Tamara Lichtenstein

Tamara Lichtenstein es una fotógrafa boliviana (nacida en Santa Cruz, Bolivia, vive en Houston, Texas, EEUU) especializada en fotografía de moda y editorial. En sus imágenes, trata de ensalzar la feminidad y la juventud siempre con un estilo muy personal y haciendo un excelente uso de la luz natural.

 

© Tamara Lichtenstein

© Tamara Lichtenstein

 

Llevo ocho años disparando con película. Mi cámara digital está cogiendo polvo en alguna estantería.

 

 

Biografía

Tamara Lichtenstein nació en Bolivia, pero se crio en Houston, Texas. Está casada y se ha hecho famosa fotografiando mujeres desnudas en instantáneas que tienen algo de erótico y mucho de mágico. Sus modelos parecen vivir en un lugar donde la temperatura es perfecta para vivir sin ropa, donde el sol siempre brilla y se refleja fácilmente en sus cuerpos,pero su trabajo tiene mucho más de editorial de moda que de espontaneidad.  Ha realizado campañas para Converse o Urban Outfitters.

Inspirada en la feminidad, la luz y el amor, Tamara realiza increíbles retratos femeninos, con sus cámaras Nikon N80 con película y la compacta digital Contax T3.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Between us and the sea, 2013.
  • Tamara Lichtenstein, 2010.

 

Max Sauco

Max Sauco es un fotógrafo ruso (nacido el 23 de enero de 1969, en Irkutsk) conocido por sus obras fotográficas surrealistas y eróticas. Ha sido el fundador de la foto manipulación en Rusia en la década de los 90. Sus composiciones son atrevidas y con una importante carga visual. Imágenes surrealistas y oníricas llenas de simbolismo, con el cuerpo humano, sobre todo femenino como protagonista.

Saw's song © Max Sauco

Saw’s song © Max Sauco

 

 

 

Biografía

Max Sauco quería ser un cirujano ya de adolescente, y conocía todos los huesos del ser humano, pero en el último momento, sin tener nada de experiencia en nada referente al arte, entró en la Universidad de Bellas Artes de Irkutsk, a pesar de la fuerte competencia que había para conseguir plaza. Todo se originó con esos estudios: el conocimiento del diseño, dibujo, pintura, artes plásticas, la anatomía de la superficie, fotografía, historia del arte. Todo lo necesario. Fueron años de estudio saturados y emocionantes y que no le dejaban pensar en otra cosa más allá del arte.

De 1987 a 1989 sirvió en el ejército soviético. En 1992 consiguió su licenciatura en la especialidad de diseñador gráfico profesional. Hasta el año 1998, trabajó en distintas artes como la pintura, escultura y la fotografía.

En un principio Sauco comenzó con la pintura clásica, pero una grave alergia a los óleos, disolventes u otros materiales pictóricos le hicieron cambiar éstos por la fotografía. También estudió anatomía plástica, psicología esotérica, así como astrología profesional, lo que ha influido en sus posteriores trabajos.

Desde 1998 es miembro de la Unión de Diseñadores de Rusia y desde 2002 miembro de la Unión de Fotógrafos de Rusia. Ha obtenido numerosos premios en los más prestigiosos concursos de fotografía artística como el Trierenberg Super Circuit, entre otros.

 

 

Referencias

Jo Ann Callis

Jo Ann Callis es una artista estadounidense (nacida en Cincinnati, Ohio, en 1940, vive en Los Ángeles, California), una de los primeros practicantes importantes del movimiento “fotografías fabricadas” en los 70, y que ha trabajado la fotografía en color, escultura, pintura e imagen digital.

 

Untitled, (Hand and Honey) from Early Color Portfolio, circa 1976 © Jo Ann Callis

Untitled, (Hand and Honey) from Early Color Portfolio, circa 1976 © Jo Ann Callis

 

 

Descubrí que podría hacer fotos de las cosas que tenía dentro de mi cabeza, de cosas no tangibles, y que no dependía de mi capacidad de dibujar.

Pero ese tema, ya sea la sexualidad o la sensualidad, ha sido constante en todo mi trabajo. Incluso cuando hago fotos de objetos los miro acariciándolos con los ojos.

