Tomás Monserrat

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Tomás Monserrat fue un párroco y fotógrafo español (nacido en Lluchmayor, Mallorca, en 1873, fallecido en 1944) cuya obra tiene un gran valor antropológico y social, dejando un legado que hoy es testimonio de las costumbres, vestimentas y aspectos físicos de una época, un ejemplo de crónica social realizada en un microcosmos rural.

 

Tomás Monserrat

Tomás Monserrat

 

 

Biografía

Tomás Monserrat i Ginart fue un párroco mallorquín, que estudió en el Seminario Conciliar de San Pedro de Palma y potenció las asociaciones católicas de su pueblo, donde siempre residió. Fue maestro de L’Escola Catòlica del Pòsit de Nova Creació. Aficionado a la fotografía, se sabe que su primer contacto con una cámara se remonta a sus años en el seminario.

Además de maestro, estaba interesado y abierto a todas las materias, pero especialmente a la física, la mecánica y la carpintería. Realizó marcos para cuadros y torneados. También elaboró ​​dos moldes monumentales de los mapas de Mallorca y España en relieve. Encuadernaba libros, embalsamaba animales. Otra obra suya fue un reloj de sobremesa de hierro fundido. También montó una radio de galena y llegó a grabar en un disco la voz de sus padres rezando el rosario.

Monserrat no fue realmente un fotógrafo, simplemente era un aficionado, y por ello, más que la calidad de las fotografías o los procedimientos y técnicas que utilizó, lo que interesa es el valor documental de una sociedad que ya desapareció. Situado al margen de cualquier corriente estética, utilizaba el mismo encuadre, realizando las fotos en el mismo rincón del patio, con similares elementos decorativos y a primera hora de la tarde.

Para el retrato de personajes, fotografías realizadas casi siempre en domingo y en el patio de su casa, recreó artesanalmente los decorados típicos de un estudio profesional. Cubría el suelo con una tela de damasco y fotografiaba a sus feligreses posando ante una colcha floreada con objetos al fondo (un reloj, una silla con dos libros, un ave disecada…).

En las fotografías que tomó en exteriores, los modelos posaban en las puertas de sus casas, acompañados  de aquello que mejor los caracterizaba: sus vestimentas de trabajo, el animal de compañía, la bicicleta. También fotografió paisajes y fiestas populares de su localidad. Algunas de sus imágenes se publicaron en la sección de noticias locales del semanario Lluchmayor.

La mayor parte de la obra, materiales y decorados utilizados por Monserrat ha desaparecido. El fotógrafo mallorquín Toni Catany recuperó unas 150 placas de cristal de 9×12 y 13×18, que reprodujo en el libro Tomàs Monserrat. Retratista d’un poble, 1873-1944. Actualmente la Fundación Toni Catany acoge el legado y la casa de Monserrat.

 

 

Referencias

 

 

Libros

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Igor Svibilsky

Igor Svibilsky es un artista ucraniano (nacido en Donesk en 1964, se trasladó a los EEUU en 1998, vive en Lawrenceville, Nueva Jersey) que es un maestro de la emoción en sus obras. Creando una sensación de paz y tranquilidad, lleva la mente del espectador a lugares de misterio para que den un paseo romántico por la imagen, dejando amplios espacios para la imaginación del espectador.

 

© Igor Svibilsky

© Igor Svibilsky

 

 

Siempre me han fascinado los árboles viejos. Son testigos silenciosos del paso del tiempo. Vieron el mundo mucho antes que yo. ¡Si pudieran hablar los viejos árboles, si pudieran compartir sus recuerdos y sabiduría!. Mi objetivo artístico es resaltar su naturaleza antigua y sus cualidades táctiles.

 

 

Biografía

Igor Svibilsky, nació y creció en Ucrania y desde su infancia fue fascinado por el trabajo de los famosos pintores rusos Alvazovsky, Shishkin, Levitan y Serov. Su lírico y poético trabajo jugó un papel significativo en la formación de su visión  de la naturaleza. Con 7 años ya tuvo su primera cámara e incluso era su principal medio de expresión cuando quería convertirse en acuarelista.

Al final, estudió Informática trabajando en diversas compañías en Ucrania hasta trasladarse por trabajo en 1998 a los EEUU. Este nivel técnico le ha facilitado el dominio en fotografía digital y la utilización de las nuevas tecnologías para expresar su visión artística.

