Patrick Bailly-Maître-Grand

Patrick Bailly-Maître-Grand es un físico, pintor y fotógrafo francés (nacido el 1 de febrero de 1945 en París, vive y trabaja en Estrasburgo) cuya obra fotográfica es un reflejo de su trayectoria por estas tres disciplinas. Para él, la fotografía es un medio de mirar el mundo y darle sentido provisional.

 

© Patrick Bailly-Maître-Grand

© Patrick Bailly-Maître-Grand

Biografía

Patrick Bailly-Maître-Grand se graduó en Física por la Facultad de Ciencias de la Universidad de París en 1969 y abandona la práctica científica por problemas de salud, para dedicarse durante una década a la pintura, embarcándose en una observación de la realidad, con una pintura hiperrealista, fría, precisa y analítica, utilizando lacas y acrílico de secado lento. Sus temas preferidos fueron los viejos muros y las sombras, alejado siempre de la noción de perspectiva.

A partir de 1980 comienza a experimentar con la práctica fotográfica. Sus fotografías se caracterizan por una estética poética traducida con humor, pero asociada a técnicas complejas, como el daguerrotipo, la perifotografía, la estrobofotografía, los virajes, los monotipos directos y otras invenciones propias. Está considerado como uno de los más importantes daguerreotipistas contemporáneos. Huyendo de la noción de perspectiva, sus imágenes, aunque muy sofisticadas en su realización, son muy simples visualmente, casi como haikus.

Patrick ha expuesto por todo el mundo. Sus obras forman parte de colecciones de museos de prestigio como el MOMA de Nueva York, Centre Pompidou y Fondo Nacional de Arte Contemporáneo en París, Sainsbury Centre en Norwich,  Victoria Museum en Melbourne, Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Estrasburgo, Museet de Fotokunst de Odense, Museo de Bellas Artes de Houston, Museo Français de la Photographie en Bièvres, Musée Nicéphore Niépce en Châlon sur Saône, Stanford Museum of Art en California, …

Está representado por la galería Baudoin Lebon de París, una de las galerías más importantes de fotografía del mundo,  Lucien Schweitzer en Luxemburgo, Tagomago en Barcelona y Michel Soskine en Madrid y Nueva York.

Referencias

Libros

  • Colles et Chimères, 2014.
  • Quelques passoires a Photons, 2008.
  • Petites Cosmogonies, 2007.
  • P. Bailly-Maître-Grand, 2007.
  • PLM 23T, 2007.
  • Dermies, 2005
  • P. Bailly-Maître-Grand, 2000.
  • Les Gemelles, 1998
  • Evidement parce que, 1996.
  • Chasseur de hasard, 1995.
  • Le puits voleur, 1994.
  • e iπ = – 1, 1993.
  • Celine. Les lieux de l’ecrit, 1991.
  • Formol’s band, 1988.
  • En vert mental, 1986.
  • Remanences, 1983.
  • Magnitude 13, 1980.

Lidia Vives

Lidia Vives es una fotógrafa catalana (nacida el 29 de enero de 1991 en Lleida) que realiza fotografía de moda, de bandas musicales y fotografía artística. Su trabajo se caracteriza por un entorno pictórico y por ocultar secretos (frases, abejas, pequeños detalles, …) en sus fotos.

 

© Lidia Vives

© Lidia Vives

Biografía

Lídia Vives estudió Bellas Artes y actualmente trabaja como fotógrafa de moda, de bandas musicales y en fotografía artística. Antes de ser fotógrafa pretendía dedicarse a la pintura, encaminando su vida hacia ello ya desde bien pequeña. Al empezar con la fotografía su primera intención fue hacer fotografía de moda o de publicidad. Después vio que no podía evitar pintar las imágenes con Photoshop y que poco a poco terminaban convirtiéndose en cuadros, casi óleos, que nada tenían que ver con la imagen original. Así fue como nació su estilo, juntar sus dos disciplinas artísticas favoritas.

