Piotr Zbierski

Piotr Zbierski es un fotógrafo polaco (nacido en 1987, vive y trabaja en Lodz) cuyo principal objetivo es llegar a través de la esencia de las emociones humanas, a su forma más pura sin adiciones, sin artificios. Para mostrar al hombre en la forma en que ha sido creado, un hombre de un pueblo primitivo.

 

© Piotr Zbierski

© Piotr Zbierski

Para mí la fotografía es un medio íntimo. Me ayuda a expresarme pero, además, me permite estar más cerca de la vida y de la gente, permitiendo mirarles directamente a los ojos.

 

 

Biografía

Piotr Zbierski estudió fotografía en la Escuela Nacional de Cine. En su trabajo creativo comienza desde una experiencia personal, privada y única desde el principio, y llega a través de una imagen a una parte, que es común para todos nosotros, e independiente de él mismo. La vida es una película dirigida por el universo, mientras que el mundo es la mayor acumulación de metáforas sensualmente disponibles, un secreto sobre un secreto o una metáfora de una metáfora. En su opinión, hay una realidad e infinitas visiones.

Sus fotografías no están conectadas con el lugar y el tiempo, sino en el nivel de las emociones. Su  trabajo son historias sobre el equilibrio entre estados inconsistentes y sentimientos. La fotografía es su forma de comunicación, un lenguaje habla de él indirectamente.

Durante los últimos años ha viajado mucho realizando fotografías de personas que conoció en su camino y que le inspiraron. De esta manera hasta cierto punto, sus imágenes se han convertido en una especie de diario personal, principalmente destinado a crear una obra con la que el receptor pueda identificarse, pueda sentir las imágenes como recuerdos suyos.

Es autor de tres exposiciones individuales (White Elephants, Here, Love has to be reinvented), y ha participado en exposiciones colectivas y publicaciones incluyendo Photokina y Lab East, presentando su obra en países como Polonia, Alemania, Portugal, Rusia, Eslovaquia. Ha publicado sus trabajos en revistas como Shots Magazine, Ninja Mag, Archivo Zine, Die Nacht, Gup Magazine, …

En 2012 ganó el prestigioso premio para jóvenes fotógrafos Leica Oscar Barnack Newcomer Award. Su trabajo fue nominado al Deutsche Börse Photography Prize y ha sido nominado en otros premios como Les Nuits Photographiques 2012, Terry O’Neill Award) por su serie Pass by me. Sus trabajos han sido mostrados en el Festival de Arles en 2012 y forman parte de la colección del Kiyosato Museum of Photographic Arts.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Reisinger Zsuzsanna

Reisinger Zsuzsanna es una fotógrafa húngara (vive en Budapest) con un especial foco en la transitoriedad, la fragilidad de la vida misma. Trata de capturar esto en imágenes, como momentos congelados en el tiempo, tomados ahora o en el pasado, principalmente a través de sus retratos de mujeres, de la feminidad, tratando de que sus imágenes puedan transferir sus sensaciones mejor que lo que puedan hacer las palabras.

 

© Reisinger Zsuzsanna

© Reisinger Zsuzsanna

Biografía

Reisinger Zsuzsanna empezó a hacer fotografías con una cámara digital, pero se dio cuenta enseguida que estaba mucho más interesada en la fotografía analógica, así que compró expectante su primera cámara Polaroid Land. Después de obtener película Fuji instantánea y cambiar la vieja batería comenzó a experimentar con su “nueva” cámara y el resultado fue mejor de lo esperado.. Desde entonces es una entusiasta de las cámaras Polaroid.

Para Zsuzsanna la fotografía, especialmente el retrato, es una especie de viaje en el tiempo en el que quiere involucrar a los espectadores, y que le permite una enorme libertad para experimentar. Le encanta hacer experimentos y aprender procesos fotográficos alternativos como la cianotipia,  polaroids, positivado lith, pero está abierta a aprender más procesos históricos.

