Michael Ernest Sweet

Michael Ernest Sweet es un escritor, educador y fotógrafo canadiense (nacido el 23 de marzo de 1979 en Martock, Nueva Escocia, vive en Nueva York, EEUU) que realiza una fotografía de calle muy contrastada y con mucho grano de “fragmentos humanos”, puntos de vista parciales de personas en la calle y en playas urbanas.

 

© Michael Ernest Sweet

© Michael Ernest Sweet

No es el material lo que cuenta, sino la persona que está detrás. Realmente no tengo el tiempo (o no quiero tomarlo) para refinar un enfoque o ajustar la exposición.

Biografía

Michael Ernest Sweet nació y se crio en la granja de su familia en Martock, Nueva Escocia.

En su faceta de educador, dio clases en escuelas públicas en Montreal, Quebec, de 2003 a 2015 y fundó Learning for a Cause, por lo que ha conseguido dos de los honores civiles más altos de Canadá por servicio a la educación: Prime Minister’s Awards for Teaching Excellence y la Queen Elizabeth Diamond Jubilee Medal.  También fue finalista en los Governor General’s Awards for Excellence en Teaching Canadian History en 2011 a la excelencia en la enseñanza de historia canadiense. Desde 2017, Sweet enseña en la facultad de la Solomon Schechter School de Manhattan.

  En fotografía, Sweet es conocido por su fotografía de calle, extrañamente enmarcada, con grano, low-fi, así como por el uso de cámaras baratas, incluidas desechables e instantáneas. Sus dos primeras monografías sobre fotografía callejera, The Human Fragment, consiguió, entre otros, los elogios de los fotógrafos Jay Maisel y Roger Ballen, y Michael Sweet’s Coney Island, que recibió elogios de Martin Parr.

En este último trabajo fotográfico con fotografías en blanco y negro con mucho grano de Coney Island, ha recogido el relevo de Harold Feinstein, que pasó la mayor parte de su vida documentando esta famosa playa urbana. Su fotografía a menudo consiste en “fragmentos humanos”, puntos de vista parciales de personas en la calle.

Sweet ha obtenido diversos premios como el Black and White Magazine Popular Photography en 2013. Ha escrito para Evergreen Review, Canadian Teacher Magazine, Reed Magazine, English Journal, Photo Life Magazine y otros varios. Ha sido un blogger habitual en la sección de fotografía de The Huffington Post desde 2014 hasta 2017, escribiendo numerosos artículos. Actualmente es jurado y miembro del equipo de comisarios de la organización World Street Photography, además de escritor colaborador de Photo Life Magazine.

 

Referencias

Libros

José Veiga Roel

José Veiga Roel fue un dibujante y fotógrafo gallego (nacido en Betanzos, A Coruña, en 1894, fallecido en 1976) cuya cautivadora fotografía callejera capturó la belleza, la vida y los tiempos de Galicia y su gente.

 

© José Veiga Roel

© José Veiga Roel

Biografía

José Veiga Roel estudió dibujo, alcanzando una gran fama como calígrafo y miniaturista. Formó parte del grupo de animadores de la revista Rexurdimento, que se editó en su villa natal.

Ilustró diversas publicaciones, revistas, programas de fiestas y colaboró en las actividades de estudio de su paisano Vales Villamartín. Mostró su obra en la Exposición de Arte Gallego de A Coruña (1923) y en la Exposición Regional de Bellas Artes de Santiago. En 1935 obtuvo un diploma de honor en la Exposición de Bellas Artes de Ferrol.

A principios de los 50, empezó a frecuentar el Café Español, lugar de reunión de los artistas locales y donde reunía a la Peña Fotográfica de A Coruña. Cuando entró en contacto con estos aficionados, descubrió la fotografía. Pronto se convirtió en uno de sus principales impulsores  instalando un laboratorio en su casa y dedicándose a esta práctica hasta que sus problemas de salud lo llevaron a abandonar la fotografía y volver al dibujo.

Realizó fotografía documental, siempre dentro de la corriente salonista, y su trabajo fue conocido especialmente a través de las revistas Vida Gallega y Galicia. Revista Anual de Turismo, en la que publicaría en los años 1966 y 1967.

En 1955 mostró sus fotografías en las salas del Centro Gallego de Buenos Aires,  También participó en el Salón Internacional de Fotografía de A Coruña y en el Certamen de Fotografía Artística de Vigo, tanto como jurado o como concursante y expositor.  En 1957 realizó la que probablemente fue su exposición más importante, en los salones del Club Imperio de La Coruña y en 1965 expuso en la Casa de Galicia de Madrid. Obtuvo 170 galardones nacionales e internacionales, entre los que figura a título póstumo el de Hijo Predilecto de Betanzos (1980).