Su trabajo se caracteriza por el ambiente pictórico, el uso del color y el carácter onírico que logra transmitir. Recurre a los cuentos tradicionales, los clásicos de la pintura, el universo onírico, los iconos pop y las obsesiones y fobias como fuentes de inspiración. Trata de reflejar escenas incompletas, a modo de fotogramas, de modo que sea el espectador quien construya la historia.  No quiere crear escenas, sino mundos nuevos.

Está representada por la galería fiftydots y patrocinada por Pentax y Sigma. Trabaja con las agencias fotográficas Vogue Italia, Arcangel y Trevillion.  También ha realizado colaboraciones con Pull My Strings, Love of Lesbian, Boutique Milnoucents, Javier Núñez, Amparo Chordá, La Tua Pelle Costura, El Costurero Real, Formentera Lady and Co.,  Conpasion Born, Lily von Schatten Couture y L’Arca.

Referencias

 

Libros

Nuria López Torres

Nuria López Torres es una viajera y fotógrafa documental catalana (nacida en 1968 en Barcelona, donde vive) que  centra su trabajo en temáticas relacionadas con la mujer, el género, las identidades, las violencias y las sexualidades, abordando estos temas desde la antropología social convirtiendo algunos de sus trabajos en ensayos fotográficos.

Retrato de Kazandra vestida con el traje tradicional del Istmo de Tehuantepec junto al altar familiar. En todas las casas zapotecas se puede encontrar uno dedicado a los seres queridos fallecidos, con sus retratos y estampas de santos © Nuria Lopez TorresRetrato de Kazandra vestida con el traje tradicional del Istmo de Tehuantepec junto al altar familiar. En todas las casas zapotecas se puede encontrar uno dedicado a los seres queridos fallecidos, con sus retratos y estampas de santos © Nuria Lopez Torres

Biografía

Nuria López Torres se formó en los prestigiosos Instituto de Estudios Fotográficos de Catalunya y Escuela Superior de Imagen y Diseño IDEP de Barcelona donde realizó un master en fotoperiodismo.

Combina sus proyectos personales con su colaboración como freelance en medios nacionales e internacionales, comisariado en eventos fotográficos y docencia en centros especializados de fotografía. Es miembro de la organización de fotógrafos, escritores y periodistas GEA PHOTOWORDS.

Su trabajo ha estado expuesto en London Photo Festival, WhiteBox Gallery en Kuala Lumpur, Malasia,  el Museo MAC Ibirapuera de Sao Paulo (Brasil), Centro Cultural de España en Lima (Perú), Centro Cultural Rojas en Buenos Aires (Argentina), Centro de Cooperación Española en Antigua (Guatemala), Academia San Carlos en México D.F, Hardcore Art Gallery en Miami (EEUU), Centro Cultural de España en Asunción (Paraguay),  El Museo de Bellas Artes de Castellón, Círculo de Bellas Artes en Madrid, Espai Fotogràfic Català Roca en Barcelona, Ciudad de Bézier (Francia), Josep Comaposada Foundation y Dolfield Festival en Barcelona, entre otros.

Ha obtenido diversos premios entre los que podemos citar el Premio de fotografía del II Festival Internacional de Artes Audiovisuales de Andalucía, finalista en LensCulture Portrait Awards, Kuala Lumpur International Photo Awards Portrait, Hamdan Bin Mohammed Bin Rashid Al Maktoum International Photography Award, mención de honor en Moscow International Foto Awards. Su obra forma parte de colecciones como la Fundación Isonomía de la Universidad Jaume I de Castellón y la Fundación Visible de Arte Contemporáneo.

Sus trabajos han sido publicados en Zazpika, El Periódico, Lonely Planet, El País,  Le Monde, The Guardian, Interviú,The Caravan, Terra Mater, Al-Jazeera y CNN entre otros medios.

Referencias

Libros

  • Sex and Revolution in Cuba.

