Mingo Venero

Mingo Venero es un fotógrafo documental español (nacido en 1977 en Santander, Cantabria) comprometido con los derechos humanos y la justicia social. Su trabajo documental se centra en las desigualdades sociales, las migraciones y los derechos de la infancia, dando visibilidad y voz a las personas más desfavorecidas.

 

© Mingo Venero

© Mingo Venero

Creo en la fotografía como herramienta para el cambio de conciencias humanas. Cambiar el mundo es muy difícil, imposible podría decir, pero no por eso voy a dejar de creer que los esfuerzos de muchas personas por cambiar las cosas no van a ser en vano. La fotografía es la herramienta, la “excusa” que encontré para mostrar, con mi punto de vista, una parte de lo que ocurre en el mundo. Contar historias siempre a través de las personas que han querido ser la voz y la imagen de muchas otras que son anónimas.

Biografía

Mingo Venero comenzó en 2003 con la fotografía, iniciando su formación de la mano del fotógrafo cántabro Manuel Alcalde. Desde entonces no se ha despegado de la cámara. En 2006 le conceden la Beca de Artes Plásticas del Gobierno de Cantabria, lo que le permite viajar a Barcelona y especializarse en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya (IEFC).

Desde 2006 ha desarrollado proyectos y colaboraciones en países de Europa, África y América Latina con diferentes ONG como Save The Children, Médicos Sin Fronteras, Médicos del Mundo o SOS Kinderdorf International, entre otras. Por otra parte, también desarrolla una fotografía de autor aprovechando la calle y los espacios públicos como escenarios de sus trabajos, un hecho espontáneo desde su primer carrete.

Miembro fundador en 2011 del colectivo de fotografía urbana Calle 35. y en 2014 de la plataforma fotográfica Territorios Libres, con la que se publica el libro Pasaporte Territorios Libres.

Ha expuesto de manera individual y colectiva en más de 70 exposiciones en instituciones públicas, galerías privadas, museos y festivales en diferentes países. Sus proyectos han sido reconocidos en certámenes nacionales e internacionales como la Beca de Artes Plásticas del Gobierno de Cantabria, Premio Internacional de Derechos Humanos REVELA, Premio Internacional GEA PHOTOWORDS, Beca Profesional del Seminario de Fotografía y Periodismo de Albarracín, Premio Pancho Cossío de Fotoperiodismo, Beca Nuevo Talento de los Encuentros Fotográficos de Gijón y finalista en los Premios de Reportaje y Fotografía Humanitaria Luis Valtueña, World Report Award, ANI-Visa pour l’Image y Moscow International Foto Awards, entre otros.

Compagina sus proyectos personales con la docencia desde 2006, siendo profesor en la Universidad Politécnica de Cataluña (UPC), Máster Internacional de Fotografía Contemporánea de la Escuela EFTI y en centros culturales y escuelas de fotografía de Cantabria, Madrid y Cataluña.

Referencias

Damián Ayma

Damián Ayma fue un fotógrafo boliviano (nacido en Oruro en 1921, fallecido en Santa Cruz en 1999), que capturó con su lente la vida rural, la cotidianidad y las tradiciones de los pueblos del altiplano boliviano durante casi 50 años. Sin haber estudiado, convirtió la fotografía en el motor de su vida.

 

© Damián Ayma

© Damián Ayma

 

Biografía

Damián Ayma Zepita nació en una familia humilde en Machacahuyo, cantón Santiago de Toledo, provincia Saucarí del departamento de Oruro. Por su condición desde temprano tuvo que desempeñar múltiples oficios trabajando desde agricultor a ganadero, pasando por ayudante de perforista en las minas hasta investigador, etnógrafo y, finalmente, fotógrafo.

Completamente autodidacta, Ayma llegó a la fotografía por casualidad, pues con 16 o 17 años fue a un estudio a por unas fotografías que no le devolvieron a tiempo y pudo ver el proceso de revelado fotográfico y, como muchos, quedó cautivado con su magia.

Tras el fin de la Guerra del Chaco, Damián se vio en la necesidad de emigrar a Argentina por motivos laborales. Allí consiguió, entre sus múltiples trabajos, uno como ayudante de laboratorio en el estudio fotográfico Casa Lutron Company de Buenos Aires, donde pulió la técnica empleada en las minas y descubrió sus verdaderas habilidades para la fotografía.