Tras su fallecimiento, sus fotografías han formado parte de exposiciones como Galiza nos 50, celebrada durante la Fotobienal de Vigo en 1990, Tiempo de silencio en la Fundació Caixa Catalunya en Barcelona en 1992 y Fuentes de la memoria II. Fotografía y sociedad en España, 1990-1939, en el antiguo Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid en 1992. En 1993 el Centro Galego de Artes da Imaxe de La Coruña le rindió un homenaje con la exposición antológica Veiga Roel: fotografías 1954-1964. En 1994 la muestra Veiga Roel se celebró en la Casa de Galicia de Madrid.

Referencias

Libros

Gaby Herbstein

Gaby Herbstein es una artista visual y fotógrafa argentina (nacida el 3 de Mayo de 1969 en Buenos Aires, donde vive y trabaja) que toma la fotografía como medio expresivo para generar conciencia, dando cuenta de su preocupación por el bienestar universal y por la preservación de la belleza del planeta, y de las inquietudes que surgen a partir de sus propias experiencias y trabajo personal.

 

© Gaby Herbstein

Biografía

Gaby Herbstein es una fotógrafa con veinticinco años de carrera, que compagina su trabajo comercial con el personal. Dentro de su faceta de trabajo comercial, ha realizado campañas publicitarias y de belleza para marcas como L’Oréal, Garnier, Avon, Dove, Pantene, Sedal, Telmex, Puma, Sony, Samsung, Apple, Pernod Ricard y Chandon entre otras. En moda, ha realizado campañas para numerosas marcas internacionales de Argentina, Chile, Perú, México, Brasil, EEUU y Japón.

De sus proyectos personales podemos citar:

  • La Diablada (2017). Según la cosmovisión andina la Naturaleza, el Hombre y la Pachamama (Madre Tierra) viven en perpetua relación. Esa totalidad es, para la cultura andina, un solo ser vivo. Siendo que el hombre es la naturaleza misma no la domina ni pretende dominarla. Ser diablo es un portal para desprenderse de los aspectos negativos que se reprimieron durante todo el año.
  • Creer Para Ver, comenzó en 2016, todavía en proceso.
  • Divina Belleza (2015) es el trabajo más actual de la artista. Trece retratos de niñas, cada una de ellas representando diferentes aspectos de la belleza, en un ensayo fotográfico que aborda el tema de la geometría sagrada.
  • Estados de Conciencia (2013), serie de fotografías oníricas que indagan en la búsqueda de la espiritualidad. Un viaje en imágenes a través de diferentes estados de conciencia en el camino hacia el autoconocimiento.
  • Uno (2011), serie inspirada en la unicidad, en la fusión entre el hombre y la naturaleza.
  • Huella Ecológica (2009) y La Basura no es Basura (2010), proyectos que tocan el tema el débil equilibrio ecológico de nuestro planeta.
  • En el 2009 publicó su primer libro de fotografía, Aves del Paraíso, una metáfora visual en la que el ser humano se funde con las aves, un llamado de atención sobre el desequilibrio ambiental que está llevando a la extinción tantas especies. Este proyecto intensivo fue desarrollado a lo largo de tres años e involucró a más de 130 profesionales de distintos campos de la imagen y el diseño argentino.
  • Heroínas (2000), inspirado en mujeres destacadas, a veces no reconocidas heroínas de la historia argentina.
  • Huellas (1999), fotografías que rescatan la identidad de las mujeres originarias argentinas, con el apoyo de Naciones Unidas.

A lo largo de esta trayectoria, adquiere reconocimiento también por retratar a grandes personalidades del mundo del arte y el espectáculo, entre ellos Ricardo Darín,  Gustavo Cerati, Charly García, Pedro Aznar, Julio Bocca, Alessandra Rampolla, Carla Peterson,  Elena Roger, Natalia Oreiro y Adicta, entre otros.

Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en países como Argentina, México, Brasil, Chile, Perú, Estados Unidos, Rusia, China y Japón, entre otros.

Su trabajo ha aparecido en importantes publicaciones líderes tanto nacionales e internacionales como Harper’s Bazaar, Elle, Vogue Latinoamérica, Cosmopolitan, Marie Claire, Novum World of Graphic Design, International Designers Network (IDN), Diario Rheinsprung, La Nación, D-Mode, Para Ti, Gente, Caras, entre otras.

