Clay Lipsky

Clay Lipsky es un artista visual y fotógrafo estadounidense (nacido en 1974, vive en Los Ángeles, California) cuya carrera como artista gráfico le ha hecho un camaleón de estilos visuales influyendo en gran medida en su fotografía. A pesar de la variedad de técnicas que emplea, su arte gira en torno a ciertos temas recurrentes, como el “hombre versus mundo“.

 

© Clay Lipsky

© Clay Lipsky

 

Mi trabajo está inspirado por el paisaje siempre cambiante del mundo moderno. En general me esfuerzo por capturar la belleza de la naturaleza, en describir las complejidades de la humanidad y en encontrar matices ocultos.

 

 

 

Biografía

Clay Lipsky comenzó con la fotografía con 13 años cuando su padre le regaló una cámara Pentax de 35mm que aún conserva. Poco después se unió a la plantilla del anuario escolar y así comenzó su viaje fotográfico. Creció con interes en la ilustración y el diseño gráfico, pero siempre ha sido algo mágico mirar el mundo a través de una lente. Ha utilizado una gran variedad de medios, desde multimedia a la televisión y el cine, habiendo ganado un premio Emmy, pero la fotografía ha sido siempre una parte importante de su vida.

En los últimos años, ha experimentado un renovado interés en seguir con pasión la fotografía como arte, libre de clientes y sin límites en las posibilidades creativas. Muestra de ello es Atomic Overlook, una espectacular serie de fotomontajes que combinan fotografías suyas (35 mm, película de formato medio y digital) con imágenes provenientes de archivos públicos, en la que turistas de hoy en día observan pasivamente explosiones nucleares, y que es el resultado de la implantación subliminal del miedo al holocausto nuclear en la guerra fría.

Utiliza cualquier cosa para su trabajo, desde Polaroids a la película y al digital. Combina viejos y nuevos lentes en los cuerpos de las cámaras digitales, y es fácil verlo con tres cámaras en mano, porque le gusta tener opciones. Aunque es autodidacta y nunca ha leído un libro “sobre” fotografía, el boom del mundo del photobook auto-publicado le ha llevado a reevaluar su trabajo y ver la fotografía en un nuevo contexto en el que no se trata de una única imagen, sino de un cuerpo de trabajo que se relaciona intimamente.

Sus fotografías han sido exhibidas en exposiciones colectivas por todo el país, incluyendo Annenberg Space for Photography, Lishui Photo Festival (China), MOPLA, Pink Art Fair Seoul, Ballarat Foto Bienalle (Australia), PhotoPlace e Impossible Project NYC. Se han publicado en papel y online en revistas como Esquire Russia, Wired Italia, Lenscratch, Diffusion, i-ref, Daily News (Inglaterra), Yahoo! Lifestyle (Alemania), La Republica (Italia), Libération (Francia), Fraction, Square,  F-Stop, PH y Shots. Además, trabaja como director artístico en el reputado fotoblog LENSCRATCH.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Havana, 2015
  • Transport, 2015
  • Atomic Overlook (The complete series), 2014
  • In Dark Light, 2014
  • Outside In, 2014
  • Landlines, 2014
  • Inconcrete, 2014
  • Beachdaze, 2013
  • Atomic Overlook, 2012
  • Artifact, 2012
  • Macro / Space, 2012
  • Nowhereland, 2011
  • Landscapes/01, 2011
  • Seaside, 2011
  • Fading Light, 2010
  • Between here & nowhere, 2010
  • The Salton Sea, 2010.

Lisa Holden

Lisa Holden es una escritora de ficción y artista inglesa (nacida en Londres en 1961, vive y trabaja en Ámsterdam, Holanda) que combina en su trabajo dos medios que se consideran con frecuencia polos opuestos: lo digital y lo pintado a mano. En sus composiciones mezcla imágenes de fotografías de estudio, pintura clásica y elementos de la cultura del consumo, consiguiendo un equilibrio entre los medios de comunicación digital y analógica, el imaginario nuevo y el tradicional, el realismo y la fantasía.

 

© Lisa Holden

© Lisa Holden

 

 

 

Biografía

Lisa Holden estudió arte en Leeds University, Rietveld Academie y Ateliers Arnhem. Formada inicialmente como pintora, experimentó con el vídeo y perfomances centradas alrededor de texto y sonido, para finalmente llegar a la creación de imágenes digitales.

Nacida en Londres de madre sudafricana y padre austriaco, fue dada en adopción y criada por padres británicos. Esto ha marcado su trabajo y Lisa ha explorado su identidad desde una perspectiva personal y social a lo largo de su carrera. Los lazos que la atan psicológicamente, físicamente y emocionalmente se transponen a través de la manipulación de muchos materiales. El resultado final de su obra es una fotografía, pero conseguida a través de la práctica fotográfica no habitual.

