Federico Lessmann

Federico Lessmann fue un dibujante, litógrafo y fotógrafo alemán (nacido en Braunschweig, Alemania, en 1826, fallecido en Caracas en 1886) que fue protagonista de la historia visual de Caracas, cuya ejemplar e indispensable labor se convirtió en un documento para la historia, ofreciendo un testimonio único y real no sólo de la ciudad durante el siglo XIX, sino del modus vivendi de su gente.

 

Teatro Guzmán Blanco. Nuevo teatro de la Opera, circa 1887. Federico Lessmann

Teatro Guzmán Blanco. Nuevo teatro de la Opera, circa 1887. Federico Lessmann

Biografía

Frederich Wilhelm Lessmann Meder fue hijo de Friedrich Lessmann y de Guillermina Meder, y llegó con 18 años al puerto de La Guaira, Venezuela, en 1844, procedente de Hamburgo. De inmediato se dedicó al oficio de dibujante y litógrafo en la empresa de Müller y Stapler. En 1851 contrajo matrimonio con la también alemana Luisa Heibner Lumann con quien tuvo once hijos, uno de los cuales, con su mismo nombre, siguió sus pasos en el oficio de fotógrafo. Después de ejercer durante varios años como litógrafo y dibujante en distintas empresas en las que fue socio y luego en solitario, decidió ofrecer sus servicios como retratista, dando sus primeros pasos en el mundo de la fotografía.

Su gusto y estilo fue muy valorado por la sociedad de entonces y por un entorno que siempre reconoció la importancia de su trabajo. Federico Lessmann se ocupó durante más de cuatro décadas de documentar la Caracas del siglo XIX y buena parte de su transformación, permitiendo el recuerdo de la Caracas pre-guzmancista que poco a poco desapareció bajo decreto y piqueta del presidente Antonio Guzmán Blanco, del que Lessmann fue fotógrafo oficial.

También retrató artística, cuidadosa y profesionalmente a importantes personajes como el General José Antonio Páez, Anton Göering, Arístides Rojas y Adolfo Ernst, así como líderes políticos y económicos del país.

Fue protagonista de una empresa fotográfica realizada con las más rudimentarias técnicas, que exigían el conocimiento de química para la realización de los compuestos de revelado. La dificultad implícita en el traslado de aparatosos equipos de fotografía y su pasión por acercarse a la imagen paisajística, develan la complejidad de su mundo creativo que se expresó desde el daguerrotipo, las tarjetas de visita, las cámaras para grandes placas de colodión, los equipos estereoscópicos o de miniaturas.

Su obra se dio a conocer internacionalmente, pues durante 1873 participó en la Exposición Internacional de Viena con vistas fotográficas y estereoscópicas de Caracas y sus alrededores. En 1878 ofrecía hacer ampliaciones de todos los tamaños hasta el natural, por negativos o reproduciendo retratos, así como retoques artísticos al creyón y tinta china. Una década después realizó en Caracas una de las series más importantes de arquitectura y ciudad, plasmando en fotografía la fachada de la Iglesia La Trinidad, hoy Panteón Nacional, el ferrocarril de La Guaira y el Palacio Federal Legislativo.

Falleció en Caracas el 10 de noviembre de 1886. Una importante muestra de su obra, en la que se reunieron 103 fotografías, además de dibujos, litografías e imágenes fue realizada en el Museo Arturo Michelena (Caracas) en 1995. El Archivo Fotografía Urbana conserva gran parte de su obra en tarjetas de visita, albúminas y originales estereoscópicos.

Referencias

 

Libros

Flor Garduño

Flor Garduño es una artista y fotógrafa mexicana (nacida el 21 de marzo de 1957 en México D. F., vive y trabaja en Tepoztlán y también en Suiza) que ha trabajado asiduamente en naturaleza muerta, retratos, y desnudos en monocromo. Gracias a su uso de la luz y de la sombra, sin el uso de luz artificial y con un gran equilibrio la composición, sus imágenes reflejan una forma de arte que se puede encontrar en el ritual y en la naturaleza del espacio y el tiempo, capturando la cultura de su país al mismo tiempo que explora su propio mundo interior.

