Daniel Aguilar

Daniel Aguilar es un fotoperiodista mexicano (nacido en Ciudad de México en 1971) que ha sido merecedor de premios internacionales como varios Premio Nacional de Periodismo de su país, 2 premios World Press Photo y el Premio Internacional de Periodismo Rey de España, entre otros.

 

© Daniel Aguilar© Daniel Aguilar

El objetivo del fotoperiodismo es mostrar imágenes para que la gente pueda entender lo que está sucediendo. Muchas veces el fotógrafo puede tomar fotos estéticas con carga informativa. La fotografía que se publica hoy en día, en el futuro será un documento que formará parte de nuestra historia.

Biografía

Daniel Aguilar Rodríguez tuvo sus primeros contactos con una cámara fotográfica cuando estudiaba educación primaria con una cámara Kodak formato 110 milímetros, gracias a su padre, que era arquitecto y escribía sobre deportes. Juntos hacían recorridos para fotografiar los acontecimientos que sucedían a su alrededor, como incendios, choques, explosión en San Juan Ixhuatepec y edificios devastados en el terremoto de 1985 en Ciudad de México.

En 1989 se inicia como reportero gráfico en El Heraldo de México. En 1997 se incorporó como fotoperiodista a la agencia Reuters, donde colabora hasta 2010. Asimismo, ha trabajado como reportero gráfico en los periódicos El Universal, Excelsior, La Jornada y en las revistas Época y Emeequis.

En 2000, 2002, 2004 y 2006 fue merecedor al Premio Nacional de Periodismo, que otorga el Consejo Ciudadano del Premio Nacional de Periodismo, en el 2000 y 2004 el premio de periodismo José Pagés Llergo, mención de honor en el Premio Internacional de Periodismo Rey de España de 2004 y en el World Press Photo de 2005; 3º en el Photo International News The Best Photojournalism de 2005, mención de honor en el China International Press Photo de 2005m  3º en el World Press Photo de 2007, en el 2008 obtuvo el Premio Internacional Fotografía Humanitaria de Médicos del Mundo y en 2011 fue merecedor del Premio Internacional de Periodismo Rey de España, correspondiente a 2010.

Ha realizado coberturas en diversos países como Guatemala, El Salvador, Honduras, Colombia, Haití, Venezuela, Cuba, Argentina, Jamaica, Bolivia, Costa Rica, Estados Unidos y China, cubriendo eventos como los Juegos Olímpicos de Atlanta en 1996 y Pekín 2008, el golpe de estado en Venezuela en el 2002 y la crisis política y revueltas de Haití en 2004.

Ha participado en exposiciones colectivas e individuales como Haití. Vivir la Muerte en el Centro de la Imagen de México, DF.  en 2004, 45 miradas mexicanas en el Guangdong Museum of Art en China en 2007 y Daniel Aguilar 20 en Casa Escorza en Guadalajara, Jalisco, en 2009.

Referencias

Adam Brooberg y Oliver Chanarin

Adam Broomberg (nacido en 1970 en Johannesburgo, Sudáfrica) y Oliver Chanarin (nacido en 1971 en Londres) son artistas que viven y trabajan entre Londres y Berlín, y que utilizan a veces la apropiación de imágenes para crear su obra. Sus libros han obtenido importantes premios internacionales.

© Broomberg & Chanarin© Broomberg & Chanarin

 

 

Biografía

Adam Broomberg y Oliver Chanarin son profesores de fotografía en la Hochschule für bildende Künste (HFBK) en Hamburgo, Alemania, en L’Ecole supérieure d’arts appliqués y profesores invitados en la University of the Arts London.

Juntos han tenido numerosas exposiciones individuales como el Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle en Varsovia (2015), Fundación Jumex en Ciudad de México (2014), FotoMuseum de Amberes (2014),  Mostyn en Llandudno en Reino Unido (2014), Townhouse en El Cairo (2010),  Musée de l’Elysee en Lausana (2009) y el Stedelijk Museum en Ámsterdam (2006).