 

 

 

Biografía

Jo Ann Callis comenzó sus estudios de arte en Ohio ya en la década de los 50. Después de su matrimonio y de criar sus hijos, volvió a la fotografía en la década de los 70 para terminar su licenciatura en la Universidad de California de Los Angeles (UCLA), inicialmente en diseño gráfico. Cuando hizo un curso de Robert Heinecken de fotografía experimental se sintió alentada por él para explorar el interior de su mente. También se inspiró para utilizar el color tras ver el trabajo de Paul Outerbridge.

En 1975, cuando todavía era estudiante en UCLA, un año antes de terminar su master en Bellas Artes, se le ofreció un puesto a trabajar en el California Institute of the Arts (CalArts), donde ha trabajado hasta ahora.

Para ella, la fotografía es otra herramienta de estudio para ser utilizada. Su inventiva la ha convertido en un referente en el arte del sur de California y en la práctica fotográfica actual. Su estilo vanguardista de “fotografía fabricada” fue reconocido prontamente y su trabajo ha sido exhibido y publicado internacionalmente, por ejemplo en la Whitney Biennial de 1981 y Museum of Modern Art en Nueva York, Los Angeles County Museum of Art, Hammer Museum y Museum of Contemporary Art en Los Angeles, San Francisco Museum of Modern ArtUniversity Art Museum de Berkeley, Hirshhorn Museum en Washington, D.C., Santa Monica Museum of Art, Min Gallery en Japón, Craig Krull Gallery en Los Angeles y Rose Gallery en Santa Monica.

En 2009 su retrospectiva Woman Twirling se exhibió en el J. Paul Getty Museum. Ha recibido diversas becas, como 3 NEA Fellowships, una Guggenheim Fellowship y Cultural Affairs Office en Los Angeles en 2001-2002.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como Museum Of Modern Art en Nueva York, Los Angeles County Museum of Art, J. Paul Getty Museum en Los Angeles, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden en  Washington, D.C, Gallery Min en Japón, entre otros.

En su libro más reciente, Other Rooms, muestra 2 series de fotografías realizadas en la década de los setenta,  que muestran el lado más sexual y sensual de Callis y que hasta el momento estaban inéditas. Casada y con 2 hijas con 23 años, a los 30 estaba divorciada, comenzando una nueva vida aprendiendo y trabajando en la fotografía. Sensuales e inquietantes, estas imágenes son un escaparate de imaginación erótica en sus muchas formas, todas íntimas y profundamente humanas.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Aneta Bartos

Aneta Bartos es una fotógrafa polaca (nacida en Tomaszow Mazowiecki, Polonia, vive en Manhattan) que crea imágenes que podrían confundirse fácilmente con pinturas. En muchas de sus series explora la sexualidad humana a un nivel instintivo. Algunas de sus fotografías se sitúan en espacios más íntimos, mientras que otras son en el exterior, en la playa o sobre un paisaje de ciudad.

 

© Aneta Bartos

© Aneta Bartos

 

 

A lo largo de nuestra historia se puede ver una innegable conexión entre el sexo y el espíritu humano, que ha sido nuestra búsqueda de un significado más profundo de la existencia humana.

 

 

 

Biografía

Aneta Bartos nació en Polonia donde creció educada por su abuela jugando en los bosques y lago cercanos a su casa. Con 16 años y sin hablar una palabra de Inglés se trasladó a Brooklyn, para encontrarse con su madre que había marchado 8 años antes. Aprendió fotografía en la Escuela de Artes Visuales y luego trabajó en fotografía de moda, compaginándola con trabajos personales.

Después de unos años, empezó a sentirme limitada en su expresión artística. Quiso conseguir la libertad y una experiencia más íntima y reflexiones personales sin límites, y dejó la fotografía de moda para dedicarse exclusivamente a sus proyectos.

Le encantaba la calidad pictórica de las Polaroids y su proceso, plena de emoción para descubrir su creación, viendo como cada imagen se desarrollaba en sus manos durante un minuto y medio después de la exposición.

En 2007 fue elegida por Photo District News como su principal opción para Emerging Photographers. En 2010 su colaboración con tras 3 fotógrafas 4Sale se mostró en Nueva York, Moscú y Poznan.

A principios de 2012 realizó una exposición bipersonal titulada Jack & Jill. Y posteriormente formó parte de la muestra 31 Women in Art Photography realizada en Hasted Kraeutler, Nueva York, comisariada por Natalia Sacasa y Jon Feinstein. A principios de 2013 expuso su proyecto Boys en una exposición individual en el Carlton Arms Hotel, Nueva York, comisariada por Jon Feinstein.

