Kathryn Oliver

Kathryn Oliver es una artista estadounidense (vive en Mayne) cuyo viaje creativo la ha llevado repetidamente al campo de la metáfora y del mito como una manera de expresar algo eterno dentro de sí misma. Su raíces en la pintura, el teatro y la danza alimentan la fotografía que ella realiza actualmente en la que mezcla indicios de todos estos elementos en sus imágenes.

 

© Kathryn Oliver Fine Art

© Kathryn Oliver Fine Art

 

Con un lenguaje simbólico del mito y los arquetipos, estoy siempre en la búsqueda de una narrativa visual que evoque un reconocimiento interno de la naturaleza, algo en el exilio, perdido u oculto, pero que deje una impresión interiormente ya conocida.

 

Biografía

Kathryn descubrió desde pequeña su amor por la pintura. Introvertida y tímida, a menudo estaba sola con su imaginación y desarrollaba una rica vida interior de impresiones. A medida que crecía, las aspiraciones creativas la llevaron a llevar este mundo interior a través .

Estudió fotografía en la escuela secundaria en Ann Arbor, Michigan, sólo por los créditos pero le cautivó instantáneamente. Al mismo tiempo se enamoró de la pintura al óleo e instaló un cuarto oscuro y pintaba lienzos en su habitación. Su madre trabajaba con libros y le trajo a casa libros sobre Diane Arbus, Man Ray y Brassai. Otra gran inspiración fue el festival de cine de  Ann Arbor, donde pudo ver una amplia gama de cine de vanguardia.

Autodidacta, Kathryn es una fotógrafa artística que integra de forma natural la narración en su fotografía. Capta la naturaleza infantil salvaje y subyacente de la humanidad como imágenes narrativas. Combinando lo real con lo irreal, la naturaleza, la poesía y las historias, logra exponer momentos extramundos que hablan al espectador en forma de metáfora y mito. Con una trayectoria profesional en pintura, teatro y danza, su práctica fotográfica está influenciada por una rica mezcla de estas disciplinas que resulta en imágenes atemporales en blanco y negro.

Su trabajo fue seleccionado para Curious Camera, un concurso internacional de cámaras pinhole y de plástico patrocinado por ArtsEye Gallery en Tucson, Arizona. También ha exhibido su trabajo varias veces en el The Center For Fine Art Photography en Fort Collins, Colorado.

Actualmente crea y exhibe fotografía artística en blanco y negro, también foto-encáustica (fotografías tratadas con cera y pigmentos) y realiza talleres de fotografía encáustica en Maine durante todo el año.

 

 

Referencias

Antonio Passaporte

Antònio Passaporte fue un fotógrafo portugués (nacido en Évora el 24 de febrero de 1901 y fallecido en Lisboa en 1983) conocido principalmente por sus trabajos en España para la Casa Loty en los que documentó gran parte de los documentos del país.

Antonio Passaporte

Antonio Passaporte

 

 

Biografía

Antònio Pedro Passaporte fue hijo de Joao Pedro Braga Passaporte, fotógrafo que trabajó para la Casa Real portuguesa. Su personalidad inquieta y el deseo de nuevas experiencias le llevaron a partir a Madrid en 1923 donde comenzó su carrera de fotografía. Trabajó en los laboratorios de Películas Cinematográficas de Madrid. Más tarde, como vendedor de papel fotográfico de la empresa Carlos Alberty & Cia, viajaría mucho por España y Argentina

Charles Alberty-Jeanneret creó con su esposa Concepción López la Casa Loty, dedicada a la explotación de fotografías, , lo que le llevó a fotografiar intensamente en sus viajes paisajes y monumentos, compaginando su trabajo de viajante con la dedicación a la fotografía turística, orientado por Alberty, que le puso al corriente del valor turístico de las postales, enseñándole algunas hechas en Francia. y compró para Passaporte una cámara ligera de 10×15, marca ICA, con la que podía fotografiar al mismo tiempo que visitaba la clientela de papeles heliográficos y fotográficos. Algunos meses después ya tenía una buena serie de clichés y copias, tanto de exteriores como de interiores de iglesias y de palacios, se seleccionaron y ampliaron a 30×40 y se expusieron en un salón adecuado para que el publico pudiese apreciar las maravillas de paisaje y monumentos de España.

