Dorothy Wilding

Dorothy Wilding fue una fotógrafa inglesa (nacida el 10 de enero de 1894 en Gloucester y fallecida el 9 de febrero de 1976) cuyos cuidados y elegantes retratos se hicieron muy populares entre las estrellas de la escena londinense, la alta sociedad e incluso la Casa Real Británica.

Dorothy Wilding

Dorothy Wilding

 

 

 

Biografía

Dorothy Frances Edith Wilding fue la última de 10 hermanos de una familia de la alta sociedad británica. Vivía con sus tíos en Cheltenham desde los 4 años, pues no era querida por sus padres. Quería ser actriz o artista, pero su tío no se lo permitió, así que eligió el arte de la fotografía, que empezó a aprender, desde la iluminación hasta el retoque, a la edad de dieciséis años.

Finalmente pudo convencer a su familia para trasladarse a Londres, donde trabajó como aprendiz retocador en un estudio de retrato en Knightsbridge. En 1915 había ahorrado suficiente dinero como para alquilar un estudio, donde por falta de medios, fotografiaba de día y revelaba de noche. Fue prosperando, teniendo asistentes y alquilando mejores estudios hasta llegar en 1929 al de Bond Street, donde atrajo a estrellas de teatro y cine (Jessie Matthews, Diana Wynyard, Anna May Wong, Madeleine Carroll, Ivor Novello, Maurice Chevalier y Douglas Fairbanks, Jr., …) y a la flor y nata de la ciudad (Noël Coward, Cecil Beaton, George Bernard Shaw, Earl Mountbatten de Birmania, Aldous Huxley y Barbara Hutton). En aquellos “felices años veinte” realizó numerosos estudios de desnudos femeninos, entre los que destacan los de Dorothy Dickson, famosa actriz y cantante del momento.

Su estilo eran sus composiciones lineales muy iluminadas, fotografiadas en clave de alta, sobre un fondo blanco. Su éxito se basó claramente en sus magníficas técnicas de iluminación, su alto nivel de retoque y acabado, y sus conexiones sociales. Así, fotografió a un joven de príncipe George (más tarde Duque de Kent) que posó para ella y se convirtió en su primer retrato real.

Seis años más tarde fue seleccionada para tomar las fotografías oficiales del compromiso del príncipe George con la princesa Marina de Grecia. Una sesión en 1935 le cogió fuera del estudio y tuvo que dar instrucciones por teléfono a su principal operador de cámara Maryon Parham para fotografiar a Wallis Warfield Simpson, la futura duquesa de Windsor, cuando su relación no era aún mencionada por la prensa británica, y que fue acompañada al estudio por el príncipe de Gales Edward. Una imagen de esta sesión, coloreada a mano, sería portada en Times señalando a Wallis como “Mujer del año”.

Wilding fue la primera mujer designada por la Casa Real Británica como fotógrafo oficial en su coronación de 1937 y abrió un estudio en Nueva York por esas fechas, donde fotografiaría a  Fannie Hurst, Tallulah Bankhead, Gracie Fields y Gertrude Lawrence en el momento de su aparición en Pygmalion. En 1940 una bomba alemana destruyó su estudio de Londres y se trasladó más tiempo a Nueva York. Así algunos trabajos en su estudio eran realizados por sus asistentes y colaboradores, cuando estaba en la otra ciudad.

El retrato que realizó de la recién coronada Isabel II fue utilizado en numerosos sellos postales en el Reino Unido y Canadá durante los años 50 y 60.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Roberto Pireddu

Roberto Pireddu es un fotógrafo italiano (nacido el 5 de octubre de 1984 en Cagliari, Cerdeña, actualmente vive en Bolonia) que documenta a través de blancos y negros profundos y muy contrastados, el mundo real de la calle de nuestras ciudades.

© Roberto Pireddu

© Roberto Pireddu

 

 

Biografía

Roberto Pireddu comenzó a dibujar muy joven, y así el lápiz se convirtió en un socio leal utilizado para crear arte, y no en un instrumento de tortura para trabajar en el mundo de la topografía (sus estudios). Con el tiempo, su estilo de dibujo cambió, abandonando poco a poco los pasteles para concentrarse únicamente en creaciones en blanco y negro. Cuando se encontró con el mundo de la fotografía hace unos pocos años el blanco y negro se convirtió rápidamente en su hábitat natural.