 

 

 

Noah Kalina

Noah Kalina es un fotógrafo estadunidense (nacido en Nueva York en 1980, está basado en Brooklyn y Lumberland, Nueva York) que realiza una fotografía muy variada, pero cuya popularidad a nivel mundial le ha llegado por su proyecto Everyday, un video que recoge en unos minutos sus autorretratos durante 12 años.

 

© Noah Kalina

© Noah Kalina

Para mí, una ciudad verdadera es un lugar donde la diversidad está en todas partes. Desde la gente a la arquitectura. Uno debe ser capaz de caminar por la calle y ver el mundo. Creo que Nueva York es uno de los mejores lugares para experimentar esto.

Biografía

Noah Kalina estudió fotografía en la School of Visual Arts de Nueva York y comenzó a trabajar como fotógrafo para la revista Interview Magazine.

Ha realizado encargos para Google, Gucci, Levi’s, Timberland, General Electric (The Barbarian Group), Disney, Sprint (Goodby Silverstein), Tumblr, Snarkitecture, COS, Society of Grownups (IDEO), Motorola (DraftFCB), Sony (BBDO Chile), Raiffeisen Bank (Ogilvy & Mather Vienna), VH1, MTV, Downtown Records, Sony Records, Atlantic Records, Vagrant Records, CarPark Records,

Su trabajo ha sido publicado en The New York Times Magazine, Wired, Runners World, enRoute, Frame, Golf Digest, Architect, Bloomberg Business Week, Nylon, Food and Wine, Surface, New York Magazine, Oak Street, DVEight,  Esquire, Le Monde, Fast Company, Popular Mechanics, Interview.

Sus exposiciones más recientes son:

  • 2017: The Fog en Catskill Art Society – Livingston Manor, Nueva York.
  • 2015: In the Mood. Photography and the Everyday en Irene Carlson Gallery of Photography en La Verne, California.
  • 2015: Selfie. From Self Portrait to Staging the Self en el Brandts Museum de Odense, Dinamarca.
  • 2015: Tomorrow Has Passed en One Eyed Jacks Gallery de Brighton, Inglaterra.

Entre tantos proyectos como ha realizado, sin embargo Kalina alcanzó la fama por Everyday, un proyecto comenzado a principios del año 2000 y que consiste en fotografiarse cada día, de frente, con la misma expresión y similar encuadre. En el 2006 realizó un video con las primeras 2356 fotografías tomadas hasta ese momento. El video se publicó en Youtube y obtuvo importantes premios y le ha brindado a Kalina una gran popularidad a nivel mundial. Al cabo de otros 6 años volvió a realizar otro video similar y sigue fotografiándose diariamente en un proyecto que sigue activo.

Referencias

Libros

Nils Jorgensen

Nils Jorgensen es un fotógrafo danés (nacido en Copenhague en 1958, vive en Londres) que captura los momentos mundanos del día a día, tales como la espera de un autobús o la visita a un museo, capturándolos en el momento preciso para convertirlos en brillantes imágenes que atraen nuestra imaginación y atención una y otra vez.

© Nils Jorgensen© Nils Jorgensen

Biografía

Nils Jorgensen nació en Dinamarca en 1958 y estudió en la King’s School de Canterbury en el Reino Unido. Estudió fotografía en el West Surrey College of Art and Design.

Sus padres influyeron en su elección de ser un fotógrafo callejero. Su madre era una artista y durante la infancia de Nils se le revelaron las verdaderas luchas internas que conlleva la vida creativa. Era normal para él ver pinturas inacabadas y en sus recuerdos de niñez se entrelazan su vida y las pinturas de su madre.

Su padre era médico, pero fue un fotógrafo entusiasta toda su vida. Originalmente estudió para ser arquitecto, y Nils espera haber heredado su gran sentido del diseño. En 1976 le regaló su vieja Leica IIIg que todavía tiene. Aunque en ese momento había cámaras más baratas, más simples y más automatizadas para elegir, le dijo que debía aprender a dominar la técnica primero. Y esto hizo. También le trasladó su amor a los libros y revistas de fotografía. Un libro por encima de todos los demás era su favorito: Time Life Photography Year 1973 Edition.