La exposición fue muy apreciada. El gobierno del general Primo de Rivera, que fomentaba el desarrollo de la industria, la agricultura y las artes, adquirió todo el trabajo expuesto y lo utilizó en exposiciones que se hicieron de acuerdo con las embajadas de España en varios países, siendo distribuidos al mismo tiempo folletos alusivos a los aspectos representados.

La visión general de la que partió la firma Loty guarda gran relación con el enfoque de los actuales bancos de imágenes: crear un ambicioso archivo que dé servicio a las agencias de prensa, publicaciones y empresas de turismo. Para ello, Passaporte tomó imágenes de vistas urbanas, monumentos, paisajes y tipos populares de toda España que luego se comercializaron principalmente en formato postal.

El negocio de la fotografía siguió creciendo y se realización otras exposiciones, tanto en España como fuera del país, en las que se ganaron algunos premios. Además de las fotografías destinadas a postales turísticas, la Casa Loty se dedicó también al género religioso. Hubo otros fotógrafos que trabajaron para Loty, pero Passaporte fue el principal y mayoritario, y entre 1927 y 1936 fue el autor de todas las fotografías de la firma, siendo conocido como el ‘señor Loty’, aunque en las credenciales siempre figurara su apellido.

Iniciada en el 36 la Guerra Civil Española, la firma Alberty & Cia tuvo que cerrar y Carlos Alberty y su esposa regresaron a Francia. Passaporte quedó al frente de Casa Loty, pero no eran buenos tiempos para el negocio, consiguiendo algún otro trabajo y alistándose a las Brigadas Internacionales como reportero gráfico inmortalizando con su cámara el devenir del frente en la Sierra de Guadarrama.

Al finalizar la guerra, la editorial de postales Arribas, de Zaragoza, le ofreció trabajo pero éste ya había decidido regresar a Portugal, y Arribas adquirió las postales de la extinta Casa Loty. Una vez en Lisboa, continuó al frente de su negocio de edición y venta de postales, y posteriormente escribiendo sus memorias en Loty y la Guerra Civil Española.

Su archivo estuvo originalmente constituido por 12.000 placas de vidrio de formato único (10 x 15 cm.), junto con sus correspondientes copias de época organizadas en álbumes-muestrario. A finales del siglo XX los propietarios del archivo fragmentaron la colección para proceder a su venta en lotes, con destino a coleccionistas particulares e instituciones públicas de carácter autonómico y local. El Ministerio de Cultura de España frenó este proceso de disgregación del archivo en 2002, mediante la adquisición de todos los fondos que quedaban por vender, unas 7.255 placas de vidrio con sus correspondientes positivos dispuestos en 23 álbumes.

También hay parte de su obra en el Arquivo Municipal de Lisboa, una colección de casi 14.000 negativos, con imágenes de los años 1940 y 1950, resultado de diferentes encargos de la Cámara Municipal de la capital portuguesa y de la colección adquirida en 1997 y 1998 a Rodolfo Passaporte, hijo de Antonio.

 

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Referencias

 

 

Libros

  • Loty, las fotografías de Charles López Alberty Jeanneret no Arquivo Histórico Provincial de Lugo, 2001
  • Asturias, 1928: fotografías de Loty, 2007
  • La fascinación marroquí. Imágenes del norte de África en el archivo Loty, 2011 (catálogo electrónico).
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2013.

Sébastien Tixier

Sébastien Tixier es un fotógrafo francés (nacido en 1980 en Borgoña, vive y trabaja en la región de París) cuya obra, en estudio o al aire libre, va desde las esquinas oscuras de las fotografías escenificadas hasta los documentales sobre las cuestiones de nuestro tiempo.

 

© Sébastien Tixier

© Sébastien Tixier

 

 

Biografía

Sébastien Tixier estudió ingeniería, pero la tímida fascinación que tuvo durante la infancia por la cámara Zenit de su padre finalmente asumió el poder en 2007 cuando comenzó su carrera como fotógrafo freelance, con What is left from our dreams? mostrando su interés pronunciado por la puesta en escena, que continua en sus obras más recientes, como Stories about ordinaray lives, en las que se sitúa no en la búsqueda del momento decisivo, sino creando imágenes teatralizadas y congeladas como pinturas, para revelar un mundo de dudas y poesía.

