Lisa Bettany

Lisa Bettany es una empresaria y fotógrafa canadiense (nacida en Victoria, vive en Comox, Columbia Británica) cofundadora de la mejor aplicación para iPhone de fotografía, Camera+. Sus vibrantes y llamativos paisajes y sus fotos de viajes se han visto millones de veces en revistas, publicaciones en línea y emisiones de televisión.

 

© Lisa Bettany

© Lisa Bettany

 

Nunca digas nunca.

 

 

Biografía

Lisa Bettany era una patinadora artística de competición, pero sufrió un trágico accidente a los 21 años,y  se vio obligada a renunciar a sus sueños olímpicos. Una amiga cercana le prestó una cámara para curar y explorar su creatividad. Cuando se recuperó de su lesión en la espalda, la fotografía la llevó de vuelta a su pasión por la vida y los viajes.

Paralelamente a su trabajo fotográfico, como creció rodeada de ordenadores porque su padre era profesor de informática, ha querido hacer accesible la fotografía creativa y el video a millones de personas, cofundando varias aplicaciones de iPhone / iPad más vendidas como Camera+ en 2008, MagiCam en 2014, Vee for Video en 2015 y compró Filters en 2015. Su Camera+, creada junto con un equipo internacional de seis desarrolladores, ha vendido más de 14 millones de copias, siendo la aplicación de cámara más vendida de todos los tiempos.

Lisa, como es natural, ha basado parte de su trabajo fotográfico en el uso de aplicaciones móviles, creando sin un equipo profesional imágenes increíbles

Lisa fue incluida en la lista de los 30 fotógrafos más influyentes por Huffington, y ha ganado varios premios de emprendedores, como la mejor mujer emprendedora en tecnología por Forbes. Por su obra, tanto la tecnológica como la artística, ha sido publicada en Elle Magazine, Fast Company, Digital Trends, The Capital, Grazia, Venture Beat, CBS News, ABC News, Marie Clare, Wired, FastCo Exist, Apple App Store, FStoppers, Foreign Correspondent, PopSugar, BGR, Business Insider, Huffington Post,  Forbes, The Verge, Follow the Geeks, Engadget, Gizmodo, Thrillist, The New York Times, Toronto Star, Times Colonist, SALT Vancouver Island Magazine, Science News, The Globe & Mail, CNET y Lifehacker.

Tras vivir en el extranjero durante los últimos años, Lisa ha regresado a la costa oeste de Canadá y continúa compartiendo sus consejos de fotografía y viajes con sus más de 3 millones de seguidores con la esperanza de inspirar en la captura de recuerdos y crear hermosas fotos con cualquier cámara que se tenga.

 

 

Referencias

Miquel Matorrodona Maza

Miquel Matorrodona Maza fue un fotógrafo catalán (nacido en 1854 en Barcelona y fallecido en esta misma ciudad) que consiguió bastante prestigio en la Barcelona de finales del siglo XIX y principios del XX. Tuvo uno de los grandes estudios fotográficos de Barcelona en esa época. Sus fotos se encuentran aún relativamente fácil en el mercado y son de elevada calidad sobre todo en el retrato femenino de estudio.

 

Miquel Matorrodona

Miquel Matorrodona

 

 

Biografía

Miquel Matorrodona Maza nació en Barcelona, en el barrio del Pi, en el seno de una familia acomodada de Reus que llevaba pocos años en la ciudad. Los Matarrodona o bien Matorrodona, poseían tierras y casas en las ciudades de Reus, Constantí, Selva del Camp .., y seguramente se dedicaban a la administración de su patrimonio.

Su infancia y juventud transcurrieron entre el barrio del Pi y las casas que hizo construir su padre en el barrio del Farró del pueblo de Sant Gervasi. En este lugar tenía su recreo su familia huyendo de una ciudad superpoblada poco recomendable por las continuas epidemias y oprimida por las antiguas murallas. Estudió el bachillerato y luego hizo la carrera de medicina en la Universidad de Barcelona. Terminados sus estudios se casó en 1875 con Rosa Santonja Bassols, hija de una familia de larga tradición en la fabricación de sedas y pasamanería.

