Souichi Furusho

Souichi Furusho es un diseñador gráfico y fotógrafo japonés (nacido en 1977, vive en Kumamoto) cuyo trabajo se basa principalmente en monocromáticos paisajes oníricos con una cierta abstracción industrial que captura con su iPhone.

© Souichi Furusho© Souichi Furusho

 

 

Biografía

Souichi Furusho trabaja como diseñador gráfico en el mundo de la publicidad. Descubrió la iPhoneografía en Facebook y Flickr hace un par de años, casi al mismo tiempo en que se compró su iPhone.

Esto fue seguido por una variedad de encuentros agradables con la gente en línea. Ha participado en exposiciones en España,Holanda y California, junto con iPhonegraphers de varios países.

Aunque no tenía experiencia previa en el mundo de la fotografía, gracias a su trabajo como diseñador estaba familiarizado con la fotografías. Su estilo es libre y simple, y se acerca a la fotografía desde muchos ángulos diferentes. La iPhoneografía le ha proporcionado oportunidades interesantes para esta nueva forma de comunicación.

En su trabajo, el paraguas se ha convertido en un símbolo esencial, encarnando los pensamientos y los sueños de la gente, algo como un vehículo que transporta un sueño.

 

 

 

Referencias

Aneta Ivanova

Aneta Ivanova es una fotógrafa búlgara (nacida en Varna, donde vive y trabaja) que realiza principalmente fotografías con doble exposición combinando a la perfección la belleza de la arquitectura, el paisaje y el cuerpo humano, en sus retratos surrealistas de la naturaleza o entornos urbanos dentro de siluetas de forma femenina.

 

© Aneta Ivanova

© Aneta Ivanova

 

Mi trabajo es a la vez sensual y emocional, una yuxtaposición de la persona y del entorno, entre la superficie y lo que está sucediendo en el interior.

 

 

Biografía

Aneta Ivanova ha estado fascinada por el arte desde pequeña, empezando por el dibujo y la pintura, cambiándose posteriormente a la fotografía con 13 años. Después de hacer un montón de trabajo conceptual y retratos empezó a experimentar con diferentes técnicas para dar un nuevo sentido a sus fotografías: largas exposiciones al principio, luego exposiciones dobles y también múltiples que combinan retratos con elementos del paisaje y de la naturaleza.

Busca inspiración en todas partes a su alrededor: leyendo, escuchando música, viendo arte, dando largos paseos y soñando mucho. El mar siempre ha sido su máxima fuente de inspiración como puede comprobarse en algunas de sus obras, fascinándole el hecho de que sea tan impredecible y poderoso, siempre cambiante.

Siempre trata de mantener su trabajo lo más personal posible, realizando autorretratos o retratos de sus hermanas principalmente, pensando que otras alternativa no podrían recrear lo que está en su mente de una mejor manera. Cree que una obra de arte no debe ser explicada, que debe hacer preguntas en lugar de dar respuestas.

Ha realizado numerosas exposiciones en grupo, y en solitario podemos citar la más reciente An ode to everything en SOHO de Sofía en 2015. Ha trabajado para Penguin Books, O2 Telefonica, Diesel, Pilot Pen France, … entre otras empresas.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Contemporary Portraits (varios).

Aleydis Rispa

Aleydis Rispa es una fotógrafa catalana (nacida en Sort, Lleida, en 1964, vive y trabaja en Barcelona) que ha optado siempre por la fotografía artística y una estética minimalista y poética. Realiza fotogramas y quimigramas, obteniendo manchas, veladuras y formas abstractas durante el revelado de sus imágenes que inciden en el resultado artístico final.

 

Ventana, 1991, 60x50cm © Aleydis Rispa

Ventana, 1991, 60x50cm © Aleydis Rispa

 

Lo que intento al crear mis imágenes es hacer visible lo que todavía no lo es, creando espacios virtuales inexistentes más allá de la superficie fotosensible. Mi afán por simplificar tanto el resultado final como el proceso para llegar allí, me ha llevado a emplear técnicas alternativas como el fotograma, el quimigrama y, más recientemente, la cianotipia.

 

 

 

Biografía

Aleydis Rispa es licenciada en Bellas Artes en la especialidad de Imagen por la Universidad de Barcelona (1988), y compagina su actividad artística con la docencia y ha sido profesora de Fotografía de la Facultad de Bellas Artes en la Universidad de Barcelona y de escuelas especializadas como la Escola Groc e idep Barcelona.

Realiza fotogramas en los que impresiona por contacto diversas formas en el soporte emulsionado. Sirviéndose también de la técnica del quimigrama, obtiene manchas, veladuras y formas abstractas durante el revelado de sus imágenes que inciden en el resultado artístico final. Un tema que ha tocado en su obra es el mar, su contaminación y el efecto sobre los ecosistemas marinos.

En 1989 ganó el Premio de Fotografía de la Bienal de Jóvenes Creadores Europeos del Ayuntamiento de Barcelona y el Premio Foto Joven de la II Bienal de Fotografía de la Fundación “la Caixa” y en 2001 el premio La Transparencia de la Universidad Nacional de Educación a Distancia.

Desde entonces ha expuesto su obra, en diversos lugares de España y en París, como Clépsidra en el Círculo de Bellas Artes de Madrid en 1990, Fotogramas en Galería Visor de Valencia en 1991, Objetos, artefactos y ruedas en la Universidad de Salamanca en 1996, Prótesis en Galería Spectrum Sotos de Zaragoza en 2001, Trilogía espacial en el Institut d’Estudis Llerdencs en el marco de Dmostra en Lleida en 2003 y Frozen Fishfood en la Galería Esther Montoriol de Barcelona en 2012.

Sus proyectos han sido publicados en revistas especializadas como Exit, Analog mago, FV, Film und foto, Photovision, Café Crème, European Photography y Camera Austria, así como en numerosos catálogos y libros de referencia.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como las del Fondo de Arte de la Generalidad de Cataluña, MNAC, Fundación Vila Casas en Barcelona, Fundación Arte y Tecnología y UNED en Madrid, Universidad de Salamanca y la Colección Julio Álvarez Sotos en Zaragoza, entre otras.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Hannah Collins

Hannah Collins es una artista y cineasta británica (nacida en Londres en 1956, donde vive) cuya obra trata las experiencias colectivas de la memoria, la historia y la vida cotidiana en el mundo moderno. Es conocida por sus instalaciones fotográficas, pero también ha realizado películas con gitanos en España y en una aldea en la Rusia rural.

 

Anemones, from “The Fragile Feast“ © Hannah Collins

Anemones, from “The Fragile Feast“ © Hannah Collins

 

 

La mayor parte de mi trabajo es una linea entre la cultura y el mundo.

 

 

 

Biografía

Hannah Collins estudió en la Slade Shool of Fine Arts de Londres y en Estados Unidos con una beca Fulbright, donde entró en contacto con la escultura, las instalaciones y los ambientes creados por artistas minimalistas y conceptuales en aquel momento, lo que le llevó a desarrollar un concepto escultórico del espacio en conexión con la memoria. Desde sus comienzos se interesó por los elementos espaciales y temporales expresados en la arquitectura, tratando las complejas relaciones físicas y psíquicas que el individuo establece con su entorno como método para reconstruir nuestra visión íntima de la realidad.

Además de su actividad como artista plástica, ha sido profesora en la Universidad de Davis en California, y en el Royal College of Art de Londres. También fue profesora invitada en Le Fresnoy, Studio national de Arts Contemporains, de Roubaix en 2007-08.

Su trabajo se centra en la experiencias colectivas de la memoria, la historia y el día a día en el mundo moderno. Es conocida por sus instalaciones fotográficas, pero también ha dirigido películas sobre los gitanos en España y en un pueblo en la Rusia rural.

Ha realizado muchas exposiciones internacionales y su trabajo está en numerosas colecciones públicas y privadas, incluyendo Tate Modern, Centro Georges Pompidou, MACBA, Reina Sofía, Dallas Museum of Art, MNHA Luxemburgo y la galería Gering Et Lopez en Nueva York.

Recientemente ha expuesto en la Galería Javier López – Mario Sequeira en Madrid en 2010 y en la Fundació Suñol en Barcelona en 2012, donde ha estado viviendo años.

Nominada para el Premio Turner en 1993, Collins recibió el European Photography Award en 1991,  el Olympus Award en 2004 y el SPECTRUM International Prize for Photography, Sprengel Museum de Hannover en 2013.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • The Fragile Feast. Routes to Ferran Adria, 2011.
  • Hannah Collins, Historia en curso. Películas y fotografías, 2008
  • Parallel, 2008.
  • Finding, Transmitting, Receiving, 2007
  • Hannah Collins. Filming Things, 2007.
  • The Street, 2004.
  • Hannah Collins. In the Course of Time, 1996.
  • Shopping, 1996.
  • A Worldwide Case of Homesickness, 1996.
  • The Hunter’s Space, 1995.
  • Hannah Collins, 1993
  • Legends, 1988.

 

Patrick Morarescu

Patrick Morarescu es un artista alemán (nacido en Múnich en 1973) cuya técnica principal es la fotografía, aunque sus proyectos combinen también otros formatos como el collage o la instalación.

 

Ane Lan (NO) out of the series Performers by Patrick Morarescu

Ane Lan (NO) out of the series Performers by Patrick Morarescu

 

La fotografía es una reacción química en la que la luz se transcribe en una superficie plana, la creación de un código que a la mirada sugiere la realidad; pero la fotografía no es la realidad en sí, sino una abstracción de la misma. Y éste es el punto que me fascina; la posibilidad de recrear la realidad a través del proceso químico.

 

Pongo las historias no contadas en el marco formal de la imagen y les doy un barniz de melancolía. En el centro no está el hombre como persona, sino el lugar con la omnipresencia de la civilización y sus restos. Las actividades y las acciones de los seres humanos siempre dejan pistas como señales de una presencia en el espacio. Las impresiones visuales muestran la dualidad del presente: tensión y ausencia, una dicotomía que cuestiona la realidad humana. De esta manera las fotos no quieren dar ninguna respuesta, sino reflexionar sobre nuestra existencia.

 

 

 

Biografía

Patrick Morarescu estudió en la Academia de Fotografía en Múnich. Su técnica principal es la fotografía, aunque sus proyectos combinan también otros formatos como el collage o la instalación.

Siempre se ha sentido atraído por el retrato debido a la dinámica natural y a la complejidad del individuo. Fotografía personas por las que siente una atracción inicial y trata de reflejar esta fuerza en las imágenes. Un poder que no se puede describir con palabras o conceptos racionales, sino que capta la atención y crea una curiosidad fuerte, una especie de adicción no sólo a las formas del cuerpo, los ojos, las tonalidades de la piel, sino a lo que está detrás: los pensamientos y el estado mental de que las personas. En sus series más recientes retrata a performistas tras sus perfomances, para documentar, no sus acciones artísticas, sino la personalidad que hay detrás de esas acciones artísticas.

Ha exhibido sus obras en Alemania, Reino Unido, España, Holanda, Bélgica, Islandia, Estonia, Suiza, Polonia, Finlandia, Australia, Camerún, Marruecos y Taiwán incluyendo exposiciones en museo Fluxus+ en Potsdam, Pori Art Museum en Finlandia, Museu Arts Santa Mónica en Barcelona, Noorderlicht Photography Festival en Groningen, Ballarat International Foto Bienale en Victoria en Australia, Wiesbadener Photography Festival y Juming Museum en New Taipei City.

Ha conseguido becas de la Comisión Europea, Kulturreferat de Múnich, Goethe Institutes of Amman, Sofía, Rabat y Yaundé y ha participado en residencias de artistas becadas en Makan en Amman, Raumars en Finlandia, Hotel Mariakapel en Holanda, Howl Space y Juming Museum en Taiwán.

Sus trabajos han sido publicados en el British Journal for Photography, Le Journal de la Photographie, Der Greif, Aint-Bad, Feature Shoot, Slate, Musée, Lenscratch,

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • 2013 Performers,
  • 2010 7 for the price of 1-Accumulating Value.

Mabi Revuelta

Mabi Revuelta es una artista vasca (nacida en Bilbao en 1967, vive y trabaja entre Bilbao y Nueva York) cuya obra se articula en diferentes formas: instalaciones, esculturas y fotografías. Su trabajo conecta diferentes dimensiones de su experiencia personal que se suman a otros aspectos de la vida no pertenecientes sólo a una visión cotidiana de la misma. La relación entre el espacio íntimo y el impacto de este espacio con lo público se evidencia en parte de su obra.

 

© Mabi Revuelta

© Mabi Revuelta

 

 

 

Biografía

Mabi Revuelta estudió Bellas Artes en la Universidad del País Vasco obteniendo la licenciatura en 1990. Desde muy pronto comenzó a exhibir su trabajo de forma profesional exponiendo regularmente en galerías, centros de arte, ferias y museos nacionales e internacionales, entre los que destacan: Galería Vanguardia en Bilbao y Galería Raquel Ponce (The Unlikely Butterflies) en Madrid, La Casa Encendida en Madrid, International Studio & Curatorial Program en Nueva York, Instituto Cervantes en Pekín y Tokio, ARTIUM en Vitoria, Tenerife Espacio de las Artes TEA (Divertimentos tipográficos) en Tenerife, Museo Erótico en New York, Museo Guggenheim en Bilbao y Museo Euskal Herria en Guernica (Los amantes ilusorios).

Ha obtenido numerosas becas de creación, como las de la Fundación BBK (2002), la Fundación Marcelino Botín (2003), que le permitió completar su formación en el International Studio & Curatorial Program en Nueva York y KREA de Caja Vital (2007).

Artista multidisciplinar, se dedica a la fotografía, al vídeo y a la escultura, evitando el uso de elementos prefabricados a la hora de materializar sus proyectos. Su obra, heredera de las corrientes dadaísta y surrealista, busca la interacción con el espectador y el traslado de lo personal al espacio público.

Entre sus obras destaca ABECEDA, Ballet Triádico, un complejo proyecto basado en el lenguaje, desarrollado en el marco del BAD, Festival de Teatro y Danza Contemporánea de Bilbao, 2009, que se materializó en la realización del cartel del festival, una exposición acompañada de una performance en la Galería Vanguardia y, finalmente, el ballet dirigido por la artista, estrenado en el Teatro Arriaga de Bilbao, que toma el subtítulo de Ballet Triádico como homenaje a Oskar Schlemmer y al trabajo que desarrolló como responsable del Taller de Teatro de la Bauhaus.

De 2008 a 2015, la investigación plástica de Mabi Revuelta ha estado articulada en torno a 3 ejes: el lenguaje, el juego y la educación en arte. El juego como método de aprendizaje se revela en cada una de las piezas de estos años.

Su obra forma parte de colecciones de museos e instituciones públicas como: TEA Tenerife Espacio de las Artes, International Museum of Women de San Francisco, Fundación Marcelino Botín,  Fundación BilbaoArte, ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, entre otras.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Mabi Revuelta
  • Abededa. Ballet Triádico
  • My Favorite Dress of Nothing, 2007
  • Divertimentos tipográficos, 2010.
  • C´mom, daby, Do the Ipsilamba with me!, 2015.

Gonzalo Puch

Gonzalo Puch es un artista andaluz (nacido en Sevilla en 1950, vive en Madrid) que realiza una obra multidisciplinar fruto de la combinación de fotografía, instalación y vídeo, y que generalmente lleva a cabo en el medio universitario. Su trabajo más que el empeño en un compendio enciclopédico subjetivo, es la búsqueda de un espacio poético donde se dan las cosas: vida, arte, saber.

© Gonzalo Puch

© Gonzalo Puch

 

La naturaleza se hace posible en nosotros gracias a la cantidad de relaciones que podemos establecer con ella; de esta forma naturaleza y cultura no pueden existir separadamente.

 

 

Biografía

Gonzalo Puch se inició en el mundo de las artes de la mano de la pintura abstracta, incorporando posteriormente a su proceso creativo escultura y fotografía. También ha combinado dibujo y fotografía en un proceso que parte de dibujos que posteriormente fotografía y mezcla digitalmente con fotos. Con el tiempo, también prepara instalaciones donde incorpora el video y diferentes elementos como el agua.

Crea situaciones o “incidentes”, generalmente en ambientes neutros, como salas de clase, o su propio apartamento, que luego registra fotográficamente y presenta en impresiones fotográficas en color de gran tamaño. A pesar de que sus métodos de trabajo y el medio ambiente son herméticos, su trabajo aborda y trata de poner orden al caos del mundo. Sus temas están relacionados con las diversas materias académicas tradicionales, como matemáticas, ciencia, música, biología y estudios de medio ambiente. Recientemente ha estado trabajando en paisaje inmediato abordando temas ambientales.

Su obra en los últimos años, se ha caracterizado por introducir tensiones entre lo fijo y lo moviente. Sus “naturalezas muertas” están siempre a punto de cambiar, los objetos fotografiados están sosteniendo un equilibrio inestable siempre en el borde del movimiento.

En 2010, Puch obtuvo una residencia de artista de un año en Location One en Nueva York, donde desarrolló la serie A Temporary Garden, donde hojas de plantas de hojas se combinan con dibujos lineales y objetos ensamblados en una fotografía.

Puch ha estado exhibiendo en España desde 1985. En 2004 se llevó a cabo una gran retrospectiva suya en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo en Sevilla, y en 2002 en la Fundación Antonio Pérez de Cuenca. En 2005 expuso en la Julie Saul Gallery de Nueva York.

Su obra está presente en numerosas colecciones en España, incluyendo el Centro Nacional Reina Sofía en Madrid, Artium en vitoria-Gasteiz, el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, la Fundación Cocacola y el Museo Blanton de la Universidad de Texas en Austin. Es profesor de la Universidad de Cuenca.

Referencias

 

 

Libros

Jo Ann Callis

Jo Ann Callis es una artista estadounidense (nacida en Cincinnati, Ohio, en 1940, vive en Los Ángeles, California), una de los primeros practicantes importantes del movimiento “fotografías fabricadas” en los 70, y que ha trabajado la fotografía en color, escultura, pintura e imagen digital.

 

Untitled, (Hand and Honey) from Early Color Portfolio, circa 1976 © Jo Ann Callis

Untitled, (Hand and Honey) from Early Color Portfolio, circa 1976 © Jo Ann Callis

 

 

Descubrí que podría hacer fotos de las cosas que tenía dentro de mi cabeza, de cosas no tangibles, y que no dependía de mi capacidad de dibujar.

Pero ese tema, ya sea la sexualidad o la sensualidad, ha sido constante en todo mi trabajo. Incluso cuando hago fotos de objetos los miro acariciándolos con los ojos.

 

 

 

Biografía

Jo Ann Callis comenzó sus estudios de arte en Ohio ya en la década de los 50. Después de su matrimonio y de criar sus hijos, volvió a la fotografía en la década de los 70 para terminar su licenciatura en la Universidad de California de Los Angeles (UCLA), inicialmente en diseño gráfico. Cuando hizo un curso de Robert Heinecken de fotografía experimental se sintió alentada por él para explorar el interior de su mente. También se inspiró para utilizar el color tras ver el trabajo de Paul Outerbridge.

En 1975, cuando todavía era estudiante en UCLA, un año antes de terminar su master en Bellas Artes, se le ofreció un puesto a trabajar en el California Institute of the Arts (CalArts), donde ha trabajado hasta ahora.

Para ella, la fotografía es otra herramienta de estudio para ser utilizada. Su inventiva la ha convertido en un referente en el arte del sur de California y en la práctica fotográfica actual. Su estilo vanguardista de “fotografía fabricada” fue reconocido prontamente y su trabajo ha sido exhibido y publicado internacionalmente, por ejemplo en la Whitney Biennial de 1981 y Museum of Modern Art en Nueva York, Los Angeles County Museum of Art, Hammer Museum y Museum of Contemporary Art en Los Angeles, San Francisco Museum of Modern ArtUniversity Art Museum de Berkeley, Hirshhorn Museum en Washington, D.C., Santa Monica Museum of Art, Min Gallery en Japón, Craig Krull Gallery en Los Angeles y Rose Gallery en Santa Monica.

En 2009 su retrospectiva Woman Twirling se exhibió en el J. Paul Getty Museum. Ha recibido diversas becas, como 3 NEA Fellowships, una Guggenheim Fellowship y Cultural Affairs Office en Los Angeles en 2001-2002.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como Museum Of Modern Art en Nueva York, Los Angeles County Museum of Art, J. Paul Getty Museum en Los Angeles, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden en  Washington, D.C, Gallery Min en Japón, entre otros.

En su libro más reciente, Other Rooms, muestra 2 series de fotografías realizadas en la década de los setenta,  que muestran el lado más sexual y sensual de Callis y que hasta el momento estaban inéditas. Casada y con 2 hijas con 23 años, a los 30 estaba divorciada, comenzando una nueva vida aprendiendo y trabajando en la fotografía. Sensuales e inquietantes, estas imágenes son un escaparate de imaginación erótica en sus muchas formas, todas íntimas y profundamente humanas.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Robert Moran

Robert Moran es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1952, vive en un pequeño pueblo en la costa de Maine) cuyo trabajo freelance le ha llevado alrededor del mundo. Su proyecto más reciente está enfocado en objetos comunes cuyo tiempo ha pasado.

 

© Robert Moran

© Robert Moran

 

 

 

Biografía

Robert Moran es un fotógrafo independiente. Su interés por la fotografía comenzó a la edad de doce años cuando sus padres le compraron una cámara de película Super 8 para Navidad. Pocos años después compró su primera cámara de 35 mm.

Después de estudiar arte en la Universidad de Maine, comenzó varios negocios a lo largo de veinte años. Durante ese período encontró el tiempo para estudiar fotografía y para dedicarse a proyectos personales que dieron lugar a varios cuerpos de trabajo. Aunque no es un fotógrafo de viajes, estos trabajos le llevaron a África, Asia, Groenlandia y el Pacífico Sur.

Sus fotografías forman parte de colecciones privadas en los EEUU, Gran Bretaña, Australia y América Central, como las de Cleveland Clinic, Magenta Foundation y Fort Wayne Museum of Art, y su trabajo ha sido expuesto en galerías y museos de todo EEUU y en el extranjero, como en la Ballarat International Foto Biennale de Australia, The Center for Fine Art Photography en Fort Collins, Griffin Museum of Photography en Winchester y el Magenta Flash Forward Festival en Canadá. entre otros.

Sus imágenes y series se han publicado en The Photo Review, Shots Magazine, B&W + Color Magazine, F-Stop, Lenscratch, Maine, Maine Home + Design Magazine, The Oxford American y BETA developments in photography.

 

 

Referencias

 

 

Libros y catálogos

  • Relics, 2013.

 

José Noguero

José Noguero es un escultor, pintor y fotógrafo aragonés (nacido en Barbastro, Huesca, en 1969, desde 1999 vive y trabaja en Berlín) cuya obra es compleja, al límite del concepto, utilizando todo tipo de recursos: escultura, molduras neobarrocas, espejos, … Incluso ha pintado y construye escenografías que luego fotografía y expone.

 

© José Noguero© José Noguero

 

Creo que nos movemos muchas veces en un paisaje mental… me interesa ver cómo ese paisaje mental interactúa con la realidad.

 

 

 

Biografía

José Noguero entró con dieciséis años en la Escuela Massana de Barcelona donde estuvo siete años, ha estudiado también en la Bristol Polytecnic y en la Rietveld Academy de Ámsterdam. Ha estado con becas en Roma y Nápoles y en 2005 realizó una estancia en el taller de escultura hindú de Lingaraj Maharana en Orissa. Actualmente vive en Berlín.

Su obra se sitúa entre las formas de representación clásicas, el bajo relieve, el bulto redondo, la factibilidad de la materia escultórica, la incorporación de la fotografía como medio expresivo y complementario, y el gusto por la escenografía. De este modo, conjuga elementos expresivos que, funcionando por separado, se complementan hasta conformar un resultado global.

En lo esencial, José Noguero es un escultor. Sin embargo, cada vez expone menos obras que se ofrezcan al tacto. En su mayor parte se trata de fotografías, que .fijan la imagen de la escultura, una escultura que, a diferencia de la estatuaria conmemorativa, y a semejanza de ser humano, es consustancialmente frágil y efímera. Escayola que nace para el martillo, o cera destinada al fuego.

En sus obras producidas en Roma son esculturas que ya nacen como imágenes, copias de algunas de las esculturas clásicas o barrocas que habitan esa ciudad, y que fotografía primero para modelar luego en barro. Luego las somete a un baño de silicona que distorsiona sus rasgos, y vuelve a fotografiar el resultado, siendo esto lo que, finalmente, expone.

Destacan sus exposiciones individuales Tierras raras/Seltene Erden en 2015 y Flämische Landschaften en 2014 en Greusslich Contemporary de Berlín, Espacio 5 en CAC de Málaga en 2014 y Nada es estatua en la Sala Buñuel del Paraninfo de la Universidad de Zaragoza en 2013.

