Ira Kahn

Ira Kahn es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1950, al sur de San Francisco, California) cuyo tema principal es la fotografía abstracta.

 

Mille Bolle Artist Reflected, 1999 © Ira Kahn

Mille Bolle Artist Reflected, 1999 © Ira Kahn

 

La unión del misterio y la vitalidad en el arte de tantas culturas tribales y ancestrales es una influencia fundamental en mi trabajo.

 

 

Biografía

Ira Kahn fue introducido en la fotografía con siete años mientras vivía en Camboya. En 1965 comenzó a desarrollar su arte, haciendo un hermoso trabajo en el cuarto oscuro donde su pasión por las impresiones artísticas nació conforme aprendía a hacerlas. Su trabajo se expuso por primera vez en 1967. Kahn estudió más tarde Arte de estudio y cine en la Universidad de Stanford.

La intimidad y la forma son las piedras angulares de su trabajo. El placer de ver lo inspira; la abstracción y la artesanía lo realizan. En un  mundo tan dado a la imitación, Kahn trabaja con condiciones y sujetos que reflejan una naturaleza genuina propia. Crea su obra de una manera que se basa en características esenciales, pero que, a menudo, están ocultas y oscuras. Sus fotografías son fieles a sus temas aunque siempre interpretativas y con una rara representación. Como las máscaras ceremoniales que revelan más de lo que ocultan, las fotografías de Kahn son conductos a través de los cuales se expresan otras cualidades desconocidas.

Su obra forma parte de distinguidas colecciones públicas y privadas. Ha realizado exposiciones individuales y su trabajo ha sido publicado en revistas y ha aparecido como portadas de libros.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • The Fountains of Bellagio (fotografía y portada).

Julien Chatelin

Julien Chatelin es un fotógrafo francés y estadounidense (nacido en París en 1968) que realiza fotografía documental sobre cómo la humanidad se relaciona con el entorno, para conseguir tener un camino propio ya sea ante otras potencias o frente a la naturaleza o su propio destino. Ha tocado zonas que luchan por su independencia, regiones en un gran proceso de urbanización y áreas en completa transformación buscando su supervivencia.

 

© Julien Chatelin

© Julien Chatelin

 

 

Biografía

Julien Chatelin comenzó en 1992 su carrera como periodista fotográfico después de graduarse en la Universidad de Nueva York. Comenzó investigando cuestiones sociales en Francia, pero su enfoque se volvió cada vez más hacia los principales acontecimientos internacionales, y en particular a los cambios que se produjeron en Europa Oriental tras el colapso de la Unión Soviética.

Chatelin amplió posteriormente sus horizontes a otros territorios, centrando su atención en el destino de las naciones que luchan por su independencia como estado. Esta serie incluía obras del Cáucaso, Kosovo, Sáhara Occidental, Kurdistán, Xinjiang y Tíbet, cuyo cuyo ensayo Lhasa, the lost soul of Tibet fue presentado en el Open Society Institute.

Entre 2004 y 2006 Chatelin se propuso crear un fresco visual de la sociedad israelí, publicando su trabajo en el libro Israel Borderline en 2008, tras una gran exposición en Cannes.

En búsqueda constante, explorando nuevas dialécticas visuales y narrativas,  produjo Egyptorama, un viaje a través de las tierras semidesérticas de Egipto, rodado en gran formato, que recibió el premio Camera Clara en 2013. Este proyecto es el primer opus de un cuerpo más grande en curso titulado Promised lands, que incluye proyectos en Detroit y el oeste de China, además de otros lugares en los que se implique la urbanización y las transformaciones cíclicas de nuestros entornos.