En 1950 volvió a su tierra natal donde comenzó el desarrollo de su gran obra. Viajero incesante, siempre con la cámara en la mano y habilidoso con la gente a la hora de interactuar y hablando aimara, quechua y castellano, visitó numerosas poblaciones de Bolivia como Oruro, La Paz, Cochabamba, Tarija o Santa Cruz. Su condición de indígena hizo que fuese bien aceptado, pero además estaba relacionado con la gente, con las agrupaciones políticas, con la policía, …

Tuvo varios hijos a los cuales les enseñó a trabajar con él. Algunos se dedicaron luego a la fotografía como medio de vida y su legado llegó también hasta otros entornos familiares, como sobrinos y nietos.

Sus imágenes nos hablan de minas, de fiestas de pueblos vecinos de Toledo, así como de otras localidades y ayllus. Nos hablan del carnaval, delas  cosechas, de festividades religiosas, de retratos y de situaciones cotidianas en un periodo importante de transformación del país en el área rural.

Su obra es un valioso aporte a la historia gráfica boliviana con un trabajo de casi cuatro décadas y más de 17.500 fotografías.  Hoy forma parte de la colección del Museo Nacional de Etnografía y Folklore (Musef), el cual viene trabajando arduamente con un equipo multidisciplinario que comisaría, restaura y digitaliza el legado de Damián Ayma Zepita, y que también pone en público a través de diversas exposiciones.

 

Referencias

Pelai Mas Castañeda

Pelai Mas Castañeda fue un fotógrafo catalán (nacido en Barcelona en 1891, fallecido en 1954), considerado uno de los principales fotógrafos de obras de arte de España.

 

 A Galera, 1919.  Foto de Pelai Mas Castañeda

Biografía

Pelai Mas Castañeda fue hijo de Adolf Mas i Ginestà, también fotógrafo catalán y fundador del prestigioso Catàleg de l’exposició de fotografies de l’Arxiu Mas. Desde 1916 colaboró con su padre en las campañas fotográficas que a través del Arxiu Mas, les encargan diversas instituciones nacionales y extranjeras, como el Centro de Estudios Históricos del CSIC, la Institución Príncipe de Viana de Navarra, el Marburg Institut de Alemania, las estadounidenses Fogg Art Institute, The Frick Art Referente Library, The Hispanic Society of America, The Institute of Fine Arts de la New York University, así como el Institut d’ Estudis Catalans de la Mancomunitat de Catalunya y la Diputación de Barcelona.

En 1918 trabajó en la campaña de Asturias y al año siguiente realizó la de Galicia utilizando una moto con sidecar para sus desplazamientos, con una duración de seis meses, con más de un millar de negativos.  A partir de 1920 fue Pelai quien dio un nuevo impulso a la ampliación del archivo y se dedicó a viajar por toda España, en una campaña orientada por el hispanista Walter Cook, del Institute of Fine Arts de Nueva York. En sus viajes le acompañaban su esposa y el fotógrafo Alejandro Antonetti.

En los años 20 y 30, ya se había convertido por méritos propios, en uno de los principales fotógrafos de obras de arte de España. En su campaña de 1927 en Salamanca, fotografió los importantes monumentos de la ciudad, especialmente las pinturas del retablo mayor de la Catedral Vieja, de las que realizó negativos de conjuntos y detalles de las diversas tablas, y visitó también diversas poblaciones de la provincia realizando tomas muy interesantes de su arquitectura rural,  personajes y costumbres, que constituyen un documento gráfico de gran interés etnográfico.

A raíz de la Exposición Internacional de Barcelona del año 1929, se ocupó de fotografiar los diversos pabellones, edificios, fuentes y avenidas principales, del recién urbanizado parque de Montjuïc. Para conseguir el máximo de calidad de los grandes monumentos y retablos, encargaba andamios que le permitían diseccionar cada uno de los importantes elementos que componían obras de la magnitud del pórtico de la Gloria y la portada de las Platerías de la Catedral de Santiago de Compostela, el retablo mayor de la Catedral de Toledo y el retablo mayor de la Catedral de Sevilla.

En 1936 mientras está realizando la campaña de Andalucía, fallece su padre  y comienza la guerra civil. Las dificultades derivadas de la misma y de la II Guerra Mundial truncaron los proyectos de futuras campañas.