En 1877 hacía retratos en un estudio fotográfico de la Rambla del Centro que había dejado el fotógrafo francés Gustave Larauza. Estos retratos eran firmados con MM, Sucesores de Larauza. Poco después, en 1879, abrió un lujoso estudio con grandes escaparates en la calle de Fernando VII, donde estaban los establecimientos más lujosos de la ciudad hasta el desarrollo comercial del Paseo de Gracia, compitiendo con otro fotógrafo eminente de la época, la casa Napoleón, que tenía el suyo casi enfrente. Parte del estudio de Matorrodona lo ocuparía posteriormente el fotógrafo Pau Audouard.

Aunque realizó helotipios exteriores del paisaje urbano y documentó la arquitectura moderna de Barcelona, centró su trabajo en el retrato de estudio: individuales, por parejas, grupos (sobre todo de estudiantes universitarios) y composiciones delante de telas ambientadas que usaba para retrato de niñas y niños disfrazados y de comunión, y al de señoras y señoritas elegantemente vestidas con trajes de boda o complementos exóticos.

Hoy se conservan sobre todo positivos en papel, o papel sobre un soporte secundario de cartón, en formatos tarjeta de visita y carte-de-cabinet. Se trata de formatos muy similares en el proceso y el diseño, casi siempre realizados en copias de papel a la albúmina.

Participó en el Concurs Artístic de la Vella Barcelona, promovido en 1907 por la Unión de Artistas de la ciudad y la Junta de Museos, para documentar la parte de la ciudad antigua que iba a desaparecer por razones urbanísticas.

Su obra fue publicada en diferentes revistas de aquellos tiempos, como: La ilustración Catalana, Voz de Cataluña, El cencerro de la Torratxa, donde expuso sus trabajos y fotografías de personajes populares del momento, como políticos, médicos, toreros, cantantes de ópera, actores y actrices, obispos, … También colaboró con La Tomasa, de 1889 hasta 1895, pero la publicación de su Almanaque en 1894 levantó una gran polémica por salir en sus páginas señoras en actitudes poco recomendables. Este tema debió ser la puntilla para su vida privada con una difícil relación con su madre viuda y la poca gracia que su vida como artista hacía a la familia conservadora de su mujer, así que desapareció, aunque su estudio no cerró trabajando en él su mujer y su hijo, Miquel Matorrodona Santonja de 15 años, consiguiendo premios y realizando exposiciones, hasta su cierre en 1928 por la muerte temprana del hijo.

Su obra forma parte de la colección Josep M. Duran i Sabater, perteneciente desde 2011 al Archivo Histórico Provincial de Tarragona.

 

Referencias

 

 

Libros

Kevin WY Lee

Kevin WY Lee es un fotógrafo, comisario y director creativo (nacido en 1973 en Fiyi, vive en Singapur) cuyos trabajos tienen su principal interés en Singapur, su historia y condición moderna, y más en concreto, en la mortalidad y en cómo la gente se enfrenta con la finitud de ser mortal en sus vidas públicas y privadas.

Nanjing Stall © Kevin WY Lee

© Kevin WY Lee

 

 

Biografía

Kevin WY Lee es un diseñador graduado en el College Of Fine Art en la Universidad de Nueva Gales del Sur, Australia, que ha trabajado como profesional creativo durante más de 20 años. En 2010, fundó Invisible Photographer Asia (IPA), una plataforma muy seguida sobre fotografía y artes visuales en Asia.

Participa vigorosamente en la fotografía y el arte en toda la región como practicante, comisario, productor y editor. Kevin es comisario de varios festivales y programas, incluyendo el Angkor Photo Festival, el Prix Pictet Award y la PhotoQuai Biennale. También ha sido jurado en varios concursos como Feature Shoot Emerging Photography Awards, Singapore Creative Circle Awards, Hong Kong Photobook Awards, The Big Picture Contest y el Kuala Lumpur International Photo Awards. Su trabajo ha sido publicado en CNN, Straits Times, Discovery Magazine, GE11 Book y en el Twentyfifteen Project.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Suddenly The Grass Turn Greener, 2016.
  • Bay Of Dreams, 2013.

Greg Schmigel

Greg Schmigel es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1969 en Worcester, Massachusetts, vive en Easton, Maryland) cuyas fotos son simples representaciones de la vida que nos rodea. Con un móvil iPhone sencillo y una gran pasión por la vida y la fotografía en la calle documenta la vida de la calle y las actividades a su alrededor, basándose en cómo percibe la comunidad activa, la gente en movimiento, los coches y los elementos callejeros.

© Greg Schmigel

© Greg Schmigel

 

Hay algo especial y único en hacer fotografía callejera. Es real. Son verdaderos pedazos de vida tal como la vemos y, muchas veces, como otros la extrañamos.