Sus obras se crean a partir de la base de un material capturado por la artista (usando una cámara digital o una cámara de vídeo digital), que con frecuencia es su propia imagen. Imprime la imagen en papel fotográfico y dibuja y pinta en ella, y luego escanea la imagen manipulada a mano. Este proceso se repite casi siempre varias veces, llegando normalmente a las 30-40 capas digitales. Una gran parte de su trabajo es descartado en sus etapas finales. Cuando siente que la imagen está acabada, la imprime en un tamaño de varios metros.

Sus obras más recientes muestran claramente su interés en la pintura y la literatura victoriana, que a menudo ilustra fantasías y alucinaciones de colores vivos. Una selección de sus obras fue elegida para las portadas de las traducciones holandesas de las novelas del premio Nobel Elfriede Jelinek.

Su obra ha sido mostrada en exposiciones individuales (Diemar|Noble en Londres en 2011, … ) y colectivas (The Nunnery en Londres, 7 Lane en Oslo, …) y en ferias de arte como UNSEEN (organizada por FOAM en Ámsterdam), Photo LA, Photo Miami, FIAC, Paris Photo, MadridFoto y AIPAD en Nueva York, así como en diversas revistas de arte y fotografía.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como las del Museo Peabody Essex en Salem, Sammlung Land Tirol en Austria, el Ministerio holandés de Asuntos Exteriores, ABN, AMRO e Interpolis, entre otras.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Lisa Holden: Elusive Eye 2005.
  • The Bronze Room, 2008.

Félix Curto

Félix Curto es un fotógrafo español (nacido en Salamanca en 1967, vive y trabaja en Ciudad de México) cuya obra plástica tiene una fuerte base conceptual que se manifiesta de forma poética a través de diferentes medios y soportes como son la pintura, la instalación, el arte-objeto, obra sobre papel, vídeo o fotografía, faceta esta última por la que es más reconocido en España.

 

© Félix Curto© Félix Curto

 

 

Este trabajo sobre la comunidad menonita es como si fuese mi soundtrack particular, pero en imágenes. Sí, todavía existe algo puro, salvaje y auténtico que no es virtual y que toca la fibra del ser humano.

 

 

 

Biografía

Félix Curto se licenció en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca, ha realizado cursos de postgrado en Kunsthochschule de Berlin y en la Escuela Nacional Autónoma en México D.F.

Desde que se estableciera en 1997 en México, donde ha desarrollado gran parte de su trayectoria vital y profesional  y que es el eje y motivo principal de muchos de sus trabajos, la idea de viaje como experiencia iniciática, así como su reelaboración a partir del recuerdo, han estado íntimamente ligadas a su obra. Bien por medio de la fotografía, bien a partir de objetos que recoge y colecciona, Curto desarrolla el aspecto poético y nostálgico de un pasado cercano. El camino, el paisaje y los coches son elementos fetiche en buena parte de su obra que gira alrededor de la idea de viajar, física y geográficamente, así como imaginario.

Es principalmente reconocido en España por su fotografía pero, fuera de nuestras fronteras, su reconocimiento abarca tanto la fotografía como el resto de soportes que utiliza. Su trabajo es muy variado y puede ir desde el documental clásico a lo conceptual.

Como ejemplos, sus series:

  • Heart of Gold, donde Curto, que ha trabajado mucho en la temática de la frontera geográfica continúa ahora investigando sobre las fronteras sociales, retratando una comunidad occidental, la maronita de Méjico, que se encuentra entre lo extravagante y lo marginal, pero que nos muestra que frente a la vertiginosa velocidad que nos exige la sociedad de hoy, frente a la obligación a la que nos somete la dictadura del instante, existen otros caminos que pueden ser recorridos, o por lo menos conocidos.
  • RedemptionSong, que es una selección de obras de diferentes etapas donde todas guardan un nexo común que es la vinculación con la música.

Entre sus exposiciones individuales más destacadas cabe citar Nicolo Sprovieri Gallery en Londres,  Galería OMR en México D. F. en 2006, La Fábrica Galería en Madrid en 2005, Centro de Fotografía de la Universidad de Salamanca en 2003 y en el Palacio de Abrantes de la Universidad de Salamanca en 2002. También ha expuesto en Art Basel y Art Basel Miami.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como las del MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León), la Fundación Coca-Cola, el Museo de Arte Contemporáneo de Bélgica y el Museo de Arte de Santander, entre otras.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Victoria Diehl

Victoria Diehl es una artista y fotógrafa gallega (nacida en A Coruña en 1978) cuya obra es una mezcla sutil entre realidad y ficción que hace cuestionarse las limitaciones de la naturaleza. Influenciada por la imagen clásica del arte y por los mitos griegos, evidencia la obsesión de la época hacia los cánones físicos y la tendencia hacia el hiperrealismo en la búsqueda del ser humano perfecto.