© Flor Garduño

© Flor Garduño

Biografía

Flor Garduño nació en Ciudad de México, pero con 5 años su familia se trasladó a una granja a 25 Km de la capital. Allí, viviendo entre animales, en contacto con la naturaleza, formó su carácter. Después realizaría estudios de artes visuales en la Antigua Academia de San Carlos, de la Universidad Nacional Autónoma de México, siendo alumna de Kati Horna.​ Interrumpió sus estudios después de tres años a favor de una posición de asistente de cuarto oscuro,​ del veterano y muy respetado fotógrafo mexicano Manuel Álvarez Bravo. Con el maestro, fue capaz de desarrollar y perfeccionar sus habilidades adquiridas.

Luego trabajaría con el Ministerio de Educación de México, bajo la dirección de Mariana Yampolsky, viajando a las aldeas rurales de todo México con un equipo de fotógrafos y artistas que buscaban temas para ilustrar los libros de texto de las escuelas primarias de las comunidades indígenas. Estas experiencias le dieron la oportunidad de aprender sobre el México rural, especialmente la difícil situación de los pueblos indígenas, y ayudaron a perfeccionar su propio estilo único, que infundió la fotografía descriptiva con arquetipos místicos característicos del surrealismo mexicano.

En 1982 tuvo su primera exposición en la Ciudad de México en la Galería José Clemente Orozco, y desde entonces, su obra se muestra en exposiciones, galerías y museos, habiendo recibido numerosos premios, becas y galardones por su trabajo.​ Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como The Museum of Modern Art en Nueva York, Art Institute of ChicagoMuseum of Fine Arts en Houston, Center for Creative Photography en Tucson, Museo de Arte Moderno en Ciudad de México, Bibliothèque National de France en Paris, Museum Ludwig en Colonia, Alemania, …

En 1985, y animada por el entusiasmo y apoyo del pintor Francisco Toledo, publicó su primer libro.  En 1993, se dedicó a la revista suiza DU. Con el siguiente libro Witness of Time que tuvo un éxito rotundo y numerosos premios, como los Kodak Award en 1992 y Queen Elisabeth en 1993, siendo traducido a cinco idiomas. Y le permitió programar una extensa gira internacional de exposición a través de más de cuarenta países de América y Europa. En 1995, recibió una beca de tres años para su nuevo Proyecto Mesteños, donde muestra animales y personas de su entorno natural, y un año después  realizó 2.000 fotografías de Zúrich y un documental sobre ellas, para la Casa del arte de esta ciudad.

Garduño ha desarrolla a lo largo de su carrera un estilo propio que es fácil de reconocer: escala de grises y onírico, pero también cuenta con retratos en los que figuran pintores, fotógrafos, escultores, arquitectos, escritores, etc. A partir del 2013 ha comenzado con la intervención de fotografías.

Referencias

Libros

  • Magia del juego eterno, 1985.
  • Bestiarium, 1987.
  • Witnesses of Time/Zeugen der Zeit, 2000.
  • Mesteños, 1994.
  • Testigos Del Tiempo, 1997.
  • Flor, 2001.
  • Inner Light/Flor, 2003.
  • Flor, 2004.
  • Nature silenziose / Silent natures
  • The sonnets of Shakespeare
  • Trilogía, 2010.
  • Trilogy2011
  • Trilogie, 2011 (alemán).
  • FLOR GARDUÑO, Photo Poche Collection, 2016.
  • Glimpses of Mexico / Miradas de México
  • Looking in, looking out: Latin American Photography.

Enrique Facio

Enrique Facio fue un fotógrafo español (nacido en Málaga en 1833, fallecido en 1897) al que se le atribuye el mérito de ser el primer fotógrafo español corresponsal de guerra.

 

Enrique Facio

Enrique Facio

Biografía

Enrique Facio o Fazio nació en una familia de origen italiano que se dedicaba al comercio y él fue aficionado a la pintura y la fotografía, pero sin llegar a ser profesional, es decir, que no tenía un establecimiento fijo.

Tras la Guerra de Crimea y la incursión de la fotografía (Roger Fenton, principalmente) en su relato, en la Guerra de África con Marruecos en 1859 se creó una lucha por los medios de aquel tiempo en conseguir una información de primera mano con la que lograr  la mayor venta de periódicos. Así, los diversos medios mandaron periodistas junto con dibujantes, para mantener la emoción con información de la guerra por entregas.