Su obra ha sido ampliamente expuesta, desde sus inicios en 2008 en el marco de la primera Affordable Art Fair de la galería parisina Art & You, en la galería NKA * Pascal Polar en Bruselas, Bélgica, Espace Dupon en París, Arlés, Brest, Londres, … y sus fotografías han sido galardonadas con el Grand Prix d’Auteur del European Festival of Nude Photography en 2009, Oro en Px3 de Fotografía en 2011 y 2013, entre otros.

Ha realizado series sobre la isla abandonada de Hashima, el tren Transiberiano en 2011, y en 2013 los asentamientos más al norte de Groenlandia. Allanngorpoq es su trabajo más reciente y sintetiza un año y medio de preparación (documentando, haciendo contactos, y aprendiendo el idioma) y su inmersión en Groenlandia, capturando las evoluciones de un territorio cambiante y de su gente.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Danny Green

Danny Green es un fotógrafo inglés (vive en Leicestershire, Reino Unido) cuyo trabajo de naturaleza salvaje le ha otorgado numerosos galardones y se publica regularmente en la revista BBC Wildlife Magazine. Aunque viaja ampliamente, es más feliz trabajando en el Reino Unido, sobre todo en las islas Shetland, cuyas vastas colonias de aves marinas las convierten en un sueño para el fotógrafo. Le interesan todos los aspectos de la naturaleza como mamíferos, aves, insectos y reptiles.

 

© Danny Green

© Danny Green

 

 

Biografía

Danny Green se interesó por la naturaleza desde una edad temprana y pasaba poco tiempo en casa, siempre vagando por los bosques y los ríos en busca de vida silvestre. Su difunto abuelo fue una gran influencia en su infancia,  mostrándole continuamente los signos de la naturaleza y señalando los diferentes aspectos de la vida en las estaciones, en el día y en la noche.

Más de 30 años después y todavía Danny está tan inquieto y deseoso de aprender más sobre el mundo natural como en aquellos días. Se interesa en todo tipo de historia natural: mamíferos, aves, insectos y reptiles. Le gusta viajar a lugares exóticos, a regiones remotas del norte de Europa: desde las montañas de Escocia a los bosques boreales de Finlandia, pasando por la tundra ártica de Islandia, y el hielo polar de Svalbard, pero la mayoría de su trabajo lo ha realizado en el Reino Unido, en islas Shetland, cuando las condiciones climáticas le permiten fotografiar las grandes colonias de aves marinas y otras especies animales del norte de Europa

Sus imágenes son ampliamente publicadas y también están representadas por las principales agencias de imagen del país como RSPB Images, Naturepl y NHPA. Ha tenido de conseguir algunos premios para mi fotografía que se puede ver en la sección de premios. Dirige un exitoso negocio de viajes de fotografía con Mark Sisson llamado Natures Images, que se especializa en viajes fotográficos por el Reino Unido y el extranjero.

Su aproximación a la fotografía de naturaleza es un proceso largo y puede a veces pasar meses, o años, trabajando en determinados temas y proyectos. Durante siete años Danny ha estado trabajando en un proyecto para documentar las regiones árticas y subárticas del norte de Europa, creando un cuerpo de trabajo fotográfico que publicó en su libro The Long Journey North, hoy agotado.

Publicó en 2014 su primer artículo para National Geographic con un trabajo sobre el frailecillo atlántico, tras un proyecto de cinco años y para lo que visitó algunas de sus colonias en el Reino Unido, Islandia y Noruega en busca de imágenes del icónico pájaro.

Siempre ha utilizado Canon, trabajando principalmente con película sus primeros años y más tarde abrazando completamente la tecnología digital, y fue invitado por esta marca para ser explorador de la luz Canon en la categoría de naturaleza. También forma parte del Pro Team de la empresa de bolsos y mochilas Gura Gear.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • The Long Journey North Book. 2014.

 

Illés Tóth

Illés Tóth es un fotógrafo húngaro (nacido en 1984) que está interesado en la gente así que le encanta hacer tanto retratos espontáneos como preparados. Está enamorado de las calles, que intenta capturar tanto desde un punto de vista clásico como moderno.