Ha sido galardonada con premios y reconocimientos tales como Premio Clover en 2011, Mejor libro del año por su libro Aves del paraíso, otorgado por la Cámara Argentina de Publicaciones en 2009, Premio Fundación Huésped en 2002, medalla de oro en la categoría Fine Art y medalla de plata en la categoría Libros Fine Art en los premios Prix de la Photograhie en París en 2015, por su proyecto Estados de Conciencia, premio Latin American Photography and Illustration en 2016 por Phi de la serie Divina Belleza y en 2017 por su proyecto La Diablada, premio Mujer Creativa en 2017 otorgado por el Circulo de Mujeres Creativas y la Universidad de Palermo, entre otros.

Además de su producción artística, Herbstein ha impartido charlas y seminarios de fotografía y motivación, en el marco de eventos culturales y en instituciones relacionadas al arte y el diseño.

Referencias

Libros

  • Historia general del arte en Argentina, Tomo XII, La fotografía en la Argentina 1980-2000, 2015.
  • Estados de conciencia, 2014
  • Aves del Paraíso, 2009.
  • Appropriation as Practice, 2006 (varios).

Javier Camacho Gimeno

Javier Camacho Gimeno es un alpinista y fotógrafo español (nacido en Zaragoza en 1971, vive en Pamplona) que trata de conjugar la montaña, los viajes y la fotografía, y que se ha especializado en fotografía de altura a más de 6.000 metros y ha grabado numerosos audiovisuales sobre grandes montañas y la vida de sus habitantes.

 

© Javier Camacho Gimeno

Biografía

Javier Camacho Gimeno es un alpinista y fotógrafo de paisajes especializado en montaña. A los 8 años ascendió su primera montaña de 3.000 metros, con 10 años ya escalaba grandes cimas, con 30 años había completado todos los tres miles de los Pirineos. Su pasión por la fotografía vino después, y gracias a sus instantáneas podemos deleitarnos con bellos y lejanos paisajes inaccesibles para la mayoría de nosotros, lo que hace de sus fotografías documentos únicos. Pero lo que le hace distinto del resto de fotógrafos cuando se encuentra a más de 6.000 metros de altitud, es su manera de aprovechar la luz en condiciones extremas y mostrarnos lo insignificante que puede llegar a ser el hombre ante la madre naturaleza, con composiciones muy estudiadas y un derroche de técnica para superar las más adversas condiciones climatológicas.

Ha escalado montes míticos de todo el mundo, desde el Mont Blanc y el Cervino de los Alpes en Europa, pasando por el Aconcagua en América del Sur, el Mckinley en Alaska y el Himalaya, habiendo escalando el Cho Oyu sin la ayuda de sherpas y sin uso de oxígeno, con sus 8.201 metros, el Lhotse con sus 8.516, …

Sus fotografías y artículos han sido mostrados en diversas publicaciones, y ha colaborado con varias publicaciones especializadas en montaña, como Desnivel o Barrabes, elaborando diversos artículos de fotografía en varias webs y foros fotográficos y proyectando numerosos audiovisuales de montaña por todo el territorio nacional, como en el festival de fotoperiodismo Periscopio en Vitoria.

Ha obtenido diversos premios en unos 100 certámenes fotográficos, incluidos el Memorial Maria Luisa, FOTOCAM, Wildlife Photograher of the Year, Travel photographer of the Year, Montphoto, Barrabés de Montaña, etc. Ha realizado varias exposiciones fotográficas colectivas e individuales, participando en eventos fotográficos como Periscopio, Foto-Montseny, PallantiaPhoto, Teruel PuntoPhoto, entre otros.  Sus fotografías han aparecido en el libro Mountains,portraits of high places junto con la de  fotógrafos como Gallen Rowell o Ansell Adams.

Es miembro activo de la Asociación Española de Fotógrafos de Naturaleza (AEFONA).

Referencias

 

Nour El Ghoumari

Nour Eddine El Ghoumari es un fotógrafo marroquí (nacido en Taza, Marruecos, vive en Worthing, Inglaterra) considerado como un de los mejores fotógrafos de retratos y fotografía de calle en blanco y negro.

 

© Nour Eddine El Ghoumari

© Nour Eddine El Ghoumari

Biografía

Nour Eddine El Ghoumari tuvo su primer contacto con la fotografía cuando tuvo en sus manos la vieja máquina de uno de sus amigos y se subió a las almenas del viejo castillo de su ciudad y fotografió su primera puesta de sol. Enseguida se pasó a la fotografía de calle, una especialidad difícil en la que capturar la esencia de la vida es tan difícil como embotellar la luz de la noche, donde no puedes controlar la luz ni la composición y donde solo tienes segundos para crear una obra de arte a partir de la rutina diaria. Estudió Arte en la Universidad de Westminster.