Chatelin es cofundador de la galardonada revista De L’airex miembro de Rapho y Photographer of the year 2016 por All About Photo. Su trabajo ha sido ampliamente publicado a nivel mundial y expuesto en prestigiosos museos como la Casa Europea de la Fotografía o el Centro de Ginebra para la Fotografía.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Kisa Kavass

Kisa Kavass es una fotógrafa australiana (nacida en Adelaida, Australia, vive en Nashville, Tennessee, EEUU) cuya obra muestra la importancia de las historias de la niñez, el folclore y los cuentos de hadas y su propósito en los procesos de las historias humanas, pues las historias que una vez nos encantaron todavía existen profundamente dentro de nuestra psique y revelan una relación con fuerzas no entendidas, las sombras de la intuición.

 

© Kisa Kavass

 

 

Biografía

Kisa Kavass nació en Adelaida, en el sur de Australia, de padres con profundas raíces en su legado letón y ruso. A la edad de cinco años su familia se trasladó a los Estados Unidos y pasó tiempo explorando diversas regiones, también de Europa,  antes de finalmente establecerse en Nashville, Tennessee. Estos viajes le inculcaron una intensa curiosidad por el mundo y una fascinación por la naturaleza.

Kisa estudió Inglés e Historia del Arte en la Universidad de Vanderbilt. Su pasión por la creación y el arte la llevó a la fotografía y ha trabajado como fotógrafa profesional durante más de quince años, especializada en fotografía artística y retrato, con su estudio y laboratorio en una pequeña ciudad histórica en los alrededores de Nashville, especializándose en el retrato en blanco y negro impreso en su cuarto oscuro.

Cuando era niña, creció escuchando y leyendo historias que le crearon un estado de ánimo y una curiosidad sobre el mundo natural. A través de su fotografía vuelve a la imaginación y la curiosidad que experimentó de niña. Sus imágenes están destinadas a recordar la memoria de esas historias y crear otras nuevas.

Ha impartido talleres sobre creación de libros, tinte a mano al óleo y procesos alternativos de películas Polaroid. Su obra ha sido publicada en numerosas revistas, como Shots,  y ha realizado exposiciones individuales y colectivas por todo Estados Unidos.

 

Referencias

Jan Vermeer

Jan Vermeer es un fotógrafo holandés de naturaleza que ha estado trabajando como fotógrafo profesional a tiempo completo durante más de quince años. La naturaleza es su mayor fuente de inspiración, y pasa gran parte de su tiempo en el Veluwe holandés, la más amplia zona boscosa del país, con una gran diversidad de paisajes, con bosques, brezales, y la mayor zona de arena de deriva de Europa, Kootwijkerzand.

 

© Jan Vermeer

© Jan Vermeer

 

 

Biografía

Jan Vermeer es un fotógrafo apasionado por la naturaleza y su interés por es amplio y sus temas diversos. En su fotografía, el color y la forma determinan fuertemente sus imágenes.

Además de sus actividades en los Países Bajos, su trabajo ha adquirido una dimensión cada vez más internacional, y Jan viaja regularmente a lugares lejanos, buscando naturaleza virgen. En los últimos años superó el inmenso frío para tomar fotografías de regiones remotas de la Antártida y del Ártico como Spitsbergen, Rusia e Islandia.

Su trabajo ha sido publicado en revistas como Panda, Natuurbehoud, National Geographic Traveler y KLM Holland Herald. Cada año se publican un gran número de calendarios, agendas y diarios tanto a nivel nacional como internacional con sus imágenes. Es un magnífico conferenciante y especialista en presentaciones.

Ha ganado múltiples premios en concursos como el Wildlife Photographer of the Year. Es miembro del ILCP (International League of Conservation Photographers) y ha sido invitado para el proyecto Wild Wonders of Europe. Es Sony Ambassador desde hace tres años.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Witte Veluwe
  • Antarctica
  • Arctic
  • Breaking Ice.

Kirk Crippens

Kirk Crippens es un fotógrafo estadounidense (nació en Dallas, Texas, en 1971, vive en el área de San Francisco). Una gran parte de su obra explora la Gran Recesión, con proyectos que buscan la exclusión, la pérdida de empleo, y el colapso de los constructores de automóviles, y otra parte se centra en series de retratos de grupos de personas en su entorno característico.