 

Maria Valeria Bridge © Illés Tóth

Maria Valeria Bridge © Illés Tóth

 

 

Biografía

Illés Tóth estudió horticultura, pero comenzó a aprender fotografía en Dinamarca en la escuela secundaria Brandbjerg Folk en 2013. Después continuó aprendiendo de forma autodidacta, leyendo libros técnicos y practicando mucho. En 2014 obtuvo un título oficial de fotografía en Hungría.

Le encantan las fotos en blanco y negro porque así puede acentuar más las formas y los tonos y las imágenes se vuelven más honestas. Pero en su nuevo proyecto, Freeride, ha abierto sus ojos al mundo de los colores. Toma imágenes espontáneas desde su bicicleta (sin componer ni mirar en la cámara) y luego selecciona las que son interesantes en términos de forma y color.

Realiza exposiciones regularmente (Balassi Institute of New Delhi, MÜSZI Budapest, FUGA Budapest Center, …). Ha obtenido diversos premios en diferentes concursos como el Concurso André Kertész o el Gran Concurso de Primavera en Hungría. Está preparando para 2017 nuevas exposiciones: Shoes en el Israeli Cultural Institute e Instant Life Pictures junto con Eszter Molnár en TAT Contemporary Art Gallery, ambas en Budapest.

 

 

Referencias

Edwin Kats

Edwin Kats es un fotógrafo holandés (nacido en 1974, vive en Nunspeet) que realiza fotografía de naturaleza, fotografía paciente para capturar a los animales, con un estilo personal propicio al trabajo en  proyectos a largo plazo, previsualizando la mayoría de las veces una imagen antes de salir y tratar de hacerla.

 

© Edwin Kats

© Edwin Kats

 

 

Biografía

Edwin Kats vive en el centro de Holanda, rodeado de bosque, agua y brezal, lo que le ofrece muchas posibilidades para capturar la maravillosa flora y fauna existente cerca de casa.

En 2006 se pasó a la fotografía digital y, aunque todavía añora trabajar con diapositivas Velvia y Provia, se acostumbró a lo digital muy rápido y aprendió a amarlo. Su cámara más reciente es una Nikon D4 y su objetivo principal un Nikon 500/4 VR, una lente magnífica con autofoco rápido y fondos suaves, y casi siempre fotografía oculto en un hide.

Desde siempre ha tenido una estrecha relación con la naturaleza y la vida silvestre en particular. Caminar al aire libre en solitario ha sido siempre una gran aventura desde niño. Desde 1992 ha fotografiado principalmente fauna nativa holandesa pero actualmente disfruta de la emoción de viajar a otros lugares fantásticos de Europa como el Reino Unido y Escandinavia.

Su trabajo se publica a menudo en revistas como Outdoor photographer, Focus, BBC Wildlife Magazine and National Geographic Magazine y realiza talleres/viajes de fotografía de naturaleza.

Sus imágenes se venden por todo el mundo a través de agencias internacionales como Nature In Stock, Wildlifebild, RSPB Images y Arterra.

 

 

Referencias

Piotr Zbierski

Piotr Zbierski es un fotógrafo polaco (nacido en 1987, vive y trabaja en Lodz) cuyo principal objetivo es llegar a través de la esencia de las emociones humanas, a su forma más pura sin adiciones, sin artificios. Para mostrar al hombre en la forma en que ha sido creado, un hombre de un pueblo primitivo.

 

© Piotr Zbierski

© Piotr Zbierski

Para mí la fotografía es un medio íntimo. Me ayuda a expresarme pero, además, me permite estar más cerca de la vida y de la gente, permitiendo mirarles directamente a los ojos.

 

 

Biografía

Piotr Zbierski estudió fotografía en la Escuela Nacional de Cine. En su trabajo creativo comienza desde una experiencia personal, privada y única desde el principio, y llega a través de una imagen a una parte, que es común para todos nosotros, e independiente de él mismo. La vida es una película dirigida por el universo, mientras que el mundo es la mayor acumulación de metáforas sensualmente disponibles, un secreto sobre un secreto o una metáfora de una metáfora. En su opinión, hay una realidad e infinitas visiones.

Sus fotografías no están conectadas con el lugar y el tiempo, sino en el nivel de las emociones. Su  trabajo son historias sobre el equilibrio entre estados inconsistentes y sentimientos. La fotografía es su forma de comunicación, un lenguaje habla de él indirectamente.