 

 

 

Biografía

Greg Schmigel nació en Worcester, Massachusetts, pero ha pasado la mayor parte de su vida en y alrededor del área metropolitana de Washington, DC. Su trabajo de día es como diseñador para una agencia de marketing directo en las afueras de Washington DC. Aunque admirador desde siempre de la fotografía como forma de arte, tardó en usar una cámara, y comenzó a pensar en serio en la fotografía unos 6 años más. La fotografía le permite dejar el estrés del día y respirar libremente.

Es considerado por muchos un pionero en el movimiento de la fotografía con móvil, sobre todo fotografía callejera con móvil y sus imágenes toman con una mirada rápida y franca las situaciones diarias y las vidas de los extraños que los que se encuentra en la calle. La gran mayoría de sus fotografías callejeras (de 2007 a 2014) han sido creadas mediante un simple dispositivo móvil de mano: el iPhone. Son en blanco y negro y utiliza normalmente 2 aplicaciones del móvil para darle el acabado final.

Prefiere ser calificado como fotógrafo de calle más que como fotógrafo de móvil, porque piensa que la cámara es solo un pequeño elemento y que el 90% del proceso fotográfico se basa en la visión del autor.

En 2015, una selección de su obra fue aceptada en la colección permanente deCordova Sculpture Garden and Museum en Lincoln, Massachusetts. En 2011, Schmigel fundó el Mobile Photo Group (MPG), un colectivo internacional de fotografía móvil, compuesto por otros 11 artistas seleccionados de todo el mundo. En 2012 lanzó el proyecto social We’re All Strangers, consistente en retratos de extraños. En 2013 fue seleccionado como fotógrafo móvil por la nueva agencia de fotografía Stocksy.com.

Desde el lanzamiento de su página Just What I See ha sido invitado por Apple para dar charlas  sobre temas de fotografía móvil.

Su trabajo ha sido exhibido por todo el mundo desde 2010, incluyendo exposiciones en Roma, Berlín, Madrid, Nueva York, Filadelfia, Ciudad de Panamá, Baltimore y Washington DC. Su trabajo forma parte de una exhibición itinerante de dos años de duración, por 13 ciudades por España, junto con la de otros siete fotógrafos de móviles.

 

Referencias

Michal Giedrojc

Michal Giedrojć es un fotógrafo polaco (nacido en 1980 en Slupsk) que está interesado en la fotografía creativa principalmente. Sus fotos representan su propia visión subjetiva de la realidad, la gente y los lugares. La mayoría son imágenes manipuladas gráficamente donde la visión es filtrada por la sensibilidad, presentando situaciones que nunca sucedieron y sólo fueron creadas por la imaginación del autor y los sueños.

 

© Michal Giedrojć

© Michal Giedrojć

 

Biografía

Michal Giedrojć estudió fotografía en la Universidad de Artes de Poznań. Su tema principal ha sido el ser humano, y le encanta hacer retratos, concentrándose principalmente en los rostros caras, Su fotografía representa su propia mirada subjetiva. No hay objetividad ni intenta presentar el verdadero carácter de las personas que se encuentran frente a sú cámara. A menudo convierte la belleza en fealdad y fealdad en belleza.

Su proceso creativo se inicia mucho antes de presionar el disparador. En la fotografía artística la creación comienza con una idea. El tiempo pasado delante del ordenador es el momento más importante en la formación del mundo de una escena particular, pero la misma intensidad se necesita en cada paso creativo. En muchas de sus fotografías el sujeto principal es él mismo.

Ha realizado numerosas exposiciones, tanto individuales como colectivas, en Polonia y en el extranjero. Sus obras se han publicado en muchas revistas de todo el mundo: Pokochaj Fotografię, Hebe, Descry, Digital Camera, Eyemazing, Soura, … Ha sido premiado en  muchas competiciones nacionales e internacionales, como el International Photo Awards, Prix de la Photographie (Px3), Torretes en España, …

Ha colaborado con diversos artistas y comparte voluntariamente su experiencia con otros adeptos del arte fotográfico, realizando talleres y charlas.

Referencias

Juergen Buergin

Jürgen Bürgin es un fotógrafo alemán (nacido el 31 de mayo de 1971 en Lörrach, vive en Berlín) que realiza su fotografía principalmente en la calle (de Berlín y otros lugares) y es una mezcla de género entre la calle, la arquitectura y la fotografía de retrato. Puede considerarse un fotógrafo urbano simplemente porque la mayoría de sus fotos están realizadas en las ciudades del mundo.