Uno de los que consiguió más éxito en su trabajo fue un joven Pedro Antonio de Alarcón (1833-1891), inexperto en aquel entonces, pero que partió a Marruecos con un dibujante y pintor (posiblemente Rombado, que ya había estado en las acciones bélicas de Crimea y Mogador, y que habría tomado nota de la importante presencia de la fotografía en ellas) y un fotógrafo al que contrató para que “con su máquina y demás útiles de arte, sacara panoramas de los terrenos que recorriéramos, retratos de cristianos, moros y judíos, y vistas de las ciudades que conquistásemos”, seguramente por consejo de Rombado.

Alarcón nunca mencionó el nombre del fotógrafo, rebajó la importancia de la fotografía en sus crónicas para La Iberia, pero se atribuyó el haber sido él el introductor de la primera máquina fotográfica en Marruecos, y muchos de los grabados de sus crónicas (en aquel entonces todavía no se podían poner fotografías en los medios impresos) fueron realizados a partir de fotografías tomadas por Facio.

Investigaciones recientes indican que fue Facio el fotógrafo contratado por Alarcón, en buena parte por coincidir fotos guardadas por la familia con los grabados de los artículos, y por ello se le atribuye el mérito de ser el primer fotógrafo español corresponsal de guerra.

Referencias

Libros

François Mouriès

François Mouriès es un fotógrafo franco-canadiense (nacido en 1951 en Montréal, Quebec, vive actualmente en Biarritz, Francia) que ha documentado la vida y elementos urbanos en las calles de diversas ciudades desde Buenos Aires a Roma, de Belfast a Nueva York, también ha retratado la gente y su entorno en el Mar Negro, en el mundo del jazz y en el de la danza, y también la relación del desierto de las Bardenas Reales con los pueblos que lo rodean.

 

© François Mouriès

© François Mouriès

Biografía

François Mouriès dio sus primeros pasos en fotografía en Arles en 1974. Después de trabajar para un canal de televisión estadounidense, y para estudio de fotografía publicitaria de Canadá, Mouriès se destacó por su trabajo fotográfico sobre músicos de jazz, así como foto fija para producciones audiovisuales, cine y televisión.

En 1996 publicó su primer libro de fotografías, Un Paseo: La Habana, Vinales, seguido de OCEANE Roads en 1998 y Eskualdunak en 2000. En la década de los 2000 produjo varias series de retratos:  Look at Me sobre los cómicos de París, sobre las poblaciones de la costa del mar negro (Turquía, Rumania, Bulgaria) en 2003, y sobre gitanos en 2011. Y a continuación comenzó su primera serie de los pueblos del sur de la Navarra española con la serie Tres Pueblos que se exhibió en 2013 en el Instituto Cervantes de Burdeos dentro del festival Itinéraire des Photographes Voyageurs.

En esta serie, los vastos y áridos desiertos de la provincia meridional de Navarra española no pueden compararse en magnitud con los del oeste americano, pero parecen haberse esparcido en un puñado de pueblos que los rodean, distorsionando sus puntos de referencia, eliminando rasgos visibles que marquen las calles vacías donde casas con contraventanas están respaldadas por crestas de arenisca. La arquitectura, las fachadas discretamente ornamentadas y herméticas, el tono descolorido de las casas y la luz que las revela, recuerdan escenas ya vistas, como un sueño que recuerda mal y que intenta reconstruir. Este lento ritmo de exploración parece convertirse en un viaje más metafórico que un documental, hasta el punto de perder cualquier sentido de la realidad.

La serie se editó en el libro Pueblo sin retrato que recoge una serie de fotografías realizadas desde 2013 hasta 2015 en Navarra alrededor de las Bardenas Reales, en los pueblos de Caparroso, Valtierra, Arguedas, Marcilla y Villafranca, en las que el autor presenta impresionantes paisajes de lugares vacíos que parecen deshabitados, plantados en medio del desierto, transformando la fotografía de viajes en un itinerario onírico.

Referencias

Libros

  • Pueblos sin retrato, 2015.
  • Roms, 2011.
  • Euskaldunak, 2000.
  • OCEANE Roads, 1998.
  • Un paseo, la Habana, Vinales, 1996.

Francis Pérez

Francis Pérez es un fotógrafo español (nacido en Canarias) que, siendo un amante del océano y un buceador entusiasta, documenta el mundo submarino con un estilo único de fotografía.