 

© Kirk Crippens

© Kirk Crippens

 

 

Biografía

Kirk Crippens tuvo un comienzo temprano con la fotografía, inspirado por su padre, y su abuelo, que era un fotógrafo militar retirado y que mantuvo un cuarto oscuro en su casa. Estudió fotoperiodismo en la Universidad de Texas en Austin, trabajando en prestigiosos periódicos de todo Estados Unidos.

Con sede en San Francisco desde 2000, centró ya sus esfuerzos en proyectos personales. Ha expuesto ampliamente desde2008 en exposiciones individuales y colectivas, siendo nombrado Top 50 Photographer en el Photolucida’s Critical Mass de 2010 y 2011, nominado para el Eureka Fellowship Program 2011-2013, nominado al premio Photolucida’s book y ha participado en el Festival Internacional de Fotografía de Lishui, China. Ha sido artista en residencia en RayKo Photo Center en San Francisco y en el Newspace Center for Photography de Portland, Oregón.

Sus proyectos tratan principalmente de retratos que identifican a la gente en su entorno particular, como en Hidden Population, una serie de retratos sobre reclusos de San Quentin, o en Portraitlandia, en la que utilizó una cámara fotográfica 4x5” con película sobre la gente de Portland, una rica ciudad estadounidense de Oregón, que se enorgullece de promover el individualismo, inspirado en una popular serie de comedia televisiva, Portlandia, que santifica a esta ciudad de 600.000 habitantes como centro de la política liberal y estilos de vida alternativos. Su mezcla de personajes imaginativos sugiere un alto nivel de reinvención personal y tiende a confirmar a Portland como un paraíso consumista.

 

 

Referencias

 

 

Libros

 

Markus Andersen

Markus Andersen es un fotógrafo australiano (nacido en Sídney, donde vive) cuya práctica artística engloba obras documentales, de retrato y conceptuales, que emplean todas las formas de fotografía analógica y digital.

 

© Markus Andersen

 

© Markus Andersen

 

 

Biografía

Markus Andersen estudió arte en la escuela secundaria y su primera exposición a la fotografía como forma de arte fue el uso de una Nikon F M2 prestada y una lente de 50 mm para crear imágenes abstractas en negativo en color. Ojeando National Geographic y revistas de fotografía de niño quedó fascinado por la luz, la composición y el relato de historias.  Posteriormente estudió fotografía a tiempo completo, obteniendo un título del Sydney Institute Of Technology antes de convertirse en fotógrafo independiente.

Después de muchos años de pulsar botones para otros, tomó en 2012 la decisión consciente de comenzar a concentrarse en sus imágenes personales, así como en trabajos de filmación para exposiciones y libros.

Realiza rápidamente sus imágenes pero éstas revelan múltiples niveles de composición que Andersen captura a nivel intuitivo, buscando elementos que agreguen un estado de ánimo a la imagen y sus decisiones creativas las toman en un instante. Dispara rápido, con un encuadre determinado y se mueve rápido, como si intentara capturar un rayo en una botella, y fotografiando los elementos de luz, sombra y sujeto bailando juntos en unidad dentro del encuadre.

Su trabajo se ha exhibido en Nueva York, París, Estambul, Toronto, Sídney y el Reino Unido. Su obra forma parte de numerosas colecciones privadas y públicas. El cineasta Rob Norton dirigió recientemente un mini documental titulado Into the Belly of the Beast sobre su trabajo callejero en Sídney y su filosofía subyacente.

Es miembro del colectivo Tiny Collectiv, una cooperativa internacional de fotógrafos de calle, con miembros en Nueva York, París, Estambul, Toronto, Zagreb, San Francisco, Los Angeles, Oakland, Atlanta y Sídney.