Su trabajo ha aparecido en el New York Magazine, la revista Time, W Magazine, Interview Magazine, la revista Vice, Libération Daily News, Artinfo, Hyperalleric, Modern Painters Daily y Paddle 8 entre otros. Su trabajo más reciente es Spider Monkeys.

 

 

 

Referencias

Miquel Arnal

Miquel Arnal es un fotógrafo catalán (nacido en Barcelona en 1960) que está considerado un referente de la fotografía publicitaria por su amplia trayectoria.

 

© Miquel Arnal

© Miquel Arnal

 

 

 

Biografía

Miquel Arnal empezó a trabajar a los 16 años en el campo de la fotografía como técnico de laboratorio, ayudante de fotógrafo y de realización. Desde 1981, en que abrió su propio estudio, trabaja para las mejores agencias de publicidad y  diseñadores de moda tanto en Madrid como en Barcelona.

Considerado uno de los referentes españoles tanto por su obra personal como por la comercial y por combinar todo tipo de técnicas que van desde el Polaroid, la camera 20×25, al collage o el video. Actualmente es director pedagógico y docente en la escuela IDEP en Barcelona además de dar seminarios , talleres y conferencias.

Desde 1984 ha desarrolla varios proyectos fotográficos centrados en el espacio y su utilización por parte del hombre. En él se inscriben sus series fotográficas Terra y Urbe. Terra se realizó en Mali y Burkina-Faso y retrata la fusión de la tierra con la construcción. Urbe es una reflexión sobre la arquitectura urbana inspirada en la proliferación de rascacielos semivacíos de la ciudad de Houston en los años 90.

Destacan igualmente sus trabajos de investigación sobre la evolución del cuerpo humano, protagonista de las series Animal y Sculpture, compuestas por imágenes en blanco y negro, evocando el trabajo de artistas clásicos como Rodin, Da Vinci o Giacometti.

Ha realizado campañas para Volkswagen, Nissan, Oysho, Coca-Cola, Jean Patou, Nike, Levis, Lacoste, Lois, Sarda, Dodotis, La Caixa y Banco Santander entre otras. Ha obtenido 13 premios Lux además de varios premios publicitarios.

Su obra fotográfica y videográfica ha sido expuesta en festivales como Foco Norte Santander, BAC, Bang Festival, Stampa entre otros. Ha colaborado con la ONU en el proyecto Agua de la Expo 2008 de Zaragoza o Aleppo Capital of Islamic Culture.

Además de su labor como fotógrafo imparte clases de master y postgrado en IDEP Abat Oliva.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Charles Gatewood

Charles Gatewood es un fotógrafo, escritor, camarógrafo, artista y educador estadounidense(nacido el 8 de noviembre de 1942 en Elgin, Illinois, vive y trabaja en San Francisco, California) cuya documentación realizada de la cultura alternativa en San Francisco es inigualable. Desde 1964, ha documentado temas tan diversos como la protesta social, la cultura alternativa, retratos de famosos, rock and roll, la modificación del cuerpo, y la zona de Wall Street en el bajo Manhattan.

 

Charles Gatewood

 

© Charles Gatewood

 

 

 

 

Biografía

Charles Gatewood era hijo de un viajante de comercio, por lo que en su infancia vivió en varias ciudades y estados.  En 1951, la familia se trasladó a Gatewood Springfield, Missouri, donde Charles estudió en J.P Study Jr. High y Parkview High School.

A principios de los 60 Gatewood asistió a la Universidad de Missouri, graduándose en Antropología. En 1964, cuando estaba terminando su primer año de estudios de postgrado, conoció a George W. Gardner, que junto con la mítica exposición The Family of Man del Museum of Modern Art, fueron los motivos que le impulsaron hacia la fotografía.

De 1964 a 1966 Gatewood vivió y trabajó en Estocolmo, Suecia. Se matriculó en la Universidad de Estocolmo para estudiar sociología y estar de aprendiz con un grupo de fotógrafos documentales. En 1965, después de viajar por Europa, Gatewood regresó a Suecia y encontró trabajo como técnico de cuarto oscuro para AB Text & Bilder, una agencia de noticias de Estocolmo. Por la noche, Gatewood aprovechaba su pase de prensa y el equipo sofisticado de la agencia para fotografiar conciertos de jazz y diversos eventos.