 

© Jürgen Bürgin

© Jürgen Bürgin

 

 

Alguien dijo una vez, que la fotografía es escribir con luz. ¡No estoy de acuerdo! En mi opinión la oscuridad y las sombras son los elementos básicos de la narración a través de fotografías.

 

 

Biografía

Jürgen Bürgin estudió literatura alemana, lingüística y economía en Friburgo. Trabaja en el mundo del cine como director de relaciones públicas, pero la fotografía es la contrapartida creativa a su trabajo diario.

Lleva poco tiempo haciendo fotografía (desde 2009) y considera que al final es una ventaja haber comenzado con 40 años, tras haber leído mucho sobre arte, ver numerosas exposiciones, pensando y leyendo mucho sobre la estética. Se compró una cámara para hacer fotos de naturaleza, aves y animales en una época en que dejó Berlín por el campo. Aún hace este tipo de fotografía pero su pasión fotográfica se trasladó con pasión a la fotografía urbana, principalmente de Berlín, pero también de Barcelona, París, Londres, San Francisco, Chicago, Tokio y Nueva York.

Su fotografía realmente trata sobre la narración, contando historias sobre la vida, las relaciones, la soledad. Pero una foto sólo muestra el mundo en un pequeño momento, una fracción de segundo, y no es el medio adecuado para contar toda una historia. Así que utiliza un truco: sus fotos plantean preguntas sin respuesta, muestran situaciones inexplicables, o dejan las cosas en tinieblas u ocultan cosas. Así que dejando esas preguntas sin respuesta en sus fotografías, usa el deseo del espectador para obtener secretos resueltos y que sea él el que cree su propia historia.

Sus obras han sido expuestas en el South Street Seaport Museum de Nueva York, en la Fotogalerie Friedrichshain de Berlín, en la Galerie Lardon de Ahrenshoop, en el Deutsche Bank de Berlín-Charlottenburg, en la Galerie Aspekt en Neustadt an der Weinstraße, en Art Fair Cologne, en Affordable Art Fair en Hamburgo, en Galerie im Saalbau en Berlín y en la Galerie seifert lardon en Berlín.

Sus fotografías se han sido premiadas numerosas veces, ha sido seleccionado para el Sony World Photography Award, como fotógrafo urbano del año y obtuvo el segundo lugar en el Premio Brennpunkt en el Browse Fotofestival de Berlín. En 2016 su libro de fotos URBAN FEVER – Escenas de la vida de la ciudad ha sido publicado.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Joanna Knox

Joanna Knox es una fotógrafa estadounidense (nacida en Burtonsville, Maryland) que captura espacios, lugares y cosas que han visto días mejores, que denotan en su materialidad el paso del tiempo. Fascinada con los efectos del tiempo y de los espacios abandonados, busca detalles de otra época, intentando adivinar la vida de la gente que vivía en esos lugares.

 

Trophy, Claxton GA © Joanna Knox

Trophy, Claxton GA © Joanna Knox

 

Los interiores de las estructuras abandonadas son símbolos de nuestra propia mortalidad que nos recuerdan nuestro pasado y simultáneamente presagian nuestra propia edad y muerte.

 

 

Biografía

Joanna Knox Yoder obtuvo un master en fotografía en el Savannah College of Art and Design y ha hecho gran parte de su fotografía en las carreteras secundarias de Georgia visitando granjas abandonadas. Su interés por los lugares viejos y deteriorados se produjo desde una edad temprana. Cuando era niña, solía caminar a la escuela cada día a través de un vertedero. Todos los días había algo interesante y nuevo que explorar,  como un esqueleto de un coche viejo.

Una de sus técnicas favoritas es montar su cámara 4x5” en una habitación abandonada, ponerse el paño oscuro sobre su cabeza y ver la luz formar una imagen con su cámara de otra época.

Realmente, el tema de sus fotografías no son las propias paredes, sino la luz que contienen, que revela rastros del paso del tiempo con una elegancia y gracia que reflejan viejos hábitos sureños de buscar la dignidad en medio de la pérdida y de la escasez. Hay un fuerte toque elegíaco en este trabajo, un efecto de un poderoso ojo compositivo que pone las cosas en el lugar correcto en la imagen y encuentra el momento adecuado de la iluminación para hacer que esta obra muestre la grandeza que se desvanece con el paso del tiempo.