 

© Victoria Diehl

© Victoria Diehl

 

 

 

Biografía

Victoria Diehl tras licenciarse en Bellas Artes en la especialidad de Pintura y diplomarse en Estudios Avanzados en Fotografía por la Universidad de Vigo, empezó su carrera artística en 2003, siendo considerada y citada ya en sus inicios entre los 100 fotógrafos españoles de Exit y en selecciones para exposiciones y bienales de arte. Activa desde entonces, su trabajo explora la relación entre emociones y sus representaciones, los límites del cuerpo y los espacios intermedios.

Influenciada por el romanticismo y la escultura clásica, sus imágenes remiten a las leyendas y los mitos de la antigüedad, siendo el cuerpo el eje central de su trabajo, y el desnudo femenino uno de sus tema predilectos. En esta línea se inscriben sus series Vida y muerte de las estatuas (2003-04), El cuerpo vulnerable (2007) y En las moradas del castillo interior (2013), mediante las cuales reflexiona sobre la belleza y el paso del tiempo.

Su obra se define, mayoritariamente, por la mezcla de imágenes escultóricas con cuerpos reales que dan como resultado fotografías en las que la carne y la piedra se funden en una única naturaleza, formando una nueva criatura que desafía a la propia anatomía, la biología y la razón. Un juego conceptual entre el mundo clásico y el contemporáneo.

Ha formado parte de exposiciones colectivas en el Gewerbemuseum Winterthur (Suiza, 2014), Aperture Foundation (Nueva York, 2014), Hunter Museum of American Art (Tennessee, Estados Unidos, 2014), Artium en Vitoria, Es Baluard (Palma de Mallorca, 2014), PHOTOESPAÑA (Real Jardín Botánico de Madrid, 2012), Institutos Cervantes de Berlín, Varsovia, Cracovia, Belgrado y Praga (2010-2011), Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Rumanía, ARCO Madrid (2005,2007,2008), Photo-London (2007), Festival Internacional de Fotografía de Roma (2006), entre otras.

Obtuvo la beca Tentaciones Estampa 2005 y la beca de la Academia de España en Roma en 2006. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como Artium en Vitoria, Injuve, Caja Madrid, la Academia de España en Roma, entre otras. En la actualidad es Profesora Asociada de Pintura en la Facultad de Ciencias Sociales y Humanas de Teruel.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

 

Noémie Goudal

Noémie Goudal es una artista y fotógrafa francesa (nacida en 1984 en París, vive a caballo de Londres y París) cuya obra es una investigación sobre las fotografías y películas como imágenes dialécticas, donde la verdad y la ficción, lo real y lo imaginario se mezclan ofreciendo nuevas perspectivas en el lienzo fotográfico.

 

© Noémie Goudal

© Noémie Goudal

 

No creo que mis imágenes inviten a cualquiera a un mundo de fantasía, sino más bien a un lugar hecho de lo real que cuestiona las fantasías, deseos y fragilidad del espectador.

 

 

 

Biografía

Noémie Goudal empezó a fotografiar cuando tenía 14 años, como un hobby. Procesaba fotos en blanco y negro en el cuarto oscuro un día por semana. De adolescente le gustaba ‘hacer’ imágenes. A través del proceso de creación de las fotografías, Se sentí como si estuviera fabricando sus  propios objetos. Se trasladó a Londres donde estudió fotografía obteniendo un master en fotografía en el Royal College of Art en 2010.

A través de su trabajo, cuestiona los límites entre lo real y lo fantástico, a menudo creando paisajes alternativos mediante el uso de los elementos más comunes. Sus instalaciones originales, con fotografías a gran tamaño como base, han obtenido gran aceptación. Todo es cuestión de perspectiva en su obra, en lo que realmente vemos, así como todo lo que nos imaginamos. Típico en su obra son fotos de misteriosos paisajes combinados con elementos de arquitectura modernista que parecen tener una cualidad arcaica.

Noémie Goudal está representada por Edel Assanti en Londres y la Galerie Les Filles du Calvaire en París. Sus exposiciones más recientes son: en 2016 Noémie Goudal: TBT en Edel Assanti, en 2015, Southern Light Stations en The Photographer’s Gallery de Londres, The Geometrical Determination of the Sunrise en el FOAM Museum de Ámsterdam y The Armory Show en Edel Assanti en Nueva York.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como FOAM Photography Museum en  Amsterdam, Kiran Nadar Museum en Nueva Delhi, Saatchi Gallery en Londres, Winterthur Fotomuseum en Alemania, entre otras.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Noémie Goudal: The Geometrical Determination of the Sunrise.