Antes de realizar una serie de fotografía crea los tocados, sombreros y demás accesorios con sus propias manos. Usando sus cámaras antiguas, con su técnica y los accesorios hechos a mano trasmiten una sensación nostálgica o vintage que caracteriza sus fotos.

Su trabajo ha sido presentado en diversas revistas en línea y las redes sociales como NdMagazine, Worbz, Artlimited, Dark Beauty Magazine, ... También se puede contemplar su trabajo online en la Art UpFront Gallery en Holanda. Ha realizado varias exposiciones en grupo en Austria y Francia.

 

 

Referencias

Agata Vera Schiller

Agata Vera Schiller es una fotógrafa polaca (nacida en 1980 en Inowroclaw, vive en Varsovia) cuya fotografía, mayormente de retratos de mujer, se caracteriza por la tensión entre la experiencia sensual y la construcción intelectual.

 

© Agata Vera Schiller

© Agata Vera Schiller

 

 

Biografía

Agata Vera Schiller creció en el campo rodeada de su cariñosa familia y de hermosa naturaleza. Se graduó en la Facultad de Periodismo de Poznan, en 2003. Vivió durante varios meses en Escocia, pasando el tiempo dibujando y tomando fotografías de paisajes con su primera cámara Zenit. En 2006 estudió dibujo en la Academia de Bellas Artes de Poznan. Se trasladó a Varsovia y comenzó estudios de postgrado en el Departamento de Arquitectura de Interiores en la Academia de Bellas Artes de Cracovia, donde se graduó en 2009. Trabajó durante varios años en diseño de interiores y muebles.

En 2010 se trasladó a Pekín durante 3 años, trabajando, viviendo la vida y haciendo fotografías, y descubriendo viejas técnicas de la fotografía clásica como la placa húmeda. Allí llevó a cabo su primera exposición individual Oriens Sol en 2011 en la Embajada de Polonia en Pekín, y luego en el Centro de Cultura de Chaoyang en Pekín. Posteriormente ha participado en varias exposiciones fotográficas colectivas en Polonia.

Su fotografía no es sólo una fotografía de estilo de vida en busca de la belleza en la simplicidad del estilo escandinavo y la magia de la vida cotidiana, sino que intenta profundizar en su interior a través de retratos nostálgicos de la mujer. La fascinación y el miedo del mundo se reúnen en sus retratos.

Actualmente vive y trabaja en Varsovia como fotógrafo independiente en su propio estudio.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • FLAW, 2014.

Luisa Rojo

Luisa Rojo es una artista aragonesa (nacida en 1946 en Cetina, Zaragoza) considerada pionera del Copy Art y del Cibachrome en España. Su interés por la imagen femenina, la fotocopia y el color se suman a la utilización de medios de naturaleza cambiante y potencialmente abstracta.

 

Pies. Serie Cebras, 1986 © Luisa Rojo

Pies. Serie Cebras, 1986 © Luisa Rojo

 

Ahora, al fin de siglo, después que la Bauhaus fusionara las Bellas con las aplicadas artes, la fotografía pasó en el fin de milenio a ser la reina de las artes. Como la energía, es lo más directo, próximo, lejano, inasible, captable, como la luz y los pensamientos, que radican en la intuición, sueños en soporte brillante, frágiles como el papel y efímeras como un momento de luz en la retina del tiempo.

 

 

 

Biografía

Luisa Rojo, espíritu inquieto al igual que inconformista, realizó una formación académica multidisciplinar: diplomada en enfermería (Universidad de Zaragoza, 1964-1967), Relaciones Públicas (Cámara de Comercio e Industria de Madrid, 1988), Artes Decorativas y Diseño (Madrid 1969), Confección de Sombreros (Escuela de Diseño ARTYMODA, Madrid 1989), Escuela de Cerámica (Taller Tanagra, Madrid, 1970), intercambio cultural en la Foreing Study League (Baltimore, 1971), el Curso de Dirección y Dinámica de grupos (1973), varios cursos de cine sobre guion y práctica de la imagen fílmica (Universidad de Verano, Teruel 1985 y 1986 respectivamente) y de Cultura Islámica en Aragón (Teruel, 1988). Todo ello se ve reflejado en su posterior y larga trayectoria profesional.