(c) Francis Pérez

(c) Francis Pérez

 

 

Biografía

Francis Pérez se inició en la fotografía submarina realizando fotografías de los fondos submarinos de Tenerife. Sus fotos muestran su propio punto de vista de lugares como Indonesia, Mar Rojo, Malasia, Sudáfrica, Mozambique, Filipinas, Micronesia, Galápagos, Chile, México, Cuba y las Islas Canarias, donde se ha centrado en los cetáceos.

Los últimos años ha colaborado con muchas revistas, como National Geographic EspañaScuba Diving (EEUU), Sumerge (Sudáfrica), aQua (España), Ocean Geographic (Australia)  y libros como Blue Hope de Sylvia Earle editado por National Geographic donde una de sus imágenes fue la portada, Book 50 anniversary of Red List de la UICN, …

Ha sido galardonado en muchos concursos internacionales de fotografía de todo el mundo, incluido el prestigioso World Press Photo con un primer premio en la categoría de naturaleza en 2017, Ocean Geographic (Australia), Ocean view of Nature Best Photography (EEUU), Por el Planeta of National Geographic and Televisa (Méjico), …

Es colaborador de National Geographic Spain en artículos sobre la biodiversidad de Canarias.

 

Referencias

 

 

Libros

  • Blue Hope de Sylvia Earle,
  • Book 50 anniversary of Red List UICN.

 

 

 

 

Raniero Fernández

Raniero Fernández fue un fotógrafo gallego (nacido en Vigo en 1909, fallecido en 1999) considerado uno de los principales impulsores de la fotografía de aficionados en Galicia durante los años 50 y principios de los 60, a través de diversas asociaciones. Su tema principal de fotografía fue el puerto de Vigo.

© Raniero Fernández

© Raniero Fernández

 

 

Biografía

Raniero Fernández fue la persona que más animó la fotografía de aficionados durante los años 50 y la primera mitad de los años 60 en Galicia. Esta actividad fue promovida por las asociaciones fotográficas que nacieron en ese momento, la primera de ellas la Agrupación Fotográfica Gallega de Vigo, que desarrolló su actividad más intensa cuando Raniero se convirtió en presidente de la sociedad, en 1954, organizando cada año una “Exposición Nacional” que posteriormente sería “Exposición Ibérica“, al mismo tiempo que un gran número de concursos sociales para sus miembros y exposiciones como la de Otto Steinert. Otra actividad organizada por la AFG fue el “Celluloid Bank” o la biblioteca de películas. También fue presidente de la sociedad cinematográfica desde su fundación en los años 60 hasta 1977. Cuando en 1969 Raniero abandonó su puesto en la AFG, las actividades fotográficas de la asociación habían desaparecido casi por completo.

Su trabajo fotográfico se caracteriza por una gran elegancia, con especial atención a la geometría y a la composición de las imágenes, y academicismo formal, tanto en la toma como en el trabajo posterior del laboratorio. A nivel de contenido, no existe en la fotografía de Raniero ninguna preocupación por el ser humano, ni crítica social. Equilibrado en el plano formal, fue totalmente coherente con su visión conservadora del mundo.

Aún así, tenía que haber algo vivo en la fotografía. Por eso se sintió atraído por el puerto pesquero de Vigo, definiéndolo como “reserva excepcional de caza fotográfica, retratando la lonja de descarga de pescado, los paseantes ante la bahía o los pescadores de caña, indiferentes al intenso tráfico de la emigración a Sudamérica, y que recogió en su libro Vigo, puerta del Atlántico. Otro de los temas a los que dedicó su obra fue la Galicia rural de la posguerra, perpetuando las fiestas y romerías, las ferias de ganado, los hórreos, los molinos y las construcciones rurales, muchas ya desaparecidas.

En 1988 su obra formó parte de la exposición colectiva Crónica dunha cidade (Concello de Vigo).

 

 

Referencias

 

 

Libros

 

Michelle Frankfurter

Michelle Frankfurter es una fotógrafa estadounidense (nacida en Jerusalén, vive en Takoma Park, Maryland) que hace fotografías para entender y articular algo sobre el mundo en el que vivimos. Sus fotografías reflejan su punto de vista, su sentido del humor y su compasión por la gente. Desde el año 2000, en sus trabajos personales se ha concentrado en la región fronteriza entre Estados Unidos y México y en temas de migración.