Esta notable edición cuenta con imágenes destacadas de los mejores fotógrafos del mundo, pero fueron los portfolios de Paul Strand, Diane Arbus, Andre Kertesz, Elliott Erwitt y Tony Ray-Jones los que le impresionaron más que los demás. Y aún hoy treinta años después, al volver a abrir este preciado libro, estas imágenes no han perdido nada de su poder para inspirar. Todos esos fotógrafos practicaban lo que ahora se denomina Street Photography. Nils no sabía entonces, con 14 años, que iba dedicar el resto de su vida a este gran arte.

Jorgensen  ha trabajado como fotógrafo de prensa en Londres desde 1982 y en 2002 se unió al colectivo de fotografía callejera en línea iN-PUBLiC. Ha expuesto en el Reino Unido, Austria y América. Su obra se ha publicado en los libros Street Photography Now, The World Atlas of Street Photography Street Photographer’s Manual y ha sido adquirida por el Museum of London.

 

Referencias

Libros

Su trabajo ha sido incluido en los libros:

  • 10 – 10 years of in-public.
  • Street Photography Now.
  • The World Atlas of Street Photography.
  • Street Photographer’s Manual.

 

Luis Corrales

Luis Corrales es un fotógrafo español (nacido en Sevilla, vive en Viena) que realiza fotografía de calle y urbana, compaginando un gran sentido del humor con un magnífico ojo fotográfico que le permite desarrollar también una fotografía seria y madura.

 

© Luis Corrales

© Luis Corrales

Biografía

Luis Corrales es sevillano pero desde el año 2003 vive en Viena (Austria), aunque en sus fotos ha plasmado la vida cotidiana de muchas ciudades europeas (incluida por supuesto su Andalucía natal y la capital austriaca) desarrollando una mirada propia sobre el mundo. Es un viajero que ha recorrido numerosos lugares y en su web se pueden ver series sobre el Báltico, Armenia, Georgia, Ucrania, Nueva York, Cuba o Andalucía.

Luis compró hace algo más de 10 años su primera cámara réflex digital, una Canon 400D, sin mayor pretensión que hacer fotos de su entorno algo más presentables que las que por entonces hacían las cámaras compactas. Se enganchó con la fotografía y tuvo la imperiosa necesidad de tener muchos objetivos, zooms, macros, focales fijas, lentes más luminosas, filtros de todo tipo y la certeza de que siempre debía cargar con todo el equipo en una inmensa mochila porque podía necesitar cualquier cosa en cualquier circunstancia.

En algún momento recuperó la sensatez, abandonó la fotografía digital vendiendo casi todos sus artilugios y descubriendo la magia de la fotografía química, de las antiguas cámaras analógicas y del revelado casero. Su proceso fotográfico se tornó más lento y reflexivo. Con el tiempo ha vuelto de nuevo a la fotografía digital, pero desde una visión más pragmática y desapasionada.

Auténtico cazador de instantes extraordinarios, fotografía tanto en blanco y negro como en color y utiliza tanto cámaras analógicas como digitales y también el teléfono móvil, aunque su trabajo más personal es con película en blanco y negro. Para él la fotografía urbana incluye también los interiores de las casas y lugares. Ha publicado en revistas internacionales como International Street Photographer Magazine (EEUU), Bliza (Polonia) y Schwarzweiß (Alemania), fue finalista en The Miami Street Photography Festival en las ediciones de 2013 y 2014 y ahora mismo está centrado en la autoedición, de forma muy artesanal, del libro Cuaderno de nostalgias.