También hizo un taller de fotografía con Jan Saudek (Gente que fotografía gente) y en un seminario de cine con Fernando Trueba, ambos en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

Hacia el año 1967 inició su idilio con la fotografía y la experimentación. Empezó trabajando con el blanco y negro retratando paisajes, lugares, niños, mujeres. Poco después comenzaría con el color, y será en este momento cuando siente las bases de su estilo, al tiempo que despierte el eterno interés por el trío que forman: técnica, proceso y resultado, y que dará como resultado unas imágenes que transgreden los límites de la fotografía tradicional y plantean un diálogo constante y equilibrado entre la forma y el contenido.

A comienzos de los 90, se sumergió de lleno en la manipulación de la imagen y las fotocopias, el llamado Copy Art, que permitía fugacidad, fragilidad, mestizaje, ritmo y buen precio. Normalmente el trabajo partía de imágenes analógicas primero positivadas, después fotocopiadas y, por último, intervenidas de forma muy diversa pintándolas, cortándolas..:, para finalmente reproducirlas fotográficamente porque las galerías querían soporte fotográfico para poder exponer. El resultado de todo este proceso novedoso y experimental fue expuesto en la galería Redor de Madrid (1980) y en las ciudades de Bilbao, Arlés y Barcelona. En el 83 preparó la exposición M-30 que se expondría en las galerías Moriarty de Madrid en 1983 y Spectrum en Zaragoza en 1984, e impreso finalmente en Cibachrome.

La búsqueda continua de nuevas formas expresivas define la aportación de Luisa Rojo a la fotografía, que concilia desde 1977 con incursiones en el resto de las artes (pintura, cerámica, grafica, diseño de sombreros, …).

Ha dirigido talleres de fotografía desde 1989: La visión intensiva en Tarazona, Expresión plástico/gráfica en Vitoria y Oviedo y El estilismo en fotografía en Vitoria. Su obra fotográfica se viene exponiendo regularmente de manera individual y colectiva tanto en galerías como en museos desde 1977.

Su trabajo ha sido publicado en prensa: El País, Diario 16, Córdoba, ABC, Arte Fotográfico, Heraldo de Aragón, FV, ,,,, y ha expuesto de forma individual y/o colectiva ininterrumpidamente en galerías, museos, ferias de arte y festivales de fotografía desde el año 1977. Su obra se encuentra en diversas colecciones públicas y privadas.  Ha realizado encargos para empresas como SEAT, Kodak, Polaroid, y revistas como Foto Profesional, FV e Información Profesional.

 

 

Referencias

 

David Hockney

David Hockney es un pintor, proyectista, escenógrafo, impresor y fotógrafo inglés (nacido en Bradford el 9 de julio de 1937, vive en Bridlington, Yorkshire del Este, y Kensington, Londres) que fue un importante contribuidor del movimiento de Arte Pop en la década de los 60, siendo considerado uno de los artistas británicos más influyentes del siglo XX.

 

 

Para ver la foto pinche en el enlace –> Pearblossom highway © David Hockney

 

 

Los árboles son la manifestación más poderosa de la fuerza vital que podamos contemplar. No hay dos iguales, como ocurre con las personas.

 

 

Biografía

David Hockney creció en una familia modesta, y decidió a la edad de 11 años que quería ser un  artista, publicando dibujos animados y carteles. Asistió a la Bradford School of Art antes de entrar en el Royal College of Art, donde coincidió con Peter Blake y R.B. Kitaj. La celebridad le llegó mientras aún estudiaba, cuando su obra fue incluida en la exposición Young Contemporaries, que marcó el surgir del arte pop británico, aunque rápidamente fue tocado por la abstracción de Bacon y Picasso.