También han participado en exposiciones de grupos internacionales como las del British Art Show 8 (2015-2017), Conflict, Time, Photography en Tate Modern, Londres y Museum Folkwang de Essen (2015), Bienal de Shanghai (2014), Museum of Modern Art de Nueva York (2014), Tate Britain (2014), Mathaf Arab Museum of Modern Art en Doha (2013), Gwanju Biennale (2012) y el KW Institute for Contemporary Art de Berlín (2011).

Sus premios más importantes incluyen el ICP Infinity Award (2014) por su libro Holy Bible y el Deutsche Börse Photography Prize (2013) por War Primer 2, un libro que habita físicamente en las páginas de War Primer, la notable publicación de 1955 de Bertolt Brecht.

Su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas, como en la del Tate Modern, The Museum of Modern Art (MOMA), Stedelijk Museum, Victoria and Albert Museum, Musee de l’Elysee, The International Center of Photography , Loubna Fine Art Society.Art Gallery de Ontario, Cleveland Museum of Art y Baltimore Museum of Art..

Han fundado el sello editorial Chopped Liver Press para publicar y vender sus propios libros, así como los de otros artistas.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Valerio Bispuri

Valerio Bispuri es un fotógrafo italiano (nacido en 1971 en Roma, vive en Buenos Aires, Argentina) que combina fotografía, antropología y periodismo para intentar comprender el continente sudamericano a través de sus prisiones y de la vida en la calle en los suburbios de sus grandes ciudades.

 

© Valerio Bispuri

 

© Valerio Bispuri

 

Cuando el ojo está cansado de mirar, realmente se empieza a observar. La profundidad de una imagen nace de la perfecta armonía entre lo que se siente y lo que se ve.

 

 

Biografía

Valerio Bispuri se graduó en Literatura, pero decidió dedicar su atención a la fotografía. Fue asistente personal de Francesco Zizola y ha trabajado para Taiga, Agencia de prensa y Grafica en Italia. Reportero profesional desde 2001, colabora con numerosas revistas italianas e internacionales, entre ellas L’Espresso, Il Venerdì, Internazionale, Le Monde, Stern, … Ha realizado reportajes en África, Asia, Oriente Medio, pero es en América Latina donde Valerio ha trabajado más tiempo y vive en Buenos Aires desde hace más de una década, donde siguió la crisis financiera argentina, así como la diáspora siguiente.

Ha trabajado en su proyecto Encerrados durante 10 años. Es un proyecto fotográfico a largo plazo sobre las condiciones de vida en 74 cárceles de todos los países del continente sudamericano, describiendo con un enfoque antropológico y periodístico la realidad de los reclusos. Este trabajo ha sido expuesto en Visa pour l’Image en Perpignan, en el Palazzo delle Esposizioni de Roma, en la Universidad de Ginebra, en el Browse Festival de Berlín y en el Bronx Documentary Center de Nueva York. En 2014 Encerrados se convirtió en un libro editado por Contrasto.

En 2015 Valerio terminó otro importante proyecto fotográfico que duró 8 años, denunciando la difusión y los efectos de una nueva droga de bajo costo llamada Paco que está matando a toda una generación de jóvenes en los suburbios de las grandes ciudades sudamericanas. Su trabajo Paco ha sido expuesto en Roma, Milán y Estambul (catálogo publicado por la International Green Cross).

Ha sido galardonado con numerosos premios internacionales: Latin American POY en 2011 (mención honorífica), Sony World Photography Award en 2013 (1er premio de Ediciones Contemporáneas),  Premios Internacionales de Fotoperiodismo de Days Japan en 2013 y el POY de 2014 (2º premio en la categoría Edición de Historias).

 

 

Referencias

 

 

Libros

Kirk Crippens

Kirk Crippens es un fotógrafo estadounidense (nació en Dallas, Texas, en 1971, vive en el área de San Francisco). Una gran parte de su obra explora la Gran Recesión, con proyectos que buscan la exclusión, la pérdida de empleo, y el colapso de los constructores de automóviles, y otra parte se centra en series de retratos de grupos de personas en su entorno característico.