Henry Horenstein

Henry Horenstein es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1947 en New Bedford, Massachusetts, vive en Boston) que ha compaginado desde los 70 la creación de su obra con la de la enseñanza de la fotografía tanto presencial como por medio de una colección de libros, que han sido utilizados por cientos de miles de estudiantes como su introducción a la fotografía, tanto en colegios, universidades, escuelas secundarias y de arte, como individualmente.

 

Porter Wagoner © Henry HorensteinPorter Wagoner © Henry Horenstein

 

 

 

Biografía

Henry Horenstein ha trabajado como fotógrafo profesional, profesor y autor desde principios de los 70. Estudió historia en la Universidad de Chicago y estaba de camino a convertirse en historiador cuando descubrió la fotografía, cautivado por la obra de Robert Frank y Danny Lyon, y estudió y obtuvo su BFA y MFA en la Rhode Island School of Design (RISD), donde actualmente es profesor de fotografía.

Fue alumno de Harry Callahan, Aaron Siskind y Minor White, siendo autor de más de 30 libros, incluidos una serie de libros de texto fotográficos que han sido utilizados por cientos de miles de estudiantes en los últimos 30 años.También ha publicado varias monografías de su propio trabajo, incluyendo Show, Honky Tonk, Animalia, Humans, Racing Days, Close Relations, y muchos otros.

Su primer gran proyecto fue una encuesta documental de las personas y el carácter de la música country, de la que era fan. Se dio cuenta de que la cultura de la música country estaba cambiando, perdiendo su carácter hogareño, con los pies en la tierra e iba adoptando la naturaleza impermeable de la música country contemporánea. Con el objetivo de preservar esta cultura viajó durante casi una década por todo Estados Unidos, documentando artistas y público en bares honky-tonk, festivales al aire libre y bailes de pueblo. Este cuerpo de trabajo fue publicado en 2003, con el nombre de Honky Tonk: Portraits of Country Music, con una edición revisada en 2013. Este proyecto también ha sido  expuesto en muchos museos y galerías públicas y privadas, en particular el Smithsonian’s National Museum of American History en 2006, Rhode Island School of Design Museum en 2005 y The Annenberg Space for Photography en 2014.

Otros de sus trabajos han sido creando retratos documentales de sub-culturas de América diversas, como el mundo de las carreras de caballos, los clubes de boxeo y el béisbol. También ha desarrollado una extensa obra que combina elementos del retrato, la abstracción, la documentación clínica y la fotografía de paisaje. Trabajando con animales, así como sujetos humanos, crea imágenes convincentes y con frecuencia ambiguas que exploran los patrones, texturas y geografía de la piel, escamas y pelo.

En los últimos años, Horenstein ha estado trabajando también en cortos documentales que se proyectan en numerosos festivales de cine. Está representado por Clampart en Nueva York, Carroll & Sons en  Boston, Verve Gallery en Santa Fe, Catherine Couturier Gallery en Houston y Gallerie Vassie en Ámsterdam.

Su obra ha sido expuesta en galerías y museos tanto nacionales como internacionales, como Smithsonian Institution’s National Museum of American History en Washington, D.C.,  International Museum of Photography de la George Eastman House en Rochester, Nueva York, Museum of Fine Arts de Boston y Fabrik der Kunste de Hamburgo.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como la Library of Congress, Museum of Fine Arts de Houston, High Museum of Art de Atlanta, Georgia, entre otros.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

 

Fritz Liedtke

Fritz Liedtke es un fotógrafo estadounidense (vive en Portland, Oregon) que compagina sus trabajos comerciales con series personales con especial dedicación al retrato con métodos no tradicionales.

 

Fritz Liedtke

© Fritz Liedtke

 

 

 

Biografía

Fritz Liedtke comenzó a fotografiar de adolescente, con 14 años, con su Kodak Instamatic 110 en un viaje por Estados Unidos con su padre, en un pequeño Datsun B210 azul. Veinticinco años más tarde, sigue explorando el mundo, cámara en mano.