En 1938, donó al entonces cardenal de Toledo Isidro Gomá el álbum Martirio del arte y destrucción de la Iglesia en la España Roja, en el que documentaba los destrozos que el bando republicano había causado durante la Guerra Civil a las obras de arte, monumentos y edificios religiosos de la ciudad de Toledo y su provincia.

Afortunadamente, en 1941 se pudo llegar a un acuerdo con el recién fundado Institut Amatller d’ Art Hispànic, a fin de traspasar allí todos los negativos del Arxiu Mas (unos 350.000 negativos). Pelai siguió trabajando como fotógrafo hasta su muerte en 1954.

En 2005 las fotografías del Arxiu Mas se mostraron en la exposición Caminos de mar. Fotografías de las Islas Baleares, en 2008 fotografías suyas se mostraron en la exposición Toledo, ciudad mártir, 1936, celebrada en la sala de exposiciones del Arzobispado de Toledo, y en 2010, formaron parte de la muestra Castilla y León en los Fondos Fotográficos del Institut Amatller d’Art Hispànic, celebrada en la sala de exposiciones del Palacio del Cordón, en Zamora, y El Matarraña desconocido en el museo Juan Cabré de Calaceite en 2011.

Referencias

Libros

Craig Easton

Craig Easton es un fotógrafo escocés que explora en sus trabajos la identidad y el sentido del territorio, combinando paisajes espectaculares con retratos íntimos en un trabajo dentro de la mejor tradición documental.

Arshia © Craig Easton

Arshia © Craig Easton

Mis imágenes son reales. Fotografío con la intención específica de compartir la experiencia de lo que veo. El éxito de mis imágenes se basa en acallar el ruido ambiente y en permitir que el poder del momento hable por sí mismo.

Biografía

Craig Easton es un reconocido fotógrafo escocés que explora en sus trabajos la identidad, la gente y el territorio. Combina paisajes espectaculares con retratos íntimos en un trabajo dentro de la mejor tradición documental, y a veces, como en su serie Sixties contextualiza sus obras ofreciendo a los protagonistas de sus retratos la posibilidad de aportar su propia voz a través de escritos que incorpora en la imagen final.

Es fotógrafo de publicidad, habiendo trabajado para corporaciones, hoteles y clientes como Barclays Bank, Lexus, Cutty Sark Whiskey, VisitBritain/2012 Olympic Games, Bidwells, Conte a Paris, Transport for London, LandRover y Heathrow Airport. Pero también tiene más de veinte años de experiencia en fotografía de paisajes y retratos, incluso ha combinado su experiencia de fotografiar personas y lugares para la campaña de VisitBritain en los Juegos Olímpicos de 2012. Los paisajes naturales cobran vida por los elementos que lo rodean: viento, salpicaduras de agua de mar o el color del cielo. También tiene un talento especial para la creación de imágenes casi abstractas a través de sus fotos de estructuras urbanas.

Está representado en Londres por Jo Clark y en Nueva York por Myrna Kresh. Y ha obtenido diversos premios como:

  • Cutty Sark Award (Categoría World Travel Photographer of the Year) en 2012/13.
  • Association of Photographers Awards en Londres en 2012 (Categoría Best commissioned series)
  • International Color Awards en Los Angeles en 2014 y 2016
  • Luerzers Archive – Best 200 Advertising Photographers Worldwide, 2012/13 y 2014/15
  • Travel Photographer Award of the Year 2016/17 (categoría Paisaje).
  • Sony World Photography Awards en 2017
  • FC Barcelona Photography Award en 2017

Una de sus series más premiadas es Sixteen, en el que intenta representar las vidas, sueños, ambiciones y miedos de adolescentes de 16 años de diversos contextos sociales del Reino Unido.

Referencias

Libros

Andrew Savulich

Andrew Savulich es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1959 en Wilkes Barre, Pensilvania, vive en Ciudad de Nueva York) que ha rastreado durante más de 2 décadas la ciudad de Nueva York, capturando las noticias y las calles de la Gran Manzana.

 

© Andrew Savulich

© Andrew Savulich

Biografía

Andrew Savulich es un fotógrafo autodidacta que ha vivido en Nueva York desde 1975. Fue arquitecto paisajista, trabajador de la construcción, taxista y fotógrafo freelance de 1977 a 1993, publicando sus primeras fotografías enel Daily News hacia 1980. Actualmente es fotógrafo en plantilla del New York Daily News, donde ha pasado las últimas dos décadas cubriendo noticias en Nueva York, desde ceremonias de iluminación de árboles y carreras hasta la cima del Empire State Building, pasando por intentos de suicidio y trágicos accidentes automovilísticos.