Durante los últimos años ha viajado mucho realizando fotografías de personas que conoció en su camino y que le inspiraron. De esta manera hasta cierto punto, sus imágenes se han convertido en una especie de diario personal, principalmente destinado a crear una obra con la que el receptor pueda identificarse, pueda sentir las imágenes como recuerdos suyos.

Es autor de tres exposiciones individuales (White Elephants, Here, Love has to be reinvented), y ha participado en exposiciones colectivas y publicaciones incluyendo Photokina y Lab East, presentando su obra en países como Polonia, Alemania, Portugal, Rusia, Eslovaquia. Ha publicado sus trabajos en revistas como Shots Magazine, Ninja Mag, Archivo Zine, Die Nacht, Gup Magazine, …

En 2012 ganó el prestigioso premio para jóvenes fotógrafos Leica Oscar Barnack Newcomer Award. Su trabajo fue nominado al Deutsche Börse Photography Prize y ha sido nominado en otros premios como Les Nuits Photographiques 2012, Terry O’Neill Award) por su serie Pass by me. Sus trabajos han sido mostrados en el Festival de Arles en 2012 y forman parte de la colección del Kiyosato Museum of Photographic Arts.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Raimon Santacatalina

Raimon Santacatalina es un fotógrafo catalán (nacido en Vilafranca del Penedés, Barcelona, en 1969) que practica casi cualquier disciplina fotográfica (fauna, macro, paisaje, nocturna…) aunque siempre relacionada con la naturaleza que es lo que más le entusiasma.

 

© Raimon Santacatalina

© Raimon Santacatalina

 

 

Biografía

Raimon Santacatalina empezó a admirar y respetar la naturaleza desde la infancia recorriendo durante muchos años los Pirineos, campos y espacios naturales con sus padres. Y la afición por la fotografía también le llegó gracias a su padre que le regaló su primera cámara, una Pentax Asahi Spotmatic SP II, cuando Raimon tenía 15 años.

Estas dos aficiones se juntaron en la fotografía de naturaleza en 2006, cuando se compró su primera cámara réflex digital, una Canon EOS 10 D, y un par de objetivos Sigma de gama baja. A partir de ahí, comenzó su largo camino autodidacta de aprendizaje en internet, con libros, viendo fotos y cómo no, probando con la cámara, y consiguiendo un equipo más profesional.

En 2010 se hizo socio de AEFONA (Asociación Española de Fotógrafos de Naturaleza) y en 2017 de WWF (Fondo Mundial por la Naturaleza).

Algunas de sus fotografías han sido seleccionadas y premiadas en concursos nacionales e internacionales, como en el Concurso Internacional de Fotografía de Naturaleza Oasis Photo Contest de Italia, incluidas en audiovisuales y publicadas en libros como Naturaleza Ibérica: cuatro estaciones de vida publicado por AEFONA y revistas impresas y en línea, como la Revista IRIS.

 

 

Referencias

 

Federico Veronesi

Federico Veronesi es un fotógrafo italiano (nacido en Milán en 1975, vive en Kenia) que pasa la mayor parte de su tiempo en el Masai Mara NR, desde donde dirige safaris fotográficos.

 

© Federico Veronesi

© Federico Veronesi

 

Fotografío animales salvajes simplemente porque los amo y me encantan los lugares donde viven. He dedicado la mayor parte de mi vida adulta a verlos, esperarlos, buscarlos, fotografiarlos. Y me encanta la sensación de estar rodeado sólo por naturaleza, con espacios salvajes sin fin, sin huellas humanas, ni casas, ni tejados, ni ruidos artificiales, ni luces por la noche.

 

 

Biografía

Federico Veronesi creció amando la naturaleza y la fotografía. Cuando tenía 6 años, sus padres llevaron a la familia a un safari fotográfico de veinte días en Kenia, lo que le marcó profundamente. Criado en una casa de aficionados a la fotografía, tuvo su primera cámara réflex, una vieja Minolta heredada de su abuelo, con 13 años y comenzó a explorar el mundo a su alrededor a través de una lente.

Veinte años después de su primer safari, después de graduarse en Economía de Instituciones Internacionales en Milán, Federico regresó permanentemente a Kenia, trabajando primero en el campo del desarrollo internacional con una ONG, visitando las zonas más remotas de Kenia y Somalia, pero renovando su pasión por la fotografía de vida salvaje.