 

© Kirk Crippens

© Kirk Crippens

 

 

Biografía

Kirk Crippens tuvo un comienzo temprano con la fotografía, inspirado por su padre, y su abuelo, que era un fotógrafo militar retirado y que mantuvo un cuarto oscuro en su casa. Estudió fotoperiodismo en la Universidad de Texas en Austin, trabajando en prestigiosos periódicos de todo Estados Unidos.

Con sede en San Francisco desde 2000, centró ya sus esfuerzos en proyectos personales. Ha expuesto ampliamente desde2008 en exposiciones individuales y colectivas, siendo nombrado Top 50 Photographer en el Photolucida’s Critical Mass de 2010 y 2011, nominado para el Eureka Fellowship Program 2011-2013, nominado al premio Photolucida’s book y ha participado en el Festival Internacional de Fotografía de Lishui, China. Ha sido artista en residencia en RayKo Photo Center en San Francisco y en el Newspace Center for Photography de Portland, Oregón.

Sus proyectos tratan principalmente de retratos que identifican a la gente en su entorno particular, como en Hidden Population, una serie de retratos sobre reclusos de San Quentin, o en Portraitlandia, en la que utilizó una cámara fotográfica 4x5” con película sobre la gente de Portland, una rica ciudad estadounidense de Oregón, que se enorgullece de promover el individualismo, inspirado en una popular serie de comedia televisiva, Portlandia, que santifica a esta ciudad de 600.000 habitantes como centro de la política liberal y estilos de vida alternativos. Su mezcla de personajes imaginativos sugiere un alto nivel de reinvención personal y tiende a confirmar a Portland como un paraíso consumista.

 

 

Referencias

 

 

Libros

 

Juergen Buergin

Jürgen Bürgin es un fotógrafo alemán (nacido el 31 de mayo de 1971 en Lörrach, vive en Berlín) que realiza su fotografía principalmente en la calle (de Berlín y otros lugares) y es una mezcla de género entre la calle, la arquitectura y la fotografía de retrato. Puede considerarse un fotógrafo urbano simplemente porque la mayoría de sus fotos están realizadas en las ciudades del mundo.

 

© Jürgen Bürgin

© Jürgen Bürgin

 

 

Alguien dijo una vez, que la fotografía es escribir con luz. ¡No estoy de acuerdo! En mi opinión la oscuridad y las sombras son los elementos básicos de la narración a través de fotografías.

 

 

Biografía

Jürgen Bürgin estudió literatura alemana, lingüística y economía en Friburgo. Trabaja en el mundo del cine como director de relaciones públicas, pero la fotografía es la contrapartida creativa a su trabajo diario.

Lleva poco tiempo haciendo fotografía (desde 2009) y considera que al final es una ventaja haber comenzado con 40 años, tras haber leído mucho sobre arte, ver numerosas exposiciones, pensando y leyendo mucho sobre la estética. Se compró una cámara para hacer fotos de naturaleza, aves y animales en una época en que dejó Berlín por el campo. Aún hace este tipo de fotografía pero su pasión fotográfica se trasladó con pasión a la fotografía urbana, principalmente de Berlín, pero también de Barcelona, París, Londres, San Francisco, Chicago, Tokio y Nueva York.

Su fotografía realmente trata sobre la narración, contando historias sobre la vida, las relaciones, la soledad. Pero una foto sólo muestra el mundo en un pequeño momento, una fracción de segundo, y no es el medio adecuado para contar toda una historia. Así que utiliza un truco: sus fotos plantean preguntas sin respuesta, muestran situaciones inexplicables, o dejan las cosas en tinieblas u ocultan cosas. Así que dejando esas preguntas sin respuesta en sus fotografías, usa el deseo del espectador para obtener secretos resueltos y que sea él el que cree su propia historia.