Su trabajo ha sido publicado en Spy, The Independent (Reino Unido), Tempo, Photonews y Artforum, y en 1986 fue galardonado con la National Endowment of Arts Fellowship, y en 1992 con un Ernst Haas Photographer Work Grant. En 1994, sus fotografías fueron incluidas en la nueva serie de exposiciones del ICP. Su obra también se ha expuesto en la Photographer’s Gallery de Londres y en el Photographic Resource Center de Boston y está incluida en las colecciones del Metropolitan Museum of Art y en otras instituciones.

Sus imágenes presentan la ciudad de Nueva York con su violencia, extremos, desastres, curiosidades, su vida, con una ironía seca y un puñetazo visual que los distingue de las fotografías de noticias ordinarias. Savulich, al igual que su predecesor Weegee, escucha los canales de comunicación de la policía para averiguar dónde está sucediendo la noticia y llega a la escena para fotografiarla rápidamente. Su uso de leyendas cursivas, escritas a mano y emparejamientos de imágenes aparentemente no relacionadas añaden un toque personal de humor absurdo a su trabajo.

Su primer libro, The City, es un homenaje a la fotografía sensacionalista de Nueva York de los años 80. Rociadas con una buena dosis de humor negro, las imágenes son instantáneas que van desde una mirada furtiva entre un agente de la Policía de Nueva York y una espectadora femenina hasta un hombre que empuja una oveja al fondo de un taxi. Son el resultado de años vagando por la ciudad y la mayoría de ellas no fueron nunca publicadas en periódicos.

Referencias

Libros

Rafa Badía

Rafa Badía es un editor gráfico, educador y fotógrafo español (nacido en Santa Cruz de Tenerife, Canarias, en 1964, vive en Barcelona) que se define a sí mismo como un profesor al que le gusta tomar fotos y escribir poemas. Hace cuarenta años comenzó a crear imágenes con su padre en salidas callejeras que, con el paso de los años, se han convertido en un ritual cotidiano equivalente a la escritura, la lectura o a escuchar música.

 

© Rafa Badía© Rafa Badía

La fotografía es una de mis herramientas para intentar comprender y relacionarme con el mundo que me rodea. Me entiendo a mí mismo como una persona que ha encontrado en la ciudad su espacio de trabajo visual, el escenario perfecto para reinterpretar cómo interactúan las personas en un entorno en transformación permanente. La fotografía es, además de un placer estético, un ejercicio de empatía e integración con mis semejantes.

Biografía

Rafa Badía se inició muy temprano en la fotografía, con 13 años, cuando su padre, abogado aficionado a la fotografía, le regaló su primera réflex, una Pentax Spomatic de su colección y le enseñó los principios básicos (técnica y composición) de la toma de imágenes. Entre 1976 y 1994 residió en Madrid, donde estudió Ciencias de la Información, especialidad Imagen en la Universidad Complutense, licenciándose en 1987.

Desde 1994 vive en Barcelona, compaginando sus labores de fotógrafo, docente y editor gráfico:

  • Como editor gráfico tiene 25 años de experiencia en revistas y libros de fotografía, entre ellos Viajes National Geographic de RBA.
  • Como docente es profesor y conferenciante activo desde 2002. Es profesor titular desde 2012 en GrisArt – Escola Superior de Fotografia, donde imparte cursos de fotorreportaje, fotografía de viajes y lectura de imágenes. Anteriormente colaboró con Centro de Fotografía Documental (antes Ruido Formación), Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya, Centre Imatge i Tecnologia Multimèdia de la Universitat Politècnica de Catalunya Universitat Autònoma de Barcelona.
  • Como fotógrafo lleva más de 30 años realizando fotografía de calle, donde la luz, el color y la composición son sus herramientas de creación. A pesar de este tiempo, adora la aproximación amateur a este lenguaje visual, tal como defendía André Kertész: un acto de amor donde debe primar la curiosidad por el mundo que nos rodea.
  • Fue miembro fundador e impulsor del colectivo de fotografía urbana Calle35.