 

Referencias

Libros

Antonio Cosmes

Antonio Cosmes fue un fotógrafo mexicano (nacido en México hacia 1820, fallecido en España) que se instaló profesionalmente en España en los primeros años de la década de los 1850 y es conocido sobre todo como precursor del fotorreportaje en España.

 

Antonio Cosmes / José Martínez Sánchez

Antonio Cosmes / José Martínez Sánchez

Biografía

Antonio Cosmes de Cossío nació en México, hijo de madre mexicana y de un oficial español con grado de capitán que se unió al movimiento independentista mexicano en 1821. En 1847 abrió junto al daguerrotipista Charles S. Betts un estudio de fotografía en Ciudad de México, y un año después se independizó profesionalmente. En 1849 viajó a Estados Unidos para aprender las últimas innovaciones técnicas de las galerías norteamericanas, que llevó consigo a su vuelta a México, realizando trabajos en Atlacomulco y Cuernavaca. En 1852 marchó a España, donde abrió un estudio en Cádiz. Viajó por otras ciudades españolas, como Valencia y Madrid, donde se instalaría hacia 1859, aunque se trasladó de nuevo a Cádiz, donde abrió una galería.

Antonio fue un fotógrafo muy versátil, utilizando inicialmente la técnica del daguerrotipo, aunque poco después se dedicaría al ambrotipo, un proceso fotográfico de menor coste y que consiste en un negativo de colodión húmero sobre soporte de vidrio, que parece un positivo al situarlo sobre un fondo negro. Fue uno de los pocos que cultivó en España este procedimiento, muy popular entonces entre los retratistas de Estados Unidos.

También practicó la fotografía estereoscópica y trabajó como miniaturista y coloreando fotografías, pero es conocido sobre todo como precursor del fotorreportaje. En 1858 realizó, en colaboración con José Martínez Sánchez, uno de los reportajes más personales de los inicios de la fotografía española, la llegada de Isabel II al puerto de Valencia con motivo de la inauguración de la red ferroviaria Valencia-Alicante. Este trabajo fue el primer reportaje secuencial de un acto oficial que se realizó en España.

La obra del fotógrafo ha formado parte de las muestras Memoria de la luz: fotografía en la comunidad Valenciana 1839-1939 (Valencia, 1992), El retrato en la fotografía española del siglo XIX (Universidad de Navarra y Ayuntamiento de Pamplona) y De París a Cádiz: calotipia y colodión (Museu Nacional d’Art de Catalunya, 2004), homenaje a los autores decisivos de la divulgación de la fotografía. La mayor parte de la obra del autor que se conserva hoy día pertenece a la colección de Manuel Castellano.

Referencias

Libros

David Solomons

David Solomons es un fotógrafo inglés (nacido en 1965) muy conocido por su fotografía en las calles de Londres.

 

© David Solomons

© David Solomons

Biografía

David Solomons recuerda aún cuando su madre le regaló una cámara compacta de película 110 para su 14º cumpleaños. Era un modelo realmente básico con solo exposición automática y un flash incorporado. Le pareció que era genial, pero luego muchas de las fotos que hizo le salieron muy borrosas, quedando bastante decepcionado y dejó esta afición a los pocos meses, porque decidió que su dinero se empleaba mejor en comprar discos.

Unos años después consiguió un trabajo digno decidió conseguir una cámara adecuada, una Pentax Spotmatic F. Se emocionó con su nuevo juguete y sus fotos eran más nítidas, pero tampoco mucho mejores. Gracias a algunos compañeros empezó a hacer fotos mejores y después de un buen curso  de fotografía decidió vender todos sus discos y se compró una Nikon F801. Después se arrepintió de vender los discos y comenzó a comprar CDs, luego se pasó a la digital y vendió la mayor parte de sus CDs y todo su equipo Nikon.

Estudió fotografía documental en Newport entre 1993 y 1996. Durante este período él cambió de fotografiar sobre todo en blanco y negro al trabajo en color por el que es conocido principalmente. Su primer trabajo importante, Underground, que representa a personas que utilizan el metro de Londres, se completó durante sus estudios en Newport, pero se publicó después de quince años.