Autodidacta, comenzó su viaje como artista desde la fotografía, pero pronto se dio cuenta de que una cámara no es capaz de reflejar todos los sentimientos que se experimentan en el momento de ver la escena. Con el tiempo su obra se transformó en una nueva forma que representa una combinación de fotografía y arte tradicional 2D. Armado con pinceles digitales Igor pinta durante horas creando la obra de arte que habla al espectador y le exige una respuesta emocional.

Las imágenes enigmáticas de los paisaje de Igor se muestran maravillosamente. El tratamiento especial de cada imagen establece un estado de ánimo reconfortante y da al espectador una sensación de conexión con la tierra de una manera física y natural. El uso de colores cálidos como el sepia realza el atractivo tradicional y duradero de las imágenes.

Su fotografía se ha expuesto en New Jersey y Pensilvania y forma parte de numerosas colecciones públicas y privadas. Ha obtenido también numerosos premios en concursos de fotografía artística.

Ancient Forest es una exposición de Svibilsky donde muestra su amor por los árboles. Imprimió sus imágenes usando el proceso alternativo del siglo XIX al platino/paladio, para que este técnica que puede durar inalterable durante siglos, pueda mantener y extender la belleza de estos árboles antiguos.

 

 

Referencias

Cally Whitham

Cally Whitham es una fotógrafa neozelandesa (vive en la Auckland rural) que realiza retratos de animales y paisajes con un estilo pictorialista.

 

© Cally Whitham

© Cally Whitham

 

 

Me encanta la idea de que puedas capturar algo y guardarlo para más tarde, que el momento no tenga que terminar, y que pueda ser revisado una y otra vez a través de fotografías cuando alguna vez sientas la necesidad.

 

 

Biografía

Cally Whitham creció en una zona rural de Nueva Zelanda y visitaba la granja de su tía. Su padre era pintor y dibujante y a menudo lo acompañaba cuando era niña, cuando él iba a buscar lugares que pintar o dibujar; a veces sólo hacía un esbozo para pintar más tarde, pero a menudo hacía fotos para pintar después. Ella hizo su primer rollo de película con 11 años, capturando casas viejas y ganado. Así pues, desde una edad muy temprana Cally ha tenido la pintura como referencia artística y ha dominado las técnicas de Bellas Artes.

Algunos de sus trabajos fotográficos más destacados tienen una composición surrealista ligera y oscura de sencillos animales de granja y aves acuáticas. Cally fotografía lo mundano y ordinario con una luz romántica, en un estilo que puede definirse como un tipo de pictorialismo moderno. Utilizando un surrealismo ligero y oscuro, transforma imágenes que recuerdan y reflejan a los grandes maestros como Rembrandt y Da Vinci.

Viaja a menudo, saliendo a buscar ese momento fotográfico adecuado, esa perfecta composición, ya sea en coche, tren o canoa. Sus obras fotográficas también incluyen paisajes nostálgicos y viviendas en Nueva Zelanda, como un recuerdo de una época más sencilla y simple, parecida a la de los años 20 o 30.

Ha ganado varios premios como el Premio AIPA. Su trabajo ha sido publicado en revistas como Aesthetic Magazine, Frankie Magazine, Super Deluxe, Vogue, Homestyle Magazine (Nueva Zelanda) y otras varias.

Referencias

Palani Mohan

Palani Mohan es un fotógrafo australiano (nacido en Madrás, India, en 1967, vive en Hong Kong) cuya obra ha variado con el tiempo, pasando de las noticias y deportes de su primera época, a la documental clásica de comunidades, culturas y animales en riesgo de desaparición en su India natal, a la fotografía de calle clásica en blanco y negro en una ciudad como Hong-Kong, a la misma fotografía de calle en la misma ciudad con móvil y un llamativo color, a la documental nuevamente en blanco y negro de la cultura de los cazadores con águila kazajos.

 

© Palani Mohan

 

 

Biografía

Palani Mohan nació en India, se crio en Sídney, Australia, tras trasladarse su familia allí. Con 17 años entró en prácticas en el periódico Sydney Morning Herald y pasó los siguientes 10 años como fotógrafo en plantilla para noticias y deportes.

La conservación es algo que lleva dentro, y eso le llevó a trabajar con elefantes, águilas y camellos, y adora estar en la naturaleza. Ha trabajado como fotógrafo freelance para Reportage by Getty Images, trasladándose a Hong Kong.