Se dio cuenta de que quería vivir a tiempo completo al aire libre, seguir las historias de los animales día tras día, temporada tras temporada, con lluvias y sequía, y en 2007 estableció su tienda semipermanente en un hermoso campamento a orillas del río Talek, en la Reserva Nacional de Masai Mara. Desde allí salía diariamente para rastrear a los depredadores o grandes migraciones, aprendiendo directa y extensamente los hábitos, territorios y comportamiento de los animales salvajes.

Poco después se convirtió en miembro de la Asociación de Guías de Safari Profesional de Kenia y comenzó a guiar safaris fotográficos en su antiguo, pero seguro, Land Cruiser. Desde entonces ha pasado la mayor parte de su tiempo de safari en los Parques Nacionales Masai Mara, Amboseli y el Lago Nakuru.

En su carrera fotográfica, ha sido galardonado en muchas competiciones internacionales, incluyendo ganar el Nature’s Best Windland Smith Rice Award en 2011. Ha publicado muchos artículos en algunas de las revistas de naturaleza más importantes del mundo. Sus imágenes han sido publicadas de numerosas formas en revistas internacionales, como BBC Wildlife, Oasis, … libros, postales, calendarios y han utilizadas por organizaciones de conservación de la vida salvaje como African Wildlife Foundation, Cheetah Conservation Fund y EcoSys.

Su primer libro, Light and Dust, es una reflexión sobre los temas y lugares que le causaron mayor impresión durante sus años en África Oriental, buscando las condiciones meteorológicas más dramáticas para sus fotografías: nieblas matutinas, tormentas de polvo y lluvias torrenciales, o rayos de luz que brillan entre las nubes.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Julia Anna Gospodarou

Julia Anna Gospodarou es una arquitecta y fotógrafa artística (vive en Atenas, Grecia) que utiliza la técnica de la fotografía para crear lo que ella llama (en)Visionografía, una forma de arte nacida de la reinterpretación del mundo a través de la visión del artista, que trasciende la realidad para poder recrearla a través de la emoción.

 

© Julia Anna Gospodarou

© Julia Anna Gospodarou

 

Si no lo necesitas como el aire, no es arte.

 

 

Biografía

Julia Anna Gospodarou aborda la fotografía artística con tanto entusiasmo y pasión como su profesión original, la arquitectura. Es particularmente conocida por sus fotografías de larga exposición en blanco y negro de elementos arquitectónicos, pero también explora otros aspectos y géneros en su trabajo fotográfico.

A través de sus composiciones en blanco y negro altamente estructuradas y con un fino retoque, hábilmente mezcla sombras y luz para dibujar líneas de edificios. Sus fotos minimalistas, al borde del abstracto, rinden homenaje a los edificios destacando algo más que la arquitectura, el alma de la autora. Partidaria de que editar una foto es tan importante como tomarla, cruza los límites de la fotografía tradicional y entra en el reino de la imaginación, buscando un mundo perfecto que pueda expresar a través de sus imágenes.

Su trabajo ha sido repetidamente premiado a nivel internacional en competiciones como Prix de la Photographie Paris, International Photography Awards, Sony World Photography Awards, B&W Spider Awards, FAPA, ND Awards, IFAP, etc. Su obra ha sido publicada en forma impresa y en línea en numerosos libros y revistas de todo el mundo.

Su libro From Basics to Fine Art. B&W Photography, coeditado con Joel Tjintjelaar, está considerado como uno de los libros más importantes de la nueva fotografía de arquitectura en blanco y negro de las últimas décadas.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Juan Miguel Pando Barrero

Juan Miguel Pando Barrero fue un fotógrafo español (nacido en Madrid el 13 de abril de 1915 y fallecido el 10 de agosto de 1992) conocido sobre todo por su fotografía de arquitectura, arte e industrial. Su legado constituye un referente fundamental para la documentación de la España de la Guerra Civil, la etapa de la dictadura y la Transición; también es el principal testimonio gráfico de Marruecos entre los años 1949 y 1977.

 

Juan Pando Barrero: Notable de los Beni Arós (Yebala). Xauen 1949. Colección Pando.