Sus obras han sido expuestas en el South Street Seaport Museum de Nueva York, en la Fotogalerie Friedrichshain de Berlín, en la Galerie Lardon de Ahrenshoop, en el Deutsche Bank de Berlín-Charlottenburg, en la Galerie Aspekt en Neustadt an der Weinstraße, en Art Fair Cologne, en Affordable Art Fair en Hamburgo, en Galerie im Saalbau en Berlín y en la Galerie seifert lardon en Berlín.

Sus fotografías se han sido premiadas numerosas veces, ha sido seleccionado para el Sony World Photography Award, como fotógrafo urbano del año y obtuvo el segundo lugar en el Premio Brennpunkt en el Browse Fotofestival de Berlín. En 2016 su libro de fotos URBAN FEVER – Escenas de la vida de la ciudad ha sido publicado.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Thomas Leuthard

Thomas Leuthard es un fotógrafo suizo (nacido en 1971 en Zug) que realiza fotografía de calle.

 

(c) Thomas Leuthard

(c) Thomas Leuthard

La calle es rápida y directa, no puedes perder un segundo.

Me inspiro a través de mis ojos con la ayuda de mi curiosidad y creatividad para vivir mi pasión día a día.

 

 

Biografía

Thomas Leuthard siempre se interesó por las artes creativas, pero hasta que cumplió 35 años no se metió de lleno en el mundo de la fotografía. Pensaba hacer estudios superiores en el campo de la administración de empresas pero al final estudió informática. Y en una revista de informática vio publicidad de cámaras fotográficas réflex y poco después se compró la más barata e hizo un cursillo básico de fotografía réflex digital.

Sin embargo, pronto se dio cuenta de que quería saber más sobre fotografía y se inscribió en curso de fotografía que duraba cinco semestres y que  dejó tras dos semestres porque creía que ya había aprendido suficiente y no quería dedicarle tanto tiempo a la teoría. Estaba decidido a continuar su aprendizaje por medio de la práctica en el mundo real.

En mayo de 2008 decidió centrarse en la fotografía a pie de calle utilizando un solo objetivo: el 85 mm, que le permitía acercarse mucho a los objetos y a las personas que fotografiaba. Ahora utiliza distancias focales más cortas intentando capturar más detalles en la escena.

Después de mucho coraje y riesgo financiero, participó como ponente invitado en un seminario en Beirut (Líbano). Ese fue el comienzo de su carrera, después de haber publicado dos eBooks sobre el entonces desconocido mundo de la fotografía a pie de calle, y empezó a ser conocido por muchos fotógrafos de todo el mundo.

Escribe sus experiencias y permite descargarlas de forma gratuita, lo que ha servido para que muchos nuevos fotógrafos salgan a la calle a hacer fotos.

Es un Visionario Olympus y dos Olympus OM-D (con objetivos de 17 y 45 mm) le acompañan en sus viajes a algunas de las ciudades más grandes del mundo. Para financiar su pasión, trabaja a jornada reducida en el campo de la informática para el gobierno de Suiza.

 

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

 

Libros

En ISSU:

Tutoriales:

 

  • 2014 Street Photography: How to approach people on the street
  • 2015 Outstanding Composition: How to blow away your audience

 

Ebooks gratuitos:

 

  • 2011 Going Candid,
  • 2011 Collecting Souls,
  • 2012 Street Faces,
  • 2013 Seelenraub, (DE).
  • 2013 Explore Flickr.

 

 

Javier Viver

Javier Viver es un escultor, fotógrafo, diseñador y editor de fotolibros español (nacido en 1971 en Madrid) cuya obra propone un debate entre la imaginería e iconoclastia como medios de aparición de lo invisible.

 

Javier Viver

© Javier Viver

 

 

Biografía

Javier Viver es doctor en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid con la tesis Laboratorio Val del Omar (2008), publicada el mismo año por Cameo en formato documental. Con este fin pasó dos años investigando en el Laboratorio PLAT de Val de Omar antes de que fuera desmantelado definitivamente y de que recibiera el encargo, junto a Javier Ortíz-Echagüe, de instalarlo en el Museo Nacional Reina Sofía (2008).