En abril de 1966, Gatewood fotografió la conferencia de prensa y un concierto del músico Bob Dylan. Una fotografía suya de Dylan con las gafas y fumando fue publicada por todo el mundo siendo su  primera venta y su primera imagen publicada. Esta foto le hizo pensar que podría llegar a a ser un fotógrafo profesional. A partir de ahí, y en esa época ya fotografió a celebridades como Martin Luther King, Ornette Coleman, Sonny Rollins, Joan Baez, Duke Ellington y Ella Fitzgerald.

En junio de 1966, Gatewood regresó a Estados Unidos, alquiló un apartamento en el Lower East Side de Manhattan, y encontró trabajo como asistente en el estudio de fotografía Jaffe-Smith en Greenwich Village. Diez meses más tarde, después de aprender las técnicas de fotografía de estudio y habilidades avanzadas del cuarto oscuro, Gatewood comenzó su carrera como fotógrafo independiente.

Los alquileres eran baratos y el mercado de la fotografía estaba en auge. Gatewood alquiló parte de un estudio de fotografía e hizo las fotos para  libros de texto, revistas, empresas de carteles y otros mercados editoriales. Desde 1970 hasta 1974 trabajó como fotógrafo en plantilla para el Manhattan Tribune. También hizo encargos para el New York Times, Rolling Stone, Harper’s, Business Week, Time y otras revistas.

En 1972 y 1976 consiguió becas del New York State Arts Council. En 1975 publicó su primer libro, Sidetripping, que fue muy elogiado. Su trabajo en esta época de Manhattan incluyó 12 visitas al Mardi Gras de Nueva Orleans, celebraciones del Orgullo Gay, y el movimiento artístico y musical de Manhattan. Entre las celebridades retratadas podemos citar a Andy Warhol, Allen Ginsberg, Sly Stone, Luis Buñuel, Bernardo Bertolucci, Ron Wood, Carlos Santana, Abbie Hoffman, Etta James, Gil Evans y Nelson Rockefeller.

De 1978 a 1987 Gatewood vivió cerca de Woodstock, Nueva York, y trabajó en Manhattan y otros lugares. Sus fotos de este período incluyen protestas sociales, festivales de rock, más Mardi Gras, modificación del cuerpo, ciclistas poscritos y fotos de naturaleza. Sus retratos incluyen a Larry Clark, Annie Sprinkle, Michael O’Donoghue, Ira Cohen, Quentin Crisp, y muchos otros.

En 1984, el New York State Arts Council le otorgó una beca para publicar fotografías de Wall Street, y el libro Wall Street recibió la Medalla Leica de Excelencia al Mejor Fotoperiodismo Humanista. En 1985, su película Dances Sacred and Profane, se estrenó en el Festival de Cine de Amberes y se proyectó en cines estadounidenses con una buena crítica.

En 1987 se fue al Pacífico, a San Francisco, California, donde ha vivido y trabajado desde entonces. De 1998 a 2010 fue fotógrafo para la revista Skin and Ink. Durante este período, Gatewood ha producido más de treinta videos documentales sobre la modificación del cuerpo, la moda fetiche, y otros temas alternativos. Temas recurrentes de esta época son Folsom Fair (15 veces), Dadafest (4 veces) y Burning Man (4 veces). También realizó una serie de estudios de desnudo durante este período.

Las celebridades que ha retratado en esta época de San Francisco incluyen Lawrence Ferlinghetti, Herb Oro, Charles Henri Ford, Carol Queen, Ron Turner, Ruth Bernardo, y muchos otros.

Su archivo contiene más de 10.000 copias impresas, 250.000 negativos y diapositivas, 35 videos documentales, además de la correspondencia, documentos personales, manuscritos, colecciones especiales, y mucho más.

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros

  • Discovery in Song, 1969
  • Sidetripping, 1975 y 2002
  • People In Focus 1977
  • X-1000, 1977
  • Publishing Ink: The Fine Art of Tattooing, 1979
  • How to Take Great Pictures with Your Simple Camera, 1982
  • Wall Street, 1984
  • Hellfire, 1987
  • Primitives, 1992 y 2002
  • Charles Gatewood Photographs, 1993
  • Forbidden Photograps 1995
  • Badlands, 1999
  • Messy Girls, 2003
  • Photography por Perverts, 2003
  • A Complete Unknown, 2009
  • Burroughs 23, 2011
  • Tattoo Special: Goliath Wallpaper of Fame 2011

Andrey Razoomovsky

Andrey Razoomovsky es un fotógrafo ruso cuyo trabajo se puede definir como erótico, elegante, bello. Imágenes simbólicas con una gran fuerza visual.