En su época más actual se ha centrado en 3 cuerpos de trabajo:

  • un proyecto de un año de duración en un suburbio de Sídney con una historia algo polémica, realizado con equipo digital y de película Fuji,
  • otro proyecto basado en las playas de la costa oriental de Sídney filmados enteramente con diversas cámaras Lomo y Diana con película de 35mm y 120, y
  • su trabajo de calle en blanco y negro con sus cámaras MP y M4 de Leica.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Rage Against The Light, 2015/16.
  • Cabramatta: a moment in time, 2017.

 

Sofía Ayarzagoitia

Sofía Ayarzagoitia es una fotógrafa mejicana (nacida en 1987 en Monterrey, Nuevo León, donde vive). Una gran parte de su trabajo gira en torno a la intimidad y a los temas que surgen de ella, manteniendo el vínculo necesario entre el arte y la vida. Trata de explicar su viaje existencial y psicológico, mientras explora también la delgada línea entre los recuerdos, la ficción, el tiempo y el espacio.

 

© Sofía Ayarzagoitia

© Sofía Ayarzagoitia

 

 

 

Biografía

Sofía Ayarzagoitia estudió fotografía en LCI en Monterrey,  fotoperiodismo en 2012 en la Escuela José Martí en La Habana, Cuba, y en 2015/16 realizó el Master Europeo de Fotografía Artística de IED en Madrid. Desde que en 2012 obtuvo el premio Casa de la Cultura de Monterrey, ha expuesto colectiva e individualmente en México, Polonia, … publicado su fotografía y conseguido ser en 2016 Foam Talent, ganadora de la competición de photobooks en La Fabrica en Madrid, una beca de la Chung Ang University de Corea del Sur y ganadora de la XVII Bienal de Fotografía Centro de la Imagen de Ciudad de México.

Sofía está interesada en la fotografía que tiene algo de perfomance pero que deriva del patrimonio documental. Esta frontera con la perfomance se extrae de la relación empática que comparte con sus sujetos fotografiados. Incluso aunque ella nunca aparezca en las fotografías, el trabajo siempre se refiere a ella, no sólo a través de textos, sino también a través de esta relación.

Every night temo ser la dinner es un diario fotográfico, a través de micro-narraciones no lineales, de vivencias recogidas por su cámara, en el que la fotógrafa recoge un total de once encuentros con hombres, realizados durante su estancia en Madrid entre 2015 y 2016. La maqueta ha sido publicada por La Fábrica y forma parte de su catálogo editorial

 

 

Referencias

 

 

Libros

Chris Hadfield

Chris Hadfield es un aviador y astronauta canadiense (nacido el 29 de agosto de 1959 en Sarnia, Ontario) que ha realizado bellas fotografías de la Tierra desde el espacio.

 

© Chris Hadfield

© Chris Hadfield

 

 

Biografía

Chris Hadfield creció con sus padres en una granja de maíz. Desde joven estuvo interesado en volar, su padre era piloto de aviación y tenía una avioneta,  y tuvo la idea de ser astronauta cuando, con nueve años, vio en televisión el aterrizaje del Apolo 11. Pero Canadá no tenía un programa de astronautas, ni lo tendría en un futuro previsible.

Pasaba su tiempo en casa aprendiendo mecánica sobre tractores y coches viejos, y volando con su padre y hermanos cada vez que podía. Entró en la RCAF, convirtiéndose en un piloto de prueba experimental y pilotando más de 70 tipos diferentes de aviones. Se aseguró de que cuando surgiera la oportunidad de viajar al espacio, estaría preparado para ello.

Entre otras actividades espaciales, Chris ha volado en el espacio tres veces, en 1995, 2001 y 2012/13, una vez en la estación espacial rusa MIR y dos veces a la Estación Espacial Internacional. En estos tres vuelos, hizo unas 45.000 fotos. No hay tiempo en órbita para revisar todas estas fotos, así que hizo un montón, las descargó a la Tierra, y la NASA se quedó la mayoría. A pesar de ello, ha realizado un par de libros con las fotos más bellas. Las fotografías tomadas a bordo de la Estación Espacial Internacional (ISS) están realizadas a alrededor de 400 km de la superficie, y a esa altitud se da una vuelta a la tierra cada 92 minutos.