A comienzos de los años sesenta visitó Los Ángeles y a finales de 1963 se estableció en aquella ciudad, donde comenzó a pintar con la novedosa técnica de la pintura acrílica sus Love Paintings, escenas de la vida sensual desinhibida de jóvenes atléticos, en  piscinas, con palmeras y sol perpetuo.

A principios de los 80, Hockney comenzó a producir sus joiners, que son collages hechos de fotografías, que primero eran instantáneas Polaroid y luego simples copias de 35mm impresas comercialmente. Debido a que las fotografías están tomadas desde diferentes perspectivas y en momentos ligeramente distintos, el trabajo resultante es afín al Cubismo, en una discusión de como trabaja la vista humana. Algunas piezas son paisajes, otras son retratos, como el de su madre.

Comenzó a trabajar más con la fotografía después de su descubrimiento y dejó de pintar por un tiempo para desarrollar esta nueva técnica. Frustrado con las limitaciones inherentes de la fotografía y su enfoque unilateral, regresó a la pintura.

Hockney pintó retratos en diferentes periodos de su carrera. Desde 1968 ha pintado a sus amigos, amantes y parientes por medio de fotografías que los representaran. Realizaba cortas estancias en Yorkshire en los noventa para visitar a su madre, pero poco a poco fue alargándolas para pintar sus entornos locales, creando pinturas hechas a base de varios lienzos de menor tamaño, ayudándose de reproducciones fotográficas digitales.

Artista polifacético, ha trabajado con el dibujo y la pintura manual, grabados en aguafuerte  y dibujos utilizando tecnología de vanguardia, como máquinas de fax, fotocopiadoras láser, con Quantel Paintbox en ordenadores, e incluso en iPhones e iPads con Brushes, para pintar digitalmente.

Hockney también diseñó escenografías para el Royal Court Theatre, el Festival de Glyndebourne, La Scala y la Metropolitan Opera House en Nueva York. El artista nació con sinestesia (ve colores en respuesta a estímulos musicales), y aunque esto no se ve reflejado en sus pinturas ni en su trabajo fotográfico, es uno de los principios que utilizó para el diseño de escenografías para óperas y ballet, basando los colores del decorado y la iluminación en los colores que veía mientras escuchaba las piezas musicales.

En 1991 fue nombrado miembro de la Royal Academy.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • David Hockney: Cameraworks, 1984.
  • Hockney fotógrafo, 1985.
  • David Hockney, 1992.
  • Así lo veo yo, 1994.
  • David Hockney: Flowers, Faces and Spaces, 1997 (2 vols.).
  • El conocimiento secreto: el redescubrimiento de las técnicas perdidas de los grandes maestros, 2001.
  • David Hockney. Retratos, 2003.
  • David Hockney. Una visión más amplia, 2012.

Carlos Chavarría

Carlos Chavarría es un fotógrafo español (nacido en Madrid en 1985, reside en San Francisco, California).

 

© Carlos Chavarría

 © Carlos Chavarría

 

 

 

Biografía

Carlos Chavarría se formó como fotógrafo cursando el módulo de Grado Superior de Imagen, además del Master PHotoEspaña, Teorías y Proyectos artísticos en la Universidad Europea de Madrid.