Su trabajo más reciente es una serie realizada en el inmenso y árido paisaje que rodea las montañas Altai en Mongolia occidental. En el invierno, las temperaturas bajan a –40º  y allí resisten los .últimos 60 hombres kazajos que cazan a caballo con águilas reales siguiendo una tradición centenaria.

Palani había anhelado documentar el burkitshi desde que tenía 17 años, cuando, como aprendiz de fotógrafo en el Sydney Morning Herald, vio una foto de uno de estos cazadores en un periódico británico. Más de dos décadas más tarde, decidió realizar su sueño y viajar a Mongolia cuatro veces en el transcurso de cinco años, y realizar esta serie y su libro, Hunting With Eagles: In The Realm of the Mongolian Kazakhs.

Su trabajo ha sido ampliamente mostrado en muchas de las principales publicaciones del mundo, como National Geographic, Stern, Time Magazine, Geo, New York Times y Newsweek..

Su obra forma parte de la colección de la National Portrait Gallery de Londres y sus imágenes han sido ampliamente objeto de exposiciones, como en el Visa Pour L’Image en Perpiñán, Francia.

Mohan ha obtenido premios de la World Press Foundation, Pictures of the Year International y del International Olympic Committee.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Mandy O’Neill

Mandy O’Neill es una fotógrafa irlandesa (reside en Dublín) que toca a menudo temas de juventud, infancia y nostalgia. Su trabajo está en los límites entre los géneros del comentario social y la imagen construida, con un fuerte énfasis en el retrato.

 

Anton © Mandy O’Neill

 

Anton © Mandy O’Neill

 

 

 

Biografía

Mandy O’Neill tiene un master en Estudios de Cultura Pública en IADT y una licenciatura en fotografía de la DIT School of Media. Ha sido profesora invitada en el National College of Art and Design y en el Griffith College de Dublín.

Ha recibido el apoyo del Arts Council of Ireland y de Culture Ireland y su trabajo se ha incluido en la publicación New Irish Works en 2013. Su proyecto Promise ha sido preseleccionado dos veces, en 2014 y 2015 para el Hennessy Portrait Prize. También ha sido seleccionada para los premios Julia Margaret Cameron en 2012 y 2014. Ha participado en el Paris Photo 2016 dentro del New Irish Works en el Center Culturel Irlandais.

Su serie y libro Promise es la historia de una escuela, de clases sobre taburetes de bar, alumnos y políticos, una rata llamada Elvis, clases sobre la yerba, el calor sofocante en el verano y la humedad en invierno, canto, baile, protestas, rituales y un laberinto de burocracia. Forma parte de New Irish Works, una selección de 20 proyectos y 20 fotógrafos que representan la diversidad de prácticas que la fotografía irlandesa está experimentando en este gran momento.

Mandy ha expuesto nacional e internacionalmente, y su obra forma parte de colecciones públicas y privadas. Recientemente ha expuesto en la National Gallery of Ireland, RHA Dublin y en el VISUAL Center for Contemporary Art en Carlow.

 

 

Referencias

 

 

Libros

 

Dairo Koga

Dairo Koga es un librero, escritor y fotógrafo japonés (nacido en Fukuoka en 1973, vive en Tokio) que realiza todo tipo de fotografía, con especial predilección por el paisaje y la fotografía de calle.

 

© Dairo Koga

© Dairo Koga

 

Todo está ya expresado, el fotógrafo sólo lo captura.
Nobuyoshi Araki.

 

 

Biografía

Dairou Koga lleva haciendo fotografía más de 20 años y comenzó su carrera profesional a partir de 2010. Sus fotografías son una mera declaración de su ser personal. Siendo un librero, ha capturado a la gente a gusto con un sentido artístico, dando a sus retratos un gran impacto emocional.

Ha expuesto:

  • 2011 Fragments of Tokyo 2 en Place M, Japón
  • 2010 meeting place en Tegamisha, Japón
  • 2010 Exposition de Peinture en Galerie du Port en Francia,
  • 2010 Fragments of Tokyo en Place M, Japón.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Fragments of Tokyo, con Toshiya Watanabe, Thomas Orand y Jon Ellis
  • 2013 Natumama
  • 2011 Tokyo-Ga Charity Photo Book (varios).
  • 2011 Japanese Old Book Communication
  • 2010 THRESHOLDS

 

Jesse Wright

Jesse Wright es un fotógrafo estadounidense (nacido en Allentown, Pensilvania, vive en Nueva York) que realiza fotografía de calle, principalmente en la Gran Manzana, interactuando entre lo conceptual y lo mundano poniendo el foco en las sutiles interacciones de las personas con su entorno.