En 2014, dejó de Cerdeña y se trasladó a Bolonia, en la península italiana. Este hecho lo puso en condiciones de comprender mejor la isla de dónde venía: su singularidad, su fuerza y también sus debilidades.

Su proyecto Ma | re es una descripción íntima de un escándalo medioambiental, con gran impacto en toda la ciudad de Cagliari (capital de Cerdeña). Esta historia fotográfica muestra el drama de la playa de Poetto, un rincón del paraíso en la tierra con finas arenas blancas, aguas cristalinas y un fondo de mar plano que permitía a los bañistas avanzar hacia el mar decenas de metros con el agua a la altura de los tobillos, y que ahora está en un estado depresivo de abandono, lleno de vallas, construcciones abandonadas y arena oscura y gorda.

Con este trabajo, plasmado en libro, en el que confronta fotografías del depauperado paisaje actual con fotografías de personas con fotos del pasado esplendor en sus manos, ha obtenido en 2015 diversos premios como el 1er lugar en la categoría Libros – No Profesional y finalista en Descubrimiento del Año en los IPA International Photography Awards, 2º puesto en la categoría Tema libre – no Profesional en los ND Neutral Density Awards, el 3er lugar en Elección popular para no profesionales en la categoría Book Proposal – Documentary en el PX3 Prix de la Photographie de París y Mención Honorable en Libro Documental en los MIFA Moscow International Foto Awards.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • ma | re.

 

David Hobby

David Hobby es un fotógrafo estadounidense (nacido el 30 de enero de 1965, vive en Columbia, Maryland) con una larga carrera como reportero gráfico y autor del blog de iluminación Strobist, que promueve técnicas de iluminación principalmente con el flash fuera de la cámara.

 

© David Hobby

© David Hobby

 

 

Biografía

David Hobby estudió fotoperiodismo en la Universidad de Florida, trabajando como reportero gráfico más de 20 años (Patuxent Publishing Company y The Baltimore Sun).

Actualmente trabaja como freelance en proyectos comerciales y editoriales, y publica el blog Strobist.com, que es leído regularmente por más de 350.000 fotógrafos de todo el mundo, y que fue nombrado como uno de los 25 mejores blogs del año 2010 por la revista Time.

En 2009, Hobby fue nombrado uno de Los 5 fotógrafos más importantes en Internet por Photo District News. También esta revista lo consideró uno de Los 30 fotógrafos más influyentes de la década.

Hobby experimenta en la intersección de la fotografía, la web 2.0 y las redes sociales, el estudio de nuevos caminos en los negocios y los ecosistemas de la gente creativa.

Es coautor con su esposa Susan Thornton del libro Columbia: A Celebration y producido el tutorial en 8 DVDs Strobist Lighting Seminar. En 2011 preparó un nuevo tutorial titulado Lighting in Layers en 6 DVDs.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

Fabien Pio

Fabien Pio es un fotógrafo francés (nacido en 1988 en Aviñón, vive y trabaja en Montpelier) cuya obra está hecha con sus andanzas diarias, utilizando el medio fotográfico para escribir las cosas simples de la vida, como si fuera un diario, un cuaderno de todos los días.

© Fabien Pio

© Fabien Pio

 

 

Biografía

Fabien Pio estudió en la Universidad de Aviñón y posteriormente en la Escuela de Bellas Artes de Montpellier.

Sus imágenes están creadas con sus andanzas diarias, en un lenguaje cinematográfico y literario, de acuerdo a un lugar esencial a la narrativa de las imágenes. Es como una autobiografía, presentándose a sí mismo a través de los demás y las cosas que le suceden a todos, sobre la base de una realidad latente, o tal vez una ficción subyacente, al mismo tiempo íntima y universal, esbozada entre el sueño y la realidad, en una ambigüedad eterna.

Ha expuesto individualmente y en grupo, en Francia, Grecia, Italia

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Dans la brume aquatique.
  • En echo de lumière.

Matías Altbach

Matías Altbach es un fotógrafo profesional y emprendedor argentino (vive en Buenos Aires) que realiza fotografía del mundo de la música, normalmente grandes eventos, festivales o conciertos de rock, donde retrata tanto a músicos como al público asistente.