 

© Michelle Frankfurter

© Michelle Frankfurter

 

 

Biografía

Michelle Frankfurter se graduó en Inglés en la Universidad de Siracusa. Es una fotógrafa freelance que ha trabajado para varias publicaciones editoriales, como The Guardian de Londres, The Washington Post Magazine, Time y Life Magazine. Su trabajo documental personal ha sido presentado en exposiciones en el Arlington Arts Centre, el Proyecto de Washington para las Artes y el Ellipse Arts Center.

Siempre ha sentido curiosidad por la gente, pero es algo tímida y, al principio, el hacer fotografías le facilitó iniciar conversaciones con extraños. Una cámara es un poco como un visado que te da una razón para estar en alguna parte, y así, cámara en mano, podía acercarse a personas cuyos antecedentes y circunstancias variaban a menudo dramáticamente.

Antes de establecerse en el área de Washington, Frankfurter pasó tres años viviendo en Nicaragua, donde trabajó como miembro de la agencia de noticias británica Reuters y con la organización de derechos humanos Testigo por la Paz documentando los efectos de la guerra de Contra en los civiles.

Comenzó hace un tiempo a fotografiar bodas porque pensaba que el tema se prestaba naturalmente a un enfoque documental. Al trabajar de una manera discreta y prácticamente invisible, hace imágenes convincentes que narran historias que van más allá de los fotos predecibles y con guión que se esperan ver en una presentación de bodas.

Un proyecto a largo plazo sobre Haití le valió dos premios World Press Photo y una serie de fotografías que produjo para el Servicio Postal de los Estados Unidos ganó varios premios de diseño gráfico. También obtuvo una beca de la Fundación Aaron Siskind, fue incluida en el Top 50 Critical Mass de 2011, fue finalista en el Aftermath Project de 2011 y premiada en el  2012 Foto Evidence Book por su proyecto Destino, en el que documenta el viaje de los migrantes centroamericanos a través de México. Su primer libro, Destino fue publicado en septiembre de 2014.

 

Referencias

 

 

Libros

  • Destino, 2014.

 

Andreas Franke

Andreas Franke es un submarinista y fotógrafo austriaco que ha mezclado escenas de otro tiempo con paisajes submarinos naturales o de restos de naufragios, creando mundos y escenas que parecen sacadas del mundo de los sueños.

 

© Andreas Franke

 

[Puede mover el separador de la imagen para ver la fotografía antes y después de estar expuesta en el mar]

 

Con mis fotografías de The Sinking World, quiero atraer a los espectadores hacia mundos irreales y extraños. Las escenas ordinarias del pasado juegan dentro de un espacio de ficción y se convierten en mundos oníricos en los que puedes perderte o con los que puedes identificarte.

 

 

Biografía

Andreas Franke es conocido por su talento en la fotografía, pero el buceo es su pasión. Lleva trabajando más de 20 años para grandes marcas como Ben & Jerry, Coca-Cola, Ford, General Electric, Gillette, Heineken, Nike, Visa, … Para el Luerzer’s Archive está entre los 200 Mejores Fotógrafos.

Sus naturalezas muertas y sus efectos surrealistas son famosos. En sus imágenes cada pequeño detalle se planea cuidadosamente, sin dejar espacio a la suerte. También es un viajero y su trabajo lo lleva con frecuencia a países de todos continentes.

En 2010 Andreas realizó una expedición de buceo sobre el casco de uno de los nuevos arrecifes artificiales, el Hoyt S. Vandenberg, trasporte militar en la II Guerra Mundial, que fue hundido en 2009, ubicado a 100 pies bajo el nivel del mar, aproximadamente a siete millas al sur de Key West de Florida. Habiendo documentado el viaje y el sitio del naufragio, manipuló digitalmente las imágenes por él capturadas para añadir escenas cotidianas y surrealistas del pasado.

Doce de las fotografías resultantes se instalaron en el propio del barco hundido para poder ser contempladas por los numerosos (+10.000) submarinistas que lo visitan. A pesar de la instalación a prueba de bomba, a los 4 meses el mundo submarino ya había dejado su huella en las fotografías otorgándoles una nueva dimensión.

La respuesta de los visitantes y de los medios internacionales a esta serie Vandenberg, fue un éxito y Andreas ha realizado más proyectos en esta línea o parecidas, como Stravonikita, localizado cerca de la isla de Barbados, y con un mundo decadente de personajes de la época de María Antonieta, y Mohawk, proyecto alrededor del barco de guerra americano de este nombre.

Además de sus exposiciones submarinas, ha realizado exposiciones en EEUU, Eslovenia, Turquía, Bélgica, Maldivas, Mónaco y su Austria natal.

 

 

Referencias

 

 

Formento & Formento

Formento & Formento es un dinámico equipo formado por la pareja BJ Formento (nacido en Hawaii) y Richeille Formento (nacida en Londres, Inglaterra) dedicado a la fotografía de moda en el que BJ es la luz (el fotógrafo) y Richeille el pigmento (directora creativa). Su estilo es muy personal y cinemático y han hecho un arte de su singular estilo de fotografía.

 

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Nami XVI, Hanazono, Japan, 2013. From Japan Diaries series © Formento & Formento

 

 

Biografía

BJ Formento nació en Hawai y creció en Filipinas, estudió Arte en la Academy of Arts University en San Francisco y se trasladó a Nueva York en 1999 siendo asistente de fotógrafos tan importantes como Richard Avedon, Mary Ellen Mark y Annie Leibovitz. Richeille Formento nació en Londres y asistió al prestigioso Central St. Martins College of Art antes de trabajar como directora de arte y diseñadora en la industria de la moda. Dividen su tiempo entre Nueva York y Miami con sus 3 gatos siameses.

Con una sensualidad misteriosa combinada con una narrativa sensible y cinematográfica, con personajes y escenarios de naturaleza ambigua nos recuerdan a David Lynch y a los paisajes de Hopper. Vogue Italia ha sido un precursor y leal partidario de su trabajo, así como revistas de vanguardia como Aesthetica, Blink, Musee y L’oeil de la Photographie.

Comenzaron su colaboración en 2009 y ya 2012 fue un año decisivo para ellos, con nominaciones en la New Exposure Competition de American Vogue. En 2014 sus obras fueron seleccionadas por Vogue Italia y L’Uomo Vogue para Glimpse at Photo Vogue en la Galería Carla Sozzani y en 2015 para 45 Frames from Photo Vogue en Leica Milan Gallery.

Han realizado exposiciones individuales en toda Europa desde París, Londres, Berlín, Stuttgart y Dusseldorf. Su trabajo también se exhibió en Boston con la galería Robert Klein y en Nueva York en Edelman Arts Gallery. Han tenido gran éxito también en festivales como Art Basel Miami Beach, Aipad, Photo Paris, Photo London, Photo Shanghai y Armory NYC.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Jean-Pierre Favreau

Jean-Pierre Favreau es un fotógrafo francés (nacido en 1940, vive en París) que, desde principio de la década de los 80, navega en solitario en todos los continentes, en búsqueda de hombres y mujeres que viven en segundo plano, ignorados, pasajeros perdidos en el océano urbano.

© Jean-Pierre Favreau

© Jean-Pierre Favreau

 

Estas calles, estas plazas, estos puertos, son mis desiertos, mi mar abierto, donde me cruzo,
navegando en solitario, pasajeros perdidos en el océano urbano.

 

 

Biografía

Jean-Pierre Favreau nació en 1940 y creció en La Rochelle. Vive en París desde 1962. De 1970 a 1980 viajó por todo el mundo como fotoperiodista: Estados Unidos, América del Sur y el Sureste de Asia. Después de 1980, el viajero se convirtió en fotógrafo, y eligió centrar su atención en las personas en el medio urbano.

En 1982 obtuvo una beca del Ministerio de Cultura francés para un proyecto sobre Nueva York. Optó por poner el foco en la gente de la ciudad frente a su cuestionamiento interno, sorprendida en sus momentos errantes cuando se escapa del universo urbano. Pocos años después, parte de su trabajo se integró en un libro titulado Incertaines cités, publicado por Filigranes en 1997.

De 1985 a 1991, permaneció regularmente en Cabo Verde, exponiendo en 1990 en el edificio del diario francés Le Monde en París y luego en la galería Contrejour de París, que publicó su libro Blues Outremer en 1991, con fotos de Cabo Verde que también fueron mostradas en la Exposición Universal de Sevilla.

Como contribuidor habitual de Le Monde, trabajó en varias ediciones especiales, entre ellas una sobre Francia, que se convirtió en el tema de una exposición celebrada en 1992. También obtuvo varios encargos del Ministerio de Cultura de las Artes en Francia y del Ministerio de Agricultura.