Ha publicado varios libros de fotos. Los dos primeros, Happenstance y Underground, fueron realizados principalmente durante la década de los 90. Up West fue realizado durante un período de doce años (2001-2013) en el West End de Londres.

Es miembro del colectivo de la fotografía de calle In-Public, al que se unió en 2008. Ha realizado varias exposiciones en el Reino Unido en solitario y numerosas en grupo. Tiene obra en el Museum of London.

Referencias

Libros

  • Underground, 2009.
  • Happenstance: Black and White Photographs: 1990–2007, 2009.
  • Up West, 2015.
  • M11 Link Road Protest, 2016.
Ha colaborado en:
  • 10–10 Years of In-Public, 2010.
  • London Street Photography 1860–2010, 2011.
  • The Street Photographer’s Manual, 2014.
  • 100 Great Street, 2017.

Liz Nielsen

Liz Nielsen es una fotógrafa estadounidense (nacida en Wisconsin en 1975, vive en Brooklyn) que realiza su obra sin cámara, en su cuarto oscuro en color.

 

Force Fields, 2017 © Liz Nielsen

Force Fields, 2017 © Liz Nielsen

Biografía

Liz Nielsen obtuvo un master de la Universidad de Illinois en Chicago en 2004, su BFA en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago en 2002 y su BA en Filosofía y Español de la Universidad de Seattle en 1997.

Sus fotografías (fotogramas) las crea en su cuarto oscuro de color analógico iluminando con fuentes de luz naturales sus negativos que son realmente collages cortados a mano y compuestos de geles de diferentes colores, sobre papel cromogénico creando abstracciones luminosas y brillantes. Como el papel que utiliza es un papel negativo en vez de positivo, los colores de los geles se invierten a menudo creando nuevas combinaciones sorprendentes donde el control de la composición se encuentra cara a cara con la magia de la química fotográfica. Cada fotografía es única, y tiene un tamaño entre 100×50″ y 8×8″.

Sus obras se han publicado en The New Yorker, New York Times, Wall Street Journal, Libération y ArtSlant. Ha expuesto su obra en Nueva York, Chicago, París, Londres, Budapest y Berlín. Podemos citar sus exposiciones en solitario en Schalter Gallery en Berlín, Benrimon Contemporary en Nueva York, Interlochen Center for the Arts en Interlochen, Michigan, y en Laurence Miller Gallery de Nueva York, entre otras.

Liz actualmente trabaja con Danziger Gallery en Nueva York, SOCO Gallery en Carolina del Norte y NextLevel Galerie en París, Francia.

 

Referencias

Jungjin Lee

Jungjin Lee es una artista y fotógrafa coreana (nacida en Taegu, Corea de Sur, en 1961, vive y trabaja en Nueva York)  para la que fotografiar el paisaje supone explorar su propia mente: los estados introspectivos de la artista, cuya mirada fotográfica es insistente y transformadora. Sus imágenes en blanco y negro representan mundos de quietud y asombro y sugieren que, a pesar de la aparente fluctuación, algunas verdades fundamentales permanecen inalteradas.

 

© Jungjin Lee

© Jungjin Lee

Biografía

Jungjin Lee estudió caligrafía en la infancia y se especializó en cerámica en la Universidad de Hongik, graduándose con un Bachillerato en Bellas Artes en 1984.

En 1987, se sumergió durante un año en un proyecto centrado en documentar la vida de un anciano que se ganaba la vida buscando ginseng salvaje. Esta experiencia motivó a Lee a convertirse en fotógrafa y a ampliar su conocimiento técnico viajando a Nueva York y matriculándose en la Universidad de Nueva York para obtener un master en fotografía, donde se dio cuenta de que los estudiantes occidentales estaban más interesados en las ideas, mientras que en Asia se daba más peso a la expresión de los sentimientos.