Los jóvenes, los pobres y los ancianos son su verdadera inspiración. Cuando hace un retrato, trata de ser lo más honesto posible a los sujetos fotografiados y transmitir todos los detalles de sus ropas y rostros, así como la dirección de la luz. Siempre trata de recordar los olores y sonidos circundantes cuando está editando en el cuarto oscuro.

Cada uno de los rostros que captura son como una guía divina a través de la historia y la cultura de su pueblo. Las arrugas en la cara de una anciana que vende perejil y cilantro cerca de su casa son un código de su pasado y una señal de su presente y futuro. Por la expresión de su rostro e incluso por la forma en que dobla los brazos podremos descubrir la ética,  cultura y devoción religiosa de la retratada.

Su trabajo ha sido publicado en algunas de las revistas y libros fotográficos más leídos del mundo, y una selección de su obra ha sido publicada en el prestigioso libro The World’s Greatest Black and White photographers. También se ha mostrado en  numerosas páginas web y en exposiciones en Londres, Japón, Rusia, Chile… que han mostrado su estilo fotográfico único y peculiar.

Ha ganado varios premios internacionales como Photographer of the Year en Gran Bretaña, 2 Medallas de Oro por los mejores retratos en el mundo árabe, alguna Medalla de Oro de la Photografic Society of America (PSA) y un 2º puesto en los World Colour Awards.

Referencias

Libros

  • The World’s Greatest Black and White photographers.

Gabi Ben Avraham

Gabi Ben Avraham es un fotógrafo israelí (nacido en Tel Aviv, donde vive) que realiza fotografía de calle principalmente en Tel Aviv.

© Gabi Ben Avraham

 

© Gabi Ben Avraham

Como un pescador que va a su trabajo diario sin saber lo que va a atrapar, cojo mi cámara y buceo en las calles sin saber qué va a pasar. Es una aventura y siempre estoy deseando que llegue …
Cuando hago clic, trato de ver lo surrealista y de captar las cosas fuera de su significado cotidiano y su contexto habitual. Las calles son siempre diferentes: la gente, la luz y las sombras, la atmósfera. Tengo mis lugares favoritos para disparar: son aquellos en los que las fotos nunca se repiten.

Biografía

Gabi Ben Avraham coqueteó con la fotografía y las cámaras de cine en la década de los 80, pero lo dejó por su carrera como gerente de Tecnologías de Información. Su mujer le regaló hace unos años una cámara digital, y su pasión renació a pesar de haber estado inactiva durante décadas. Hoy en día, la fotografía de calle representa la forma preferida de Avraham de mirar el mundo: su cámara se ha convertido en una parte integral de él mismo y la lleva dondequiera que vaya, pensando “tal vez hoy será mi día de suerte y voy a tomar la foto de mi vida”. A través de la lente de la cámara está constantemente mirando a su alrededor, buscando ese momento “decisivo” que nunca volverá, a menos que lo capture.

Su obra está formada por múltiples capas, escenas complejas, momentos interesantes y un gran uso de la luz y la sombra naturales para realmente llevar su fotografía a la vida. Utiliza el color cuando es necesario, pero la mayor parte de su trabajo es en blanco y negro. La calle no es un estudio, pero a veces se para y espera que las cosas converjan: un ciclista, un bailarín, un niño, …

Es miembro de los colectivos de fotografía callejera Thestreetcollective y APF Collective. Algunas de sus imágenes han sido expuestas en varias exposiciones colectivas en Israel, así como en revistas y sitios web fotográficos en línea. Además de su fotografía de calle en Tel Aviv, ha realizado algunos proyectos más sociales, así como una serie sobre Cuba.

Referencias

Libros

Jonathan van Smit

Jonathan van Smit es un fotógrafo neozelandés (nacido en Wellington, Nueva Zelanda, vive en Hong Kong) que captura escenarios sucios, oscuros y sórdidos. El fuerte contraste y el gran angular convierten estas escenas tristes en intensos dramas, en esbozos de historias que la imaginación pueda completar sin esfuerzo.

 

© Jonathan van Smit

© Jonathan van Smit

Biografía

Jonathan van Smit es un autodidacta cuya pasión por la fotografía se despertó en la adolescencia, pero no es hasta la llegada del digital cuando se convirtió en obsesión. Pero no podía hacer mucha fotografía callejera en Nueva Zelanda, ya que vivía al lado de una playa y simplemente no había ni muchas calles ni mucha gente. Al mismo tiempo, tuvo la oportunidad de hacer viajes de negocios regulares a China desde 2003, y le encantaba poder tomarse unos días de descanso después de cada viaje para hacer fotos. Aburrido con la vida corporativa, renunció a su trabajo a finales de 2007 con la idea de encontrar un trabajo en China para poder tener acceso a un entorno más interesante fotográficamente hablando. Tuvo la suerte de conseguir un trabajo autónomo en Hong Kong, donde trabaja y vive desde 2008.