Entre medio, Fritz obtuvo un BFA en fotografía, ha ganado numerosos premios y becas por su trabajo (Critical Mass, International Society of Professional Wedding Photographers,  Photographer’s Forum Magazine, …), ha disfrutado de residencias de artistas en diversos lugares, ha publicado sus fotografías en diversos medios (National Geographic, Lenswork, PDN, Professional Photographer, View Camera Magazine, Rangefinder, Silvershotz, Diffusion, Shutterbug, , PhotoLife, …), ha expuesto en galerías y museos (Blue Sky Gallery en Portland, Panopticon Gallery en Boston, PhotoEye Gallery en Santa Fe, High Noon Culture en Pekín, 23 Sandy Gallery en Portland, La Fototeca en Guatemala City, …), ha escrito artículos y ensayos para diversas publicaciones, tiene obra en colecciones públicas y privadas (Museum of Fine Arts de Houston, Griffin Museum of Photography, The Haggerty Museum, Portland Art Museum, Yale University Library, Lishui Museum of Photography, Scripps College Rare Book Collection, … ), ha realizado conferencias y talleres enseñando fotografía y ha trabajado tanto comercial (Tiffany’s, Asics, Tamron/Bronica, Adidas, …) como artísticamente.

Su trabajo personal trata diversos temas como la adolescencia (Welcome to Wonderland y Quite Normal), los desórdenes alimenticios (Skeleton in the Closet), investigaciones personales (Astra Velum y Cimetiere), documentales (Beneficio de Cafe y Holy Communion), y sobre todo retratos en procesos alternativos como tintypos, fotograbado, platinos, libros de artista y encáusticas.

Su serie Astra Velum explora la belleza de la piel humana imperfecta, con sus pecas y cicatrices, superpuestas sobre nosotros como un fino velo de estrellas. Esta serie está impresa a mano por Fritz como un conjunto de edición limitada de fotograbados.

Le encanta viajar. Está constantemente buscando nuevas maneras de acercarse al mundo a través del arte. Vive en Portland, Oregon, es su casa de color naranja brillante, junto con su esposa e hija.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Skeleton in the Closet.
  • Astra Velum.

Héctor García

Héctor García fue un fotógrafo mexicano (nacido el 23 de agosto de 1923 en Ciudad de México, fallecido el 2 de junio de 2012 también en Ciudad de México) reconocido por su extensa obra fotográfica que retrata la vida del México de mediados del siglo XX. Fue llamado “el fotógrafo de la ciudad”.

 

David Alfaro Siqueiros (El Coronelazo). Lecumberri, 1960. Héctor García. Foto Press

David Alfaro Siqueiros (El Coronelazo). Lecumberri, 1960. Héctor García. Foto Press

 

 

 

Biografía

Héctor García Cobo nació en La Candelaria de los Patos, un pequeño barrio problemático del centro de Ciudad de México. De niño, su madre lo dejaba atado a una de las patas de la cama cuando iba a trabajar, y le apodaba Pata de Perro.

A los siete años se escapó de casa durante varios días, viajando en tren a otra ciudad. Por la estrema pobreza de su familia, Héctor tuvo que trabajar para poder sobrevivir; trabajando como bolero, vendedor de periódicos y chicles, cargando canastas, etc. Fue premonitoria su vida en la calle cerca de las oficinas del Excélsior y El Universal, pasando las noches en la acera esperando su paquete de periódicos para venderlos por las grandes avenidas.

Tiempo después, acusado de haber robado comida, fue llevado a un correccional para menores. En 1940 mientras se encontraba en el correccional, su madre falleció. Milagrosamente, la estancia en el correccional le sirvió no para profesionalizarse como delincuente sino para estudiar e iniciarse en la fotografía con una pequeña cámara de cajón que el Dr. Gilberto Bolaños Cacho, su protector, le regaló.

Al cumplir 18 años, abandonó el correccional para menores con sus estudios de primaria y secundaria terminados, e ingresó más tarde con una beca en el Instituto Politécnico Nacional, donde con otros compañeros fundó la Confederación de Estudiantes Técnicos, donde se encargaría de editar periódicos murales. En 1942 abandonó sus estudios para irse a los EEUU para trabajar como bracero, para lo que tuvo incluso que vender sus zapatos en el viaje.

Entró a trabajar en el ferrocarril, y una mañana en pleno invierno, con una inmensa nevada, un tren a gran velocidad arrolló y descuartizó a uno de sus compañeros, convirtiendo la nieve en un campo de amapolas. Héctor que llevaba siempre su cámara encima intentó inmortalizar la escena, pero le salieron todas las fotos quemadas por la nieve. Su frustración fue enorme, y con gran esfuerzo compaginó su trabajo con el aprendizaje en serio de la fotografía.