 

© Andrey Razoomovsky

© Andrey Razoomovsky

 

 

 

Biografía

Andrey Razoomovsky lleva lago más de 10 años en la fotografía y realizaba todo tipo de fotografía (macro, paisaje, bodegones, … ) hasta que finalmente vio que lo que le gustaba era el retrato, mantener un contacto con el asunto fotografiado, y ahora trabaja principalmente en modernos proyectos donde fotografía a bellas mujeres bastante ligeritas de ropa.

No tiene predilección por las cámaras y ha utilizado Phase One, Nikon Canon y ahora Sony. Lo realmente importante para él es la luz y utiliza tanto luz continua como flashes, dependiendo de las necesidades del proyecto en concreto. El proyecto que más fama le ha dado hasta el momento ha sido “Moloko” (Leche) y en él ha utilizado luz de flash.

Sus proyectos tienen un pre-proceso muy cuidado (a partir de unas sencillas notas iniciales, escribe un escenario, se montan los decorados, se colocan las luces, …) y también el post-proceso. Tiene un equipo de artistas, diseñadores gráficos y asistentes.

Andrey es un auténtico maestro de la fotografía y el arte visual. Sus muchos años de experiencia al más alto nivel profesional en Rusia y Europa del Este hacen de él un sabio en todos los procesos, técnicos y artísticos, que intervienen en un gran proyecto de fotografía e imagen. El pasado mes de julio dio algún taller en Valencia.

 

 

 

Referencias

Ryan McGinley

Ryan McGinley es un fotógrafo estadounidense (nacido el 17 de octubre de 1977 en Ramsey, New Jersey, vive en Nueva York) que se ha ganado un nombre a base de un trabajo de enorme originalidad, de calidad y de cierto descaro. Esos ingredientes le han valido no pocos logros, como el de ser hace unos años el artista más joven de la historia en tener una exposición individual en el Whitney Museum of American Art de Nueva York.

 

 

Roller Coley, 2007 © Ryan McGinley

Roller Coley, 2007 © Ryan McGinley

 

 

Mis fotografías son mi vida de fantasía.

Yo soy el jefe. Organizo el viaje, pago la gasolina, la comida y los hoteles. Escribo los cheques y cuando nos detienen por estar desnudos, soy yo quien levanta la mano y dice: ‘Esto es todo culpa mía’.

 

 

 

Biografía

Estudió Diseño Gráfico en la Parsons School of Design en Nueva York.

En 1999 envió a 100 editores y artistas que admiraba, un libro de 50 páginas con sus fotos. El libro se titulaba The Kids Are Alright (Los chicos están bien), hecho a mano, y consistía de fotos exuberantes y bacanales que retrataban a sus amigos de Nueva York, algunos de ellos también artistas como Dash Snow, Dan Colen y Hannah Liden.

A los 26 años se convirtió en el artista más joven en tener una exposición individual en el Museo Whitney de Nueva York.

Los íntimos retratos de artistas de graffiti, skaters y músicos (la mayoría sus amigos) revelan las subculturas de los jóvenes contemporáneos con una mirada honesta. Se lo ha comparado con Nan Goldin, Wolfgang Tillmans y Larry Clark (en cuyas fotos documentales sobre skaters sale el propio McGinley).

Para su último trabajo I Know Where the Summer Goes (Yo sé dónde va el verano) viajó por Estados Unidos con 16 modelos/amigos y tres asistentes, usando 4.000 carretes. De esas 150.000 fotos, 50 fueron seleccionadas para este trabajo, que se inspira en la fotografía amateur de revistas nudistas de los años 60.

McGinley hablaba con sus modelos sobre el ambiente que esperaba captar cada día. El itinerario fue planeado para tener una impresionante variedad de fondos naturales y actividades, en ocasiones utilizando fuegos artificiales y máquinas de humo.

La construcción artificial del proyecto permite también que los modelos sean capturados desprevenidos. El resultado son fotografías de jóvenes desnudos, jugando y viviendo en la naturaleza, inocentes pero eróticas, casuales y a la vez calculadas.