Durante el día, trabaja como asesor de inversiones, así que la mayor parte de su trabajo está realizado por la noche, ilustrando el terrorífico poder social que el capitalismo tiene sobre las multitudes que viven en las sombras de las bellas y familiares torres de Hong Kong, tocando temas que van desde la pobreza y las condiciones marginales de la vivienda hasta el consumo de drogas y el sexo, creando un cuerpo de trabajo que ha sido descrito como “crudo, a veces sorprendentemente, pero nunca sensacionalista. Y lleno de aburrimiento, tristeza, soledad y abandono”.

Sus proyectos principales son City of Dreams, Real Lives y A Song of Unending Sorrow, que se refieren a la marginación,  Love in Kowloon, que trata sobre el sexo, y Looking for Miss Wong titulado así por la pintura de Vladimir Tretchikoff, pero que trata sobre el Hong Kong que podría haber existido hace algunos años. También le gustaría hacer más trabajo sobre el mundo de las drogas.

Le gustan las distancias cortas así que usa objetivos de 15mm y 21mm mayormente. El momento real de tomar la foto es muy importante para él, porque la gente puede moverse bastante en un segundo o dos y rara vez es suficiente tiempo para componer y enfocar, así que ha aprendido a estimar todo eso a la carrera y puede cambiar la velocidad de obturación o la apertura sin mirar hacia la cámara.

Disfruta deambulando por ahí explorando sin rumbo y de manera desordenada. Tiende a caminar por calles y callejones, y a veces por los edificios sin permiso, atraído por el lado oscuro de la vida, visualmente más atractivo. Sus fotos no son  documentales, sino el resultado de su propia curiosidad, de su interés por cómo otros viven sus vidas. La ciudad que  retrata está muy alejada de la vanguardia tecnológica, de los rascacielos y la superpoblación. Fotógrafo compulsivo, en sus fines de semana camina durante quince horas o más en busca de las imágenes que le obsesionan. Con su Leica en mano patea los bajos fondos de Kowloon donde parece que la ciudad hubiese perdido el color y su elegancia, como si todo se hubiese teñido de negro y gris oscuro.

Referencias

Francisco Mata Rosas

Francisco Mata Rosas es un fotógrafo mexicano (nacido en 1958 en Ciudad de México, donde vive) considerado uno de los exponentes más reconocidos de la fotografía contemporánea mejicana. Ha realizado proyectos que se caracterizan por tener una larga duración, lo que implica una transformación permanente, a medida que los intereses van cambiando y buscando otras perspectivas conceptuales.

 

© Francisco Mata Rosas

© Francisco Mata Rosas

Biografía

Francisco Mata Rosas comenzó con la fotografía con 12 años, cuando su madre le regaló su primera cámara en una festividad de los Reyes Magos. Su padre es un fotógrafo aficionado muy reconocido activo hoy en día, y él, con sus cuatro hermanos, era asiduo lector de las revistas de fotografía que llegaban a su hogar. Estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad Autónoma Metropolitana-Xochimilco y obtuvo un master en Artes Visuales en la UNAM.

Durante ese tiempo se sintió apasionado por el periodismo escrito tomando a la fotografía como un pasatiempo. Hasta que empezó a compaginar ambas cosas siendo fotoperiodista para el periódico La Jornada de México desde 1986 hasta 1992. Durante este trabajo pudo empaparse de la importancia de las imágenes, pues el periódico tenía como concepto que lo visual, incluyendo fotografías, diseño, caricaturas y tipografía, era el eje en donde se iban a concentrar, para que el mensaje llegase por completo a su público objetivo.

Tras su salida de La Jornada, Francisco comenzó una vida académica que ha consumido una parte fundamental de su tiempo. Actualmente es profesor/investigador de tiempo completo en la Universidad Autónoma Metropolitana (Cuajimalpa, Ciudad de México) y es desde el aula y la investigación, donde Mata Rosas ha generado una gran riqueza al analizar y criticar a la fotografía como un fenómeno contemporáneo donde conviven los complejos vehículos de producción trans-media, los canales de diseminación físicos y virtuales y el papel que tiene en el siglo XXI la originalidad y la recepción de la obra fotográfica.