© Matías Altbach© Matías Altbach

 

 

 

 

Biografía

Matías Altbach dejó su trabajo de 9 a 5 como administrador de una empresa, para seguir sus dos pasiones principales: la música y la fotografía. Combinar ambos mundos fue algo natural para él, y comenzó a fotografiar conciertos en directo en clubes, lugares, fiestas y todo evento que pudiera encontrar. Al poco tiempo fue reconocido en la escena musical y la noche de Buenos Aires, y comenzó a trabajar como fotógrafo oficial de los parties más representativos y en vivo de la meca cultural de América Latina.

Siempre presente y activo en la escena cultural en Argentina, Matías comenzó sus propios proyectos y participó en varias iniciativas de cooperación: desde revistas especializadas a una cobertura conjunta de festivales en capitales de América del Sur (Río de Janeiro, Oruro, Buenos Aires, Montevideo), fue comisario del Photographic Museum of Humanity formando parte del Comité financiero de la FECA (Festival de Cultura Autogestionado).

Ahora vive una nueva pasión: la de la enseñanza: enseña Fotografía del mundo de la Música y espíritu empresarial para cualquier persona que está dispuesta a sentarse a través de largas sesiones de visualización de imágenes, compartir trucos y tomar algún vaso de vino de vez en cuando. En 2014 fue galardonado con el premio al Best Music Photographer en la categoría profesional por la New Musical Express.

Ha dado el salto a Europa para la temporada de festivales cubriendo los mejores conciertos y festivales: Primavera Sound en Barcelona, BST Hyde Park y Wi-Fi en Londres, Roskilde en Dinamarca, T in the Park en Escocia, Latitud en Inglaterra, Sziget en Budapest y Leeds en Inglaterra. Ha formado parte del equipo oficial del Lollapalooza de Berlín en 2015.

Esto le ha permitido que sus imágenes se hayan publicado en la BBC News, The Guardian, Billboard, Daily Star, Irish Daily Star, London Metro Newspaper, NME, MOJO, además de en muchos medios de comunicación argentinos.

A sus más de 300 conciertos en Argentina y en el extranjero, añade su labor de editor de fotografía en varias revistas y medios especializados en línea. Actualmente es editor de fotografía en Indie Hoy.

 

 

Referencias

Michael DiDonna

Michael DiDonna es un músico y fotógrafo estadounidense (nacido en Long Island, Nueva York) que realiza fotografía de retrato, moda publicidad y viajes.

 

© Michael DiDonna

© Michael DiDonna

 

 

Biografía

Michael DiDonna, nativo de Nueva York, estudió música y fotografía artística en el Hampshire College bajo la tutela de muchos maestros modernos. Estuvo como asistente de algunos de los  mejores fotógrafos de moda y publicidad y trabaja profesionalmente como fotógrafo en la ciudad de Nueva York.

Además de su profundo conocimiento de las técnicas fotográficas tradicionales, su comprensión de la composición musical le ha ayudado a desarrollar un estilo fotográfico auténticamente único y potente. Experimentado fotoperiodista y fotógrafo de viajes, ha aplicado esta experiencia en el proceso del retrato y en las capturas espontáneas en presentaciones en vivo.

Sus clientes  incluyen  Interscope, Verve, Blue Note, Ropeadope, Warner Brothers, Atlantic Records, Sports Illustrated, Victoria’s Secret, Guess, Playboy, Bausch&Lomb y Verizon Wireless.

Su trabajo también puede ser visto en publicaciones como JazzTimes, Rolling Stone, Fader y TimeOut.

 

 

Referencias

 

Laura McPhee

Laura McPhee es una fotógrafa estadounidense (nacida en 1958 en Manhattan, vive en Brookline, Massachusetts) que considera que el trabajo de su vida es mirar y entender el lenguaje de un lugar.

© Laura McPhee

© Laura McPhee

 

 

 

Biografía

Laura McPhee nació en Manhattan y creció en el centro de Nueva Jersey. Obtuvo su licenciatura en la Universidad de Princeton y un master en Rhode Island School of Design. Actualmente es profesora en el Massachusetts College of Art and Design.

Trabaja en una variedad de géneros: retratos, paisajes, naturaleza muerta e interiores. Muy a menudo, su trabajo tiene que ver con el lugar y la forma en que nos vemos a nosotros mismos en relación con la tierra, ya sea en Nueva Jersey, Calcuta, Francia o el oeste de Estados Unidos. Sus fotografías a gran escala provocan preguntas sobre nuestras actitudes y creencias sobre la tierra en que vivimos, a veces preguntas ambientales, otras veces preguntas culturales o geográficas.