Su trabajo se debate entre la imaginería y la iconoclastia como medios de aparición de lo invisible. Su obra ESpHeM (2001), una empresa ficticia de arquitectura efímera, planteó el uso de sistemas de embalaje para habitar el mundo y fue mostrada internacionalmente en el Museo Nacional Reina Sofía, el Queens Museum of Arts de Nueva York, La Recoleta en Buenos Aires y la Galería Nacional de Arte Moderno de Roma, entre otros museos y galerías.

Recientemente ha publicado el fotolibro Révélations (2015) con la Editorial RM. Es una nueva edición de la Iconografía del Hospital de La Salpêtrière en Paris, por la que ha recibido el premio al mejor libro de arte del año, otorgado por el Ministerio de Cultura, el premio Ars Libris en Barcelona en la Feria Internacional de la Edición Contemporánea. En 2016 ha sido nominado para el Best Photobook en el Fotobookfestival de Kassel y seleccionado para el Premio de PhotoEspaña al mejor libro de fotografía 2016. Por su fotografía ha obtenido el Primer Premio de Fotografía del Certamen de Jóvenes Creadores del Ayuntamiento de Madrid, Premio de Artes Plásticas 2004 de la Comunidad de Madrid, el Premio de Fotografía Purificación García y los Premios Generación 2002 y 2007.

En 2002 fue distinguido con la beca de la Fundación Botín en Location One, Nueva York; en 2001 la del Ministerio de Asuntos Exteriores en Academia de España en Roma y la del Círculo de Bellas Artes en Hangar en Barcelona. En 2012 recibió la invitación del Swatch Art Center para vivir y trabajar en Shanghái.

Su obra forma parte de importantes museos y colecciones como el Museo Nacional Reina Sofía en Madrid, Queens Museum of Arts de Nueva York, Ministerio de Asuntos Exteriores de España,  Location One Gallery en Nueva York, Fundación Caja Madrid, Centro Cultural Conde Duque, Casa de América y La Casa Encendida en Madrid, Fundación Botín en Santander, Swatch Group Collection.

 

Referencias

 

 

Libros

  • Révélations, 2015.

Alexandra Hager

Alexandra Hager es una fotógrafa austriaca (nacida en Bregenz, Austria, en 1971) que se distingue por mezclar técnicas modernas con una estética victoriana, disolviendo la realidad y la ficción de una manera estética, haciendo sus imágenes intemporales.

© Alexandra Hager

© Alexandra Hager

 

 

Biografía

Alexandra Hager comenzó su carrera como fotógrafa freelance en 2003, y desde entonces se ha dedicado a capturar escenas tanto artísticas como de moda y publicidad, desde una visión particular, mezclando técnicas modernas con una estética victoriana.

Con su uso especial del flash, sus modelos parecen muñecos. Con fondos extraños y técnicas modernas, los personajes de sus tomas, niños y adultos poco expresivos, con miradas perdidas, se insertan en escenarios imaginativos, basados principalmente en la composición de pinturas antiguas. Algunas de sus tomas remiten a las casas de muñecas y a un universo infantil cargado de imaginación y ensoñación.

En el ámbito profesional ha colaborado con agencias publicitarias como BBDO, Oglivy, Young & Rubicam, realizando encargos para Jung von Matt, draftfcb, Dirnberger De Felice, Lowe GGK,  Springer & Jacoby, Publicis, Bank Austria, OeNB, T-Mobile, Unilever, Rote Nasen, dm Drogerie Markt, Wirtschaftskammer, Wrigley’s, Jahreswagen.com, Milk & Honey Magazin, Liga der Menschenrechte, Schaufenster/Die Presse, Pool Magazin, ÖBB y NÖM.

Por su estética única, en la que la pintura y la fotografía se confunden, ha sido merecedora de numerosos premios y ha expuesto su obra en importantes instituciones europeas.