Al terminar su permiso de trabajo, Héctor permaneció durante algunos meses más en EEUU trabajando desde pintor hasta cocinero de sopas Campbell’s, pero después de algún tiempo fue detenido y deportado. A su regreso a México, contactó nuevamente con el Dr. Bolaños, que le ayudó a entrar a trabajar en la revista Celuloide, donde estuvo como chico para todo, mientras observaba de cerca el trabajo que realizaban fotógrafos y diseñadores. Estudió en el Instituto de Artes y Ciencias Cinematográficas de México, donde fue discípulo de Manuel Álvarez Bravo y del cineasta Gabriel Figueroa.

Desde 1945 trabajó como periodista gráfico, tanto en México como en el extranjero. Fue también docente en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la UNAM. En 1950 fundó su propia agencia de fotografía Foto Press, cubriendo eventos desde la política, deportes y hasta espectáculos, aunque su mayor interés fueron los problemas sociales.

En 1953, conoció a María del Carmen Sánchez, con quien se casaría un año más tarde. Al inicio María solamente le ayudaba con el revelado y envío de fotografías. Posteriormente comenzó a interesarse cada vez más por la fotografía, aunque su trabajo es más creativo, realizando principalmente fotogramas. Su labor ha sido imprescindible para el archivo de la obra de un Héctor muy desordenado, que cuenta con casi un millón de negativos, y que desde 2008 atesora la Fundación María y Héctor García.

Fotógrafo de plantilla en el Excelsior, tuvo su propia columna F 2.8, en la cual trabajó durante muchos años a lado del periodista Manuel Becerra Acosta, quien escribía el texto. Realizó encargos oficiales como en los años 1950 y 1954 la Carrera Panamericana, la documentación de los trabajos de Petróleos Mexicanos (PEMEX), una relación de más de dos décadas, que culminó presentado en 1963 expuesto en la Galería PEMEX, con el título Petróleo de México.

Reportero gráfico o fotorreportero  –como se llamaba a sí mismo–, trabajó para distintas publicaciones como Mañana, Siempre, Revista de América, Time, Life, Cruceiros, Novedades, Excélsior, entre otras. Viajero incansable, recorrió con su cámara América, Europa, Medio Oriente y Asia.

Obtuvo el Premio Nacional de Ciencias y Artes en 2002 e ingresó en la Academia de Artes en el 2005, entre otros importantes reconocimientos. Además recibió en tres ocasiones el Premio Nacional de Periodismo.  La primera vez fue en 1958 por la realización de un reportaje sobre el movimiento ferrocarrilero conocido como movimiento Vallejista, debido al líder del Sindicato del ferrocarril que impulsó dicho movimiento, Demetrio Vallejo. Este reportaje no fue publicado por la fuerte censura en el Excélsior, sino que tuvo que crear una revista titulada Ojo. Una revista que ve con ayuda del periodista Horacio Quiñones  y publicarlo allí. Una vez desarmado el movimiento sindical, este trabajo le consiguió el premio.

Su segundo premio le fue otorgado en 1968 por su reportaje para la revista Siempre! sobre el Movimiento del 68, un movimiento estudiantil que García vivió de muy cerca, pues era en aquella época catedrático del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC). Estuvo presente en el mitin del 2 de octubre en la Plaza de las Tres Culturas, en Tlatelolco. Ahí fue testigo y sobreviviente de milagro de la masacre del ejército contra de estudiantes y dirigentes ahí reunidos. Al día siguiente la revista Siempre! le dedicaría varias páginas al trabajo fotográfico de Héctor, y con ello consiguió su segundo Premio Nacional de Periodismo.

Su tercer premio fue por un reportaje sobre la Guerra de Medio Oriente, en 1979, con entrevistas con el presidente Nasser, Yasser Arafat y el rey Hussein.

Además de sus documentos sociales y reportajes (además de los citados, las campañas presidenciales desde Adolfo Ruiz Cortines hasta José López Portillo) también retrató a figuras del Cine de Oro Mexicano, como María Félix, Pedro Infante, Dolores del Río, Cantinflas, Tin Tan, artistas plásticos como Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Frida Khalo, Dr. Atl, entre otros.

Héctor García realizó, desde 1960, más de 65 exposiciones individuales en México y el extranjero, y participó en otras tantas exposiciones colectivas. Su obra se encuentra en importantes colecciones públicas y privadas, entre las que destacan el Museo Nacional de Antropología e Historia, Museo de la Fotografía en México, Bibliothèque Nationale de París, The Library of Congress en Washington D.C. y el Museo del Vaticano.

 

 

 

Referencias

 

Baldomero

Baldomero fue un fotoperiodista español (nacido en Jaén en 1886, fallecido en Madrid en 1958) especializado en temas taurinos.