Ha publicado en TIME Magazine, Bloomberg Businessweek, WSJ Magazine, San Francisco Magazine, Smith Journa,. Financial Times Magazine, Wallpaper, Guardian Weekend Magazine, Telegraph Magazine, El País Semanal, Le Monde,

Además de sus trabajos profesionales y encargos para Amica, Atlas Quarterly, Openhouse, Varon Magazine, Heineken, Fruitvale Station, Google, AirBnB, Timbuk2, Revolver San Francisco y otros, realiza proyectos personales como:

  • Halfway es una exploración del concepto de lugar intermedio, áreas que se encuentran a la orilla de la carretera entre núcleos urbanos y que fue realizado recorriendo multitud de carreteras principales y secundarias de la red española durante el año 2010.
  • Dreamtown trata de mostrar el mundo aislado y duro de las personas que conviven en los núcleos centrales de las grandes ciudades americanas, realizado entre los años 2007 y 9.
  • In Transit está basado en la experiencia personal de su traslado a San Francisco en 2011 y sus cambios culturales y como persona, su adaptación y cambio,

que han sido expuestos en exposiciones colectivas o en solitario, desde Liberté, Egalité, Fraternité en la Alliance Française de Madrid en 2010, a OPEN en The Center for Fine Art Photography en Fort Collins, Colorado, en 2014.

 

 

Referencias

Gabriel Campuzano

Gabriel Campuzano es un arquitecto y fotógrafo andaluz (nacido en Sevilla en 1955) cuyo cuerpo de trabajo principal son las fotografías deconstruidas a partir de material Polaroid, que en la actualidad se mezclan y dialogan con fotografías digitales, transferencias electrográficas y dibujos para componer narraciones y relatos de ficción.

 

© Gabriel Campuzano

© Gabriel Campuzano

 

 

 

Biografía

Gabriel Campuzano inició sus estudios de Arquitectura en 1973. Realizó series de pinturas y sus primeros trabajos fotográficos para la preparación de cuadros.

En los años 80 realizó diversas series fotográficas con técnicas químicas de blanco y negro, consiguiendo diversas exposiciones (Sala Imagen de Sevilla en 1982, Fotogalería de Mérida en 1984, …), publicaciones, becas y premios (Ciudad de Sevilla en 1981 y 1982, …). Pero abandonó su actividad pública fotográfica para dedicarse profesionalmente a la arquitectura. Comenzó su experimentación personal con técnicas de fotografía instantánea.

En los 90, se dedicó a proyectos fotográficos para libros de artista realizados con material Polaroid, realizando también exposiciones y publicaciones.

En la década 2000/2010, reconsideró sus proyectos fotográficos mediante el concepto de archivo, entendido como depósito del imaginario propio y contenedor de los registros de la memoria personal, dando como resultado diversas exposiciones, becas, colecciones y publicaciones. Como ejemplo, su proyecto Alcacogrhujamase formado por 64 fotografías de lugares emblemáticos de las ocho provincias andaluzas resultó el ganador de una beca para Proyectos de Fotografía de Cajasol, y se expuso en diversas ciudades andaluzas.

Desde 2010 está desarrollando proyectos visuales de contenido narrativo realizados con sus propios registros instantáneos de la memoria (Archivos de una Memoria, que por ahora contiene unas cuatro mil fotografías originales, realizadas sobre película instantánea manipulada, con un lenguaje que establece su personal metáfora con la memoria), fotografía digital, dibujo y texto. Fue, también, seleccionado para la sección Descubrimientos de PHotoEspaña 2011, y en 2012 realizó exposiciones individuales en las galerías H2O (Barcelona) y El Fotómata (Sevilla).

Posee obra en las colecciones permanentes del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla), del Instituto Valenciano de Arte Moderno y de la Fundación Ordóñez Falcón.

Su técnica de deconstrucción de las imágenes a partir de materiales Polaroid y ahora Fuji FP-100 C, consiste en interrumpir el proceso de revelado logrando disponer de dos imágenes de la misma toma: una en el papel soporte previsto para su acabado final (en el que solo se ha depositado la primera capa revelada, la capa de rojos), la otra permanece en el soporte previsto para el revelado (verdes y azules) y se transfiere de inmediato a papel de algodón puro, lo que da lugar a una imagen muy particular, de texturas y aspecto envejecido.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Elise Boularan

Elise Boularan es una fotógrafa francesa (nacida en 1984 en Narbona, vive entre París y Toulouse) cuya obra muestra imágenes cargadas de elipsis y silencios que relatan preocupaciones y secretos relacionados con la realidad humana de nuestro tiempo.