 

 

Referencias

 

Anthony Goicolea

Anthony Goicolea es un fotógrafo cubano-estadounidense (nacido en 1971 en Atlanta, Georgia, vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York) que, empleando diversos medios, explora temas que van desde la historia personal y la identidad, a la alienación y el desplazamiento, pasando por la tradición cultural y patrimonial.

 

Terrarium © Anthony Goicolea

Terrarium © Anthony Goicolea

 

 

 

Biografía

Anthony Goicolea estudió en la Universidad de Georgia, Athens, Historia del Arte con especialización en lenguas romances, y posteriormente Dibujo y pintura. En 1997 realizó un master en Escultura y  fotografía, en el Pratt Institute of Art en Nueva York en 1997. Pertenece a una primera generación cubano-americana, ya que su familia emigró a los Estados Unidos en 1961, un hecho que sustenta muchas de sus obras.

Su obra abarca desde autorretratos manipulados digitalmente a paisajes y cuadros narrativos ejecutados en una variedad de medios, incluyendo fotografía en blanco y negro y color, instalaciones escultura, video y dibujos de varias capas de Mylar.

Mayormente conocido por su puesta en escena de obras fotográficas y de video, Goicolea hizo su debut artístico a finales de 1990 con una serie de imágenes provocativas con múltiples autorretratos de grupos de chicos jóvenes en el umbral de la adolescencia.

Después, Goicolea realizó ambiguos, pero extrañamente convincentes paisajes, que van desde ambientes de bosque de ensueño a vastos páramos urbanos e industriales. Ha creado digitalmente  varias series de topografías pobladas por grupos de figuras enmascaradas y uniformadas.

Más reciente, muchas de sus imágenes están desprovistas de seres humanos, aunque el paisaje refleje una presencia humana anónima y cada vez más tenue. En estas obras, primitivos cobertizos y casuchas toscamente construidas conviven en una unión difícil con vestigios tecnológicos de una sociedad industrializada.

También está presente en su obra su propia historia personal explorando sus raíces y herencia familiar. Estas imágenes e instalaciones se caracterizan por una búsqueda ferviente de sus conexiones ancestrales y sociales a una patria mítica, Cuba, a la vez que revelan la nostalgia por un pasado que el artista nunca realmente experimentó, así como un sentido pronunciado de dislocación cultural y extrañamiento.

Ha realizado numerosas exposiciones en grupo y en solitario por todo Estados Unidos, Canadá, Europa y Asia, como las del Museum of Contemporary Photography en Chicago, Corcoran Gallery of Art en Washington, D.C., International Center of Photography en Nueva York, Postmasters Gallery en Nueva York, Haunch of Venison Gallery en Londres, Galerie Aurel Scheibler en Berlín, Groninger Museum en Holanda y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid. Alter Ego: A Decade of Work by Anthony Goicolea es la primera gran exposición museo itinerante dedicada exclusivamente a su obra.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como las del Whitney Museum of American Art, Solomon R. Guggenheim Museum, Museum of Modern Art de Nueva York, Yale University Art Collection en New Haven, North Carolina Museum of Art en Raleigh y Telfair Museums en Savannah, entre otros.

Hasta la fecha, su trabajo ha sido objeto de cuatro libros. Ha sido presentado en ARTnews, Art in America, Art Forum, el New Yorker, el New York Times, Los Angeles Times, el Chicago Sun-Times y el Chicago Tribune, entre muchos otras publicaciones. Ha obtenido diversos premios y becas como Cintas Fellowship (2006), BMW Photo Paris Award (2005) y  la Joan Mitchell Fellowship Foundation.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

 

Mayte Vieta

Mayte Vieta es una polifacética creadora catalana (nacida en Blanes, Gerona, en 1971) cuyo trabajo abarca soportes, materiales y procedimientos muy diversos, aunque principalmente utiliza fotografías de gran formato que ilustran sus instalaciones, pretendiendo llevar al espectador a espacios oníricos cargados de fuerza simbólica y, a la vez, sensible.