 

Los hermanos Dominguín, antes de la corrida, en la plaza de Albacete. Año 1939. Baldomero

Los hermanos Dominguín, antes de la corrida, en la plaza de Albacete. Año 1939. Baldomero

 

 

 

Biografía

Baldomero Fernández Raigón, al poco de nacer fue con su familia a Barcelona y posteriormente a Madrid.  Fue primero cajista de imprenta y luego novillero. En 1913 comenzó a publicar escenas costumbristas en el diario La Tribuna, donde conoció al reportero Manuel Cervera, que le introdujo en el mundo de los toros.

Publicó en las revistas Sol y Sombra, La Lidia, El Arte Taurino y Toros y Toreros, también en El Heraldo de Madrid. Se declaraba belmontista puro. Pero Baldomero fue mundialmente conocido por sus celebres fotografias de la muerte de Joselito en Talavera. La de Sánchez Mejías llorando sobre el rostro de su cuñado Joselito, que se publicó como anónima, siendo de su autoría. También son de su autoría las fotos de las trágicas cogidas de Granero en 1922 y Curro Puya en 1931.

En los años 30 fue ayudado por su hijo, el también fotógrafo José Fernández Aguayo.

Durante la Guerra Civil Española colaboraron con el gobierno republicano, y al término de la contienda tuvieron que interrumpir su actividad fotográfica hasta 1944. Al retomar su profesión, Baldomero formó parte del equipo fundador de la revista El Ruedo, donde publicó reportajes hasta su muerte.

Baldomero y Aguayo, fotógrafos taurinos es el nombre de la exposición que tuvo lugar en las salas de la Calcografía Nacional de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid en 1991, patrocinada por el centro de asuntos taurinos de la consejería de cultura de la Comunidad de Madrid.

El Archivo Baldomero y Aguayo es una fuente imprescindible para el estudio de la tauromaquia durante la primera mitad del siglo XX. En 2008 lo compró el Instituto del Patrimonio Cultural de España en Madrid, y contiene unas 26.000 imágenes en vidrio, acetato y rollos de película, de temática taurina y con fotografías de toreros activos entre 1939 y 1952.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

 

Javier Campano

Javier Campano es un fotógrafo español (nacido en Madrid en 1950, donde vive y trabaja) que nos ofrece, a través de sus fotografías, su propia visión cercana de las ciudades que ha visitado en sus viajes y, cómo no, de los múltiples viajes que ha realizado en una misma ciudad: Madrid.

 

Tánger © Javier Campano

Tánger © Javier Campano

 

 

Biografía

Javier Campano realizó sus estudios universitarios de derecho en la Universidad de Navarra en Pamplona. Trabajó como abogado. Hacia 1972 ya trabajaba en su laboratorio personal y compró su primer equipo fotográfico de segunda mano, una Nikkormat con varios objetivos. Paseaba con la cámara en sus ratos libres y en viajes, hasta que la afición le superó y dejó su trabajo para dedicarse exclusivamente a la fotografía en 1975. El arranque de su trayectoria está ligado a la escuela Photocentro de Madrid y a la revista Nueva Lente, de importancia capital en la renovación visual de los artistas españoles.

Realizó trabajos como freelance para prensa, reproducciones para artistas y galerías y participó en exposiciones colectivas en Madrid y Arles, hasta su primera individual en 1979 en Photocentro, en Madrid.

Desde entonces Javier Campano viene realizando una obra en conjunto, que compone una sola y abierta serie, ya que sus trabajos, desde sus inicios, responden a unos planteamientos y a una estética inalterable, en los que ni siquiera la inclusión del color ha variado sustancialmente su percepción. Lugares de todo el mundo, calles, hoteles, habitaciones y ventanas, escaparates, todo lo que ha atraído una mirada curiosa por lo intranscendente, por casi todo aquello que la gran mayoría no se detiene a mirar e incluso desperdicia. Son entornos solitarios o con apenas una figura, a los que introduce un aura de misterio. sus vistas de interiores y exteriores son persuasivas y poéticas, están bañadas por una luz que dibuja sombras. Ambos elementos, luz y sombra, configuran un potente sentido narrativo.

Alguno de sus principales trabajos ha sido fruto de encargos, como la exposición del IVAM en 1998 dedicada a la arquitectura racionalista valenciana, o los cinco libros catálogo sobre ciudades portuguesas. En ellos presenta por primera vez fotografía en color, y con los que expresa inmejorablemente un cierto Portugal: su arquitectura frecuentemente colorista, sus cafés tradicionales, sus comercios antañones, o sus anuncios publicitarios de otro tiempo.

En el año 2004 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) le dedicó una gran retrospectiva titulada Hotel Mediodía. También ha realizado numerosas exposiciones en solitario y colectivas.