 

© Jesse Wright

© Jesse Wright

 

 

Biografía

Jesse Wright tiene una licenciatura en Biología y un master en Genética Bacteriana. Ha estudiado  durante muchos años la vida social de los microbios que causan enfermedades humanas, escudriñando estas sociedades liliputienses y traduciendo el léxico de su lenguaje químico con el que se comunican entre sí.

Actualmente trabaja en publicidad en salud y como fotógrafo, pero todavía ve el mundo a través de un microscopio. Todas las habilidades que desarrolló como científico: la curiosidad, el hacer buenas preguntas, y no tener miedo a experimentar, son la base de su enfoque fotográfico.

Comenzó con la fotografía con el primer el iPhone, atraído por el hecho de que podía hacer una foto, editarla con aplicaciones y publicarla en su blog solo con su teléfono y casi en tiempo real. A medida que la cámara mejoró con nuevos modelos de iPhone, edita más y publica desde su escritorio. Ha descubierto que una ventaja significativa de disparar con un teléfono móvil es que puede fotografiar pasando desapercibido.

Está fascinado e inspirado por la historia que hay detrás de cada imagen. Hay un pasado y un futuro implicados a cada fotografía, pero nunca está completamente claro cuáles son. Ese elemento siempre está lleno de la perspectiva única del espectador y es lo que hace que la fotografía sea tan personal y convincente.

Recientemente ha estado realizando una serie de fotografías callejeras  en Nueva York que llama chiaroscuro urbano, caracterizadas por un fuerte contraste de luz y sombras, aprovechándose de las limitaciones de la cámara del iPhone en duras condiciones de iluminación, tratando de utilizar este efecto para amplificar las sombras y explorar la ambigüedad y la soledad de la vida urbana en la calle.

 

 

Referencias

David Cardelús

David Cardelús es un fotógrafo catalán (nacido en 1967, vive en el animado y pequeño barrio de Gràcia de Barcelona) especializado en representar proyectos de arquitectura contemporánea para estudios de arquitectura y empresas editoriales nacionales e internacionales, a través de atractivas  imágenes que funcionan como obras de arte y herramientas de comunicación.

 

© David Cardelús

© David Cardelús

 

Biografía

David Cardelús se crio y se formó en Barcelona, ​​especializándose en fotografía, cine y video en la Facultad de Bellas Artes de la Universitat de Barcelona en 1991. Su carrera abarcó la pintura, el dibujo y la escultura, así como la narrativa, la semiótica y la comunicación. Otros cursos en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya incluyeron técnicas fotográficas del siglo XIX y la representación fotográfica del cuerpo humano.

Desde siempre le ha resultado muy atractiva la evolución constante del aspecto de la ciudad, su transformación continua, y eso le llevó a la fotografía de arquitectura urbana, y a la de interiores.

David ha sido seleccionado dos veces como finalista en el Premio Europeo de Fotografía Arquitectónica Architekturbild, en 1995 y 1999, y su trabajo ha sido mostrado en los festivales fotográficos Photo España y Primavera Fotogràfica.

Sus fotografías del proyecto Rogers Stirk Harbour + Partners ‘Las Arenas’ de Barcelona obtuvieron premio en los Civic Trust Awards en 2012, y sus fotografías arquitectónicas y artísticas dos menciones honoríficas dentro de las categorías de Edificios y Paisajes Urbanos de los International Photography Awards de 2013 patrocinados por la Lucie Fundation.

Desde el año 2004, es profesor de fotografía arquitectónica en la escuela ELISAVA de la Universitat Pompeu Fabra en masters en diseño de interiores. El curso analiza una amplia gama de fotografía arquitectónicas y discute su uso como herramienta de comunicación en libros, revistas y blogs. Es miembro de la Unió de Professionals de la Imatge i Fotografia de Catalunya.

Interesado en redescubrir el art nouveau en Barcelona, ha fotografiado mucha de las obras de Gaudí. Entre sus encargos más recientes se incluyen fotografiar el Palau de la Generalitat en Barcelona con motivo de la conmemoración de los 600 años del edificio para la Presidència de la Generalitat de Catalunya y la rehabilitación del Recinto Modernista del Hospital de Sant Pau de Lluís Domènech i Montaner.