 

© Elise Boularan

© Elise Boularan

 

 

Biografía

Elise Boularan tiene un master en Creación e Investigación Artística de la Universidad de Toulouse. También estudió fotografía en la Escuela de Fotografía de Toulouse. Después de terminar sus  estudios se trasladó a París.

Su trabajo fotográfico recurre a la historia, realizando imágenes cargadas con elipses y silencios. No se ajunta al mundo real, sino que tiene la intención de construir una interpretación, donde está muy presente algo sordo, indefinible. Sus preocupaciones se refieren a la realidad humana de nuestro tiempo, tratando de revelar lo que puede ser secreto en el individuo.

Sus fotografías son nítidas y borrosas con los colores saturados y la bruma de las polaroids.

Ha publicado numerosos trabajos y ha expuesto en Europa y los EE.UU., especialmente en Madrid, Dinamarca y Nueva York, así como el Instituto francés de Ucrania, The Museum of New Art (Mona) y The Russell Industrial Center (Mona Detroit) en Detroit; el Instituto Cultural de México, San Antonio, Texas Hill Country. Su obra se encuentra en diversas colecciones privadas.

Elise Boularan trabaja también para la prensa internacional y nacional y colabora con músicos y otros artistas, haciendo que el universo de canciones coincida perfectamente con su visión poética.

 

 

Referencias

JoAnn Verburg

JoAnn Verburg es una fotógrafa estadounidense (nacida en 1950, vive en Minneapolis) que a menudo trabaja en series simultánea de diferentes temas. Su proceso metódico incluye el uso de dípticos y trípticos que demuestran cómo el contenido de una imagen se puede enriquecer con más de una fotografía a la vez, mientras se mantiene la coherencia a través de la estrecha relación formal y referencial de exposiciones individuales.

© JoAnn Verburg

© JoAnn Verburg

 

 

Biografía

JoAnn Verburg creció en el norte de Nueva Jersey, viendo presentaciones de diapositivas de fotos familiares tomadas por su padre. A los 6 años que hizo su primer rollo de película, con el tema de un oso polar en el agua del zoológico de Baltimore. Como su padre, químico, trabajaba para GAF, un fabricante de papeles fotográficos, tuvieron un fácil acceso a películas de fotografía. Aún así, a lo largo de su infancia JoAnn dibujó con lápiz más a menudo que hacía fotos.

Más tarde, cuando estudiaba en la Ohio Wesleyan University, un amigo le mostró el libro The Americans, de Robert Frank y se dio cuenta de que la fotografía podía ser arte.

Durante sus estudios de posgrado en el Instituto de Tecnología de Rochester trabajó durante dos años como pasante en la George Eastman House, que tenía una colección de 400.000 fotografías, de todo tipo de proceso fotográfico y medios de impresión. En su tesis trató con los problemas de tiempo y el movimiento en la fotografía a través de imágenes en serie, unos temas que se han convertido en una constante en su obra.

Verburg utiliza una cámara de gran formato 5x7” y una paleta de colores radiantes que hacen que sus fotografías sean equilibradas y agradables describiendo la sensualidad y el físico de sus modelos.

Como artista invitada en el Walker Art Center de Minneapolis en 1981, su interés se desplazó de las posibilidades de la fotografía documental a lo que el medio puede revelar acerca de la experiencia perceptiva, realizando sus primeras obras de múltiples imágenes con bailarines y músicos actuando en directo.

En 1983 se mudó de Boston, donde había realizado un programa de artistas para Polaroid, a Minneapolis, donde ha vivido desde entonces. Se casó con el poeta Jim Moore, en 1984, que ha sido su modelo preferido.