Juan Pando Barrero: Notable de los Beni Arós (Yebala). Xauen 1949. Colección Pando.

 

 

 

Biografía

Juan Miguel Pando Barrero nacido en el seno de una familia de artesanos y tipógrafos, ejerció los oficios de ayudante de botica y electricista antes de ingresar, con sólo 16 años, en el estudio de Mariano Moreno, uno de los más conocidos fotógrafos artísticos de Madrid, del que se convirtió en primer ayudante.

Unas series de fotografías sobre maniobras militares en Hoyo de Manzanares en 1935, así como la serie que dedicó a las capeas en Illana, Toledo, le valieron ser contratado por la Associated Press, agencia para la que trabajó en exclusiva.

Al comenzar la contienda civil, Pando tenía sólo 21 años, captando imágenes que serían publicadas en el ABC de Madrid (republicano) y los diarios Ahora y La Voz, y documentando, entre otros hechos, la retirada de campesinos desde Talavera de la Reina, la lucha en la Sierra de Guadarrama y la primera línea del frente de Madrid, donde fue confundido con un espía franquista y casi muere en manos republicanas.

Terminada la guerra, fundó la agencia gráfica que llevó su nombre, en la que encontraron trabajo (y refugio) algunos profesionales de la prensa perseguidos en esa época. En vida fue más conocido por su labor como fotógrafo de arquitectura, arte e industria que por su extraordinaria labor etnográfica, monumentalista y paisajística.

Su primera gran serie acerca de Marruecos nació del encargo de fotografiar, en Tetuán en 1949, los festejos que siguieron a los esponsales entre Lal-la Fátima (princesa de la Casa Alauí) y Muley ben El-Mhedi, último jalifa bajo autoridad protectoral.

Influido por fotógrafos estadounidenses y alemanes, en su madurez más fecunda (1945-75), trabajó con cámaras de gran formato para paisaje y la fotografía de monumentos, y con cámaras de formato medio (Rolleiflex y Hasselblad) para moverse con soltura entre las medinas marroquíes o en las plazas españolas.

Realizó una única exposición, Fotografía, luz y vida en el Club Pueblo, en Madrid en 1968. Su archivo, compuesto por más de 130.000 negativos de temas arquitectónicos e industriales y más de 10.000 de sus viajes por España y Marruecos, fue adquirido por el Ministerio de Cultura en 2003 y se encuentra en el Instituto del Patrimonio Cultural de España, conformando el llamado Archivo Pando que conserva su amplia obra desarrollada a lo largo de más de cincuenta años y continuada por su hijo, Juan Pando Despierto, hasta 2003. Este archivo constituye un referente de la industria tanto hidroeléctrica como petroquímica, de obras públicas, iluminación de monumentos e imágenes publicitarias de la época. Contiene también imágenes de regiones devastadas y de la Sección Femenina, así como de monumentos, obras del Museo del Prado y del Museo Arqueológico Nacional.

Treinta de sus copias vintages sobre la Guerra Civil forman parte de la colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

 

 

Referencias

 

 

Libros

 

Amir Ayalon

Amir Ayalon es un fotógrafo israelí (vive en Tel-Aviv) con una gran pasión por la naturaleza y la vida salvaje. Como la naturaleza y su conservación son muy importantes para él, trata de ser activo en las luchas ambientales, en un esfuerzo por proteger y preservar la naturaleza.

 

© Amir Ayalon

© Amir Ayalon

 

 

Biografía

Amir Ayalon ha estado fascinado desde temprana edad por la naturaleza y la fauna que existía a su alrededor. Fragmentos de la naturaleza existen incluso en nuestras sociedades urbanas, pero mientras continuamos poblando nuestro planeta, los animales salvajes y los lugares verdaderamente salvajes continúan disminuyendo.

Además de las aves y la fauna local también disfruta de expediciones fotográficas para fotografiar la naturaleza alrededor del globo, como en Finlandia, Nueva Zelanda, Canadá, Noruega, Reino Unido, Hungría, Israel, Australia y los EEUU.

Ha ganado varias competiciones internacionales de fotografía y obtenido numerosos premios en otras competiciones.

En 2011 fundó la Asociación Israelí de Fotografía de Naturaleza, con el objetivo de lograr proteger y salvar su medio ambiente local.

 

 

Referencias