Mientras estaba en Nueva York, trabajó para el icónico fotógrafo Robert Frank, cuyos famosos viajes por Estados Unidos pudieron haber influido en la decisión de Lee de embarcarse también en un viaje por los Estados Unidos. En sus viajes se encontró con el desierto americano, un paisaje que le conmueve profundamente  y que se ha convertido en el tema de varias de sus series fotográficas, entre ellas Desert (1990-94),  American Desert I – IV (1990-1996), On Road (2000-01), Wind (2004-07) y Remains (2012 -).

Las fotografías de gran formato de Jungjin en papel de arroz coreano hecho a mano se confunden a menudo con dibujos al carboncillo a primera vista. En el cuarto oscuro, pinta la emulsión fotosensible sobre papel de arroz coreano hecho a mano y luego proyecta con la ampliadora la imagen del negativo sobre la superficie preparada. Los resultados son impresiones únicas en texturas, pues las huellas de pinceladas de la emulsión fotográfica dan una calidad pictórica, mientras que el papel de arroz da a la imagen una sensación más táctil y orgánica.

Desde su reciente serie Unnamed Road ha combinado sus tradicionales prácticas de laboratorio con tecnologías de impresión digital por primera vez. Usando el mismo proceso que para crear sus tradicionales impresiones escanea estas impresiones iniciales para imprimir digitalmente en papel de morera japonesa, agregando así más texturas y rangos tonales con esta fuente secundaria de papel.

Sus imágenes a menudo parecen ilusorias y melancólicas. La tierra, el cielo, las nubes y el mar se funden unos con otros, transformándose en estructuras abstractas con la lente de su cámara. Su fotografía está impregnada por una extraña y solitaria belleza que es sombría y apasionada al mismo tiempo.

Referencias

Libros

  • 2016. Everglades.
  • 2016. Echo.
  • 2014. Unnamed Road.
  • 2009. Wind.
  • 2006. Jungjin Lee.
  • 2005. Thing.
  • 2002. Desert.
  • 2001. On Road/Ocean.
  • 2000. Jungjin Lee: Beyond Photography.
  • 1997. Wasteland.
  • 1996. Dissolving Landscapes.
  • 1993. Jungjin Lee: The American Deserts.
  • 1988. Lonely Cabin in a Far Away Island.

José Luis Barcia

José Luis Barcia es un fotógrafo asturiano (nacido en Pola de Siero, vive en Madrid) interesado, principalmente, en la fotografía de calle. Entiende la fotografía como una forma de canalizar y expresar emociones y estados de ánimo a través de un cuidado uso de luces, sombras, y una gran habilidad para componer las escenas y dotar de emotividad a los sujetos de sus fotografías tomadas exclusivamente con móvil.

 

© José Luis Barcia

 

© José Luis Barcia

Biografía

José Luis Barcia Fernández sacó su primera foto a los 5 años con una Kodak de funda de piel que tenían sus padres. Su interés por el arte comenzó cuando tenía 13 años y vio por primera vez el Guernica de Picasso, su pintura favorita, que le impactó por su simbolismo y significado. Tiene un grado en Química y trabaja como coordinador de logística en una compañía internacional de distribución. Se interesó por primera vez en la fotografía en 2003 y luego comenzó a mezclarla digitalmente con pintura, componiendo sus primeros collages digitales. Entre 2004 y 2009 participó en 20 exposiciones nacionales e internacionales de arte digital y fotografía. En 2011 comenzó a hacer fotografía móvil con su Iphone 4 y esto se convirtió rápidamente en una de sus aficiones favoritas y comenzó a compartir sus fotos en Instagram.

La música es su principal inspiración. Escucha música mientras fotografía en la calle y mientras está editando. Le gusta el genero post-rock por el amplio espectro emocional que recorre y que Barcia trata de reproducir en sus fotos.