Verburg ha obtenido numerosos galardones como la beca Guggenheim (1986), varias de la Bush Foundation (1983, 1993)  y McKnight Foundation (1994, 2004), and  y una residencia en la Rockefeller Foundation en Bellagio, Italia (1998).

Ha expuesto su trabajo dentro y fuera de los EEUU. Recientemente The Museum of Modern Art expuso Present Tense, una retrospectiva de parte de su carrera, que viajó al Walker Art Center (2007-08). Su trabajo puede ser encontrado en colecciones permanentes como las de Los Angeles County Museum of Art, Museum of Fine Arts de Houston, The Museum of Modern Art de Nueva York; National Portrait Gallery de Washington, D.C., San Francisco Museum of Modern Art y el Whitney Museum of American Art de Nueva York.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Second View: The Rephotographic Survey Project 1984
  • Picturing Eden 2006
  • Present Tense 2007
  • Interruptions 2010
  • As It is Again (iPad).

Cássio Vasconcellos

Cássio Vasconcellos es un fotógrafo brasileño (nacido en São Paulo el 29 de septiembre de 1965) especialista en fotografía aérea y panorámica.

 

© Cássio Vasconcellos

© Cássio Vasconcellos

 

 

 

Biografía

Cássio Vasconcellos Campos resultó fascinado con 8 años cuando su padre se compró una Polaroid SX-70. Inició su carrera en la fotografía en 1981, en la escuela Imagem-Ação. Como reportero gráfico, trabajó en la Folha de São Paulo, en 1988. También vivió en Nueva York en 1984-85 y en París en 1989, trabajando como freelance en 2003 y desarrollando un ensayo fotográfico sobre la ciudad. En 1990, trabajó en el estudio DPZ Propaganda.

Después, fundó su propio estudio especializado en fotografía aérea y, en paralelo a este negocio, desarrolla proyectos experimentales con intervenciones destinadas a desviar la imagen fotográfica de su carácter documental. En 2011 cofundó Fotospot Gallery, una galería de fotografía contemporánea, en São Paulo, Brasil.

Sus obras se han presentado más de 180 veces en 20 países, formando parte del selecto grupo de Blink – 100 photographers, 10 curators, 10 writers, un libro publicado por Phaidon Press, por su libro Noturnos São Paulo.

En los últimos años, el artista presentó Coletivos en el Today Art Museum (TAM), de Pekín en 2013, Itinerant Languages of Photography en el Princeton University Art Museum en Nueva Jersey en 2013, y O Elogio da Vertigem: Coleção Itaú de Fotografia en la Maison Européenne de la Photographie en París en 2012.

Sus imágenes forman parte de las principales colecciones de Brasil, como el MASP – Museu de Arte de São Paulo y del extranjero, como la Bibliotheque Nationale en París y el Museum of Fine Arts de Houston.

Ha obtenido, entre otros, los siguientes premios:

  • 2002 – Best Photography Exhibition of the Year – Associação Paulista de Críticos de Arte São Paulo.
  • 2001 – Porto Seguro Photography Award, São Paulo
  • 1999 – J.P. Morgan Photography Award – São Paulo
  • 1995 – National Photography AwardFUNARTE, Brasil.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Aéreas do Brasil
  • 2012 – Panorâmicas
  • 2010 – Aéreas
  • 2002 – Noturnos São Paulo

Sibylle Bergemann

Sibylle Bergemann fue una fotógrafa alemana (nacida en Berlín el 29 de agosto de 1941 y fallecida el 1 de noviembre de 2010 en Gransee) de renombre internacional por su documentación del Berlín Este durante la era comunista y por sus trabajos para Stern y también Geo, y por ser miembro fundador de la agencia Ostkreutz.

 

© Sibylle Bergemann

© Sibylle Bergemann

 

 

Es la periferia del mundo lo que me interesa, no su centro. Lo no-intercambiable es mi preocupación. Cuando hay algo en las caras o los paisajes que no encaja ….