Su trabajo ha sido ampliamente exhibido tanto en Estados Unidos como en el extranjero, y ha conseguido varias becas y residencias, como la Fulbright Scholars Fellowship en 1998 para trabajar en India y Sri Lanka, en 2003-05 una residencia en Idaho de la Alturas Foundation, en 1995 una beca New England Foundation for the Arts, y una John Simon Guggenheim Memorial Foundation en 1993.

Su obra se encuentra en las colecciones del Getty Center en Los Angeles, Los Angeles County Museum of Art, San Francisco Museum of Modern Art, Museum of Fine Arts de Houston, Metropolitan Museum of Art en Nueva York y el Boston Museum of Fine Arts, entre otras.

Está representada por las galerías Benrubi en Nueva York, Carroll and Sons en Boston, Gail Severn Gallery en Ketchum, Idaho y Rose Gallery en Los Angeles, California.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Alastair Magnaldo

Alastair Magnaldo es un “coleccionista de imágenes”  francés (vive y trabaja entre Provenza y Cévennes) cuya fotografía, fotomontajes principalmente, rompe los límites de la realidad, creando nuevos mundos donde la magia y la poesía son las reglas.

 

© Alastair Magnaldo

© Alastair Magnaldo

 

No me gusta que la fotografía tenga límites, por eso siempre sueño con paisajes. Para mí, un paisaje se extiende más allá de su estricta representación, es una invitación a la imaginación. Una invitación a los sueños y la poesía, donde cada detalle tiene su propio sentido, cada elemento su uso y cada escena una historia.

 

 

 

Biografía

Alastair Magnaldo descubrió la fotografía cuando tenía diez años y quedó fascinado por las impresiones en blanco y negro reveladas por la luz. Armado con una Voigtländer y un fotómetro de mano, dio sus primeros pasos en el largo y sinuoso camino de la fotografía en blanco y negro. Desde entonces, ha mantenido una visión llena de luz, empleando el color puntualmente para reforzar una atmósfera determinada. Después, renunció a cualquier pretensión en el arte de la fotografía e hizo estudios científicos: doctorado en Física-Química.

Alrededor del 2000, se compró un escáner de negativos y una impresora, pasándose al mundo digital. Para entonces ya dominaba perfectamente la técnica, y así pudo poner toda su energía en el concepto fotográfico.

Para crear sus imágenes primero hace un boceto y luego comienza la caza de su foto, buscando los objetos adecuado para ella. La creación de una obra le lleva unas ocho horas, la mayor parte de las cuales se consumen en el tratamiento digital. Sin embargo, la toma del paisaje de fondo de la foto le puede tomar varias horas en espera de las condiciones perfectas. Y en una de sus obras tuvo que esperar dos años en conseguir la correcta posición de la luna.

Magnaldo ha publicado su obra en diversas revistas y ha ilustrado numerosas portadas de libros, carátulas de CD y carteles de teatro.

 

 

Referencias

 

 

Libros

 

Gregory Heisler

Gregory Heisler es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1954) reconocido por su evocador trabajo de retrato que ha aparecido en muchas portadas de importantes revistas como Time.

© Gregory Heisler

© Gregory Heisler

 

 

 

Biografía

Gregory Heisler es un fotógrafo y educador que es conocido por su dominio técnico y capacidad de respuesta reflexiva. Su entusiasmo y curiosidad quedan reflejados en todos los aspectos del proceso de toma de imagen.

Sus icónicos retratos e innovadores ensayos visuales han aparecido en las portadas y páginas de muchas revistas, incluyendo Time, Esquire, Gentlemen’s Quaterly, GEO, Sports Illustrated, ESPN y el New York Times Magazine. Sin embargo, es más conocido por su más de 70 portadas de la revista Time. También ha realizado campañas publicitarias para clientes como American Express, Benson & Hedges, Dewar, Merrill Lynch y Nike. Ha fotografiado desde Bill Clinton a Bruce Springsteen, pasando por Al Pacino, Julia Roberts, Hillary Clinton, Michael Phelps, Carl Lewis, Muhammad Ali, Anthony Hopkins.