Francisco ha impartido diversos talleres así como más de 100 conferencias sobre el tema de la fotografía, la imagen, nuevas tecnologías, multimedia, post-fotografía, etc., en importantes festivales, museos e instituciones académicas en Estados Unidos, México, Inglaterra, Argentina, España, Brasil,

Su trabajo fotográfico se ha publicado en varios de los principales periódicos y revistas de Estados Unidos, España, Canadá, Italia, Francia, Inglaterra y México. Sus fotografías han sido expuestas en México, Holanda, Alemania, Italia, España, Francia, Inglaterra, Estados Unidos, Escocia, Japón, Argentina, Brasil, Panamá, Uruguay, Ecuador, Perú, Honduras, Cuba y Costa Rica, entre otros lugares.

Ha obtenido numerosos premios, como el Premio de Adquisición en la Bienal de Fotografía Mexicana en 1988,  Premio de Honor en el Concurso del Bicentenario de la Revolución Francesa, México-Francia, en 1989, Beca de Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, México, en 1989, Third Mother Jones Fund for Documentary Photography, en EEUU en 1993, Residencia Artística en el Museo de Bellas Artes de Orleáns en Francia, en el marco de las 5º Recontres Photographiques d´Orleáns, Une Saison Mexicaine en 2004. Honor of Distinction in Photojournalism, Black an White Spider Awards en 2006, etc.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas, como Koninklijk Instituut voor de Tropen en Ámsterdam, Holanda, Southwest Texas State University, Wittliff Gallery of Southwestern and Mexican PhotographyKiyosato Museum of Photographic Arts en Japón, Mother Jones Fund for Documentary Photography en San Francisco, Colección permanente de la Casa de la Cultura de Juchitán, Oaxaca, Guangdong Musueum of Art en Guangzhou, China, y otras muchas.

Referencias

Libros

  • América Profunda, 1992.
  • Sábado de Gloria, 1994.
  • Litorales, 2000.
  • México Tenochtitlan, 2005.
  • Tepito ¡Bravo el Barrio!, 2006
  • Arca de Noé, 2009
  • Ojos que no ven. 2010
  • Un Viaje. El metro de la ciudad de México, 2011
  • Corte de caja.
  • La línea.

Chris Upton

Chris Upton es un fotógrafo inglés (vive en Nottingham, Reino Unido) especializado en fotografía de viajes, paisaje y documental social.

© Chris Upton

© Chris Upton

Dos de mis grandes pasiones en la vida son los viajes y la fotografía. He tenido la suerte de viajar ampliamente y es una experiencia increíble para observar y fotografiar una variedad de culturas, personas y paisajes. Espero que a través de mis fotografías pueda traer un poco de esto al espectador e inspirar a otros a disfrutar de la belleza y la diversidad del mundo por sí mismos.

Biografía

Chris Upton es un premiado fotógrafo y educador especializado en fotografía de viajes, paisajes y documentales sociales, cuyo interés por la fotografía comenzó cuando era un muchacho joven y su padre era un fotógrafo aficionado.  Comenzó fotografiando caminatas y escaladas en Lake District, Gales y Escocia. Poco a poco, a medida que su interés crecía, empezó a hacer más fotos y a caminar cada vez menos. Finalmente, el propósito de sus escapadas a la montaña llegó a ser la fotografía.

Siempre le ha gustado viajar, experimentar culturas diferentes y observar algunos lugares verdaderamente maravillosos. Sus lugares preferidos para la fotografía son India y Cuba. Tuvo la suerte de poder realizar vacaciones fantásticas viajando por todo el mundo. En los últimos años ha hecho bastantes viajes fotográficos organizados y ha tenido la suerte de conseguir 2 encargos de la Autoridad de Turismo de Tailandia para fotografiar en este país.

Cuando la fotografía era con película usaba las cámaras Nikon, pero cuando llegó el digital cambió a Canon y luego, en 2013 compró una cámara Fuji y se quedó encantado; tanto que se ha convertido en un oficial Fujifilm X Photographer.

Después de haber fotografiado como semiprofesional durante muchos años, se retiró temprano de los negocios y ahora está disfrutando una segunda carrera en la fotografía, disparando, enseñando, impartiendo conferencias, realizando viajes y talleres para inspirar a otros a obtener más de su fotografía.

Está asociado de la Royal Photographic Society, ha obtenido premios en concursos fotográficos nacionales. También ha realizado varias exposiciones individuales y ha sido invitado a exponer en la prestigiosa exposición de fotografía Masters of Vision en Southwell Minster en 2009, 2011 y 2013. Su trabajo ha sido publicado en muchas revistas y libros y está representado por varias bibliotecas de imágenes de stock internacionales.