Su trabajo ha sido exhibido nacionalmente en Washington D.C., Nueva York, Filadelfia, Seattle y Atlanta, así como internacionalmente en Tokio. Su trabajo ha sido publicado en The New Yorker Photobooth, South x Southeast Photomagazine, Fotovisura y en el Washington Post.

Ha estado siempre impartiendo clases de fotografía. Recientemente se ha trasladó al sur, donde sigue inspirándose en la desaparición de la arquitectura y el paisaje típico sureño y da clases en la Wando High School en Charleston, Carolina del Sur.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Samantha VanDeman

Samantha VanDeman es una fotógrafa estadounidense (nacida en 1982) cuyo trabajo trata de proporcionar un registro visual de algo que podría perderse para siempre, fotografiando lugares abandonados: hoteles y hogares de gente que murió sola.

 

© Samantha VanDeman

© Samantha VanDeman

 

Durante los últimos cinco años, he estado explorando y fotografiando edificios abandonados por todo el país. Estoy interesada en las historias que los edificios vacíos pueden contar. A través del uso del color y de la luz, intento capturar la belleza que una vez existió en estos magníficos ambientes. Al fotografiar estos lugares abandonados, espero proporcionar un registro visual de lo que podría perderse para siempre. En todo mi trabajo, tengo una conexión intuitiva a cada lugar abandonado. Si oigo una voz o siento una presencia, lo fotografío.

 

 

Biografía

Samantha VanDeman creció en Chicago. Estudió Bellas Artes en el Columbia College de Chicago. En 2009, obtuvo un master en fotografía por el Instituto de Arte de Boston en la Universidad de Lesley.

No vacancy es una serie fotográfica en curso que documenta interiores de hoteles abandonados que han permanecido vacantes de cinco a treinta años, esperando un futuro incierto entre intentos fallidos de devolverlos a la vida o de demolerlos.

En Died Alone, examina los lugares donde la gente pasó sus últimos días en la tierra, con una mirada triste y convincente de cómo algunas personas terminan sus vidas.

En su trabajo, a Samantha a menudo le atraen a lugares abandonados que parecen estar congelados en el tiempo. Utiliza su cámara para examinar estos lugares que han sido olvidados por la sociedad. A través del uso del color y la luz, intenta capturar la belleza y la vida que una vez existieron en estos magníficos ambientes. Al fotografiar estos hoteles, espera proporcionar un registro visual de algo que podría perderse para siempre.

Su obra ha sido publicada en diversas revistas como Aesthetica Magazine, Flash Forward, Lenscratch,  The Center for Documentary Studies de la Duke University, SHOTS, …

Ha obtenido diversos premios, como el 1º premio en la categoría de Architectural Interiors en los International Photography Awards en 2012, 4º puesto en The Photo Review en 2013, ganadora en el Flash Forward en 2013, Review Santa Fe 100 en 2012

Imparte clases de fotografía en Non-Western Art, McNeese State University en Lake Charles, y ha realizado numerosas exposiciones en solitario y en grupo.

 

 

Referencias

Cecilio Paniagua

Cecilio Paniagua fue un director de fotografía, cámara, iluminador cinematográfico y fotógrafo andaluz (nacido en Terque, Almería, el 8 de diciembre de 1911, fallecido en Madrid el 24 de enero de 1979) dotado de una exquisita sensibilidad estética y una gran capacidad para componer imágenes de estudiadísima y severa arquitectura formal, con una composición depurada y moderna, muy en sintonía con la fotografía europea más vanguardista de aquel momento.

 

El vigía, 1935. Fotografía de Cecilio Paniagua

 

El vigía, 1935. Fotografía de Cecilio Paniagua

La fotografía moderna tiende a hacer notar que en todo hay un valor y que la poesía esta en todo. Que, a cada paso, en cada instante, en cada pequeñez y hasta en un trazo, existe materia de admiración.

 

 

Biografía

Cecilio Paniagua nació en una familia acomodada. Su padre era teniente coronel del Ejército, sus hermanos fueron médicos, abogados y militares. Inició los estudios de Arquitectura, pero pronto los abandonó y se dedicó de pleno a la fotografía con gran disgusto de la familia.