 

 

Referencias

Richard Sandler

Richard Sandler es un fotógrafo estadounidense (nacido en Nueva York) realizador de películas y videos documentales, fotógrafo urbano y comisario de exposiciones fotográficas. Su fotografía en blanco y negro es una poderosa herramienta con la que llama nuestra atención, tanto sutil como abiertamente, sobre la injusticia social.

 

Grand Central Terminal, NYC, 1990 © Richard Sandler

Grand Central Terminal, NYC, 1990 © Richard Sandler

 

 

 

Biografía

Richard Sandler trabajó como chef de alimentos naturales. Montó dos restaurantes macrobióticos, uno en Nueva York y otro en Boston a donde se trasladó para estudiar macrobiótica. Esto le llevó a un profundo interés por la medicina china, y luego fue a Inglaterra a estudiar acupuntura en 1971, y después la estuvo practicando la mayor parte de los diez años siguientes.

Tras estar trabajando para otras personas se dio cuenta de que tenía que hacer algo por mí mismo, algo artístico. Un amigo le prestó una cámara de 35mm en 1976 y se enganchó inmediatamente. Se mudó a una casa comunal en Cambridge y había un cuarto oscuro en el sótano, pues un compañero era fotógrafo profesional, y los caseros tenían una Leica 3F que le dieron. Tuvo la gran suerte de que, con un barato alquiler consiguió un maestro, un cuarto oscuro y una cámara ….

También allí el ambiente era propicio para el estudio y recibió clases de Ben Lifson, un brillante conferenciante y en ese momento el crítico de fotografía para The Village Voice. Lifson le presentó la obra de Henri Cartier-Bresson, Robert Frank, André Kertesz, Brassai, Garry Winogrand, etc., y sus trabajos le impresionaron de tal manera que supo que quería hacer fotografía de calle. También tuvo la suerte de realizar un taller de fin de semana en 1977 con Winogrand en el que, quizás, aprendió todo lo que necesitaba viéndolo trabajar esos pocos días.

Desde 1977 ha estado llevando un crudo registro del mundo a su alrededor. Después de unos cuantos años de hacer fotografías en Boston, regresó a Nueva York, su ciudad natal. Eran los años 80 y el crimen y el crack estaban en aumento, con efectos devastadores en lugares como Times Square, Harlem y East Village, muy lejos de la riqueza y la opulencia del Midtown de Manhattan.

Luego llegó la década de los 90, y con ella la gentrificación. Una vez más, el tejido urbano y sociopolítico de la ciudad sufrió cambios masivos, y Richard estuvo ahí para captarlo todo con su cámara.

En 2016, muchos de sus trabajos se han publicado en el libro The Eyes of the City, un homenaje a los fantasmas no reconocidos del pasado estadounidense, desde finales de los 70 al tópico 9 de septiembre, cuando dejó la fotografía.

Sus fotografías forman parte de colecciones permanentes como las de New York Public Library, Brooklyn Museum, New York Historical Society y Houston Museum of Fine Art. También ha realizado 8 documentales en cine y video. Ha sido premiado con 2 becas New York Foundation for the Arts para fotografía, y una Guggenheim y una New York State Council on the Arts para cine.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Martin Ingold

Martin Ingold es un fotógrafo suizo (residente en Lotzwil) dedicado en cuerpo y alma a recorrer el corazón de Europa para transportarnos a esas colinas verdes, montañas nevadas y ríos musgosos.

 

© Martin Ingold

© Martin Ingold

 

La fotografía es mi segunda lengua.

 

 

Biografía

Martin Ingold trabaja con pulcritud cirujana y un cuidado al máximo nivel en los detalles, realizando largas exposiciones diurnas, atardeceres dorados y también realiza macrofotografía, fotografía creativa y urbana.

 

 

Referencias

Eamonn Doyle

Eamonn Doyle es un músico y fotógrafo irlandés (nacido en Dublín en 1969) cuya obra en su mayor parte se produce en las calles de la ciudad de Dublín y sus alrededores.

 

© Eamonn Doyle

© Eamonn Doyle

 

Las fotos solo muestran fragmentos de posibles narrativas, pero para mí, cada vida tiene un peso y algo de drama, aunque su significado sea finalmente evasivo.