En 2015 decidió crear un registro de la vida en Thoresby Pit, cerca de Mansfield, antes de que esta mina de carbón cerrara dejando a cientos de mineros sin trabajo, marcando el final de 750 años de minería en el condado. Esta serie ha sido publicada en el libro Thoresby The End Of The Mine que acompaña a la exposición del mismo nombre.

Referencias

Libros

Olga Karlovac

Olga Karlovac es una fotógrafa croata (nacida en Dubrovnik, vive en Zagreb) que realiza una fotografía de calle, mayoritariamente de Zagreb, en blanco y negro, oscura y desdibujada, mostrando una sensación de frustración e impotencia frente a los impulsos interminables con los que somos bombardeados.

 

© Olga Karlovac

 

© Olga Karlovac

Biografía

Olga Karlovac nació en Dubrovnik y vive en Zagreb, la capital de Croacia. Ha estado fotografiando activamente durante los últimos años y la fotografía es para ella una forma de vida y una oportunidad de expresarse. Casi siempre hace fotografía callejera. Le encanta caminar por la ciudad y capturar momentos, gente y cualquier cosa que le atraiga. Cuando no está en las calles disfruta meditando en la naturaleza.

Fragments, su proyecto más importante por el momento, también publicado como libro con el mismo nombre, es una serie de fotografías hechas en 2016 en Zagreb, en lugares donde diferentes destinos humanos se entrelazan con una amplia variedad de cables, vallas publicitarias, ferrocarriles, semáforos, calles luces y cámaras. Para hacer las fotografías realizó las tomas a través de diversos medios, como vidrio o plástico sucio, y experimentó con reflejos en superficies de vidrio, para crear doble exposiciones.

Su fotografía trata de cuestionar el proceso de rendirse aceptando lo que es por defecto, impuesto, un sentido de libertad ilusoria en una sociedad de progreso tecnológico desenfrenado. La alienación, el miedo, la desesperanza y la pérdida son sentimientos  resultado del proceso de reducir al hombre a un recurso disponible al servicio del “desarrollo”.

Referencias

Libros

Lilian Alcántara

Lilian Alcántara es una fotógrafa brasileño-española que realiza fotografía de calle y de viajes. Es una aventurera y una apasionada por su trabajo y consigue imágenes que te trasladan la emoción que siente en el momento de la captura.

 

Mourinho de Caravelas © Lilian Alcántara

Mourinho de Caravelas © Lilian Alcántara

Biografía

Lilian Alcántara es una trotamundos, guardadora de memorias e investigadora en Didácticas de las Ciencias Sociales en la Universidad de Valencia. Actualmente desarrolla estudios sobre las representaciones sociales del racismo en España y Brasil. Le interesan todas las formas de vida, sin restricciones, y la fotografía ha sido la forma que encontró para dar a conocer algo de los mundos que navega, de compartir su búsqueda constante por lo universal en las singularidades humanas.

El deseo de transmitir el mundo a través de la fotografía siempre ha sido un reto en su trayectoria profesional y humana. Si en un primer momento pretendía hacerlo investigando temas relacionados con las Ciencias Sociales, actualmente prefiere hacerlo a través de imágenes. Inicialmente buscaba la crudeza del supuesto mundo real y hacía hincapié en la imagen como documento, ahora busca la magia que se desvela a través de los colores, un elemento mágico que suaviza lo real, que da una experiencia más sensorial, buscando el “realismo mágico” de la vida.

Referencias

Jindrich Streit

Jindřich Štreit es un fotógrafo y pedagogo checo (nacido el 5 de septiembre de 1946 en Vsetín, Moravia) conocido por su fotografía documental en la que captura la vida rural y la gente de las aldeas checas. Está considerado uno de los exponentes más importantes de la fotografía documental checa.

 

 © Jindřich Štreit

 © Jindřich Štreit

Biografía

Jindřich Štreit empezó a hacer fotografía en 1964, durante sus estudios en la Facultad Pedagógica de la Universidad Palacký de Olomouc. Después de su graduación trabajó como profesor en Rýmařov y más tarde se convirtió en director de la escuela en Sovinec y Jiříkov, cerca de la frontera con Polonia en el norte de Moravia. Además de su profesión, Štreit participó activamente en la vida pública. Como cronista local documentó los acontecimientos cotidianos y la vida de las aldeas checas bajo el régimen comunista.

Estudió en el Institut výtvarné fotografie (Instituto de Fotografía Artística) en Brno, graduándose con un ciclo de fotografía teatral. Al mismo tiempo continuó ampliando su exploración de la vida cotidiana de las aldeas en las estribaciones de las montañas de Jeseníky.

Desde la década de los 80, organizó periódicamente exposiciones, conciertos y actuaciones teatrales en el castillo de Sovinec. Se le apodó “Jindra de Sovinec“.