Sus fotos las realiza con película de 35 mm y suele usar una Yashica T4 (cámara pocket y automática) y una Leica R8. Tira normalmente en analógico, salvo en estudio, realiza realmente una gran cantidad de fotografías, entre 1.500 y 2.000 para cada retrato.

Su ensayo, Moonmilk sitúa los cuerpos en las cuevas más salvajes que ha sido capaz de encontrar. Lo hace además, con iluminación irreal y un encuadre en el que la atmósfera suele difuminar el protagonismo de los cuerpos desnudos, sumergido en un mundo fantástico e inquietante, creando atmósferas entre surrealistas y asfixiantes.

Pero no sólo retrata a sus amigos desnudos, entre el 2004 y el 2007 viajó a decenas de conciertos de Morrisey por los Estados Unidos, Reino Unido y México, las fotos resultantes las exhibió en la Team Gallery de Soho en 2007 bajo el título Irregular Regulars. Las fotos, densamente saturadas por las luces de los conciertos y el forzado de las películas y los primeros planos de sus fans enamorados, son una celebración del culto al éxtasis de la fama.

Y en su serie Everybody knows this is nowhere fotografía a sus amigos, también desnudos, pero en estudio en exquisito retratos en blanco y negro.

Su trabajo se ha presentado en colecciones públicas en el Museo Guggenheim de Nueva York, el San Francisco Museum of Modern Art y el The Whitney Museum of American Art en Nueva York. Por citar sus últimas exposiciones:

2012
Tomio Koyama Gallery, Tokio, Japón
Team Gallery, Nueva York, Animals
Team Gallery, Nueva York, Grids

2011
Alison Jacques Gallery, Londres, Wandering Coma
Galerie Gabriel Rolt, Ámsterdam, Somewhere Place.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Jayro Montesinos

Jayro Montesinos es un fotógrafo madrileño (nacido el 8 de junio de 1970 en Madrid) interesado en los retratos y desnudos masculinos, la fotografía erótica, con una obsesión por capturar el tiempo que se escapa. También realiza fotografía de moda.

 

 

© Jayro Montesinos

 

 

 

Biografía

Enrique Solano Montesinos estudió Ciencias Políticas en la Universidad Complutense de Madrid. En 1998 se graduó y viajó a San Francisco. A su vuelta a España realizó un master en Recursos Humanos y empezó a trabajar para diferentes empresas.

Siempre interesado en el arte contemporáneo siguió la fotografía, pintura y escultura contemporáneas muy de cerca. Realizó un curso de pintura creativa y empezó a trabajar como asistente de diversos fotógrafos y después empezó a publicar en diferentes revistas internacionales y españolas, como Zero Magazine, Interview, Coisas do Brasil,

En 2007 participó en la publicación del libro Black vol.5  en Sudáfrica, con otros cuatro fotógrafos. En 2010 realizó su exposición individual EROS en el THE VISIBLE FESTIVAL en Madrid, y en 2011 ETNIKO en DLRO LIVE. Otras exposiciones colectivas y colaboraciones en las que ha participado son en la Lesile Loman Gallery de Nueva York, Proyect Anonimart en PhotoEspaña, JustMadrid en MadridPhoto.

En 2012 ha realizado una portada para la revista NOIS con un artículo y 4 fotos, ha participado con 10 fotografías en septiembre en la galería eka & moore de Madrid, en una exposición colectiva de arte erótico, y en octubre en el Festival de Otoño de la galería Emma, con una mención especial por parte del jurado. En diciembre estará en el festival art bassel de Miami en la galería Hangar.

Participa en el grupo internacional Walking Galleria donde se reúnen artistas de diferentes ámbitos 1 día al mes y salen a la calle a enseñar sus obras en Madrid, Barcelona, Bilbao, Londres y San Paulo.

Para él, su fotografía es la forma de expresión artística, donde el rodaje es más importante que el retoque digital. Está interesado en la belleza como concepto y en otras culturas y en las gentes de otros países. Trata de reconvertirse desde la pintura y busca una nueva visión de la imaginación mezclando fotografía y pensamiento.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Harri Peccinotti

Harri Peccinotti es un fotógrafo inglés (nacido en Londres en 1935, vive en París) que contribuyó de forma importante a la fotografía sensual y erótica, siendo el primero en capturar con la cámara la sexualidad de las actividades cotidianas: vistas sugerentes de chicas chupando helados, primeros planos de culos en asientos de bicicleta, y chicas en bikini en las playas de California, tomadas mayoritariamente con lentes de largo alcance.