 

 

 

Biografía

Sibylle Bergemann se formó  a finales de los 50 para trabajar como vendedora lo que hizo hasta 1965. De 1965 a 1967, formó parte como secretaria del equipo editorial de la revista mensual Das Magazin. En 1966, comenzó a estudiar fotografía con Arno Fischer, quien se convirtió en su marido en 1985. Al año siguiente, se incorporó fotógrafo independiente al grupo Direkt.

Desde 1969, sus fotografías aparecieron regularmente en el semanario Sonntag, y en 1973 en la revista de moda Sibylle. También trabajó para Der Morgen y Greifenverlag.

En 1974, realizó su primera exposición individual en Berlín. Fue responsable de documentar la construcción del monumento a Marx-Engels en Berlín-Mitte, de 1975 a 1986.

En 1990, fue miembro fundador de la agencia de fotografía Ostkreuz. Al año siguiente, participó en el proyecto Almediterrana 92 en Almería. En 1994, se incorporó a la Academia de las Artes de Berlín. También enseñó fotografía en la Ostkreuzschule für Fotografie und Gestaltung en Berlín-Weissensee.

Durante los años 2006 y 2007 realizó grandes exposiciones en la Academia de Artes de Berlín y el Museo de la Fotografía en Brunswick. En 2010, presentó su trabajo en el exposición colectiva del grupo Ostzeit.

Sibylle Bergemann siempre persiguió su propio camino artístico. Incluso sus primeras obras, para la revista de moda de Alemania Oriental Sibylle, eran como brillantes destellos de colores en medio del gris uniforme socialista. Sus posteriores retratos, fotoperiodismo y fotografía de viajes, la mayoría de ellos en color, continuaron en concentrarse en las realidades de la vida, y se imprimieron en las principales revistas de todo el mundo.

Después de la reunificación, Bergemann comenzó otra etapa en su carrera. Viajó por todo el mundo, sobre todo en la asignación para la revista GEO, capturando retratos y paisajes en la India, Nepal, Vietnam, Groenlandia, América y África.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Anna Bauer

Anna Bauer es una fotógrafa alemana (vive en Nueva York) que en sus fotografías de moda ha humanizado el mundo distante y cerrado de las pasarelas.

 

© Anna Bauer

© Anna Bauer

 

 

 

Biografía

Anna Bauer creció cerca de Marburg, Alemania. En 2002 se trasladó a Nueva York, donde completó una licenciatura en fotografía en la School of Visual Arts.

Anna ha estado durante cinco años (2007 a 2012) en las bambalinas del mundo de la moda más importantes: París, Nueva York, Milán… Con este cuerpo de trabajo ha publicado el libro Backstage y ha montado una exposición del mismo nombre que se podrá contemplar en la tienda Loewe de Serrano en Madrid, entre otros sitios.

El trabajo ha sido creado con una Polaroid de gran formato, en blanco y negro y los retratados van desde diseñadores como Karl Lagerfeld, Alexander McQueen, a modelos como Natalia Vodianova, Claudia Schiffer, Kate Moss, pasando por editores como Carine Roitfeld y Suzy Menkes.

Ha publicado sus fotografías en Die Zeit, Interview Magazine, W Magazine, L’Uomo Vogue, Zeit Magazin, Du, Stern, Monopol, Neon, Das Magazin, Audi Magazin, BMW Magazin, Russian Interview, WSJ Magazine, … y ha trabajado para Celine, Victoria Beckham, Zara, …

Ha realizado diversas exposiciones:

  • Anna Bauer Polaroid portraits en Loewe, Madrid, 2013
  • Buffalo#2 show, Madrid 2013
  • 12 Backstage Portraits, The National Portrait Gallery, Londres, 2008
  • The Photographic Portrait Prize 2006, National Portrait Gallery, Londres, 2006
  • Art and Commerce Festival, 2004 y 2005, Nueva York, Milán, Tokio, Estocolmo.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros