocado el desplazamiento de poblaciones enteras y la desaparición de su ecosistema.

En Seascapes realiza un homenaje al maestro de la fotografía Hiroshi Sugimoto y lo ha realizado sin ningún tipo de cámara con imágenes de paisajes marinos imaginarios.

En su último trabajo, Behind Mountains and Waters, se centra en los increíbles paisajes chinos con una forma original de hacer autorretratos.

Su trabajo ha sido publicado en Time, BBC News, Telegraph Magazine, China Photo Magazine y otras revistas. Su obra forma parte de colecciones internacionales públicas y privadas de EEUU, Francia, Alemania, Japón y China, como Chinese Image and Video Archive de Canadá, Williams College Museum of Arts en EEUU y CAFA Art Museum en China.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Zhang Kechun – The Yellow River, 2014.