Considerado uno de los principales directores de fotografía del cine español, se dio a conocer como fotógrafo en 1935, a través de la elitista revista Cuatro Estaciones ilustrando un texto de Wenceslao Fernández Flórez. En el segundo número retrató a los jinetes de polo del Club de Campo. Esas fotos se asemejaban a la mejor fotografía internacional del momento, con imágenes que buscaban ángulos verticales y visiones fragmentarias de la realidad.

Debido a la vinculación laboral de su padre con las compañías ferroviarias, tuvo la oportunidad de recorrer y tomar fotos de toda la Península. Trabajó para el Patronato Nacional de Turismo y está considerado uno de los precursores de la fotografía turística en España, junto a Kindel, Català-Roca o Ksado. Destacan sus obras sobre el paisaje de Castilla, sus rincones blancos de puertos andaluces y sus vistas de Madrid.

Con preferencia por la fotografía en blanco y negro, a través de sus imágenes del interior del país dio a conocer la dureza de la vida en el campo. Quizás el rasgo que más le caracterice sea una constante preocupación por trasladar su experiencia y conocimientos fotográficos al cine.

Durante la II República entró en contacto con el cine a través de las Misiones Pedagógicas, participando en la filmación de sus principales actividades, en la realización y difusión de documentales y fotografiando, entre otros lugares, Las Hurdes y el valle de Arán. En las Misiones Pedagógicas conoció a Federico García Lorca, que le pidió su colaboración para La Barraca. A lo largo de dos años, produjo 50 documentales y unas 700 proyecciones ambulantes, destacando sus documentales sobre Juan Ramón Jiménez y Miguel de Unamuno.

Tras la Guerra Civil, trabajó con directores como Rafael Gil, Juan de Orduña, Fernando Fernán Gómez y Luis Lucía. Fue director de fotografía de películas como Amanecer en puerta oscura (1957), Cien rifles (1969), Caza implacable (1971) o Mi hija Hildegart (1977). Su legado cinematográfico se compone de una filmografía formada por cerca de 200 títulos y una larga lista de premios del Sindicato Nacional del Espectáculo y el Círculo de Escritores Cinematográficos.

Casi todo su archivo fotográfico se perdió durante la Guerra Civil. Sus fondos se encuentran en la fototeca de la Biblioteca Nacional en Madrid, y los correspondientes del Patronato de Turismo se encuentran en el Archivo de la Dirección General del Estado en Alcalá de Henares.

 

Referencias

 

 

Libros

Aurore Valade

Aurore Valade es una fotógrafa francesa (nacida en Villeneuve-sur-Lot en 1981, vive y trabaja entre Francia e Italia) que diseña imágenes donde invita a sus modelos a que (re)jueguen escenas de su vida cotidiana. En sus fotografías domina el inventario, el texto y la historia, creando un marco de identidad donde los personajes se revelan y se fusionan a través de su medio ambiente.

 

© Aurore Valade

© Aurore Valade

 

 

Biografía

Aurore Valade se graduó de la Escuela de Bellas Artes de Burdeos donde, durante su formación, se interesó en todos los medios de expresión e historia del arte, lo que le permitió realizar performances e instalaciones cuya forma final era la fotografía. Después estudió en la École nationale supérieure de la photographie de Arles donde experimentó tanto la imagen fija como la instalación y el vídeo. En 2006, disfrutó de una residencia artística en el Musée d’art moderne de Collioure.

Es una artista miembro de la Casa de Velázquez, Academia de Francia en Madrid en 2015/2016. Su trabajo sobre interiores le ha ganado numerosos premios (Premio de Fotografía Fundación HSBC  en 2008, Quinzaine photographique nantaise en 2006, Bourse du Talent en 2005, premio del Museo de Arte Moderno de Collioure en 2006,  Prix Arca Swiss en 2005).  En estas series la gente juega su propio papel en los espacios interiores de las casas que habitan, con una puesta en escena muy elaborada, al borde del cliché o manierismo, pero que muestra las reflexiones significativas de los valores sociales, económicos o culturales de nuestro tiempo y  también ciertas cuestiones sobre los  límites de la privacidad. Sus fotografías tienen inspiración tanto en la pintura como en el teatro.

Está representada por la galería Stieglitz19 en Amberes, Gagliardi E Domke en Turín y es miembro de la agencia Picturetank en París.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Intérieurs avec Figures, 2006.
  • Plein air, con Laetitia Bianchi, 2008.
  • Grand miroir, 2008.
  • Identités de Femmes, 2009.
  • Ritratti Torino, 2010.
  • L’or gris, 2012.
  • Moulinages, 2013.