 

Mayte Vieta

© Mayte Vieta

 

 

Biografía

Mayte Vieta estudió pintura y escultura en la Escuela Massana de Barcelona, ​​aunque desde sus inicios incorporó la fotografía de forma autodidacta a sus trabajos.

Con frecuencia utiliza la instalación como base de sus creaciones, con la presencia de fotografías de gran tamaño mediante las cuales propone un diálogo conceptual con la naturaleza, así como la recuperación de sensaciones y narraciones que se sitúan entre la memoria y el recuerdo. En esta línea se inscribía ya una de sus primeras instalaciones, Silencio (1999), mediante la cual la artista invitaba a una reflexión sobre el silencio de las imágenes y la relación que el espectador mantiene con ellas.

Sus fotos de paisajes intemporales, desprovistas de atributos, nos enfrentan a una desoladora inmensidad. Sin voluntad de referenciar los lugares, captura escenas panorámicas de simples y estremecedoras imágenes de agua, cielos rugientes, brumas y vapores, que confían a la metafísica de la propia naturaleza la función de evocar los miedos, soledades, frustraciones, olvidos y quimeras del hombre contemporáneo.

Desde sus comienzos artísticos, Vieta ha visto su obra expuesta en varias ciudades españolas, desde Arco en Madrid en 1998, habiendo realizado más de veinte exposiciones individuales y unas sesenta colectivas, que se han podido contemplar fuera de España, en países como Alemania, Bélgica, Francia, Italia y Portugal. Podemos citar Cuerpos de luz en la Fundació Joan Miró de Barcelona en 2009, Dovin Gallery en Budapest en 2006), Paris Photo en 2006 y Paysages oubliés, nocturna en GenevÄrtSpace de Ginebra en 2012.

Obtuvo los premios Cañada Blanch y Club Diario de Levante (2000). En 2001 el Premio de Fotografía del 46º Salón d’Art Contemporain de Montrouge. En 2005, logró la beca Gencat de creación y pensamiento contemporáneo, otorgada por la Generalitat de Cataluña, Pensamiento Contemporáneo (2005) y la Beca Endesa (2009-11).

Tiene obra en colecciones como la Fundación Vila Casas, Rafael Tous, Fundación Banesto, ARTIUM, Generalidad de Cataluña, Cañada Blanch, Pilar Citoler, Jaime Sordo, Fernando Meana, Comunidad de Madrid y las fundaciones Antoni Vila Casas y “la Caixa”.

 

Referencias

 

 

 

Libros

Ian Teh

Ian Teh es un fotógrafo británico (nacido en 1971 en Malasia, vive entre Londres y Kuala Lumpur) cuya preocupación por cuestiones sociales, ambientales y políticas es evidente en gran parte de su fotografía.

 

Coking plant. Benxi, China 2006 © Ian Teh

Coking plant. Benxi, China 2006 © Ian Teh

 

La creciente demanda de carbón para generar electricidad y el aumento de la producción industrial de acero y cemento durante décadas han ayudado a hacer que las emisiones de China sean las más altas del mundo. Hoy China es el mayor productor de dióxido de carbono, pero si se mide sobre una base per cápita llega solamente a un tercio de la huella de carbono de las tres principales naciones emisoras que son Arabia Saudita, Australia y Estados Unidos,  con una huella de carbono promedio de alrededor del 19 toneladas métricas por habitante y año.

 

 

 

Gran parte de mi creatividad proviene de mis intereses en temas sociales, ambientales y políticos. Me imagino mi trabajo como una serie de cortometrajes hechos con imágenes fijas. Son narraciones que se basan en momentos recogidos durante períodos prolongados. Cada historia es una tela tejida con hilos de composición y color que se unen para crear un ambiente particular, destinado tanto a enfatizar mi punto de vista sobre el tema como a, con suerte, animar al espectador a tomar la narrativa más allá de los límites de mi obra, en una dirección que haga la experiencia de esas imágenes más viva.