El coronel Hadfield ha sido el primer canadiense en subir al espacio, el primer comandante canadiense de la Estación Espacial Internacional, pero es también un autor de libros de fotos muy vendido, causó sensación su versión de Space Oddity, canción de David Bowie, que se grabó en la Estación Espacial Internacional, y cuyo videoclip colgó en su página personal de YouTube y un magnífico conferenciante y orador.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • An Astronaut’s Guide to Life on Earth.
  • You are Here: Around the World in 92 minutes.
  • The Darest Dark (para niños).

 

Gustave de Beaucorps

Gustave de Beaucorps fue un fotógrafo francés (nacido en Rochefort el 13 de noviembre de 1824 y fallecido en Niza el 10 de junio de 1906) cuyos estudios sobre la arquitectura, paisaje y gentes de Argelia (invadida por Francia en 1830) aprovecharon la fascinación pública por las representaciones orientalistas del Oriente Medio y del Norte de África.

 

Harem Slave, Algeria, 1859. Gustave de Beaucorps

Harem Slave, Algeria, 1859. Gustave de Beaucorps

 

 

Biografía

El conde Jean-Félix Gustave de Beaucorps, miembro destacado de la aristocracia francesa, perteneció a una saga familiar de miembros volcados en estudios arqueológicos, especialmente centrados en el arte islámico y en el coleccionismo.

Se inició en la fotografía con Gustave Le Gray. Con el objetivo de inmortalizar el mayor número de estampas ligadas con su pasión por el mundo oriental y la arqueología, emprendió varios viajes. En 1856 en un viaje por Francia realizando imágenes de París, Blois, Chambord, Compiègne, Coucy y Pierrefonds. En 1857 viajó a Bélgica, y en 1858 a España y Portugal, donde retrató las ciudades de Valladolid, Toledo, Burgos, Sevilla, Granada, Coimbra y Lisboa. De ahí continuaría viajando hasta Argelia, frecuentando en los años siguientes otros lugares del Mediterráneo, como Italia y Turquía.

Experimentó con diferentes técnicas fotográficas, destacando en el uso del calotipo o positivo de papel, un procedimiento que en la época era más cómodo de cara a afrontar los riesgos y accidentes de un largo viaje, en contraposición al vidrio. A través de esta técnica, retrató escenas pintorescas, persiguiendo el ideal romántico. Controlaba minuciosamente cada detalle, desde el enfoque hasta la iluminación o la composición de la escena.

Durante su viaje por España entabló amistad con el fotógrafo británico Charles Clifford, acompañándolo a su visita de la Alhambra el 10 de junio de 1858, tal y como consta en el libro de firmas del monumento.

Expuso en la Société Française de Photographie (París), de la que era miembro, en 1859, 1861 y 1869. No se conoce ningún libro editado por él, pero sí se conservan numerosas copias positivas a la albúmina y negativos en papel encerado de gran formato, dispersos en diversas colecciones públicas y privadas de España y Francia, como las de la Universidad de Navarra y el Musée d‘Orsay de París.

Su magistral retrato del mundo oriental mereció, casi 150 años después, el montaje de una exposición en Les Musées de Saintes et de Poitiers en 1992, titulada: Gustave de Beaucorps (1825-1906). Calotypes, y la edición de un catálogo llamado L’appel de l’orient.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

Juan Cristóbal Cobo

Juan Cristóbal Cobo es un fotógrafo colombiano (nacido en Cali, vive en Bogotá) que realiza fotografía de calle en Bogotá y Nueva York.

 

© Juan Cristóbal Cobo

© Juan Cristóbal Cobo

 

 

Biografía

Juan Cristóbal Cobo nació en Cali y se trasladó a Nueva York siendo un adolescente. Sus primeras pasiones se centraron en el cine, pero después de 30 años como director de fotografía y director comercial, se encontró fuertemente atraído por el arte de la fotografía fija.

Estudió cine en la Universidad de Nueva York, ciudad donde vivió y trabajo por más de diez años. Como director de fotografía ha filmado siete largometrajes como Águilas no cazan moscas, La deuda, El rey, Esto huele mal, Yo soy otro), varios cortos (Hoy es un día distinto, Juntos no es suficiente y La serenata) y cientos de comerciales, siendo nominado en la categoría Mejor Fotógrafo para largometraje en los dos últimos Premios Nacionales de Cine en Colombia. En el área de la publicidad sus trabajos han sido frecuentemente premiados en festivales nacionales e internacionales, como el de mejor director de cine publicitario en El Ojo de Iberoamérica.

A diferencia del caos controlado de un estudio de cine, ahora encuentra la paz perdiéndose entre extraños, inmerso en entornos diversos y listo para capturar momentos espontáneos con el solo clic de su obturador. Desde 2013, esta nueva pasión ha sido su único enfoque y es el medio que le permite expresar mejor su voz interior.

Entre sus trabajos fotográficos podemos citar La 7ª sobre la calle principal y más histórica de Bogotá, que se extiende por muchos kilómetros a lo largo de la ciudad, cambiando drásticamente en vistas, olores y sonidos. Este trabajo se centra sólo en unas pocas cuadras del centro de la ciudad donde las cicatrices irregulares de los eventos históricos todavía están a la vista para que todos puedan ver. Está poblada por personas que recuerdan a los viejos Bogotá o Cachacos: políticos, hombres de negocios, artistas callejeros, vagabundos y solitarios que infunden al ambiente una extraña dosis de surrealismo. Ha estado fotografiando este tramo de la ciudad durante muchos meses, tratando de construir un retrato de esta calle, de esta ciudad, donde la desesperación y la esperanza no están en oposición, sino que coexisten entre sí.

En Otros ojos, reflexiona sobre el hecho de que, como las calles están inundadas de cámaras, el retrato se ha vuelto distante y anónimo, y su cámara es una mas entre los millones que inundan las calles convirtiéndome así en un espectador solitario que pasa desapercibido entre la multitud.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • En el café, con Sofía Oggioni Hatty.

Evan Anderman

Evan Anderman es un geólogo y fotógrafo estadounidense (nativo de Colorado, vive en Denver) que busca cuestionar nuestra comprensión de la relación entre el desarrollo humano y el mundo natural documentando la forma en que usamos la tierra.

© Evan Anderman

© Evan Anderman

 

 

 

Como geólogo, cuando vuelo sobre las altas llanuras del este de Colorado, miro las capas múltiples y superpuestas y cómo la tierra ha sido modificada por una combinación de procesos, tanto naturales como artificiales. La capa más baja, la tierra misma, se ha creado en millones de años y forma los cimientos. La cubierta que le cubre es lo que la humanidad ha impuesto de varias maneras, con actividades y estructuras que se llaman colectivamente “progreso”. Aunque mi principal interés es la sutil belleza del paisaje en sí, también me gusta descubrir lo que el hombre ha hecho con esa tierra y hacer que el espectador se pregunte qué está pasando y por qué. Las imágenes son fundamentalmente estéticas, pero te dejan cuestionando el tema.

 

 

Biografía

Evan Anderman estuvo décadas trabajando como geólogo, y tiene un master y un doctorado en Ingeniería Geológica de la Colorado School of Mines y una ingeniería en geología en la Princeton University. Poco a poco se fue convirtiendo en fotógrafo de paisajes y naturaleza artística, normalmente desde los aires,  que intenta desafiar nuestra comprensión de la relación entre los seres humanos y el mundo natural documentando los paisajes cambiantes, las corrientes y la atmósfera que son pasadas por alto por el desarrollo humano.

Decidió concentrarse en las planicies orientales de Colorado porque su belleza sutil ilustra las tensiones globales a escala local. Son regiones escasamente pobladas de Colorado que están sujetas a una mezcla diversa del uso de la tierra. Grandes extensiones se dan a la recolección de cultivos o pastoreo de ganado, lo que si no se gestiona cuidadosamente puede diezmar el paisaje. Su tema más reciente es el negocio de la energía, que hasta hace poco tenía sólo una pequeña presencia en la zona. Pero se ha expandido rápidamente, invadiendo o incluso superponiendo los espacios agrícolas. Todavía no está claro si ambos pueden coexistir y si estas dinámicas cambiantes tendrán un impacto sobre el paisaje y la tierra.

Su fotografía puede encontrarse en la colección del Denver Art Museum, así como en muchas colecciones privadas en todo el país. Su trabajo ha sido expuesto en instituciones nacionales e internacionales, incluyendo el DongGang International Photo Festival de Corea del Sur, Mt Rokko International Photo Festival en Japón, Denver Public Library, Midwest Center for Photography, The Dairy Center for the Arts, The Arvada Center, American Mountaineering Center, Denver International Airport, The Museum of Outdoor Arts, The Arts Student’s League of Denver, Carmen Wiedenhoeft Gallery, The Colorado State Capitol, Robischon Gallery, Lamont Gallery, Buttonwood Art Space y su propia galería en el Denver’s Santa Fe Arts District.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Daniel Arnold

Daniel Arnold es un escritor y fotógrafo estadounidense (nacido en Milwaukee, Wisconsin, vive en Brooklyn, Nueva York) ampliamente conocido por sus instantáneas sinceras de escenas callejeras y de pasajeros del metro de Nueva York, y que, a diferencia de las generaciones anteriores de fotógrafos callejeros, su utilización de Instagram y Tumblr lo hace sentir como un participante activo en la comunidad de Nueva York, no sólo como un observador pasivo.

 

© Daniel Arnold

© Daniel Arnold

 

 

Parpadeas y el momento ha desaparecido por completo y el único lugar en el que existe es en tu cabeza o en tus fotos o en cualquier manifestación creativa que tengas en tu vida. La Nueva York de mi cabeza probablemente no existe.

 

 

Biografía

Daniel Arnold nació en una familia con ocho hijos. Fotografía todo el día todos los días, pues está obsesionado. Antes de renunciar a su trabajo capturaba reuniones, comidas, sus viajes, todo. Ahora que está más libre pasa la mayor parte de los días caminando, no necesariamente pensando en sus fotografía e, incluso, sin un objetivo en mente. Llevar una cámara encima le hace sentir que todo ese vagabundeo sea productivo.

Un Garry Winogrand de la era digital, Arnold ha hecho miles de fotos de personas en las calles de Nueva York, algunas robadas, otras más formales. Como Winogrand y Friedlander antes que él, Arnold es un maestro en capturar los momentos sutiles y las interacciones. A diferencia de sus antepasados, sin embargo, pone sus imágenes a disposición de literalmente miles de personas al instante a través de las redes sociales. Considerado uno de los mejores fotógrafos en Instagram, le cancelaron su cuenta por mostrar unas fotos en topless de una playa, pero creó otra cuenta donde ahora tiene más de 135.000 seguidores. También ha tenido relevancia por conseguir vender en un día fotografías por valor de 15.000$ a través de su cuenta de Instagram.

Como no todo puede ser el mundo virtual de las redes sociales, recientemente ha completado una importante serie en el metro para el New Yorker, y ha fotografiado la Met Gala para Vogue. Su trabajo ha sido publicado en el New Yorker, Forbes, Gawker y The Huffington Post, entre muchos otros medios de comunicación. También ha expuesto individual y colectivamente, como su exposición individual New Photos en Mark Wolfe Contemporary Art en San Francisco.

 

 

Referencias