Ha publicado dos libros que combinan fotografía y poesía:

  • A Barcelona, un ensayo fotográfico desarrollado entre 1995 y 2009, con poemas en catalán y 80 fotografías en color (diapositivas), fruto de centenares de horas callejeando por la ciudad, descubriendo sus rincones y observando situaciones cotidianas.
  • Barcelona blues, que incluye 80 imágenes verticales y una veintena de poemas en castellano. Realizado con cámara de carrete, tiene un marcado acento melancólico.

Referencias

Libros

  • A Barcelona, 2009.
  • Barcelona Blues, 2015.

Lorenzo Armendáriz

Lorenzo Armendáriz es un fotógrafo mexicano (nacido en San Luis Potosí en 1961) que ha centrado su trabajo en la documentación étnica de los pueblos mexicanos, y en el peregrinar humano, tanto exterior como interior.

 

© Lorenzo Armendáriz

© Lorenzo Armendáriz

A los gitanos y a los peregrinos los excita moverse de un sitio a otro, son proyectos que emocionan, en los que se convive, hay encuentros o desencuentros.

… yo hago foto de viaje porque existo para viajar y viajo para existir y me di cuenta que escogía puro tema que implicara desplazamientos …

Biografía

Lorenzo Armendáriz vivió la mayor parte de su infancia y juventud en el norte de México. Cursó la licenciatura de Turismo en Monterrey, Nuevo León, donde la materia de Medios audiovisuales le inició en la fotografía.

Viajó a San Cristóbal de las Casas, Chiapas, para realizar su tesis de turismo, y como parte de ésta un registro fotográfico del corredor Maya. Ahí conoció al representante del Instituto Nacional Indigenista (INI), quien le ofreció trabajo como fotógrafo, aunque Lorenzo no se sentía así. Buscando describir lo que veía y sentía, estuvo 3 años en Chiapas y ahí decidió ser fotógrafo y no dedicarse al turismo.

Los próximos 9 años estudió fotografía de forma autodidacta, teniendo como referencia fotografías clásicas de Graciela Iturbide, Pablo Ortiz Monasterio, Nacho López y muchos más, quienes habían trabajado también para el INI. Uno de sus últimos proyectos en el INI fue en 1993, Centinelas del tiempo, donde nos daba a conocer a algunos ancianos de grupos indígenas  Huichol, Cochimí, Pai-pai, Purépecha y Tzeltal, de Jalisco, Baja California, Michoacán y Chiapas, e invitaba a no olvidar a los ancianos portadores del conocimiento y las tradiciones que dan identidad a los pueblos. En él, empezó a dar señales de no ser un mero fotógrafo registral.

En 1994, tras más de 50 proyectos etnográficos en el INI, decidió realizar sus propios proyectos personales. El primero, sobre gitanos nómadas, gracias a la beca de Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. (Fonca). Lorenzo tuvo un abuelo húngaro, y el proyecto arrancó en Europa con algunos contactos y siguió en México en 1995, donde se fue a vivir a campamentos de gitanos, creando un trabajo que ganó la Bienal. Solicitó otra beca, para dar continuidad al proyecto y realizar un catálogo trilingüe que englobara a los gitanos de Latinoamérica bajo el nombre El pueblo de Dios.

También ha trabajado las peregrinaciones, donde empezó a plantearse la manera de abordar el tema, sin que necesariamente se tratara de una investigación ortodoxa, sino de una interpretación personal de cada una de ellas. De estas series surgió la colección de libros de bolsillo Senderos de la fe que incluye cinco tomos en su primera edición, y en el que cada uno da cuenta de una peregrinación: La Cuesta del arrepentido, Las columnas del Santo Niño, La cabalgata de Castaños, La virgen del paredón y La milicia de San Miguel. La idea de estos libros fue imitar los devocionarios católicos, con su tamaño, pasta dura, color negro y una cruz en la portada.

Para alcanzar su visión, Lorenzo empleó una gran diversidad de medios, como cámaras de 35mm, estenopeicas adaptadas y cámaras de juguete como Holga o Lomo, cámaras de bajo coste y desechables, con la idea de aprovechar sus efectos y defectos en el campo documental, para lo que eran sus discursos visuales.

Su trabajo ha sido galardonado por diferentes premios, aunque se debe destacar el de El Habanero en la Bienal de Fotografía Contemporánea y el Premio Documental de la China Folklore Photographic Documentary Association de Pekín.

Sus obras se encuentran en las colecciones de la Biblioteca Nacional de París, la Fototeca de Cuba, Centro de la Imagen, la asociación Romano Them (Laciano, Italia), el Instituto Nacional Indígena, la Cámara de Etnografía del Museo Nacional de Antropología de México, Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo, …

Referencias

Libros

Jens Olof Lasthein

Jens Olof Lasthein es un fotógrafo sueco (nacido en 1964, vive en Estocolmo) cuyo trabajo cubre principalmente escenas del antes y después de la guerra en la antigua Yugoslavia y de las zonas de Europa que bordeaban el antiguo telón de acero.

 

© Jens Olof Lasthein

© Jens Olof Lasthein

Biografía

Jens Olof Lasthein nació en Suecia, pero se crio en Dinamarca. Trabajó en el mantenimiento de botes en un astillero después de la escuela secundaria y luego como conductor de autobús. Su nacimiento 3 años después de la construcción del Muro de Berlín, hizo que su infancia estuviera marcada por la división de Europa, entre el Este y el Oeste. Viajó por Europa del Este por primera vez en verano de 1984, con 20 años. Hacía tiempo que quería ver cómo era la vida al otro lado del telón de acero, una parte de Europa sobre la que fantaseaba, dudando de la imagen mediática de un mundo uniformemente gris y sin consuelo: pasó una semana en Moscú en 1982, seguido de dos meses de autostop por Rumania, Hungría, Checoslovaquia y Polonia.

Entre 1989 y 1992, estudió en la Nordens Fotoskola de Estocolmo y desde entonces ha trabajado como fotógrafo freelance. Principalmente escribe y fotografía para revistas y periódicos, al mismo tiempo que dirige sus propios proyectos de exposiciones y publicación de libros.

Es uno de los pocos fotógrafos que utilizan la imagen panorámica en color en el reportaje y es casi el único que aprovecha este difícil formato para dar una nueva perspectiva, profundidad, múltiples situaciones, … a sus imágenes complejas para que se deban descifrar lentamente. Se familiarizó con esta técnica en 1991 cuando siguió el trabajo de los directores de cine Sergio Leone y Akira Kurosawa. Decidió aplicar a la fotografía fija el ángulo extremadamente ancho de 140º lo que le permite ampliar la complejidad de la imagen, permitiéndole incluir más de una historia.

Ha realizado cerca de 50 exposiciones personales en galerías, museos y festivales de Europa y Asia. También ha participado en numerosas exposiciones en grupo. Ganó el premio Leica Oskar Barnack en 2010.

Ha publicado varios libros:

  • Moments in Between es una visión general de la ex Yugoslavia que nos habla de la vida cotidiana en las líneas de frente durante y después de la guerra,
  • White Sea Black Sea documenta un viaje a lo largo de la frontera oriental de la Unión Europea desde Arkhangelsk, en el norte, hasta Odessa, en el sur. Las primeras fotografías que formaron parte del proyecto fueron tomadas en San Petersburgo en 1993, mientras hacía un reportaje fotográfico sobre la mafia rusa,
  • Home Among Black Hills con fotos de Charleroi en Bélgica, una ciudad que creció como uno de los centros europeos más grandes del carbón y del acero, al mismo tiempo que fue poblado por trabajadores emigrantes de muchos países. Hoy en día los montones de escoria y las acerías cerradas recuerdan el apogeo de la ciudad.
  • Meanwhile Across the Mountain, con fotos del Cáucaso, incluye la serie sobre Abjasia con la que ganó el Premio Leica Oskar Barnack en 2010.

Referencias

Libros

  • Het sommar, 1996.
  • Moments in between: pictures from former Yugoslavia / bilder från forna Jugoslavien, 2000.
  • White Sea, Black Sea: bilder från gränslandet mellan Europas öst och väst, 2008.
  • White Sea, Black Sea: A visual journey along the eastern border of the European Union, 2008.
  • Home among black hills, 2014.
  • Meanwhile Across the Mountain, 2017.

Karen Dias

Karen Dias es una fotógrafa india (nacida en 1987 en Bombay, donde vive actualmente) con especial interés en temas relacionados con las comunidades indígenas, las mujeres y el medio ambiente.

 

© Karen Dias

© Karen Dias

Biografía

Karen Dias quería ser una escritora de adolescente, pero luego descubrió la fotografía y sintió que era una manera mejor y más hermosa de contar historias. Estudió Mass Media en el Colegio St. Xavier de Bombay especializándose en Periodismo, y se inclinó más hacia la realidad de la vida que a la ficción de la misma. Afectada por las diversas injusticias sociales que se viven en la India, avanzó hacia la fotografía documental.

Comenzó su carrera fotográfica en Bombay. Durante sus años de universidad, trabajó a media jornada con la revista local Times Journal of Photography escribiendo reportajes relacionados con la fotografía y entrevistando a fotógrafos indios.

En 2007, gracias a su portafolio de fotos hechas en las calles de Bombay, fue contratada para trabajar como fotógrafa en plantilla por Gulf News trasladándose a Dubai, Emiratos Árabes Unidos. En 2009, Karen fue seleccionada para participar en el Taller de Fotografía de Angkor, realizado en Camboya bajo la dirección de Philip Blenkinsop. Ese mismo año expuso su trabajo como parte de una exposición colectiva titulada Arte para Gaza, que ayudó a recaudar fondos para atender a niños afectados por la guerra con prótesis. En 2011, inició un proyecto para apoyar a un grupo de trabajadores bangladesíes en Sharjah, Emiratos Árabes Unidos, que fueron abandonados por sus empleadores y se quedaron sin dinero y sin sus pasaportes.

A finales de 2011, dejó los Emiratos Árabes Unidos y comenzó un viaje de catorce meses viajando a través de diez países alrededor de Asia comenzando en Turquía y continuando a India, Nepal, Hong Kong, China, Laos, Vietnam, Camboya, Tailandia y Myanmar.

Karen se ha reasentado en su ciudad natal y continúa trabajando como fotógrafa independiente mientras persigue sus proyectos personales en Bombay y Goa. Sus principales áreas de interés radican en documentar las cuestiones de derechos humanos que afectan a las mujeres y al medio ambiente. Como ejemplo, su serie Ladies Only para Al Jazeera, es una historia que se centra en los compartimentos para mujeres de los trenes de Bombay, con centenares de viajeras que duermen, comen, cortan vegetables, rezan, cantan, estudian y compran artículos a los vendedores del tren.

En 2016, obtuvo una beca del IWMF para producir un reportaje fotográfico sobre las deportistas en Haryana, en el norte de la India.

Ha publicado y realizado encargos para The Washington Post, Al Jazeera, The Guardian, Harpers Bazaar Arabia, National Geographic Traveller India, AJ+, The Caravan, Glamour USA, Courrier Japon, Outlook Traveller, The Sunday Guardian, Roli Books, Eat Stay Love Magazine, JetWings, The Sound, Narotam Sekhsaria Foundation, Broken Toilets Magazine, Motherland, BBC, etc.

Referencias

Michael Northrup

Michael Northrup es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1948 en Maryland) no muy convencional, con un estilo alejado de lo que Hollywood y los medios definen como estético. La fantasía de sus raras imágenes nos recuerda que la belleza y la sensualidad está en cada rincón del universo; sólo se requieren los ojos necesarios para darse cuenta de ello.

 

(c) Michael Northrup

(c) Michael Northrup

Me inspiro en lo que veo a la gente haciendo con la fotografía. Me inspiro en la forma en que la fotografía ha centrado en mi vida cotidiana en lugar de caminar por la vida como un zombi.

Biografía

Michael E. Northrup obtuvo un master del Art Institute of Chicago y posteriormente las becas Polaroid Grant and Maryland Arts Council Grant. Enseñó fotografía de 1973 a 1990 en la University of Virginia, Northwestern University y el Shepherd College, realizando también talleres de fotografía.

Es propietario de Strobophoto Studio, un estudio de fotografía artística y comercial desde 1991. Entre sus clientes podemos citar National Geographic, Wired Magazine, Washington Post Magazine, Baltimore Magazine, Capitol Records,  Warner Bros. Records, AT&T, Nickelodeon, New York Times, Nikon, Fuji, Ford Motor, Microsoft, Adobe,   Motorola, …

Sus obras han sido expuestas en solitario y en grupo en Estados Unidos y tiene fotografías en colecciones como Nikon, Scientific American, Polaroid, Instituto de Artes de Chicago y el Museo de Arte de Virginia.

Le gusta la ironía. Toda su familia ha sabido extraer el humor de la tragedia y le ha dado una manera de ver especial. Para él la creación de imágenes trata sobre todo de su vida cotidiana. Su obra más reconocida se ha publicado en dos libros:

  • Beautiful Ecstasy es una colección de instantáneas de retratos y bodegones realizadas en los años 70 y 80. Jóvenes familias (la de Northrup y las de sus amigos) son capturadas de fiesta y actuando para la cámara, mostrando una comunidad alegre y salvaje de una pequeña ciudad de América. Se publicó en 2004.
  • Babe, secuela de la anterior publicada en 2012, presenta una selección adicional de fotografías inéditas de los años 70 y 80, todas impregnadas con la característica alegría de vivir del autor. Los detalles de época en los muebles y la ropa resucitan vívidamente las texturas de estos momentos pasados. También vemos jóvenes parejas que traen a sus niños a unos mundos caóticos, cargando estas escenas con una poderosa atmósfera de fragilidad y asombro.

Referencias

Libros

Victor Mendiola

Victor Mendiola es un fotógrafo mexicano (nacido el 11 de febrero de 1969 en Ciudad de México, donde vive) que se dedica a la fotografía publicitaria pero que es un apasionado de la fotografía de grupos humanos y sus expresiones. Le interesa  enseñarnos a convivir de mejor manera al mostrar una imagen que nos lleve a conocernos mejor como sociedad y como individuos.

 

© Victor Mendiola

© Victor Mendiola

Biografía

Victor Mendiola estudió en la Escuela Activa de Fotografía. Desde 1989 ha trabajado para distintos medios como la Agencia Cuartoscuro, la revista Macrópolis y el periódico La Jornada. Fue editor de fotografía en la revista El Laberinto Urbano y coeditor en Milenio Diario.

Víctor es un apasionado fotógrafo documental que comenzó su carrera en el medio del fotoperiodismo y el movimiento universitario con las huelgas de los años 1986 y 1987 cuando era un estudiante en el Colegio de Ciencias y Humanidades, donde experimentó una primera necesidad clara por documentar los hechos para tener una referencia visual. Documentó también el movimiento zapatista y esto cambió su forma de ver las cosas. Desde entonces comprendió la evidente importancia de difundir las movilizaciones sociales para lograr trascendencia y expansión.

Fue miembro del programa jóvenes creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) y con las becas que consiguió realizó dos proyectos: Los bajos golpes, un ensayo fotográfico sobre el ambiente del boxeo en México, y el ensayo De paso, que fue una documentación de la vida cotidiana en diferentes ciudades de México.

Para él es fundamental conservar los espacios de convivencia para todo tipo de habitantes, transgrediendo y no obedeciendo el orden impuesto por la derecha mal-gobernante de su país. En su serie fotográfica El que no brinque es puto expresa la búsqueda de identidad, solidaridad, transgresión, protesta, diversión y convivencia de la juventud mexicana.

Ha sido galardonado dos veces con el premio de Vida Cotidiana en la 1ª y 2ª Bienal de Fotoperiodismo (1995 y 1997). Desde 2000 es fotógrafo freelance, socio fundador de Via 69 y colabora en distintos proyectos publicitarios, editoriales, periodísticos, documentales y de fotografía fija para cine.

Referencias

Libros

William Yu

William Yu es un fotógrafo estadounidense (vive en San Francisco, California) que realiza fotografía de viajes y tiene un gran prestigio como organizador de talleres sobre fotografía de viajes.

 

© William Yu© William Yu

Biografía

William Yu es un instructor de fotografía y fotógrafo, propietario de la empresa de talleres fotográficos William Yu Photo Workshops, en la que, varias veces al año, dirige un pequeño grupo de fotógrafos para recorrer algunos de los lugares más singulares y bellos del mundo, capturando tanto culturas, gentes, festividades y paisajes en los lugares más bellos del mundo.

Es también miembro e instructor en Bryan Peterson School of Photography.

Sus fotografías se han publicado en revistas de fotografía en EEUU, China y Europa. Entre sus clientes de fotografía de viajes podemos citar a Amazon.com, Ubisoft, Accenture, Google, Ogilvy One Worldwide, Microsoft, American Airlines, Earnest & Young, MTV Networks, Bloomberg Finance, Westjet, Figaro Magazine, etc.

Referencias