 

Jeff Mermelstein

Jeff Mermelstein es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1957 en New Brunswick, Nueva Jersey, vive en Brooklyn, Nueva York) que realiza fotoperiodismo y fotografía de calle, conocido mayormente por su trabajo en las calles de Nueva York. Sus imágenes son sencillas pero trasmiten emociones profundas, son muy peculiares y a la vez intensamente potentes.

© Jeff Mermelstein

© Jeff Mermelstein

Desde hace 17 años, he estado fotografiando en las calles de Nueva York casi a diario. Después de todo este tiempo, sigo fascinado por la vida en las aceras de Nueva York. Cuando fotografío, trato de expresar la ironía, el humor o el misterio que encuentro en la ciudad más compleja del mundo.

 

 

Biografía

Jeff Mermelstein es hijo de supervivientes del Holocausto. Como estudiante de biología en la universidad fue muy infeliz. Ya había estado haciendo fotografías desde los 13 años cuando le dieron una cámara de su hermano mayor para su Bar Mitzvah. Su madre preferiría que hubiera sido dentista, pero había nacido fotógrafo.

Su método de trabajo es un tanto curioso, dispara su Leica sin parar y sin pensar mucho, compulsivamente (15 o 20 carretes durante un solo paseo) y luego revisa sus miles de fotogramas tranquilamente antes de revelar.

Obtuvo una beca de la fundación Aaron Siskind y de The European Publishers Award for Photography. Su trabajo ha sido publicado en muchas revistas como The New York Times, The New Yorker, Artforum, Aperture y DoubleTake.

Su obra forma parte de colecciones como las del The Art Institute of Chicago, The Museum of Fine Arts de Houston, The International Center of Photography en Nueva York y otros varios.

Ha realizado numerosas exposiciones como, en Nueva York, en 1987 Color Photographs en Dance Theater Workshop Gallery en 1991 Recent Color Photographs en The Camera Club of New York, en 2002 Ground Zero en el International Center of Photography, en 2006 Jeff Mermelstein en la Steven Kasher Gallery y en 1999-2001 SideWalk en Italia, Francia, Irlanda y Canadá.

Ha realizado trabajos de publicidad para AT&T Wireless, Commes des Garcons, Intel, Samsung, Red Stripe, Clarks Shoes y Hewlett Packard.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Jon Tonks

Jon Tonks es un fotógrafo británico (nacido en Sutton Coldfield en los West Midlands en 1981, con sede en Bath, Inglaterra) cuyo trabajo más reconocido es la documentación, mediante retratos y paisaje, mayoritariamente en formato cuadrado, de las remotas islas británicas del sur del Atlántico.

© Jon Tonks

© Jon Tonks

 

 

Biografía

Jon Tonks estudió diseño de productos, antes de conseguir su primer trabajo como fotógrafo en plantilla en un periódico local de Midlands en 2005. Dos años más tarde se trasladó a Londres y comenzó un master en fotoperiodismo y fotografía documental en el London College of Communication, Durante estos estudios, viajó a Ascension Island, lo que marcó el punto inicial de su proyecto Empire.

Desde 2007, Jon ha estado haciendo encargos y trabajando en un proyecto a largo plazo (5 años) viajando a los remotos territorios británicos de ultramar en el Océano Atlántico Sur, recorriendo más de 50.000 millas, cuyo resultado ha sido su primer libro, Empire, que obtuvo en 2014 el Vic Odden Award de la Royal Photographic Society  El libro fue elegido por Martin Parr como uno los mejores libros del año.

Su trabajo ha sido publicado en The Sunday Times, The Guardian y FT Weekend Magazines, Monocle, TIME LightBox, The British Journal of Photography y otros muchos.

Ha sido seleccionado dos veces para los premios Taylor Wessing National Portrait  y Terry O’Neill, y en 2012 fue ganador de los Magenta Foundation Flash Forward Awards, así como la elección del jurado en los premios AOP.

Su obra forma parte de una serie de colecciones privadas, tanto en el Reino Unido como en el extranjero, incluyendo la The Hyman Collection de fotografía británica y el Houston Museum of Fine Arts en Texas.

Actualmente continúa trabajando en sus propios proyectos documentales y para una variedad de clientes editoriales y comerciales.

 

Referencias

 

 

Libros