En 1981, durante las elecciones generales en Checoslovaquia, Štreit documentó la campaña oficial de las elecciones. En algunas de sus fotografías el retrato del presidente aparecía en las fotografías en lugares “muy improbables y absurdos”. Un año más tarde, en junio de 1982, Štreit mostró estas obras en la exposición Setkání (The Meeting) organizada en Praga por la artista gráfica Alena Kučerová. Después de varias horas, la exposición fue prohibida por la policía estatal y Štreit fue arrestado y acusado de difamación del presidente y del país, siendo condenado a diez meses de prisión y una condena condicional de dos años, basándose en una interpretación de sus fotografías. Su cámara fue confiscada como instrumento del crimen.

Como consecuencia, perdió su trabajo y se vio obligado a ganarse la vida en una granja estatal en Rýžoviště. Se le prohibió tomar fotografías, pero nunca respetó la prohibición y volvió a la fotografía inmediatamente después de su liberación de la prisión. Anna Fárová logró incluir sus obras en la exposición 9+9, visitada por Henri Cartier-Bresson, quien documentó la instalación de Štreit y publicó sus fotos en el diario francés Le Monde.

Su obra fue presentada por primera vez en el Reino Unido en la Side Gallery de Newcastle en 1989. Poco después, la Revolución de Terciopelo cambió su vida, pudiendo impartir clases de fotografía en la Academia de Cine de Praga, en la Academia de Artes de Bratislava y en la Universidad de Silesia en Opava. En 2009, fue nombrado profesor de Artes Aplicadas por el Presidente de la República Checa Václav Klaus.

Su trabajo forma parte de muchas colecciones públicas en la República Checa, así como en colecciones de todo el mundo incluyendo el Victoria & Albert Museum de Londres, la Bibiothèque Nationale y el Musée de l’Elysée en París, el Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Museo Metropolitano de Fotografía de Tokio.

Referencias

Libros y catálogos

  • Jindřich Štreit: Fotografie,1980.
  • 14 regards sur le district de Saint-Quentin, 1993.
  • Vesnice Je Svet / The Village Is a Global World / Un village, c’est tout en monde, 1993.
  • Le Quai de Rohan – Nouvelle Ville, 1994.
  • Der Hof: Vom Leben am Lande, con Manfred Chobot. 1995.
  • People of the Olomouc region / Lidé Olomouckého okresu, 1995.
  • Mikulovsko / The Mikulov Region, 1995
  • Japonsko: Lidé z Akagi / 日本 赤城村からの人々, 1996.
  • Les gens du bassin potassique dęAlsace. / Lidé z ledkových dolů. / Die Leute des Laligebiets. / The pot ash basin population / People of the Alsace Potash Basin, 1998
  • Zabavené fotografie / The Confiscated Photographs, 1999.
  • A coeur perdu / Touches of Heart / Doteky srdce, 1999.
  • Cesta ke svobodě / The Road Towards Freedom / Weg zur Freiheit, 2000.
  • Brána naděje / The Gate of Hope / La porte de l’espoir / Tor der Hoffnung, 2000.
  • Lidé Třineckých železáren / People of Třinec Steelworks / Die Menschen die Třinecer Hütte / Les gens de l’usine métallurgique de Třinec, 2000.
  • Fotóhomok / Fotografie z kraje písku / Photographs from the Flatlands, 2000.
  • Na konci světa. Burjatsko – Sibiř. / At the End of the World, 2000.
  • Jindřich Štreit ze Sovince, aneb, Kam (ne)vstoupila noha fotografova, 2001.
  • Mezi námi / Among Us, 2001.
  • Daleko od domova, 2002.
  • Za oponou / Behind the Curtain, 2002.
  • Cesty života / Ways of life, 2003.
  • Spolu / Together, 2003.
  • Jindřich Štreit – Tváře za zdí / Jindřich Štreit – Faces behind the wall / Yinderehe Shitecaide – Weicheng zhi nei, 2003.
  • Tak blízko, tak daleko. Čečna a Ingušsko 2003 / So Close and Yet So Far. Chechnya and Ingushetia 2003 / So nah und doch so fern. Tschetschenien und Ingutschien 2003, 2004.
  • Jindřich Štreit: Fotografie 1965-2005 / Jindřich Štreit: Photographs 1965-2005, 2006.
  • Paměť času, 2006.
  • Identita reality, 2007.
  • Ocelový svět / World of steel, 2008.
  • Vítkovice, 2008.
  • Japonsko 1995 – Návraty, 2008.
  • Víra a odpuštění / Faith and forgiveness, 2008.
  • Europeans, 2009.