Le encanta jugar con la luz y las sombras y crear imágenes de alto contraste en blanco y negro. Le interesan los personajes en tránsito y los escenarios mínimos en los que sujeto, luz y oscuridad son los únicos protagonistas. De esta forma intenta recrear, a partir de escenas cotidianas, un halo de misterio a través del uso de subexposiciones, espacios negativos, siluetas y sombras.

Ha realizado exposiciones individuales en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid y en el Festival Internacional Latitudes de Huelva. Ha participado en más de 30 colectivas en Madrid, Paris (Louvre), Barcelona, San Diego, Toronto, Tokio, Nueva York, etc. Ha impartido charlas sobre fotografía en el congreso internacional MOWO, en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid, en el Centro de Arte de Alcobendas y en la Universidad Carlos III, entre otros.

Entre otros, ha obtenido los siguientes premios:

  • iPhone Photography Awards 2013. Categoría Arquitectura. Primer premio.
  • Mobile Photography Awards 2013. Categoría Arquitectura. Primer premio.
  • iPhone Photography Awards 2014. Segundo mejor fotógrafo del año.
  • Street Photography Photokup. Barcelona 2016. Primer premio.
  • Kokga Tbilisi Photo Awards (Georgia). Categoría Mobile One Shot. Primer premio.

También ha sido finalista en los Lens Culture Street Photography Awards en 2015 y en las ediciones 2016 y 2017 del StreetFoto Festival de San Francisco.

 

Referencias

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Shin Noguchi

Shin Noguchi es un galardonado fotógrafo callejero japonés (basado en Kamakura y Tokio) que describe su fotografía callejera como un intento de capturar momentos extraordinarios de emoción, belleza y humanismo, entre el fluir de la vida cotidiana. Tiene un enfoque discreto, poético y enigmático sensible a las sutilezas y complejidades de la cultura japonesa sin utilizar puestas en escena ni posados.

 

© Shin Noguchi

© Shin Noguchi

La fotografía callejera siempre proyecta la “verdad”. La verdad de la que hablo no es necesariamente lo que veo, sino lo que existe en la sociedad, en la calle, en la vida de la gente.  Siempre intento capturar esta realidad por encima de mis propios valores y mi punto de vista y perspectiva personal.

Biografía

Shin Noguchi es un diseñador gráfico y fotógrafo callejero freelance con sede en Kamakura y Tokio, en Japón. Es miembro del colectivo internacional de fotógrafos callejeros Street Photographers. Describe su fotografía callejera como un intento de capturar momentos extraordinarios de emoción, belleza y humanismo, extrayéndolos del flujo de la vida cotidiana. Tiene un enfoque discreto, poético y enigmático que es sensible a las sutilezas y complejidades de la cultura japonesa.

Shin Noguchi fue capturado por la fotografía tras leer el libro A l’est de Magnum 1945-1990 de Magnum Photos en su adolescencia y le hizo presente la fotografía de la calle por primera vez. Antes de ver ese libro, pensaba que el arte y el documental eran opuestos entre sí. Sin embargo, en este libro expresaban su opinión artística como fotógrafos de calle por la habilidad en la toma de elementos tales como la composición y el tiempo, así como la luz y la sombra.

Aunque tiene una absoluta adoración por la fotografía clásica en ByN de Henri Cartier-Bresson, cree que uno no se desarrolla como artista simplemente imitando a tus maestros. Como alguien que captura el presente, trata de usar los colores como elementos principales para expresar la calle como es: un momento intrigante visto allí, la belleza de la gente viva y de elementos como la luz y la sombra, las conexiones interesantes entre cada elemento, que se pueden generar mediante la adición de capas, …

Utiliza una Leica M9 para digital y una Yashica 35 GX para película. Ha obtenido numerosos premios, como el 1º premio en la Leica World Street Photography Competition de 2012 y en el Prix Talents MAP Toulouse Festival de 2014. Su obra ha aparecido en MAP Talent, Liberación, The Independent, Leica Camera y muchos otros medios.

Referencias

 

Libros