De 1991 a 1998, realizó varios viajes a La Habana, lo que dio lugar a su libro Rue Caraïbes en 1999.
De 2001 a 2009, eligió Japón para ampliar su trabajo sobre el hombre en la ciudad. Y de 2005 a 2012, realizó varios viajes a China.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Fernando Botán

Fernando Botán Mon (nacido en 1908, fallecido en 1983) y Fernando Botán Castillo (nacido en Madrid el 22 de marzo de 1935, fallecido el 24 de agosto de 1983) crearon una agencia fotográfica cuyo archivo ha sido parte esencial de la historia de la tauromaquia española contemporánea, proveedora de diarios y revistas, anuarios, agencias informativas y editoriales, y ganadora de numerosos premios y reconocimientos.

 

La pirueta © Fernando Botán

La pirueta © Fernando Botán

 

 

Biografía

Fernando Botán Mon compró su primera cámara fotográfica en Canarias. Su afición a los toros le llevó a plasmar los mas antiguos negativos en la plaza de toros de Las Ventas a los millones con los que actualmente cuenta el archivo de Reportajes Botán. El diario Ya fue quien publicó sus primeras fotografías. Lo que en inicio fue un mero hobby, se convirtió con la compañía de su hijo Fernando Botán Castillo en un trabajo especializado, en la agencia de reportajes taurinos Reportajes Botán.

Revistas y diarios ya desaparecidos como Dígame, El Ruedo, El Alcázar, Informaciones, Pueblo, o agencias de noticias como Efe, Europa Press, así como las editoriales Planeta Agostini o Espasa Calpe plasmaron en sus páginas momentos inmortalizados por esta Agencia. Sus fotografías ilustraron revistas como Stern (Alemania), Paris Match (Francia), Oggi (ltalia), Gaceta Ilustrada, Sábado Gráfico, Interviú, etcétera, y diarios como 5 días, Ya, Abc, EL PAIS, Diario 16 y Pueblo.

Durante varios años realizaron una anual Crónica gráfica, compendio de las mejores instantáneas de cada temporada taurina celebrada en la madrileña plaza de toros de Las Ventas. También aportaron una valiosa colaboración gráfica a la monumental obra enciclopédica de Los Toros, en su segunda etapa.

Fernando Botán (no sabemos si el padre o el hijo, pero en la página del WPP, aparece el nombre del padre) obtuvo en 1973 un primer premio en el World Press Photo con La pirueta y un año antes había obtenido el tercer premio con El toro voladorEstos momentos insólitos de la lidia, dieron la vuelta al mundo, popularizando la imagen del toro de lidia español.

Otra fotografía icónica suya es la del comandante Ernesto Che Guevara consu clásico uniforme verde olivo y su emblemática boina negra en la cabeza, en una barrera de primera fila en la Plaza de Las Ventas, en 1959.

En la actualidad la firma Botán continúa acompañando, desde hace más de veinte años, la crónica taurina del diario ABC. En la actualidad es María del Carmen Botán Castillo junto a los fotógrafos Santos Martín y Domingo Álvarez, asiduos en Las Ventas, quien está al frente de esta agencia.

 

 

Referencias

 

 

Libros

 

Frits Hoogendijk

Frits Hoogendijk es un fotógrafo sudafricano (vive en Pretoria) que ha transformado su amor por vida salvaje africana en una carrera fotográfica.

 

© Frits Hoogendijk

© Frits Hoogendijk

 

 

Biografía

Frits Hoogendijk creció en la sabana surafricana; siempre ha tenido un gran amor por la naturaleza y se siente más a gusto cuando no está rodeado de cosas artificiales. Estudió en Pretoria y se convirtió en un cirujano máxilo-facial y oral. Cuando no está en su oficina o en el teatro, pasa mi tiempo fotografiando la naturaleza y la vida salvaje.

Comenzó su carrera fotográfica fotografiando deporte en la escuela secundaria con una cámara de película manual de 35mm y revelando sus propias diapositivas. Esto le ha dado una muy buena comprensión básica de los principios fotográficos, lo que le ayuda, incluso hoy en la era de la fotografía digital.

Consiguió un kit digital muy básico durante sus años de estudio y sólo recientemente se ha actualizado a equipos fotográficos más avanzados que le han permitido pasar del deporte a lo que realmente le apasiona, la naturaleza, donde ha conseguido diversos premios y reconocimientos.

 

 

Referencias