 

© Harri Peccinotti

© Harri Peccinotti

 

 

 

Biografía

A los 14 años abandonó los estudios para dedicarse a diseñar portadas de discos de jazz para el sello Esquire Records. No era ésta su única relación con la música pues llegó a tener un cierto nivel como músico tocando el trombón bajo.

En los años 50 empezó a trabajar como fotógrafo publicitario y, más tarde, como director artístico de revistas como Flair, Rolling Stone, Vogue y Vanity Fair.

Ahora bien, a Peccinotti probablemente se le recordará siempre como el cerebro detrás de Nova, la revista inglesa nacida en 1965 que marcó nuevos estándares tanto en el apartado gráfico como en el referente a contenido periodístico, integrando nuevas ideas tomadas de la subcultura psicodélica y de la prensa underground de la época.

Dejó sus labores de dirección artística para dedicarse más intensamente a la fotografía. En 1968, tras cumplir con un encargo en Vietnam, Harri fotografió el ya legendario calendario Pirelli que emparejaba poemas de amor con interpretaciones fotográficas de los versos, presentando a seductoras mujeres en la isla tunecina de Djerba, muy lejos del concepto pin-up. A Pirelli le gustó y le invitaron a hacer otro calendario el año siguiente. En él, Harri elevó el nivel erótico presentando a chicas californianas que no eran modelos en distintos estados de desnudez.

Las más recientes empresas de Harri se han centrado en el reportaje etnográfico, la realización de películas y la publicación de libros recopilatorios de su trabajo.

Peccinotti continúa con su trabajo en las revistas Vogue Francia, Vogue Rusia, Gloss, Vitae Delciae y 10 Magazine trabajando con editores de moda como Charlotte Stockdale y Winte Antje y ha recibido diversos premios en Inglaterra y Estados Unidos por su dirección artística y su fotografía. Es asesor de fotografía del semanario francés Le Nouvel Observateur.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Stefan Gesell

Stefan Gesell es un fotógrafo alemán (nacido en 1959 en Markschorgast, reside en Múnich) que ha sido galardonado en varias ocasiones en diversos concursos internacionales de fotografía por sus impactantes imágenes, en las que construye un particular universo de cómic y ciencia ficción, influido por su pasado como diseñador gráfico.

 

 

Iro © Stefan Gesell

Iro © Stefan Gesell

 

Lo que me interesa en una foto es el efecto que produce, cómo consigo eso es secundario para mí.

 

 

Biografía

A partir de 2003 se dedicó por completo a la fotografía, y lo que realmente le atrae de ésta es el descubrimiento de las tecnologías digitales y la posibilidad de retocar imágenes con ellas, y, es en este campo donde realmente consigue sus mejores obras.

Sin embargo el trabajo de Stefan no se limita simplemente a la labor digital; el escenario, la decoración y la ambientación donde se realizará la fotografía son para él la parte principal, por lo que puede tardar una o dos semanas en realizar las tomas.

Mucha de la fotografía de Stefan Gesell tiene un aire de ciencia ficción donde el erotismo es una pieza destacable. Es además un amante del comic, y en especial del erotismo de las heroínas, por lo que suele usar la ilustración o el dibujo para inspirarse en sus trabajos. H.R.Giger y su trilogía de Alien es una de sus influencias, aunque se declara fan de Helmut Newton, Jan Saudek, Helnwein y Herb Ritts.

Sin embargo también tiene una amplia gama de fotografías sin apenas retoque donde deja constancia de su calidad y técnica, controlando la iluminación, la decoración y el estilismo.

Ha sido galardonado en varias ocasiones en diversos concursos internacionales de fotografía, como en el Supercircuit.

 

Referencias

 

 

Libros

Christian Martin Weiss

Christian Martin Weiss es un fotógrafo, ilustrador y diseñador gráfico alemán (vive y trabaja en Múnich) cuya fotografía trata diversos temas como el retrato, moda, celebridades, gente de la música, la propiamente dicha fotografía artística o el desnudo.

 

(c) Christian Martin Weiss

 

 

Biografía

Christian Martin Weiss combina la fotografía tradicional y la digital. Su trabajo es oscuro y profundo, sobre todo en su fotografía más artística, donde sus composiciones se mueven entre el horror y el romanticismo, dejando por el camino un erotismo a veces dulce y a veces agresivo en su extensa colección de desnudos.

 

 

Referencias