Los encargos son otro foco importante de su trabajo: impresión litográfica del alcalde Edward I. Koch para el Ayuntamiento de Nueva York, retrato de Rose Marshall para la Biblioteca Pública de Nueva York, retrato del alcalde de Nueva York Michael R. Bloomberg. También estuvo como fotógrafo oficial de la Casa Blanca, pero este privilegio fue revocado tras el enfado del presidente George H. W. Bush por una foto de doble exposición con el título The Two Faces of Bush que le hizo Heisler para Time. Más recientemente, realizó retratos a gran escala de destacados autores, actores y actrices en el National Arts Club en la ciudad de Nueva York.

Como orador y educador, ha impartido clases en el International Center of Photography, The School of Visual Arts (Master of Fine Arts Program), The Smithsonian Institution (Masters of Still Photography Series) y la National Geographic Society. También ha realizado decenas de talleres y seminarios en todo el país y en el extranjero. Gregory ha sido Artist-in-Residence en el Hallmark Institute of Photography en Massachusetts, y desde otoño de 2014 es profesor de fotografía en el programa de Multimedia Photography & Design de la S.I. Newhouse School of Public Communications en la Universidad de Syracusa.

Entre los premios que ha obtenido, podemos citar el ASMP Corporate Photographer of the Year Award en 1986, Leica Medal of Excellence en 1988, World Image Award en 1991 y el Alfred Eisenstadt Award en 2000. Es un Explorador de la luz de Canon, un Ilford Master y un X-Rite Coloratti.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Christian Lagata

Christian Lagata es un artista multidisciplinar (nacido en Jerez de la Frontera en 1986, vive entre Madrid y Sevilla) al que le resulta perfectamente natural combinar y remezclar materiales de diferentes disciplinas, independientemente de su procedencia o de su semejanza con modelos preexistentes.

© Christian Lagata

© Christian Lagata

 

 

No me gusta encasillarme en una vertiente fotográfica de manera exclusiva. Siempre me ha gustado coger un poco de allí y de allá. Estoy a caballo entre varias disciplinas. Cuando hago algún trabajo me gusta que la imagen genere una duda existencial.

 

 

 

Biografía

Christian Lagata nació en una familia con mucha pasión por la música y el cine. En 1973 su padre comenzó a trabajar vendiendo coches de importación americanos, alquilaron una pequeña casita en la playa, colindando con la valla de la base estadounidense de Rota, donde hacían muchos guateques, pintaban murales y se divertían. Desde entonces, esa valla formó parte de su día a día. A los 15 años, consiguió cruzarla gracias a la madre de un amigo y lo que vio allí le impactó.

A los 20 años, tras abandonar el objetivo de ser abogado, decidió comenzar a estudiar fotografía y otras disciplinas por su cuenta. Posteriormente estudió producción de cine, tras un intento truncado de estudiar dirección, y comenzó a empaparse de música de manera obsesiva.

En el año 2011 se trasladó a Madrid y junto con unos amigos creó la plataforma Zunder Collective, enfocada a propulsar a artistas emergentes de diferentes disciplinas, haciendo labores de gestión cultural, como Photobook´s Invaders en Casa del Lector o VETA en BBAA.

Realizó los master de Fotografía Contemporánea y Proyectos Personales en la escuela de fotografía EFTI de Madrid con una beca completa. En 2012 comenzó el máster de Desarrolo de proyectos en Blank Paper, centrándose en su proyecto Up Around the Bend, e interesándose en el vídeo arte, la escultura y otras disciplinas diferentes a la fotografía.

Tras volver de Berlín y haber sido seleccionado y becado en diferentes festivales y convocatorias, publicó Up Around the Bend en forma de fotolibro gracias a Jesús Micó (Kursala) y Gustavo Alemán (Fuego Books).

Posteriormente ha estado trabajando en un proyecto que comenzó en Berlín en 2013, titulado What you whispered into my ear (spread out into the world), en el que trabaja principalmente la vídeo instalación y la escultura teniendo como base detonante la imagen fotográfica y sus diferentes interpretaciones.

Ha participado en el festival de fotografía emergente Paraty em foco 2013 en Brasil, en el Encontros da imagem, Emergentes DST de Braga. Descubrimientos PHE 14, ganador de la XII beca Roberto Villagraz de EFTI.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Up Around the Bend.

Pierre Pellegrini

Pierre Pellegrini es un fotógrafo suizo (nacido el 7 de septiembre de 1968 en Sorengo) que realiza principalmente fotografía de larga exposición en blanco y negro de paisajes (especialmente de árboles) con película y polaroids.