Obtuvo la beca Endesa entre 2000. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como las de Acciona, Arena, Ars Fundum, Ayuntamiento de Madrid, Colección de Alcobendas, Fundación Colectania, Fundación Endesa, Fundación La Caixa, Fundación Telefónica, Hotel Bauzá,  Instituto Cervantes, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, entre otras.

 

 

 

Referencias

 

 

 

LIbros

William Atkinson

William Atkinson fue un ingeniero y fotógrafo inglés (nacido en Manchester en 1825 y fallecido probablemente en 1907) considerado uno de los pioneros de la fotografía en España, donde recaló por motivos de trabajo, siendo el autor de la colección de imágenes fotográficas más antiguas conocidas en España.

 

Reinosa. Don Sandalio de Orbieta, primer jefe de estación de Reinosa, junto al depósito del agua para las locomotoras. William AtkinsonReinosa. Don Sandalio de Orbieta, primer jefe de estación de Reinosa, junto al depósito del agua para las locomotoras. William Atkinson

 

 

Biografía

William Atkinson vino a españa en 1855 a trabajar en la construcción del ferrocarril entre Alar del Rey (Palencia) y Reinosa. La compañía contratista le encargó una serie de fotografías que documentaran la obra, con intención de ofrecerlas como regalo a la entonces joven reina Isabel II, aficionada a la fotografía. Las imágenes de este encargo constituyen la colección de fotografías más antigua de España. El álbum se compone de 87 imágenes, divididas en una carpeta de 39 fotografías de entre 9,5×11 y 21,5×26 cm, y un estuche de piel verde con incrustaciones de oro que contiene 48 fotografías estereoscópicas de 9,5×11 cm, agrupadas por estaciones. El álbum se conserva en el archivo del Palacio Real de Madrid. La Biblioteca Municipal de Santander cuenta con 41 fotografías de la serie.

Atkinson no se limitó a documentar la construcción del ferrocarril. Se interesó igualmente por el entorno, realizando fotografías del paisaje, retratando a otros ingenieros e implicados en la obra como el contratista George Mould, el ingeniero Alfred S. Jee, el montañés Basilio Canales, Indalecio Sánchez Porrúa, el mayoral de la diligencia, un guardia civil, un vizcaino y un autoretrato.

Utilizó el sistema del colodión húmedo, utilizando el vidrio como soporte de una imagen negativa, positivando en papel con emulsión a la albúmina, lo que le permitía realizar múltiples copias a partir de un negativo. Este proceso obligaba a preparar las placas in situ momentos antes de ser utilizadas, por lo que el fotógrafo se desplazaba con todo un cuarto oscuro desmontable en una tienda de campaña.

William Atkinson en su trabajo fotográfico en Campoo usa la cámara para explicar cómo es un territorio y una sociedad que va a quedar alterada por la llegada del ferrocarril, huyendo de los tópicos tan del gusto de los fotógrafos y dibujantes románticos y concibiendo cada toma como un documento objetivo.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Tatsuo Suzuki

Tatsuo Suzuki es un fotógrafo japonés (nacido en Tokio en 1965, vive en Ota-ku,Tokio) que realiza retratos y fotografía en las calles de la masiva Tokio.

 

© Tatsuo Suzuki

© Tatsuo Suzuki

 

 

 

Biografía

Tatsuo Suzuki se formó en Derecho en la prestigiosa Universidad de Waseda, y comenzó a hacer fotografía en 2008, ya con 43 años. Desde entonces ha estado moviendose, cámara en mano, por todos los rincones de la ciudad de Tokio.

Armado con su cámara, un magnífico ojo para la composición, y un impecable sentido de la oportunidad, crea una impresionante colección visual de los personajes eclécticos que viven en su ciudad. A través de la lente de sus compactas Fujifilm de la serie X100, captura el ambiente frenético y  la vida en la calle de la caótica ciudad de Tokio, la abrumadora experiencia de navegar por un entorno urbano masivo.

Los temas que refleja Suzuki muestran una fascinante mezcla de agotamiento y de energía frenética. Algunos están en la foto apresurados, mientras que otros están arrellanados en los asientos del metro, agarrando sus carteras. La tecnología es otro de los elementos interesantes de sus imágenesmostrando cómo la gente se centra intensamente en sus teléfonos, aparentemente inconscientes del zumbido de la ciudad a su alrededor.

Su fotografía de calle con Imágenes en blanco y negro, de gran contraste, de grano imperante y a veces con velocidades lentas de obturador, le permiten conseguir pintar cuadros perfectos de la realidad que le rodea, con los que ha obtenido numerosos premios en competiciones como PX3, Black Spider Awards, IPA 2014, Sony World Photograpy y otros.

 

 

Referencias