 

 

Biografía

Ian Teh estudiaba diseño gráfico en la Bath University del Reino Unido, cuando ganó en 1993 el concurso Out Photographer of the Year de Time. Esto le permitió pagarse su primer viaje a China, lo que marcó el comienzo de su formación como fotógrafo.

En 2001 fue invitado a la Joop World Press Masterclass. También en ese año comenzó a trabajar en la prestigiosa Agence Vu.

En 2003 terminó un largo trabajo, The Vanishing: Altered Landscapes and Displaced Lives (1999-2003), en torno a la construcción de la gigantesca presa de las Tres Gargantas en el famoso río chino Yangtsé, mostrando su devastador impacto social y medioambiental.

En obras posteriores, como Dark Clouds (2006-2008), Tainted Landscapes (2007-2008) y Traces (2009-2011), explora las consecuencias más oscuras de la floreciente economía de China. Actualmente se encuentra trabajando en el concepto de fronteras, con obras como Confluence (2014).

Su obra forma parte de la colección permanente del Los Angeles County Museum of Art (LACMA), The Museum of Fine Arts (MFAH) de Houston y el Hood Museum. Ha sido publicada en Time, Newsweek, The New Yorker y The Independent Magazine.

Entre sus exposiciones individuales por China, Holanda y EEUU, podemos citar las de la Jack Shainman Gallery en Nueva York en 2004, Flowers en Londres en 2011 y el Kunsthal Museum en Rotterdam en 2012.

Ha obtenido diversos premios y becas, entre ellos el Abigail Cohen Fellowship en Fotografía Documental y el Emergency Fund de la Fundación Magnum. En 2013 fue elegido para exponer en Nueva York en Moving Walls Exhibition. En 2010, la revista literaria Granta publicó una retrospectiva de sus 10 años de su trabajo en China.

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros

John Chiara

John Chiara es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1971 en San Francisco, California, donde vive y trabaja) cuyas fotografías son fuertemente perceptuales, provocando una respuesta visceral, a través de tonos suaves que muestran la viscosidad del material empleado y lo efímero de la presencia.

 

 

© John Chiara

© John Chiara

 

 

Biografía

John Chiara tuvo su primera cámara con 7 años, regalo de su padre fotógrafo. Se crió en y alrededor del cuarto oscuro de su padre, y sus recuerdos de la infancia forman parte de su obra. Obtuvo su BFA en Fotografía por la Universidad de Utah en 1995, y su MFA en Fotografía por el California College of the Arts en 2004. Chiara ha disfrutado de residencias artísticas en Crown Point Press en San Francisco en 2006, Gallery Four en Baltimore en 2010 y en Marin Headlands Center for the Arts en 2010.

En 1995, después de pasar un largo periodo dedicado a hacer impresiones de contacto de sus  negativos, Chiara decidió que se perdía demasiada información en el proceso de ampliación en el cuarto oscuro y, durante los siguientes 6 años desarrolló su propio equipo y procesos para hacer fotografías únicas directamente en papel, sin película.

Chiara realiza fotografías irrepetibles con diversas cámaras construidas por él, la mayor de las cuales es una cámara 50×80″ del tamaño de un remolque y que él remolca para colocar en el punto adecuado de la toma. A continuación, entra físicamente en la cámara, maniobrando el papel fotográfico color-positivo en la oscuridad total cerca de la pared trasera de la cámara. A lo largo de la exposición, puede usar sus manos para sub o sobre exponer partes de la imagen. Luego estas fotografías a gran escala se revelan a mano en un tambor giratorio que agita los productos químicos sobre el papel fotográfico que recubre el interior del tambor. Este proceso manual, que puede durar más de un día, deja a menudo huellas imperfectas en la imagen resultante.

Su obra se ha publicado en diversas revistas, como Artforum, New York Magazine, New Yorker, BlackBook Magazine, Village Voice, Time Out Chicago y Blind Spot.

 

 

Referencias