 

 

Biografía

Eamonn Doyle estudió pintura y fotografía a finales de los años 80. Se graduó en fotografía en 1991. Pasó gran parte de los siguientes veinte años produciendo música y trabajando en el negocio de la música independiente, fundando el Dublin Electronic Arts Festival (DEAF) y las discográficas D1 Recordings y Dead Elvis.

Regresó a la fotografía en 2008. Su primer álbum de fotos, descrito por el gurú del fotolibro Martin Parr como el mejor libro de fotografía de calle de la década, se publicó en marzo de 2014.

Eamonn trabaja principalmente en la zona multicultural y de clase trabajadora de Parnell Street al norte de Dublín. Sus fotografías están tomadas a poca distancia y se enfocan en los pequeños detalles cotidianos, intentando capturar a la vez un momento fugaz y una historia completa.

Su trilogía, un cuerpo de trabajo en tres partes que explora su ciudad natal, está compuesta por:

  • I, presenta figuras de calle desconocidas envueltas enteramente en el paisaje interior de su ubicación.
  • ON, donde gigantes negros y blancos se convulsionan a través de su propia imagen, apoyando la dura luz de Dublín.
  • End, captura una secuencia de acontecimientos que revelan una ciudad cuyo hormigón es tan plástico como el movimiento de sus habitantes.

End es su primera exposición individual en Londres.  Muchas de las fotografías están sobrepuestas con serigrafías creadas en colaboración con la artista Niall Sweeney. Como una serie de mapas, las imágenes ofrecen una visión figurativa a través de los ojos de Doyle, guiando al observador a lo largo de la travesía individual que encarna la atmósfera vibrante de Dublín. El libro End resulta ser un objeto híbrido, con la fotografía de Doyle, los dibujos de Niall Sweeney y la música de David Donohoe, terriblemente lúdico, con un diseño muy cuidado en todos sus detalles

Está representado por la galería Michael Hoppen Gallery de Londres. Ha expuesto en diferentes galerías y ha recibido numerosos premios.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • i, 2014
  • ON, 2015
  • End, 2016, [GC].

Araminta de Clermont

Araminta de Clermont es una fotógrafa británica (nacida en 1971 en la Isla de Man, vive en Londres) que realiza retrato ambientado.

 

© Araminta de Clermont

© Araminta de Clermont

 

 

Biografía

Araminta de Clermont pasó su infancia entre Londres y la Isla de Man, donde vivía su abuelo Charles Birkin, un famoso escritor de historias de horror gótico. En sus últimos años de adolescente en Londres tuvo contacto con publicaciones como iD Magazine, una revista pionera del Straight Up, un estilo de retrato documental que ha influido en su propio trabajo.

Estudió arquitectura en el Bartlett University College de Londres, donde obtuvo una licenciatura, antes de pasarse a la fotografía, que estudió inicialmente en la Central St Martins School of Art y tras trasladarse a Ciudad del Cabo huyendo de las drogas, en la Ruth Prowse School of Art. En 2008 fue seleccionada para participar en una clase magistral dirigida por Stephen Shore.

Es reconocida principalmente por sus trabajos explorando la relación entre personas y su medio en Sudáfrica, donde ha vivido 10 años.

  • Life After es una exploración de los tatuajes y vidas de los miembros de las bandas de presos sudafricanos de la banda The Numbers tras su liberación en la sociedad después de muchos años, si no décadas, en la cárcel.
  • Before Life documenta a las niñas de The Cape Flats, una extensa zona muy deprimida de Ciudad del Cabo, vestidas para su Matric Dance, una especie de fiesta de graduación.
  • New Beginning se centra en los jóvenes Xhosa y Sotho recién iniciados (circuncidados) que viven en los municipios y chozas que rodean Ciudad del Cabo.  Los “nuevos” hombres Xhosa usarán ropa occidental elegante, los “nuevos” hombres Sotho usarán ropas más tradicionales.

En 2010 fue ganadora del premio Spier Contemporary. Araminta ha expuesto internacionalmente y sus obras forman parte de colecciones como South African Gallery, The University of South Africa y la Universidad de Ciudad del Cabo.

Su trabajo en los medios incluye noticias y fotografía. Ha publicado en medios como The Guardian, The Times y The Sunday Times en el Reino Unido, y su trabajo también ha aparecido en revistas como Colors y Marie Claire USA. Mientras vivía en Sudáfrica, fue colaboradora habitual de The Sunday Times en Sudáfrica.

 

 

Referencias