Su obra forma parte de colecciones como las del Museo de Arte Contemporáneo Reina Sofía en Madrid, CAC en Málaga, ARTIUM en Vitoria-Gasteiz, Fundació Suñol en Barcelona, Künstlerförderung en Berlín, entre otras.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros y catálogos

Richard Learoyd

Richard Learoyd es un fotógrafo inglés (nacido en 1966 en Lancashire, vive y trabaja en Londres) que crea sus fotografías únicas por medio de una habitación que hace de cámara oscura. Sus imágenes se hacen directamente sobre papel fotográfico consiguiendo un efecto hiperrealista.

Agnes red © Richard Learoyd

Agnes red © Richard Learoyd

 

 

Biografía

Richard Learoyd estudió en la Glasgow School of Art, donde ya se fascinó con las imágenes de cámara oscura, cuando tenía 18 años. Posteriormente enseñó en la universidad y trabajó como fotógrafo comercial, pero cansado de esto decidió regresar a sus propios orígenes, perfeccionando este método.

Sus minuciosos retratos en color a gran escala no se parecen a otras fotografías. Están hechos con una cámara gigante compuesta por dos habitaciones, El sujeto a retratar (generalmente una persona, aunque a veces es un objeto, ocupa una habitación que contiene una potente fuente de luz, mientras que el papel fotográfico ocupa la cámara oscura adyacente, conectada a la primera habitación por un objetivo situado dentro de un fuelle de acordeón que data del siglo XIX.

Estas fotos son imágenes directas positivas únicas producidas sin negativo. Las fotografías son imágenes hechas por el registro directo de la luz que se refleja desde el objeto al papel fotográfico, consiguiendo  retratos de una intensidad psicológica inquietante. Los tiempos de exposición pueden ser bastantes largos, unas 8 horas, con la prueba que eso supone para sus modelos, pero sus fotografías son sin grano y sin distorsión.

Sus fotografías han sido recientemente adquiridas por The Metropolitan Museum of Art, Yale University Art Gallery, San Francisco Museum of Modern Art y el Victoria and Albert Museum, entre otros. En 2015 una gran exhibición de su trabajo tuvo lugar en el Victoria and Albert Museum, y será seguida en 2016 en el John Paul Getty Museum.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Richard Learoyd: Day for Night, 2015
  • Presences, 2011.
  • Richard Learoyd: Unique Photographs, 2007-09, 2009.

Matej Michalik

Matej Michalik es un fotógrafo eslovaco (nacido en 1981 en Bratislava, donde vive y trabaja) que se ha especializado principalmente en la fotografía de larga exposición de arquitectura y paisajes marinos, pero también está interesado en la fotografía de calle y en la fotografía infrarroja.

 

Hotel Double Tree by Hilton © Matej Michalik

Hotel Double Tree by Hilton © Matej Michalik

 

Estoy convencido de que no importa lo caro que sea el equipo de fotografía. Tener una buena imaginación es lo esencial.

 

 

Biografía

Matej Michalik se graduó en la Universidad de Economía de Bratislava, y ha estado trabajando en una empresa de la construcción desde que terminó sus estudios. Entró en contacto con la fotografía en 2010. Pertenece a la nueva ola de fotógrafos que no pasaron por la era analógica y el revelado en cuartos oscuros. Desde el principio, su intuición le condujo a las fotos en blanco y negro. Observaba el trabajo de varios fotógrafos artísticos cuyo trabajo apreciaba enormemente y empezó a comunicarse con ellos, compartiendo consejos y experiencia, y así es como empezó su camino por la fotografía.

Sabe que está todavía en el punto de partida de su camino, y que tiene que mejorar sus habilidades. Pero las habilidades son sólo una parte del juego ¡lo importante es la visión!

Utiliza la técnica de larga exposición por que capta algo fuera de la realidad, algo que no puede ser visto por el ojo desnudo. Esta herramienta permite al fotógrafo poder capturar el movimiento.

Respecto al uso del blanco y negro, es por la simplicidad y la paz que se extiende alrededor cuando uno está buscando en las cosas un modo monocromático. Las imágenes en blanco y negro representan el tema en su formato puro, crudo. Esto permite que la textura, el contraste y la forma salgan a la luz. Al tomar fotografías en blanco y negro, siempre trata de ser minimalista y mostrar una simplicidad pura. Lo que quiere conseguir es una simple fotografía limpia, llena de la atmósfera que sintió cuando estaba mirando a través del visor.

 

 

 

Referencias