© Pierre Pellegrini

© Pierre Pellegrini

 

 

Biografía

Pierre Pellegrini estudió diseño arquitectónico, pero se dio cuenta de su sueño era convertirse en un maestro de educación física. Durante su desarrollo profesional, se dedicó también a la fotografía, que le representa un maravilloso medio de comunicación y que le permite, al mismo tiempo, dar a los espectadores la oportunidad de sentir emociones.

Se ha especializado en paisajes y fotografía de arquitectura. Para crear sus fotografías, la mayor parte de ellas en blanco y negro y realizadas mediante la técnica de larga exposición, utiliza principalmente cámaras analógicas y polaroids. Captura los árboles de una forma espectacular, con la técnica de larga exposición, combinada con una fuerte perspectiva y un ambiente con nieblas, consiguiendo unas creativas e inspiradoras imágenes hermosas y misteriosas al mismo tiempo.

Ha obtenido numerosos premios, entre los que podemos citar en 2016 el 9º Annual International Color Awards y en 2015 Blanck & White Spider Awards, 1 premio en ND Awards en Paisaje artístico, 1 premio en PX3, Prix de la Photographie Paris.

 

 

 

Referencias

 

Otto Snoek

Otto Snoek es un fotógrafo holandés (nacido en 1966 en Rotterdam, donde vive y trabaja) que se acerca a la fotografía desde la frontera entre la crítica social y la compasión, tratando de hacer visible la relación ambivalente entre la promesa y la decepción de nuestra moderna forma de vida urbana. Fotógrafo urbano, ha compaginado una moderna fotografía de calle de su Holanda natal, con una más nostálgica de la Ucrania de la caída del comunismo.

 

© Otto Snoek

© Otto Snoek

 

 

Biografía

Otto Snoek nació y creció en Rotterdam, una tradicional ciudad portuaria de clase trabajadora, que le terminó alienando: la ciudad ya estaba en proceso de reconstrucción sin fin, una neurosis heredada de los terribles bombardeos del centro y los puertos de la ciudad, en la II Guerra Mundial cuando fue invadida por una gran oleada de inmigrantes, y ahora conviven en ella cerca de 174 culturas, siendo la mitad de la población extranjera y la otra mitad locales.

Otto ha estado documentando esta ciudad y a sus habitantes durante más de dos décadas, con una técnica que le permite capturar los momentos exactos que mejor encajan en su visón de su ciudad, que ahora dice ser la ciudad de los festivales, con una creciente comercialización del ocio. Este amanecer de una nueva era, esta nueva Rotterdam, exige un nuevo enfoque, al que se ha apuntado Snoek con una fotografía muy moderna, fascinado por los espacios públicos, plazas y centros comerciales, donde se congregan gran cantidad de grupos con sus propios códigos y donde es lógico que surjan fricciones y tensiones entre los individuos y los grupos. Snoek captura todo esto en un estilo personal incomparable, donde todos los extras en sus fotos tienen un papel personal en una obra de teatro sin director.

Sin embargo, no siempre fue así. Cuando era todavía un aficionado pero estaba ya convencido de que deseaba dedicarse a la fotografía, un veinteañero Otto fue a visitar a un colega ucraniano que vivía en Járkov, la segunda ciudad en importancia de la entonces república federada en el bloque soviético. Entre 1989 y 1992 fue a visitarlo media docena de veces, asistiendo a los últimos meses de la URSS, a la independencia de Ucrania en 1990, a las primeras elecciones democráticas al año siguiente y al comienzo de una recesión incontrolable que hizo perder al país el 60% del PIB entre 1991 y 1999. Snoek se dedicó a hacer fotos sin pretender documentar con realismo periodístico lo que sucedía, sino construir su propia visión de esos lugares, momentos y personas, tan extraños a lo que conocía. Para ser fiel a la situación de decadencia y darle un aire nostálgico empleó equipo fotográfico fabricado en la URSS, revelando los carretes en los laboratorios locales que iba encontrando. Este trabajo fue su proyecto de graduación en la Academia St. Joost de Breda y sentó las bases de su carrera como fotógrafo.

Forma parte del colectivo de fotografía de calle in-public. Expone regularmente en grupo e individualmente en Holanda y Europa. En 2015 ha participado en ParisPhoto y en la Bienal de Moscú.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros